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martes, 19 de noviembre de 2019

ÚLTIM CAVALL - "Alaska" (Discos de Kirlian, 19)

ÚLTIM CAVALL son en la actualidad Rafa Monzó (guitarras y voz), Francesc Pascual (batería), Jacob Serra (guitarras) y Toni Jordán (bajo). Alaska (Discos de Kirlian, 19) es su segundo álbum después del estupendo Records de Kyoto (2017) y tercer trabajo contando su no menos brillante EP debut Últim Cavall (2015). 

Ya nos habían conquistado pero con Alaska van un paso más allá, erigiéndose definitivamente o al menos así debería ser, como referentes destacados dentro del panorama dream-pop shoegaze estatal.

Alaska empieza muy al modo post-punk melódico, rozando el new-wave. Con dos cortes que, por sonoridad, parecen primos hermanos. Desde el minuto 0 se nota que el peso de los sintes ha aumentado respecto a sus anteriores referencias, acrecentado el halo luminoso omnipresente en todo el álbum.

Tanto en "Els llacs" como en "Incendi" (clip insertado al final del post), se crea una hermandad guitarra/sinte tan indesoluble como efectiva, generando un inicio de trabajo incontestable. En el segundo corte además los teclados adquieren tal nivel ensoñador que pueden provocar adicción sin retorno, aviso a navegantes.

Con "Tornar a casa" regresa, nunca mejor dicho, la seña de identidad dream-pop de los barceloneses. Una preciosidad de medio tiempo, nostálgico, con un desarrollo que hará que durante su escucha no se pueda borrar medio sonrisa de complacencia de tu cara.

Foto de Cristina Casas.











"Tard", con unas guitarras magnéticas que son puro nervio y a la vez puro regocijo, conformando el corte más extenso del metraje y a la vez uno de los más adictivos. Para llegar al tema titular justo en su ecuador, buen momento para disfrutar de la esquisitez de sus notas. En "Alaska" topamos con un duelo fratricida entre la calidez de su sonido y el gélido entorno por el que transcurre.

martes, 12 de noviembre de 2019

PRESUMIDO - "Cuatro Estaciones" (autoeditado, 19)

Definitivamente 2019 es el "Año PRESUMIDO". El dúo gallego formado por Tarci Ávila y Nacho Dafonte ha ido lanzando EP's y singles a modo de porciones de una pizza sonora digna de ser degustada en una trattoria delicatessen. Ahora lo contienen en Cuatro Estaciones (2019), uno de los discos estatales más jugosos, me atrevo a afirmar como mínimo, de la presente década.

Como el álbum se ordena al igual que la aparición de sus "porciones", voy a darle un repaso siguiendo la misma cronología estacional.

La aventura la arrancó el EP Invierno con "El Rey Azotado", "La Ley del Hielo" y "Amapola Desnuda". PRESUMIDO con este tridente de cortes daban muestras de su evolución tras el estupendo Vendetta (2017). Mostrándose aún más intrépidos a través de sonidos más cosmopolitas e inyectando poso diferencial a su propuesta electro-pop

"El Rey Azotado" o un coctel explosivo de masoquismo, azotes y cicatrices condimentado con bases percutoras, ritmos marciales y versos adictivos. "La Ley del Hielo" en psicología es el conjunto de comportamientos que tienen por objetivo ignorar al otro. Pues bien, PRESUMIDO nos regalan cuatro hipnóticos minutos que, sentimos el spoiler, hacia el mínuto 2:30'' derivan hacia el trance más suculento. 

Completando el primer EP "Amapola Desnuda", lánguida en su estrofa pero tremendamente arrolladora en su estribillo, con un marcado poso agridulce marca de la casa.

Luego vendría Primavera incluyendo "Lágrimas de belladona", "A la guillotina el miedo" y "Más duro que tu cara". Tres canciones que siguen mostrando el progreso imparable de la banda, sobretodo a nivel de producción, más internacional y sofisticado. 

PRESUMIDO arrancan el EP al modo francotirador experto disparando certeros a tu retentiva con "Lágrimas de Belladona". Un inmediato electro-pop que se adhiere irremediablemente a tus tímpanos. No podrás dejar de corear su estribillo, su efecto no sabemos cuanto dura pero se presume, nunca mejor dicho, que va para largo.


"A la guillotina el miedo" se convirtió de inmediato en uno de mis temas favoritos de la banda. Elegante, abrumador, con unas notas de sintes intermitentes que recuerdan a la típica intro emitida por los altavoces de una estación mientras esperas que te informen del andén donde subirte. Quizás lo hagas a un tren que pueda llevarte a superar barreras que tenías hasta el momento infranqueables, si hacemos caso a su lapidario título. La lírica como guinda a tal maravilla: <<Y aunque el cuerpo ya esté frío, tu recuerdo al rojo vivo les quemó / Dos mil mariposas ahora brotan desde tu mentón hirviendo. Ahora el cauce de tu sangre llena huecos en su corazón vacío / Siente alivio mata el miedo, ¡A la guillotina el miedo!>>.

lunes, 4 de noviembre de 2019

FERRAN PALAU - "Kevin" (Hidden Track Records, 19)

FERRAN PALAU sigue con su cuarto álbum en solitario Kevin (Hidden Track Records, 19) la línea melódica y estilística de su espléndido Blanc (Halley Records, 18). De hecho el presente trabajo ya lo tenía prácticamente terminado antes incluso de publicar el anterior.

El co-líder de ANÍMIC confirma el abandono del poso folk de sus dos primeros álbumes para decantarse definitivamente hacia sonoridades más cercanas al neo-soul.

Kevin arranca con dos canciones para enmarcar: "Univers" (primer avance y videoclip insertado al final del post) y el corte titular. La primera; una declaración de amor en mayúsculas a través de sus delicadas notas articuladas por una sugerente base hip-hopera, protagonista en gran parte de los 27 minutos del conjunto. La segunda, que de tan dulce es directamente repostería gourmet, a medio camino entre la bossa-nova y el ambient más intimista. 

Claro, con un arranque tan sugestivo a ver como uno mantiene el nivel. FERRAN PALAU lo consigue con la gorra, quizás con la que nos tiene acostumbrados a verle puesta en estos últimos tiempos. Excelentes complementos como la plácida y preciosista "Estrany"; el agridulce y nostálgico vals bajado de revoluciones "Amén"; y las trip-hoperas "Què serà de mi?" y "Una llum".

Llegamos a "Flora", para mi el secreto mejor guardado de Kevin. Una auténtica maravilla, aquí FERRAN PALAU más que cantar rapea, creando un evocador e hipnótico entorno en el que seguro nos quedaríamos habitando por tiempo indefinido.

martes, 22 de octubre de 2019

LA BIEN QUERIDA - "Brujería" (Elefant Records, 19)

"Protege al corazón contra los venenos, protege al cerebro de los malos encantamientos, protege contra las mordeduras de serpiente. Calma la cólera, da valor, fortaleza, atrae la bondad". 

Con un "Hechizo Protector" arranca Brujería (Elefant Records, 19), sexto álbum en la carrera de Ana Fernández-Villaverde, LA BIEN QUERIDA. Una intro que pretende preservarte de los efectos nocivos del sortilegio del enamoramiento, misión altamente complicada.

Con la balada "La Verdad" Ana nos sitúa ya de entrada el listón emotivo a niveles olímpicos. Un desarrollo estrofa+estribillo tradicional multiplicando en la segunda entrada su efecto ensoñador, convirtiéndose de inmediato en otro clásico en el haber de LA BIEN QUERIDA. 

"Te Quiero" sigue ahondando en el lado más conmovedor dentro de las composiciones de Ana, bueno, de hecho estamos ante su álbum más enfocado si cabe en ese sentido, sosegado y melancólico. Una declaración de AMOR, así, en mayúsculas, sin filtro. Con una base tanto rítmica como lírica que nos recuerda inevitablemente al "Muero de Amor" del extraordinario Premeditación, Nocturnidad y Alevosía (Elefant Records 2015).

"Déjame Entrar", con la colaboración de David Rodríguez (LA ESTRELLA DE DAVID), y un deje fronterizo a lo BSO de western como lienzo para pintar una súplica desgarradora, a la desesperada. Otra maravilla de la bilbaína.

Cambiamos completamente de registro musical con "¿Qué?", la única invitación al baile del álbum, con una base a lo "Blue Monday" (NEW ORDER) y la colaboración de Diego Ibáñez (CAROLINA DURANTE). Es un espejismo, con "Miedo" volvemos a terrenos más de índole lánguido aunque esta vez con un progreso increscendo. Rondando el minuto dos la caja de ritmos le va inyectando punch por lo bajini, para explotar al minuto y medio después, completando otro de los momentos cumbres del trabajo.

Foto de Alfredo Arias

"Me Envenenas" es rabia, es placer, es dolor... el lado más destructivo e intenso del amor, sin concesión, enérgica e inquietante. Menos mal que llega "Nubes Negras" para apaciguar los ánimos. Al menos rítmicamente, porque en lo que refiere a su sustancia, ésta no puede ser más desoladora. El estribillo resulta revelador: "...y si no puede ser, y si no puede ser, ayúdame, ayúdame a olvidarte".

lunes, 7 de octubre de 2019

LEÓN BENAVENTE - "Vamos a volvernos locos" (Warner Music Spain, 19)

Había una vez un asturiano a la guitarra eléctrica (Luis Rodríguez), un gallego como voz y a los sintes (Abraham Boba), un murciano a la batería (César Verdú) y un aragonés al bajo (Eduardo Baos). Ni es el comienzo de un cuento ni de un chiste, es la alineación de una de las bandas más tremendas del panorama estatal actual. En marcha desde el 2012, con dos EP's y tres álbumes de estudio, LEÓN BENAVENTE confirman su estado de gracia con Vamos a volvernos locos (Warner Music Spain, 19).

Con un arranque de trabajo como "Cuatro monos" poca duda cabe que lo que viene se presenta enorme. Seis minutos incontestables, un tempo increscendo; con una primera parte delicada, fraguando la inminente erupción del volcán. A partir de su ecuador rebosa toda la lava de contundencia de la banda, con el repertorio kraut psicodélico que nos tiene acostumados cuando se nos desmelena. Una canción que serviría perfectamente como carta de presentación para quien no los hubiera escuchado hasta la fecha, tanto musicalmente como por su lírica.

El medio tiempo turbador "Amo" cuenta con la colaboración de Eva Amaral en su marcial estribillo. Poso hip-hopero, rotundos acordes guitarreros y ciertos aires orientales revoloteando por ahí. Le sigue "No hay miedo", la primera propuesta del trabajo que hará que te contornees. No podrás dejar de corear la frase titular en su estribillo, pide a gritos ser bailada en concierto.

El que fuera primer avance del disco "Como la piedra que flota" (clip al final del post) junto a María Arnal, conteniendo entre su letra la frase con que se da título al mismo. Inquietante y arrebatadora, con un desarrollo sinuoso, propio de las relaciones sentimentales a las que refiere.

A "La canción del daño" hay que darle de comer aparte. Maravillosa y agridulce como ella sola. Hacia el minuto 3:30" parece que vaya culminando hacia el desboque aunque en una finta inesperada vuelva a recuperar su aparente languidez. No sabía decir si reconforta o remueve, quizás ambas.

Cuando LEÓN BENAVENTE sueltan al crápula que llevan dentro es inevitable, pasa lo que pasa y "Ayer salí" es su crónica, con efectos secundarios incluidos. Otra bestia de corte que en directo mostrará sin filtro todo su salvajismo.

El lado más amable del grupo sale a relucir en "Mano de santo". Miren Iza pone la guinda a los coros de un tema con bases percutoras y resultado final más que reparador. No podía ser de otra manera teniendo en cuenta su título. En cambio "Disparando a los caballos" es puro salvajismo, volviendo al símil con su nombre, corceles totalmente desbocados. La caja de ritmos se funde con una contundente batería a modo de combustible para un corte brutal.

lunes, 23 de septiembre de 2019

THOM YORKE - "Anima" (XL Recordings, 19)

Tras la publicación en solitario de los tibios The Eraser (2006), Tomorrow’s Modern Boxes (2014) y la reciente B.S.O. para le peli Suspiria (2018), THOM YORKE lanza Anima (XL Recordings, 19). Con la colaboración del productor Nigel Godrich, el álbum se erige majestuoso como la obra cumbre de su carrera en solitario. Un trabajo tan depresivo, oscuro e inquietante como cautivador, hiptónico y adictivo.

Como siempre el líder de RADIOHEAD se ha envuelto del aire de misterio e innovación que le viene intrínseco de fábrica. Para el anuncio de su presente disco se sirvió de una campaña publicitaria a través de la empresa ficticia Anima Technologies y un número de teléfono que respondía con el comunicado de un boicot a la misma por parte de las autoridades pertinentes.

El "Anima" según el psicoanalista suizo Carl Gustav Jung es, sintetizando, algo así como el aspecto femenino interno del hombre. No acabamos de pillarle la conexión con el concepto del álbum, al menos de primeras, más bien lo relacionaríamos estrechamente con el término en catalán "Ànima", "Alma" en castellano. Porque de "Alma" este trabajo viene sobrado, con una lírica pesimista bordeando lo apocalíptico, vestida de electrónica minimalista; dominando las texturas ambient, drum'n'bass y trance

THOM YORKE donde en sus anteriores trabajos se dispersaba entre loops interminables y machacones esta vez aprovecha el transcurso de cada corte hasta su último aliento, sorprendiendo, transformando y enriqueciendo la escucha.

Desde el arranque con el arrebatador y bailable "Traffic", vemos que tenemos algo grande entre manos. Envolventes cajas de ritmos emulando ritmos marciales, fusionándose con otros de naturaleza más orgánica, incluso sensual, pura magia. Con "Last I Heard (... He was circling the Drain)" sigue hipnotizando al personal con un loop armonioso de base copado por densas tramas y el falsete omnipresente del británico, junto a unos místicos sintes a modo de guinda. 


Bueno, bueno, llega "Twist" y con ella la vuelta de sensaciones abocadas al baile o al menos al meneito involuntario de algún que otro músculo de tu cuerpo, no podrás resistirte. Siete minutos con una primera mitad de drum'n'bass narcótico derivando inesperadamente a terrenos ambient, consiguiendo que levites del gusto.   

"Dawn Chorus" es la emotividad al cuadrado. Solo cuatro acordes de sintes, suficiente para engendrar una atmósfera tan minimalista como brutalmente bella. Después de tanta emoción llega la canción más disonante del conjunto "I Am a Very Rude Person", con un groove sutilmente funk que nos sirve para rebajar los niveles reinantes de intensidad y sensibilidad.

lunes, 2 de septiembre de 2019

MENUT - "Terra d'argila" (Discmedi, 19)

Las Tierras del Ebro (Terres de l'Ebre) es el territorio sureño catalán formado por las comarcas del Bajo Ebro, el Montsiá, la Tierra Alta y la Ribera del Ebro. Todas ellas con un evidente denominador común tal como reza su nombre, compartir el tramo final del río Ebro. Ese cauce fluvial otorga a esta zona una gran riqueza paisajística y cultural. Fruto de esta idiosincrasia y su folclore nace MENUT, proyecto liderado por Carles Blanch, cantautor y guitarrista de Mora la Nova (Ribera d'Ebre).

Imagínate que el músico estadounidense Sufjan Stevens se ha perdido una temporada por esas tierras, empapándose de sus usos y costumbres; navegando por el Ebro, catando sus esquisiteces culinarias y sumergiéndose en su folclore. Luego, de regreso a Michigan, recopila esas vivencias en un álbum llamándolo Terra d'argila (Discmedi, 19).

El folk autóctono son los cimientos del álbum debut del músico catalán, pero Carles va mucho más allá, fusionándolo con influencias de música de autor americana e incluso incorporando pinceladas de vaporosa electrónica. 

Terra d'argila tiene un instrumento como gran protagonista, el "guitarró", del cual Carles es un auténtico erudito. De tamaño más pequeño que la guitarra y aspecto similar al ukelele, aunque con un mástil mayor y una cuerda más, cinco en total. 

Durante la escucha te toparás con las montañas y parajes bucólicos regados por el omnipresente Ebro; sus gentes y fiestas; los recuerdos de la infancia y juventud del artista; una latente melancolía junto a cierto aire contestatario asomando la cabeza en alguno de los tramos de su recorrido.



"Seguint Riberes" (clip al final del post) se erige como un maravilloso arranque de trabajo; junto con el corte que da título al álbum, "Al Canalet" y el cierre "Espurnes", cuatro canciones que si fueran publicadas por el anteriormente mencionado Sufjan, seguro tendrían su merecida repercusión global. Delicada belleza y emotividad a flor de piel.

martes, 27 de agosto de 2019

EL PETIT DE CAL ERIL - “Energia fosca” (Bankrobber, 19)

Energia fosca (Bankrobber, 19) es el séptimo trabajo de EL PETIT DE CAL ERIL, banda capitaneada por Joan Pons. Tercer lanzamiento en los últimos cuatro años, muestra  palpable de la hiperactividad del músico de Guissona (Lleida).

Tras publicar un álbum tan redondo como "(Bankrobber, 18), en contraposición a la figura geométrica de su título 😉, Joan sigue en el presente mostrándose insistente a la hora de componer discos espléndidos.

Tratando de responder las preguntas acerca del origen, la evolución y el destino del universo, los estudiosos determinaron que hay una energía presente en el espacio que produce tal presión que tiende a acelerar la expansión del universo, denominándola energía oscura. Como ya nos deja entrever el título del trabajo, EL PETIT DE CAL ERIL no solo sigue regalándonos ambientes oníricos, sino que profundiza aún más si cabe en la esencia atmosférica de su propuesta.

"Ets una idea" abre dulcemente el álbum, con una sonoridad limpia y exquisita (norma general en el trabajo), como queriendo aplacar la avalancha de interrogantes expuestos durante su desarrollo. Concluye con una posible resolución al ramillete de dilemas, tan sorprendente como evidente. Seguimos gravitando con "Pols" y sus sintes arrebatadores ya de inicio, con una sección rítmica cadenciosa inyectando un sorprendente groove al empaque.

"Sento" cierra el primer tridente de cortes de Energia fosca elevándonos del gusto hacia el firmamento, literalmente, emulando lo que acontece en su videoclip (insertado al final del post), perdón por el spoiler. Acompañando a su lírica reflexiva el estribillo instrumental a los sintes es una delicia absoluta. Un divino y sutil riff guitarrero va asomando la cabeza cuando le viene en gana hasta que llega el remate final con unos últimos 40" que son la guinda para otra perla del leridano.







"El sentit de les coses", con esos recovecos que tienen como guía un balsámico bajo que se erige como gran protagonista. De hecho este instrumento adquiere en la obra de EL PETIT DE CAL ERIL una marcada visibilidad, poco común por lo general en el mundillo.

La lánguida "Sents el sol", convirtiéndose en el corte más electrónico del trabajo, mostrando claramente el apego del artista hacia los sintes, acentuado en estos últimos años.

Unos reconfortantes acordes guitarreros junto a celestiales notas de teclados arrancan "Jo sóc una ombra". El intro instrumental se metarmofosea en estribillo, abrazando una ensoñadora estrofa en uno de los cortes más mágicos del trabajo.

lunes, 8 de julio de 2019

ARISTA FIERA - "Mi Defensa Personal" (EP El Genio Equivocado, 19)

ARISTA FIERA, reciente fichaje del sello barcelonés El Genio Equivocado, publica segundo trabajo con el EP Mi Defensa Personal (2019). El quinteto malagueño alcanza inusitada madurez a los 5 años de su nacimiento, con quince minutos que son todo chicha gourmet.
  
Inicio sorprendente con la concisa intro de corte new-age "El vacío". Bellas notas al piano con un halo inquietante que dan paso al dream-pop monumental de "Me da igual". Lírica amarga vestida con una languidez sonora rematadamente melódica y conmovedora. 

Llega "Melo" (videoclip al final del post) y con ella la deriva sorprendente hacia un pop enérgico, luminoso, que de tan brillante ciega. Le sigue "Lo consigo", continuando en zona pop aunque con las guitarras delatando el apego hacia el shogaze del quinteto malagueño.

Cerrando Mi defensa personal el tema titular, con sintes categóricos y guitarras afiladas, explotando en un estribillo instrumental que abraza una letra tan escueta como directa. Como ellos mismos vaya, van al grano, lanzados hacia donde quieran llegar, de argumentos van sobrados.




























Comprueba el poderío de ARISTA FIERA y Mi Defensa Personal >





viernes, 28 de junio de 2019

MORRISSEY - "California Son" (Etienne / BMG, 19)

Coincidiendo con la celebración de su sesenta cumpleaños, el bueno de MORRISSEY ha publicado el álbum de versiones California Son (Etienne, 19). Un álbum de covers al estilo del de Manchester: sorpresivo y alejado de la condescendencia. De por si el que lanzara un trabajo de esta naturaleza ya ha sido del todo inesperado, aunque a finales del año pasado algo se adivinara tras el espléndido homenaje a The Pretenders que se marcara con el single Back on the chain gang. Éste acompañó el lanzamiento de una  nueva edición de lujo del vinilo de su anterior álbum, el notable Low in High School (BMG, 17).

California Son está formado por 12 versiones y producido por Joe Chiccarelli, con colaboraciones destacadas como las de Billie Joe Armstrong (Green Day), Ed Droste (Grizzly Bear), Ariel Engle (Broken Social Scene), Sameer Gadhia (Young the Giant), LP (Laura Pergolizzi), Lydia Nigh (The Regrettes) y Petra Haden.

"Morning starship" (Jobriath) arranca el trabajo con una espléndida versión del resultón corte del malogrado Bruce Wayne Campbell, artista coetáneo de Bowie y una de las primeras víctimas conocidas del SIDA con cierto renombre. Chiccarelli añade electrónica, acentúa el efecto de la batería, inyecta reverberación por un tubo... en definitiva, lo deriva hacia la épica.

En "Don't interrupt the sorrow" (Joni Mitchell) seguimos añadiendo efectos electrónicos mientras la melodía instrumental suena más limpia que la original y Moz, ante lo que en principio sería una dificultad para su lucimiento, se crece y lo borda. El saxo pone la guinda a un medio tiempo tan lánguido como maravilloso.

"Only a pawn in their game" (Bob Dylan) junto a "Days of decision" (Phil Ochs) son las canciones protesta oficiales del conjunto. Entramos en terrenos folk, la primera escrita por Dylan sobre el asesinato del activista por los derechos civiles Medgar Evers en junio de 1963. La segunda por el cantante periodista, como el mismo se autodenominaba, Phil Ochs. En ambos casos las versiones son fieles a las originales, aunque en el primer caso se le inyecte contundencia y en el segundo cierto empaque melódico.



"Suffer the little children" (Buffy Sainte Marie) es una de las revisiones más sorprendentes del conjunto. Ese folk original muta a una especie de gospel con base swing, toda una experiencia sonora.

Con "It's over" (Roy Orbison) MORRISSEY lo tenía crudo al enfrentarse con el reto de versionar una canción de una voz tan grande como la de The Big O. Sale airoso del envite, además contando con la colaboración de la artista LP, ambos interpretando un corte con excelente resultado.

En "Wedding bell blues" se versiona al cuadrado ya que; aunque original fuera de Laura Nyro, en esta se coge como referencia la más soulera que le dedicaran los The Fifth Dimension en 1969 y que finalmente tuviera mucho más éxito que la primera. La presencia de Billie Joe Armstrong (Green Day) a los coros completa un tema delicioso.

"Loneliness remembers what happiness forgets" (Dionne Warwick), otro bombón, respetando meticulosamente la esencia de su antecesora, al igual que "Lady Willpower" (Gary Puckett & the Union Gap). En el segundo caso se refuerzan los vientos insuflando, nunca mejor dicho, majestuosidad al corte.

lunes, 10 de junio de 2019

MISHIMA - "Ara i aquí" (The Rest is Silence, 19)

MISHIMA celebran sus veinte años de carrera de la mejor manera, mostrando el imponente directo que se gastan en formato CD + DVD con Ara i aquí (The Rest is Silence, 19).

David Carabén (voces, acústica), Marc Lloret (teclados), Dani Vega (guitarra), Xavi Caparrós (bajo), Alfons Serra (batería) grabaron el álbum durante los conciertos de Navidad que ofrecieron en la sala Apolo de Barcelona los días 20 y 22 de diciembre del pasado año.

La verdad es que cuando escuchas Ara i aquí no puedes más que reafirmarte en la convicción de que estás ante una de las bandas más punteras del panorama musical estatal de lo que llevamos de siglo XXI. Es posible que el hecho de que sea el catalán el idioma de expresión no ayude a expandir y masificar su propuesta fuera del ámbito territorial propio de la lengua, lo cual siempre ocasionará lecturas contrapuestas. Lo que es incuestionable es que los afortunados receptores de su sonido y lírica sólo nos podemos sentir unos privilegiados. Desde estas líneas invitamos a quién aún no haya experimentado el poderío emocional de la música de MISHIMA que se deje llevar por su influjo, sin más. 

En Ara i aquí compruebas como temas de su repertorio que, todo y siendo himnos son la antítesis de la euforia, en directo se convierten en verdaderas liturgias comunitarias. Ejemplos claros son "Cert clar i breu", "Menteix la primavera", "Guspira, estel o carícia", "Els vespres verds", "Qui n'ha begut", o "Un tros de fang".

Otros cortes que inicialmente se presumen más dados al entusiasmo y que durante el concierto multiplican su intensidad provocando cotas de éxtasis colectivo como "Tot torna a començar", "Els crits", "La tarda esclata", "L'última ressaca", "Qui més estima", "L'olor de la nit" o "Miquel a l'accés 14".

Foto de Xavi Torrent

Mención aparte la sorprendente fusión entre "Tornaràs a tremolar" y "La forma de un sentit" (clip incorporado al final del post"), uno de los momentos cumbres del concierto.

"Una sola manera" y "L'olor de la nit", las más extensas, sirven además para acentuar el lucimiento solista de los musicazos integrantes de la banda catalana.

lunes, 3 de junio de 2019

PRESUMIDO - "Primavera" (EP autoeditado, 19) 🌼

Ya tenemos emplatada la segunda porción de esta pizza sonora que es el proyecto Cuatro Estaciones del dúo PRESUMIDO. 

Primavera (EP autoeditado, 19) incluye: "Lágrimas de belladona", "A la guillotina el miedo" y "Más duro que tu cara". Tres canciones que siguen mostrando la evolución imparable de la banda, sobretodo a nivel de producción, con un sonido cada vez más internacional y sofisticado. Todo y con eso recordamos que con su álbum debut Vendetta (2017) ya dieron un buen puñetazo encima de la mesa del panorama musical patrio.

Los gallegos arrancan al modo francotirador experto disparando certeros a tu retentiva con "Lágrimas de belladona". Un inmediato electro-pop que se adhiere irremediablemente a tus tímpanos. No podrás dejar de corear su estribillo, su efecto no sabemos cuanto dura pero se presume, nunca mejor dicho, que la cosa va para largo.

"A la guillotina el miedo" (videoclip al final del post) fue su primer avance y uno de nuestros temas favoritos de la banda. Elegante, abrumador, con unas notas de sintes intermitentes que recuerdan a la típica intro emitida por los altavoces de una estación mientras esperas que te informen del andén donde subirte. Quizás lo hagas a un tren que pueda llevarte a superar barreras que tenías hasta el momento infranqueables, si hacemos caso a su lapidario título. La lírica como guinda a tal maravilla: <<Y aunque el cuerpo ya esté frío, tu recuerdo al rojo vivo les quemó / Dos mil mariposas ahora brotan desde tu mentón hirviendo. Ahora el cauce de tu sangre llena huecos en su corazón vacío / Siente alivio mata el miedo, ¡A la guillotina el miedo!>>.




PRESUMIDO muestran sin tapujos sus influencias y entre ellas vemos una que sobresale en la intensa "Más duro que tu cara", la del DJ alemán Apparat. Un techno-pop inmediato sobre base ambient, entre inquietante y cautivadora, conformando un corte incontestable.

martes, 28 de mayo de 2019

JOAN VILLALONGA - "Una noche en Shinjuku" (Ànima Records, 19)

El coqueto pop de su trabajo anterior, el EP Un día en Aberdeen (Flor y Nata Records, 17), muta aquí en texturas folk altamente sugestivas. Una noche en Shinjuku (Ànima Records, 19) es el nuevo trabajo de JOAN VILLALONGA y es una fiesta para tus sentidos. 

Desde que lanzara su carrera en solitario la inspiración a la hora de componer del castellonense surge principalmente de vivencias recopiladas en sus viajes. Esta vez le toca el turno al distrito de Shinjuku de la capital nipona.

"Irreal" abre el trabajo con un regio folk y cierto halo contestatario. El cambio de rumbo mostrado hacia el minuto 3' le inyecta tanto inquietud como hechizo. Seguimos en modo fascinado con "Lluvia", enorme, tanto por su duración (7 min.) como por la emotividad que transmite. Etérea, ingrávida, con una guitarra que parece vaya acariciando las gotas de una precipitación que es gloria bendita.

Nos adentramos en el folclore autóctono con el tema titular. Su escucha hará que percibas el aroma del rebozado de un Manchikatsu de ternera mientras deambulas por las calles de este barrio de Tokio.

El delicioso medio tiempo "Sonrisas forzadas" (videoclip a pie de post) es uno de los cortes más inmediatos del conjunto, con un formato, tanto de estructura como de tiempo, más cercado al pop. Sutiles palmas acompañan el estribillo desembocando en unos coros que en su última tentativa bordean la épica.


"Algo extraño" inicia la serie de colaboraciones vocales de Una noche en Shinjuku con Félix Gimeno (Sánchez). Una especie de bolero, entre seductor y turbador, con un saxo en su ocaso edulcorando su halo inquietante.

lunes, 20 de mayo de 2019

MIQUI PUIG & ACP - "15 Canciones de amor, barro y motocicletas" (El Segell del Primavera / Universal Music Spain, 19)

15 Canciones de amor, barro y motocicletas (El Segell del Primavera / Universal Music Spain, 19) es el nuevo álbum de MIQUI PUIG, acompañado de su banda desde el 2013 Asociación Cicloturista PuigAssociazione Ciclistica Popolare o ACP a secas, según convenga.

Tras publicar el espléndido Escuela de Capataces (LAV Records/Buenritmo, 17) y acumulando treinta años de carrera musical, podemos afirmar que 2019 ha sido el año elegido para ver la luz la obra cumbre de MIQUI PUIG. El título es un spoiler en toda regla y un muestrario vital de Miqui sintetizado en una frase.

15 Canciones de amor, barro y motocicletas es rítmicamente un álbum para bailar, donde el pop dominante se hermana con el funk, el soul, e incluso en algún que otro compás con la música disco. 

Un álbum muy colaborativo desde el adictivo arranque "Comic's", donde David Lyme le da ese toquecito 80's del Sabadell sound, el mismo que te hacía contornear las caderas en el disco-pub de turno con un refrescante Destornillador en mano. Viene el relevo de la mano de la elegancia de "Montjuic", allanando el terreno hasta toparnos con el corte rompedor del álbum, la contestataria y reivindicativa "Raros" (lyric video a pie de post). Cuenta con la participación del dúo electrónico Svper y es simplemente demoledora.

Momento para la nostalgia con la cadenciosa "Hunos" y los coros de los valencianos Gener repartiendo solemnidad a diestro y siniestro. "Graduado" es otra de las sorpresas del trabajo, macedonia pop con guitarras tropicales, gemidos al aire y sutil autotune. Nos abrasa la calidez de "Ola" hasta que llega "Plum Cake" con el gélido resuene de unos coros esteparios, introductorios del sampler de "La piel del lobo" de los Cabaret Pop.



El melódico medio tiempo de "Plata" o como quedarte con alcanzar la placidez absoluta con una escucha. Ese saborcillo a bossa-nova  ayuda y mucho, como también ocurre en su consecutiva "Chill Out". Reflexiva, dulce, con una lírica aplastante: <<... tengo días mejores, tengo días peores, solo siento que a ti te tocaran los dos... ganas de nada otra vez, ganas de nada ya ves... tengo ganas, aunque no lo puedas creer... >>

La soulera "Karaoke" con los Gener repitiendo a los coros y unos hipnóticos teclados por lo bajini, que en el ocaso del corte emergen autoritarios inyectando empaque house al conjunto.

miércoles, 8 de mayo de 2019

ESPALDAMACETA - "Millor que mai" (Hidden Track Records, 19)

ESPALDAMACETA es la banda capitaneada por  José Juan González (voz, guitarra) acompañado de Gerard Joan (batería, sampler, voces) y Oriol Maymó (bajo, voces, sampler, sintetizador). Su séptimo disco publicado tiene título premonitorio, Millor que mai (Hidden Track Records, 19).

José Juan con su nuevo trabajo evoluciona su sonido de naturaleza intimista y más bien sombría hacia texturas más enérgicas y accesibles.

Los tarraconenses abren el álbum con "Igual, igual" y una etérea envoltura de sintes abrazando su desarrollo, tan contestatario como estimulante. El noise-rock hace su aparición por todo lo alto con la arrebatadora "Avui és aviat" (clip insertado a pie de post), seguida de la inquietante "Petons als dits", con ese sorprendente remate en forma de coro lapidario.

Tras un tridente inicial tan turbador le sigue otro de corte más complaciente con las notas tropicales a la guitarra en la vitalista "Us estimeu" y en la reflexiva "Mirar un quadre"; y la historia de amor de "Fes-ho ara", enmarcada en el Vida Festival, con ese punteo percutor inyectando intriga a su desarrollo.





La intensidad vuelve a la palestra con "Saber conviure" para diluirse con la aparente delicadeza del medio tiempo "Amor proper". La sensual "Florir carícies", con inesperada culminación a lo corrido mexicano incluido; junto a "Pili Pili" y su estribillo homónimo, cierran Millor que mai, un trabajo  altamente disfrutable.

martes, 7 de mayo de 2019

OBSCENS - "Nem-hi!!" (autoeditat, 19)

El diccionari defineix l’adjectiu «Obscè» com a «ofendre greument el pudor». OBSCENS ho aconsegueixen de sobres amb el seu posat de rockeros indomables; actitud i energia desbordant al damunt l'escenari; i sobretot, per la seva proposta musical, un rock atemporal amb pincellades hard-rock, del de tota la vida, hereu de bandes clàssiques com Led Zeppelin, o a nivell nacional els Sangtraït.

OBSCENS debuten discogràficament aquest 2019 amb Nem-hi, però no són ni molt menys uns nouvinguts, tenen el cul pelat en això de la música. Constituïts com a banda al 2017 amb aquesta alineació: Adolfo «Xoco» Aixalà Ollés a la guitarra (Zoukra, Zenith, Cabello de Àngel, Sumatra…), Xavier Franch Grau «Chiri» a la bateria (tècnic de so, A Quiet Man, Montse Castellà , La moto del Monaguillo…), Jordi Valldepérez als teclats (AB6, Canteen Keepers, Belenyo, Ankes, Confutatis Maledictis…), Jordi Mendoza al baix (mestre d’Educació Musical, Bacuum, Kartommcha Orquestra, Dejavú Versions, Secakgod, X Versions…) i Ernest Redó a la veu (mestre d’Educació Musical, lletrista, Bacuum, Zoo, La banda del Yuyu, Most…).


A Nem-hi trobaràs set cançons on la guitarra elèctrica és l'eix vertebrador, acaronada per la veu del seu carismàtic frontman Ernest i recolzada per un baix latent, una dinàmica bateria i uns subtils i efectius teclats.

martes, 23 de abril de 2019

LA CASA AZUL - "La Gran Esfera" (Elefant Records, 19)

La espera se ha hecho larga, desde La Polinesia Meridional (Elefant Records, 11) demasiado tiempo sin nuevo material discográfico de LA CASA AZUL. Aunque Guille Milkyway durante estos últimos tiempos parado precisamente no ha estado: participaciones televisivas, bandas sonoras para series y películas, producción y composición con Fangoria... hasta tiempo para ganar un Goya con una rumba.

En 2016 Guille lanzó la primera muestra de lo que sería La Gran Esfera (Elefant Records, 19) con "Podría ser peor", un disco-funky con alma 70's que nos dejaba en la casilla de salida para poder disfrutar a lo grande, ahora ya si, de su nuevo trabajo discográfico.

Puro espejismo, hasta 2018 no hubo más rastro del nuevo proyecto de LA CASA AZUL. Eso sí, la espera valió la pena, con tres pedazo de avances que indicaban que ahora era la buena, que la aparición del álbum era inminente. La distinción dance de "El Momento"; el delicioso medio tiempo "A T A R A X I A", melodrama y sensualidad a partes iguales;  y "Nadie pudo volar", o como fusionar magistralmente el house con la canción ligera.

A lo tonto ya teníamos casi medio disco desvelado y con unas expectativas catedralicias, lo cual siempre podría convertirse en arma de doble filo si luego el resto del álbum no mantuviera el nivel. Pues bien, lo mantiene y de qué manera, con argumentos de sobra como la conmovedora "El Final del Amor Eterno" (clip del gran Juanma Carrillo insertado al final de estas líneas); el subidón de "El Colapso Gravitacional", con esos teclados tan ABBA's; la libidinosa "Ivy Mike" y sus suspiros cibernéticos; los vientos souleros y cambios de ritmo trepidantes de "Hasta Perder el Control"; la juguetona y desbordante "Saturno (todo vuela) con drum & bass, coros surf, recovecos soul, psicodelia...

Foto de Lluis Domingo

El álbum cierra, como no podía ser de otra manera, con "Gran Esfera", el segundo medio tiempo del trabajo, de carácter agridulce, como viene siendo marca de LA CASA AZUL. La melancolía y el desamor son los sentimientos predominantes en La Gran Esfera, bien palpables a pesar de los ritmos bailables y hedonistas que la envuelve.

lunes, 8 de abril de 2019

HER LITTLE DONKEY - "Where's the Glow" (Hidden Track Records, 19)

Ana López (sintes, voz y percusión), Patrick Aranda (voz y guitarra), Carlos Pérez de Tudela (bajo y sintes) y Michel Bonilla (batería) forman HER LITTLE DONKEY y tienen nuevo álbum, Where's the Glow (Hidden Track Records, 19). Una banda en marcha desde 2012, publicando dos EP’s, “Probation” (2013) y “Chromatic Landscapes”(2015) y debutando en formato largo en 2016 con “Campestral”.

Where's the Glow es un trabajo resplandeciente, tanto por lo que transmite su sonido como por su lírica, con el espíritu de superación y la no-rendición como fórmula más optima para poder dejar atrás los obstáculos que nos vayamos topando a lo largo de la vida.

Dream-pop con sintes y arreglos que nos teletransportan a los 80's. Muestras evidentes de esta tendencia las tenemos en el delicioso arranque "Devotion" o en las no menos exquisitas "Big Mess" y "Castles in the air", las tres muy en la onda de bandas añejas como Aztec Camera o Prefab Sprout. También una oportunidad para el baile con "Tenacious Girls"; momentos de dulce nostalgia con "Sparkles" y "Into place"; ecos new-wave en  "Slow it down" y surferos en el estribillo de "Impulse".

Foto de Nacho G. Riaza


Completan Where's the Glow el dueto de sus cortes más comprometidos en el mensaje: la enérgica "Superheroes", con un sorprendente flash psicodélico culminando el primer estribillo; y el cierre "Demons", o la muestra evidente de que denuncia no tiene porque estar reñida con la elegancia.

sábado, 23 de marzo de 2019

MUCHO - ¿Hay alguien en casa? (Kartoffel Kollektiv, 19)

MUCHO, proyecto ahora ya sí personal e intransferible de Martí Perarnau IV, entre 2016 y 2018 arrincona los instrumentos musicales convencionales recluyéndose en su casa con ordenadores varios liberando al artista electrónico que habitaba en su fuero interno. Con la complicidad de Emilio Saiz (Iván Ferreiro, Nothing Places, Oso Leone) empieza a dar forma a esta barbaridad de trabajo que es ¿Hay alguien en casa? (Kartoffel Kollektiv, 19).

Posteriormente se añaden diferentes sintes, piano, vocoder, alguna guitarra, bajo, batería y voces de la mano de Ricky Falkner (Egon Soda, Standstill, Love of lesbian), Xavi Molero (Egon Soda, Iván Ferreiro) y Emilio Saiz. La producción corre a cargo de Ricky Falkner, Santos Berrocal, Fluren Ferrer y el propio Perarnau IV.

Es un álbum cuyo devenir evoluciona desde el atardecer hasta el amanecer de una noche urbanita. Momentos perfectos para dar rienda suelta a los sentimientos de frustración, soledad, rebeldía e inconformismo del artista.

¿Hay alguien en casa? nace con el mismo año que el artista manresano, "1985", un corte muy bailable, una de las características de este trabajo, propenso a la pista de baile. Otra particularidad del álbum sería que, por su duración y desarrollo, los cortes parecen auto-versiones maxi-singles, así como los sutiles enganches entre ellos que facilitan que podamos escuchar el disco del tirón a modo de DJ sesion.

Cambiamos el house-trance del arranque por el elegante synth-pop de "El enemigo ahora vive en todos nosotros" (clip a pie de reseña), uno de los que fueran cortes avances del trabajo junto a la desangelada y melancólica "Ahí te quedas, Perarnau" y el contestatario rave "Putochinomaricón", donde MUCHO va repartiendo estopa a diestro y siniestro con una lírica donde toparse con perlas como: <<Azúcar, calorías vacías, aceite de palma, grasas saturadas, pagar el gimnasio para quedar bien en el trabajo... Cárcel, todos terroristas independentistas enemigos del estado cuadriculado, vas a estar encerrado tres años por hacer canciones, pero libre toda la vida con la brisa marina meciendo tus mejillas aunque te hayas llevado más de lo que vamos a ganar en toda la vida... los delirios de grandeza están patrocinados por Endesa... Rojo, ateo, Putochinomaricón, no vengas por esta iglesia a pedir confesión porque ahora y de siempre Dios es sólo español...>>




Las hipnóticas y reflexivas "Nunca pegarías a un hombre con gafas" y "Se que soy una anomalía"; mellizas tanto en temática como rítmicamente, con unos beats marciales que seguro provocarán sutiles oscilaciones en tus caderas.

El baladón del conjunto, "Soy un aeropuerto". Da la sensación como si Perarnau haya recogido las 9 canciones restantes de ¿Hay alguien en casa? y después de pasarlas por un turmix hubiera rebajado al mínimo sus beats por minuto, obteniendo como resultado esta delicia.

lunes, 11 de marzo de 2019

RAMON MIÑANO - "Divino Matadero" (autoeditado, 19)

RAMON MIÑANO es un músico y productor valenciano que reside entre Londres, Barcelona y Valencia. Empezó su carrera como teclista en una banda de ska-punk llamada Skaparapid en los años 90, para posteriormente firmar dos discos autoeditados como solista bajo el alias de Ramonet, Ç’est moi (2008) y Balsamo de Tigre (2011). 

Ahora como RAMON MIÑANO y con cierto aire a crooner contemporáneo, presenta el espléndido Divino Matadero (2019). Una obra de orfebrería pop de aquellas con las que te topas muy de vez en cuando y que, aunque de entrada parece ser condenada al disfrute de unos pocos, merece rebelarse y llegar al máximo de audiencia posible.

El pop melódico de Ramon no es mayormente de estructura convencional: estrofa+puente+estribillo o directamente estrofa+estribillo. El camino más recto no resulta siempre el más placentero, y ahí Ramon lo clava y de qué manera. Divino Matadero son diez cortes que deben ser degustados sin prisas, con tiempo suficiente para poder admirar sus desarrollos y recovecos. Desde el maravilloso tridente inicial compuesto por "Dame una señal", "Funambulistas" y "Angel exterminador". Tres canciones que son columna vertebral del conjunto, pura delicia, con toquecitos muy David Bowie, uno de sus mayores referentes junto con Lou Reed

Completando la primera mitad de Divino Matadero nos encontramos con el coqueto y viajero medio tiempo "Europa" y la elegancia de "Algo en común", donde resuenan ecos a los Roxy Music más cadenciosos o directamente a Brian Ferry en solitario.




Proseguimos entre terrenos agridulces con "Alma sin cuerpo" y su espíritu de bossa-nova, humo de tabaco y café-bar; la ensoñadora "Jardín del Edén" y la melancólica "Niño nostálgico". 

Aparece ya en el ocaso del álbum el contrapunto a su textura pausada y refinada con la animosa "Días vacíos". Visto el fantástico resultado sería un jardín al que quizás debería meterse un poco más el artista valenciano. De esta forma además inyecta la dosis justa de heterogeneidad al conjunto.

lunes, 4 de marzo de 2019

NOVEDADES CARMINHA - "Ultraligero" (Ernie Records, 19)

Ultraligero (Ernie Records, 19) es el quinto álbum de los compostelanos NOVEDADES CARMINHA y viene con cambios jugosos respecto a sus precedentes. Aparcan definitivamente el garage-rock y el punk para opositar muy seriamente a hacerse los reyes de la pista de baile. Y  es que Ultraligero es eso, un surtido de ritmos con los que no podrás dejar de bailotear ni un solo momento. Siempre bien condimentado con su lírica certera y desvergonzada.

"Hay un sitio pa ti" arranca Ultraligero sin paños calientes, poniendo todas las cartas encima de la mesa; popurri de congas hipnóticas, poso funky, espíritu acid house 90's con loops hipnóticos incluidos, y remate vocal con auto-tune de regalo.

El disco-funky hace su entrada con fuerza con "Obsesionada" y "Verbena"; la primera con un retrato sutil del facherío latente con el que nos tropezamos diariamente, con rimas como <<...ya no me miras a los ojos, sólo te importa la unidad de España.>>. La segunda hedonista, reivindicando algo tan íntimamente ligado a la cultura popular como son las verbenas.

Si Ultraligero tiene algún himno generacional este podría ser perfectamente "Joven con la edad". Su estribillo lapidario es el nuestro: <<... te estás haciendo joven con la edad.>>. Un delicioso dancehall con el que aferrarse a la eterna juventud.

Una potente linea de bajo nos marca el camino en "Volverte a ver", especie de mambo revolucionado donde se le va agregando intrumentación al combo a medida que va evolucionando. El resultado, una hipnótica declaración de amor al estilo NOVEDADES CARMINHA, de todo menos convencional.







Y llega "Te quiero igual" (clip insertado al final de la página) y con ella la primera colaboración del álbum de la mano de la actriz y modelo Alba Galocha a modo de susurros. Si Ultraligero es una fábrica de hits "Te quiero igual" está en su top. Riff guitarrero tropical, funk-soul, coros discos 70's, y con una rima tan certera y despiadada como: <<Aunque te gusten Los Planetas como a todos los puretas, yo te quiero igual...>> Y es que lo tiene todo, hasta cierto aire por el parecido en su estrofa a el corte "Santa Maria Da Feira" (2005) del venezolanoestadounidense Devendra Banhart.

Sube la temperatura ambiente con la sensual "Disimulando", un sudoroso reggae para bailar, más que pegados, literalmente adheridos. Si nos sorprende el cambio de sonido de los gallegos, no tanto si tenemos en cuenta lo que se intuía levemente en su anterior Campeones del Mundo (Ernie Records, 16), lo que nos deja sin habla es la versión del clásico de los 60's de Los Tamara "A Santiago voy" junto al dúo Esteban & Manuel. Una versión al modo casiotone, desconocemos si con el acompañamiento de cabra incluido.

lunes, 25 de febrero de 2019

RETIRADA! - "Son" (El Segell del Primavera, 19)

Son (El Segell del Primavera, 19) es el tercer trabajo discográfico en formato largo del power-duo RETIRADA!, un término "power" que en su caso hace referencia al poderío melódico, arrinconando el sentido más contundente del término.

Batería y guitarra, shoegazing con espíritu post-rock vistiendo letras 50% en catalán y castellano. Son es emotividad a través de un muestrario de vivencias acumuladas a lo largo del tiempo, todo aderezado con un aire melancólico que no cesa de resoplar durante todo el trabajo.

"Respira" abre el telón y enseguida damos sentido a nuestro razonamiento. Un corte donde encontramos rasgueos de guitarra certeros junto a bombos trotones y platillos ensordecedores, mientras su desarrollo va encaminándose hacia la épica de la mano de un complaciente solo guitarrero.

"Al revés" sigue con el planteamiento increscendo, pasando del inicio con su juguetón riff de guitarra tropical, para encaminarse en su ecuador hacia terrenos cada vez más animosos. Después de un arranque tan vibrante "Castors" tempera los ánimos con un medio tiempo que, aunque de entrada simule fiereza, no puede esconder su delicada naturaleza.

Y llega "Nunca dejes de venir a mi casa" donde se hace manifiesto otra de las peculiaridades de Albert y Cuervo, los sorprendentes y enriquecedores cambios rítmicos contenidos en sus cortes. En este caso hablamos del término glorioso y nos quedamos tan anchos. Después del primer minuto la canción es otra, tanto que parecen dos en una y a la vez su complementación es brutal. Además, rematando la faena, su letra resulta más que reconfortante. Pero es que lo que le sigue para nada le va a la zaga, en "Viajar" repiten fórmula de la mutación a partir de un primer minuto a modo de intro que nos prepara para una ensoñadora culminación instrumental.



La agridulce "Astillas" es la pausa en el camino que nos aporta la placidez necesaria para poder proseguir con la escucha con todas las garantías, frescos y preparados para momentos más intensos que hayan de llegar.

lunes, 18 de febrero de 2019

SECOND - "Anillos y Raíces" (Eo!Música/Altafonte, 2018)

El 16 de noviembre de 2018, después de un año alejados de los escenarios, SECOND publicaba Anillos y Raíces, su octavo álbum de estudio. Para la producción han vuelto a confiar en Raúl De Lara, en Mario Miranda para la fotografía y en Susana López para el diseño del disco, quien ya se encargó de ello en Viaje Iniciático (2015).

Han pasado más de tres meses desde entonces y, aunque lo hemos degustado desde el día de su publicación, nos ha parecido necesario tomarnos un tiempo para hacer una reseña reposada, sin prisas, de un disco complejo que rebosa calidad en cada una de sus composiciones. SECOND no hace discos fáciles, de consumo rápido, y este no es una excepción. Lo suyo siempre han sido las melodías y letras complejas, llenas de matices, no aptas para oídos fáciles de contentar y que precisan de varias escuchas para poder apreciarlas en toda su amplitud. Ello no significa que sus canciones no gocen de inmediatez; prueba de ello es la dificultad que encontraba la que escribe para decantarse, en un principio, por una o varias favoritas: todas tienen algo que "engancha", aunque no todas "golpean" de la misma manera. Diez canciones brillantes, predestinadas, en su mayoría, a convertirse en nuevos himnos de la banda.

Este tiempo que se han tomado les ha sentado de maravilla. Sean Frutos (voz), Jorge Guirao (guitarra, teclados), Nando Robles (bajo), Fran Guirao (batería) han superado el momento difícil que supone la marcha de un miembro, el guitarrista Javi Vox, y han sido capaces de expresar ese sentimiento de crecerse ante la adversidad, firmando un disco optimista, vital y enérgico en su conjunto, que "empuja" a salir adelante sin mirar atrás. Con su parte positiva y su parte oscura, pero luminoso en términos generales. 

Esa es la consigna de “Mira a la gente”, la canción elegida para abrir el disco y el que fuera single de presentación. Desde una alegre melancolía, es una invitación a salir de la introspección, a dejar de ser un espectador que solo mira, una llamada a la acción, a tomar las riendas de tu realidad.
    
En una línea similar, en cuanto al concepto, tienen su continuidad “Alguien tiene que hacer algo”, y “Contra viento y pronóstico”, dos de los temas más bailables del disco. Que no nos engañen el aire desenfadado, los estribillos festivos y los ecos festivaleros. Tienen un mensaje inconformista, pero reflexivo y maduro a su vez. Eran los temas que menos me transmitían de "Anillos y Raíces" pero me han ganado con las escuchas y, sobre todo, en directo, donde crecen de una forma apabullante. De “Nuestro lado de la Ciudad” es destacable el contraste entre estrofas y estribillos, los cambios de ritmo, y los arreglos de viento, siendo otra de las canciones que más nos ha sorprendido en directo por su fuerza.

lunes, 11 de febrero de 2019

MASTODONTE - "Mastodonte" (autoeditado, 18)

Hacía mucho tiempo que no me impactaba tanto la escucha de un álbum. El culpable es MASTODONTE, el dúo formado por el actor, bailarín y cantante bilbaíno Asier Etxeandia y el multiinstrumentista napolitano Enrico Barbaro. Debutan discográficamente con trabajo homónimo, de naturaleza conceptual, mostrándonos las inseguridades del día a día, los miedos; pero también la lucha por superarlos, por salirse de la zona de confort y afrontarlos, en definitiva ese espíritu de superación que te da la vida.

Un álbum muy visual, como se refleja en el videoclip de casi 20 minutos "Anatomía de un éxodo" con la trilogía formada por "Malenka" (La llamada), "Glaciar" (El Viaje), "Este Amor" (La llegada). De hecho este tridente de cortes desvela y mucho la variedad estilística de MASTODONTE; el primero con aires new age y tribales, el segundo con rock épico a mansalva y el tercero con un blues muy cabaretero.

El monumental arranque progresivo "Lord Byron" te pone en situación desde el minuto 0 y a partir de aquí ya no hay vuelta atrás. Le sigue la electrónica minimal de "Redención" (clip al final del post). Un tema que va creciendo desde el desgarro para alcanzar la liberación con su desenlace dance, maravilloso. Y llega la no menos deslumbrante "El blues del niño", un blues electrónico inquietante y evocador a partes iguales.

Foto: Son Aoujil


Otros momentos cumbres son la impactante krautrock "Bilbao"; el coqueto funky bailable de "Hacer"; el emotivo baladón "Fuerte y lento", con majestuoso solo de guitarra hacia el minuto cinco incluido, por resaltar algo de un tema todo él superlativo; o la que da título al álbum y al proyecto, una cautivadora fusión de electrónica marcial y vientos juguetones.

lunes, 4 de febrero de 2019

PAU VALLVÉ - "Life vest under your seat" (autoeditado, 19) ✈

Life vest under your seat (autoeditado, 19) es el quinto álbum que firma con su nombre PAU VALLVÉ. Con más de 20 años de carrera en su haber y tras una obra tan monumental como el doble LP Abisme cavall hivern primavera i tornar, uno de nuestros favoritos del 2017, teníamos gran expectación ante la llegada de su nueva referencia.

Aunque el título del disco sea "Life vest under your seat", el barcelonés sigue con el catalán como lengua referencia. La frase que nos acompaña en los viajes en avión parece muy reveladora de lo que nos encontramos en este trabajo; donde prima la necesidad de supervivencia, de aferrarse a algo que nos de fuerzas para continuar el camino o para diblar las piedras que nos vayamos encontrando.

"Cada deu anys" abre el álbum con una reflexión sobre el tiempo y la existencia, de como cambiamos y evolucionamos, con la ayuda de un melódico medio tiempo rock con cierta psicodelia incrustada entre sus notas. Una majestuosa intro para presentar uno de los cortes más deliciosos en la carrera de PAU VALLVÉ. "Un sol radiant" (clip al final del post) es como tragarte de golpe media obra de Paulo Coelho y lo mejor, que te sirva de algo; tan aparentemente sencilla como adorable y eterna. Quédate con la copla: << Pensa que per molt que ara no ho vegis clar, darrera tots els núvols grisos hi fa sempre un sol radiant...>>

"Diuen diuen diuen" es una crítica feroz precisamente a quien no para de criticar, mientras, un loop hiptónico estalla en forma de solo de sinte definitivo, poderosa, cautivadora. En la delicada "Penalti i gol és gol" Pau hace balance del cambio de rumbo de su carrera al optar por la autogestión. El resultado en su caso, siguiendo con el símil futbolístico, es una victoria por goleada, sin necesidad de penalti ni del VAR de turno. 

Foto de Montse Capdevila
En "Signat, el teu padrí" una guitarra blusera guia por la vida a su ahijada recién nacida con consejos que, por buenos, deberíamos adoptar cualquiera de los mortales. Una canción entrañable, con un estribillo enérgico cerrándose con un mensaje incuestionable: <<...Per la vida val la pena lluitar.>>

La parte contestataria de Life vest under your seat la componen la sarcástica "Quina sort", a ritmo de ingrávido vals, con la que el artista pretende burlar la censura actual estatal dándole la vuelta a su letra. Y las desalentadoras "Oclocràcia", con un tramo final psicodélico arrebatador, o "Rient per no plorar". En ambas reflejando el lado oscuro que nos toca vivir y, aunque no se invite para nada al optimismo, uno siempre puede aferrarse al lado más humano de la gente, que de buena, haberla hayla.