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lunes, 12 de octubre de 2026

RAMONA FLORES - "Aquella luz que apenas recuerdo" (2026)


Maru Oliver (voz), Marcos Palancas (guitarra), Daniel Robles (batería), Ferran Estella (bajo) y Adrià Florido son RAMONA FLORES y presentan álbum debut con Aquella luz que apenas recuerdo (2026). Un trabajo que se ha ido cociendo desde su activación como banda a mediados del 2023.

El álbum esta producido, grabado y mezclado por Aleix Miquel Asuar y se manifiesta conceptual sobre el recorrido emocional de Eco, un personaje con problemas de salud mental transitando por los consecuentes altibajos del proceso. Musicalmente el cuarteto navega entre olas de shoegaze y noise-rock noventero, con un emo virado en la orilla a modo de latente influencia. 

La banda barcelonesa inicia Aquella luz que apenas recuerdo con la intro "Un corte, una caída (preludio)" y esos acordes guitarreros acompañando el spoken word de Maru. Se transpira la angustia del protagonista de la historia con versos como el cierre: <<Me retuerzo como en un mal sueño, si me hundo más acabaré dentro, si me hundo más acabaré viendo los restos de todo aquello>>.


"Mi casa nueva" es un golpe encima de la mesa del indie estatal. La más extensa del conjunto con sus cinco minutos y cuarenta segundos de rock alternativo premium. Guitarras incisivas, bajo percutor y poderosa batería escoltando una acogedora voz que se manifiesta como el contrapunto perfecto a la inquietante atmósfera reinante. Lo que viene a ser RAMONA FLORES a pecho descubierto.

No se rebaja ni un ápice el ruidismo con la llegada de "Sistema de drenaje" y ese estribillo que se clava como un aguijón: <<Rendirse sería mucho más fácil, eres frágil>>. Su último minuto es pura locura cerrando de manera simétrica otro corte para enmarcar. 

La delicadeza de "Eco" nos permite coger aire. Será apenas un minuto, enseguida vuelven a enseñar las garras las guitarras aunque esta vez de manera menos exaltada, acompañando una tan escueta como lapidaria lírica: <<Cómo me gustaría poder traspasar la línea. Hacer algo perfecto. Llegar a olvidar todo esto>>. 

"Noche solar" es la de más apego pop del conjunto, entiéndase en medio de un ambiente bien cargado, con un bajo fuzz muy jefe cimentando un tema que anima a ser brincado en sus conciertos. 

Delicada estrofa dándose de ostias con un estribillo demoledor. Aquí tenemos a "Inhibidor recaptador" para encandilarnos con su embriagadora dualidad.

lunes, 21 de septiembre de 2026

THE SMITHS, 40 años de una luz que nunca se apaga: "The Queen is Dead" (Rough Trade, 1986)


Bienvenidos/as a la Gran Bretaña de mediados de los 80 de la mano de los THE SMITHS, una de las formaciones más estimulantes y relevantes de la historia del rock. Con el record oficioso de hiperactividad puesto que durante los cinco años que estuvieron en activo (1982-1987) publicaron multitud de singles, 4 discos de estudio y 3 recopilatorios. Antes de entrar en materia con el disco que nos ocupa haremos una introducción express a la historia fundacional de la banda.

THE SMITHS emergió en el verano de 1982 en Manchester. El guitarrista Johnny Marr estaba buscando personal para formar una banda cuando escuchó hablar de un tal Steven Patrick Morrissey, un chico cinco años mayor que él que vivía cerca de su casa y que tenía una manera de escribir particular, aunque le advirtieron que era difícil de tratar. Se refugiaba en la literatura (especialmente con Oscar Wilde, a quien le haría más de un homenaje a sus canciones) y ya era conocido en algunos círculos de la ciudad por haber participado en la banda punk The Nosebleeds y por ejercer ocasionalmente de periodista musical.

Posteriormente Mike Joyce fue reclutado como batería y el amigo de la infancia de Marr, Andy Rourke, para tocar el bajo.

El origen del nombre se basa en la historia del matrimonio formado por David Smith y Maureen Hindley, hermano menor de Myra Hindley, mujer de Ian Brady. Estos dos últimos abusaron y asesinaron a cinco menores entre 1963 y 1965 en Manchester y cercanías y los Smiths los delataron a la policía. Esta sería una explicación, sin embargo, Morrissey posteriormente dio un motivo más simple diciendo que la razón era porque "Smith" era el apellido más común que había y ya era hora de que la gente más corriente se reivindicara ante el mundo.


Uno de los rasgos característicos de la banda fue la utilización de imágenes de películas o fotos de iconos pop en las portadas de sus sencillos y álbumes. Otra es la gran carga poética de las letras firmadas por Morrissey, unas que van vestidas en ocasiones de refinado sarcasmo para hacer menos dolorosa tanta intensidad melodramática. Su particular modo de cantar alargando muchas veces las notas y utilizando el falsete también sentará cátedra, al igual que la inconfundible manera de tocar la guitarra de Johnny Marr. 

El origen humilde de sus componentes chocaba frontalmente con la ideología gubernamental británica ochentera, con una ultra-liberal y conservadora Margaret Thatcher enquistada en el poder, si pasó a la historia como  "La Dama de Hierro" por algo sería, y una monarquía que ni por ética ni estética tampoco era de su agrado. Este entorno social también se filtró en pasajes de la lírica de Morrissey.

En un paisaje musical británico donde reinaba el post-punk y el synth-pop los THE SMITHS se rebelaron como los grandes reivindicadores del pop más guitarrero, colocando el estilo jangle-pop en la órbita de los subgéneros del rock más relevantes. Fueron también la primera banda "indie", casi antes de que se acuñara el término, que lo petó a lo grande, editando toda su discografía con el sello londinense independiente Rough Trade Records.

La composición se la repartían Morrissey en la letra y Marr en la música, con contribuciones ocasionales de Rourke en las líneas de bajo.

Ahora sí, llegamos a la obra cumbre de los THE SMITHS con su tercer álbum de estudio The Queen is Dead, publicado en junio de 1986 y la icónica portada protagonizada por el actor Alain Delon perteneciente a la película francesa L'Insoumis (1964).

Por esos tiempos la banda ya daba señales de desgaste con una disputa legal con su discográfica que hace retrasar el lanzamiento del trabajo, Johnny Marr sufriendo el estrés causado por la agotadora agenda del grupo y Andy Rourke resultando expulsado temporalmente a principios de ese año por sus problemas con la heroína.
 
El álbum arranca con el corte titular y una intro con el sampler de la canción popular "Take Me Back to Dear Old Blighty" y su halo de patriotismo victoriano incoporado, escogida irónicamente para darse de bruces contra esos tambores, exaltadas guitarras e imperial línea de bajo, que abren este ataque a la yugular de la familia real británica. Se bajan las revoluciones de la escucha con la juguetona "Frankly, Mr. Shankly", aparentemente dedicada sin demasiado cariño al jefe de su discográfica Geoff Travis. Después vendrá el baladón "I Know it's over", una maravillosa oda al desamor que duele y deleita a partes iguales. Además con una de las mejores interpretaciones vocales de la carrera de Morrissey.

El fantasma de la soledad y la incomprensión flota sobre la lánguida y oscura "Never had no one ever" en claro contraste con la contigua "Cemetery Gates". Encantadora canción armada de un jangle-pop de altos vuelos dejándonos coger un respiro entre tanta angustia melodramática.
 
La cara B del álbum nos da la bienvenida con “Bigmouth Strikes Again”. La de veces que la bailé de jovenzuelo por ciertos garitos refinados, era empezar a escuchar esos rasgueos de guitarra acústica y volvernos locos. Morrissey en otro de sus ejercicios hiperbólicos llega a compararse con Juana de Arco. 

"The Boy with the Thorn in His Side" no es hermosa no, es divina. Johnny Marr haciendo lo que quiere con la guitarra, esos sutiles arreglos de cuerdas y los gorgoritos finales de Morrissey como guinda de un pastel todo el exquisito.

lunes, 14 de septiembre de 2026

PALO DOMADO - "Segunda Capa" (2025)


José Luis Arroyo (Zelu) con Luca Varela en la guitarra, Pau Ortiz al bajo y Alberto Arévalo a la batería completan la formación actual de PALO DOMADO. Segunda Capa (2025) es su tercer álbum desde que asomaran la cabeza en 2018. 

La banda de Benicarló ha ido modelando su energía indie-rock hasta llegar al presente con argumentos de sobra como para optar a mayores audencias. En la línea de bandas como Arde Bogotá o Viva Suecia, aunque con un plus de aspereza guitarrera. 

Abren Segunda Capa con la intensidad arrebatadora de "Viajera de mi mundo" y un talante enigmático generando expectación a medida que va evolucionando hacia la épica. Una que se desborda alrededor del cuarto minuto a modo de desahogo en medio de la angustia reinante.

El corte titular sale sobrecalentado desde el arranque armado con unas guitarras punzantes como alfileres. Hay que poner en valor la fuerte carga melódica de PALO DOMADO que se cuela por entre los decibelios de manera natural, sin sobreesfuerzos ni imposturas.


La atormentada "Cuerpos para vivir" (videoclip insertado a pie de página), con esos exaltados redobles como puente dorado de ida y vuelta entre la estrofa y el estribillo, oposita para otro desarmante corte de los del Baix Maestrat y ya llevaríamos tres de tres, vendrán más.

Seguimos removiéndonos entre el fango en "Niño perdido". El break hacia el tercer minuto es de esos detalles que delatan la grandeza de una banda.  Luego la languidez de "Padre nuestro" nos permitirá coger aire aunque su lírica no deje de sobrecogernos.

lunes, 26 de mayo de 2025

DERBI JUNIOR - "El vi que alimenta" (Autoeditado, 2025)

Joan Marc (guitarra y voz) y Roger Orriols (batería y voz) son DERBI JUNIOR y vienen sobrados de energía guitarrera con su primer álbum: El vi que alimenta (Autoeditado, 2025). Desde que hace un par de años se conocieran y surgiera el flechazo, han ido trabajando en un debut que contiene de lo más estimulante que puede ofrecerte un power duo de garantías. Además con la implicación de los tres destacados productores Marc Fernandez (marc_io), Santi Garcia y Ferran Orriols.

El título no es gratuito, el dueto emplea el "vino" como alegoría vital que "alimenta" 360º. 

El power-pop de "Oblit i joia" abre las puertas del disco con un vendaval de electricidad melódica, oseasé DERBI JUNIOR sin filtros. El break encarando su último minuto es de alto copete, verás que reincidirán en la fórmula durante la escucha.

Foto de Eva Freixa

La contestataria "Grupdepersonestravessantelcarrer.jpg" utiliza pasos de cebra no respetados por los peatones como metáfora de la relación entre autoridades y ciudadado. Poderío y distorsión van de la mano en otro proyectil sonoro de los catalanes. 

"El vi que alimenta", con el dramático fenómeno de la gentrificación como telón de fondo, es una de sus canciones más redondas de la banda hasta la fecha. Todo manjar, desde la intro hasta su tridente mágico de estrofa, estribillo, puente y vuelta a empezar.     

Los recovecos de "Apartament núm. 13" son de aquellos para quedarte a vivir. Cambios de ritmo que activan. En "Joc", otra de las perlas contenidas en el trabajo, soplan aires a bandas norteamericanas añejas noise-rock como Dinosaur Jr. No les sienta nada mal ese traje.

La nostálgica "Les hores mortes" nos lleva de la mano hacia el interludio atmosférico que presentará el tridente final de cortes de El vi que alimenta. Uno que asoma con la melódica "Un altre cop a Venus", conmoviendo al estilo DERBI JUNIOR, a golpe de baqueta y zarpazos guitarreros.

lunes, 31 de marzo de 2025

ANNA ANDREU - "Vigília" (Hidden Track Records, 2025)


Tras gestar discos tan embelesantes como Els Mals Costums (2020) y La Mida (2022) ANNA ANDREU vuelve a hacerlo con su tercer álbum Vigília (Hidden Track Records, 2025). El triplete mágico que completan ella a la voz y guitarra con su pareja Marina Arrufat (batería, teclados, violín, viola y coros) y el productor de cabecera Jordi Matas, nos presentan un álbum con la melancolía como hilo conductor y un halo nocturno que envuelve, abraza, reconforta.

La conmovedora "Roja i espassa" arranca el disco muy arriba de hechizo con unos arpegios guitarreros que son pura caricia. La poética lírica que viste la obra de Anna va soltando sus primeras perlas: <<Sota la teva mirada quieta jo m’amagava dins una escletxa. Ara soc lava roja i espessa, demà la roca que no es belluga. I la teva boca que es torna muda i que ja no m’espera>>.

"Com puc" repite las palabras "añoranza" y "añoro" al inicio y final del tema a modo de ejercicio de simetría. Las plácidas notas suavizan el ambiente hasta hacer más llevadero su potente peso nostálgico.

Foto de Sílvia Poch

"No té nom" (videoclip a pie de página) es delicadeza al cuadrado vistiendo un poso agridulce. Los dos puentes después de cada aparición del estribillo, entrelazando guitarra acústica con pellizcos a la viola, ponen la guinda a otro exquisito corte.

Cogemos aire con el coqueto medio tiempo "Mentrestant", flow de batería incluido abrazando los sugestivos punteos guitarreros. Ya estamos listos para la sorpresa del álbum en forma de desmelene de Anna a la guitarra. Una que muta de aterciopelada en la estrofa, como viene siendo costumbre, a afilada en el estribillo, nunca mejor dicho tratándose de una canción de nombre "Navalla". Quizás recuperando sensaciones vigorosas heredadas de su antigua banda CÁLIDO HOME.

Violín y viola nos abren la puerta a "Sencera", continuarán acompañándonos durante su desarrollo, haciéndonos navegar entre la inquietud y la ternura. Nos encontramos ante un estribillo de aquellos que calan, especialmente en su segunda comparecencia, prolongándose hasta ponernos la piel de gallina, también por su letra: <<Quina condemna haver-te de somiar, duia un ciri a cada mà i regalimant la cera. Quina condemna haver-te de somiar, no em vinguis a buscar si no em vols sencera >>.

lunes, 10 de marzo de 2025

SHEGO - "No lo volveré a hacer" (Ernie Records, 2025)

 

Ni que decir tiene que las SHEGO son una de las bocanadas de aire fresco más arrebatadoras de los últimos años en el panorama musical independiente patrio. Dando guerra desde 2020 con varios singles, un par de premios, un EP y el ilusionante debut en formato largo Suerte, chica (2023), ahora nos traen más madera con su segundo álbum: No lo volveré a hacer (Ernie Records, 2025).

Maite Gallardo (voz, guitarra), Raquel Cerro (voz, guitarra) y Charlotte Augusteijn (bajo) confirman los mejores augurios ganados a pulso durante este último lustro en treinta y dos minutos de estimulante punk-rock enmarcando un disco que transita por las fases de lo que viene a ser un amor tóxico de manual. 

"Un secreto" arranca el disco dejándonos con ganas de más desde el minuto 0. Y es que sus desgarradores minuto cuarenta y cinco segundos son un empiece de trabajo demasiado placentero como para no alargarlo un minutillo más. Ese bajo iniciático se manifiesta como puñetazo encima de la mesa, somos SHEGO y seguimos liándola parda. Este tema da sentido al dicho de que en el bote pequeño está la buena confitura.

Foto de Adri Cuerdo

Se consuma la ruptura sentimental con "Aunque duela": <<Hay días que aún me dura y me arrepiento pero luego me acuerdo que... Aunque duela es mejor así, me parece lo mejor para mí>>. Los poderosos rasgueos guitarreros que enmarcan el tema parecen sellar un categórico: ¡A tomar por culo! La melódica parte instrumental le pone la guinda a otro estupendo corte.

El riff de guitarra omnipresente ejerce de cicerone perfecto para la deslumbrante "arghHhh!". Estrofa de terciopelo presentando un estribillo que es empoderamiento al cuadrado. Esta onomatopeya sonora incluye final apoteósico con un bajo que está que se sale.

Con "Mantra" parecen decididas a seguir las indicaciones derivadas del título disco pero ya se sabe: <<No lo volveré a hacer, luego lo hago otra vez>>. Y eso que insisten, lógicamente al modo "mantra", como quiriendo dar un empujoncito al autoconvencimiento. Los gritos que escoltan el guitarreo sentencian una redención a todas luces inútil.

Llega la melancólica "Manifesting" y con ella la canción más redonda del álbum, y eso es decir mucho teniendo en cuenta el magnetismo reinante en toda la escucha. Sugestiva estrofa, puente incisivo, estribillo desarmante y unas guitarras que cuando nos traen de vuelta resuenan mucho a los The Strokes más inspirados. Pura maravilla.

En la encantadora "No quiero" se nos cuela un sutil sabor surfero con esos sutiles coros abrazando el trabalenguas <<No puedo, ni quiero, ni debo, ni puedo, quiero>>. Luego nos embarga la languidez nostálgica de "Algunos lunes" y parece que nos falte incluso la respiración. Pero tranquilas que llega "La fiesta" para remontar subiendo las escaleras de tres en tres. Ese punzante riff guitarrero secundado por un bajo muy jefe te guiaran hacia la primera bacanal que se ponga a tiro.

El medio tiempo "Backstage" traspira desesperación y angustia, un querer salir del hoyo sin saber demasiado bien cómo. El increscendo tramo final remata atisbando reacción: <<No es tu culpa ni es la mia, hace tiempo que lo puedo ver>>. La misma que se confirma en la hedonista "Curso avanzado de perra" (videoclip insertado a pie de página), dónde aquello de que "quien pega primero pega dos veces" se hace religión. Poderío y rebeldía con unas guitarras y bajo cogiéndote bien fuerte de la mano para ponerle el lazo de regalo al decreto final:<<Cada día en el mundo vas a ser tan feliz, nada va a dolerte, nadie te va a destruir>>.

Reciente concierto en Castellón

La acústica "(es posible)" contiene lo que parece ser la mayor colaboración nunca vista en una canción estatal, exceptuando proyectos solidarios, ahí es nada con: agosto, Alvadera, Casero, Clara Redi, El Buen Hijo, Ganges, Ghouljaboy, Ginebras, Grande Amore, interrogación amor, Kimberley Tell, Las Dianas, Lucy Morry, mariagrep, Menta, Mira Paula, Repion y Toldos Verdes. Más allá de records Guinnes estamos ante un canto a las cosas buenas de la vida, las que nos hacen mejores personas o solamente nos proporcionan un soplo de efímero placer. La guinda la pone un rabioso último minuto acompañando los versos finales: <<Cuando la vida sea buena todo el rato, ¡De una puta vez! Llegarás a mis brazos>>.

lunes, 6 de febrero de 2023

SECOND - “Flores Imposibles” (autoeditado, 2022)

Puede que a estas alturas sorprenda esta reseña y haya quien piense que escribir sobre un disco que se publicó hace más de cuatro meses no tiene mucho sentido. En este mundo nuestro donde la inmediatez está cada vez más presente y lo que importa es ser los primeros, donde devoramos con avidez las novedades y con la misma rapidez las desechamos, puede que así sea.

Nosotros, evidentemente, no pensamos igual por varios motivos. El primero de ellos, nunca es tarde si el disco es bueno, y éste lo es. El segundo es que Second es el nexo de unión de las personas que fundamos y/o formamos parte de Música Crónica. El germen fue la devoción que sentimos por la música en general, y por la de la banda murciana en particular. Durante los diez años de vida que acabamos de cumplir en enero, hemos reseñado con mucho amor cada uno de los discos que han publicado y Flores Imposibles, su noveno trabajo de estudio, no podía ser una excepción.

He de decir que la felicidad, la ilusión y el entusiasmo por su publicación quedaron envueltas en un halo de tristeza y desconcierto cuando, 9 días después de ver la luz, la banda anunciaba su disolución. Aún cuesta creerlo; personalmente, imposible asimilarlo.

Pero este disco, como toda su música, no tiene una fecha de caducidad, permanecerá y nos acompañará siempre, y merece una disección desde nuestro particular punto de vista.

Tal y como nos contaban en la nota de prensa distribuida en su día, es el ejemplo perfecto de que se puede disfrutar del camino y llegar a buen puerto. Un viaje sonoro y sentimental, un prodigio de artesanía musical de otro tiempo, uno en el que los discos eran mucho más que una colección de canciones. Flores Imposibles son nueve episodios de una historia que demuestran el magnífico estado de forma y madurez de una banda tan exquisita como imprescindible para entender la escena del rock independiente nacional de los últimos 25 años. 

Un álbum que fue producido por Manuel Cabezalí (Havalina) y Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly), grabado en El Lado Izquierdo, con Dany Richter en el sonido y mástering. Un disco en el que Second, junto a sus productores, han cuidado cada detalle siempre con la máxima presente de ‘menos es más’, pero imprimiéndole un sonido sólido e inconfundible. Junto a los cuatro componentes (Nando Robles, Sean Frutos, Fran y Jorge Guirao), han formado parte de la grabación David Lozano y Cabezalí en las guitarras, y Ricardo Ruiz, Madbel y Víctor Cabezuelo en los teclados. Los coros y las segundas voces han sido diseñadas y dirigidas por Maryan Frutos (Kuve), en los que ha participado junto con Manuel Cabezalí. El arte del disco ha corrido a cargo de Emilio Lorente que ha terminado de envolver bellamente un producto tan delicado como poderoso.

Flores imposibles es un trabajo para ser escuchado con calma, saborearlo sin prisas e ir descubriendo un álbum compacto, equilibrado y sin fisuras, donde todo encaja a la perfección, que se abre y expande con las escuchas, y es extraordinariamente rico en matices y arreglos. Capas y capas de puro deleite. Elegante, poderoso y contundente en la música, delicado y armónico en sus melodías, brutalmente honesto y maduro en sus letras, sin que ello les reste un ápice de lirismo. Guitarras siempre poderosas, ya sean afiladas o arpegiadas. Baterías potentes y acertadas, ya sea acompañando o tomando el papel protagonista. Teclados con mucha más presencia que en discos anteriores, pero diferentes, más sutiles, más integrados, rozando la psicodelia en ocasiones. Las líneas de bajo de Nando Robles sostienen, cohesionan y encumbran con maestría cada una de las composiciones. Y la voz personal e inconfundible de Sean Frutos, dando alma y vida a cada una de las canciones.

No es un disco donde rebose la alegría, eso es así. Es reflexivo, introspectivo y consecuente con la etapa y las circunstancias que han vivido estos últimos años, pero no está exento de esperanza. La canción que abre el álbum, de título homónimo, es un ejemplo de ello. La luz abriéndose paso en la oscuridad, “Flores imposibles” buscando la oportunidad de crecer a pesar de la adversidad.

La rabia y el desencanto ante la vida en general, y en particular por la situación a raíz del COVID, el golpe de realidad que supuso para todos, el parón y la crisis que afectó especialmente al mundo de la cultura, así como el inconformismo ante una sociedad cada vez más impasible e idiotizada, están presentes en las dos canciones más bailables del disco “Ya no estamos para gilipolleces” y “Muévete y Siente”, una llamada a la acción que te atrapa con su batería veloz y trepidante, guitarras afiladas y teclados psicodélicos.

“Estado de Alegre Tristeza”, es nostalgia y esperanza a la vez. Una letra triste con una melodía alegre, brillante y luminosa, que va creciendo y alcanza su cénit hacia al final. El momento “Nada es para siempre/ Rescátame pronto”, se ha convertido en uno de los más emotivos y coreados en los conciertos de esta gira. Confieso que a mí me pone un nudo en la garganta y hace que me ahogue en esas olas de las que habla mientras escribo esta reseña, y cada vez que la escucho desde que anunciaran su disolución. Aunque fue compuesta mucho antes y su letra nada tenga que ver con ella, a mí, ahora, me habla de despedida.


El amor, el deseo de amar y explorar nuevos caminos que lleven a finales felices. Sentimientos omnipresentes en sus canciones y que aquí encuentran su sitio en “Quiero equivocarme” (videoclip insertado a pie de página), con una melodía sensual que invita a dejarse llevar, o en “El contorno de tus miedos”, un medio tiempo marca Second, que va creciendo en intensidad.

Éste es un disco de medios tiempos, en los que el cuarteto son maestros, y muestra de ello son “Volver a esa paz” y “Cúrame, como siempre”, ambas con la carga emocional más intensa del álbum. La primera es un grito atormentado por el pasado y la culpa, que aúlla por encontrar el equilibrio perdido. La segunda rompe desde la primera escucha; también mira al pasado pero de forma muy diferente, una súplica desde la nostalgia traída al presente, un canto a lo que somos, a las raíces que nos sostienen, nos cuidan y de las que formamos parte.

“Los Grandes Ausentes”, la canción que cierra el disco, se mueve entre el desencanto por el tiempo perdido, imaginando futuros que no llegaron mientras se nos escapa el presente, y el aprendizaje que ello ha conllevado, una promesa de vivir el ahora y no volver jamás a ausentarnos de él.

Los mejores Second de toda su carrera han firmado un disco que, compositivamente y en la producción, roza la excelencia a todos los niveles, donde una vez más han sabido evolucionar sin perder su esencia, haciendo brillar ese talento innato e inmenso que tienen y que los ha convertido, desde hace ya mucho, en una de las bandas más importantes, sólidas e incuestionables de nuestro país.

La presentación de Flores Imposibles en salas comenzó el 21 de octubre en Granada y finaliza este sábado 11 de febrero en la Sala Apolo 1 de Barcelona, con todas las entradas agotadas, una constante en todas sus giras a lo largo de los años. En estos meses han visitado un buen puñado de ciudades, la última de ellas Madrid, el pasado 28 de enero, en el Teatro Circo Price donde grabaron el que será su último trabajo, un disco en directo y del que aun no se conocen los datos de su lanzamiento.

sábado, 4 de junio de 2022

MISHIMA - "L' aigua clara" (The Rest Is Silence, 2022)


Después de cinco años de su último álbum de estudio Ara i Res (2017) la banda catalana MISHIMA vuelven con nuevo material contenido en L'aigua clara (The Rest Is Silence, 2022), su novena referencia. Repiten tándem en la producción con Peter Deimel en el Black Box Studio (Angers, Francia), tal y como lo hicieron en sus dos anteriores trabajos.

David Carabén (voz y guitarra acústica) Marc Lloret a los teclados, Dani Vega a la guitarra eléctrica, Xavi Caparrós al bajo y Alfons Serra a la batería son caballo ganador desde hace 23 años pero ojo, lejos de mostrar signos de flaqueza, han lanzado uno de los álbumes más estimulantes de su carrera.

L'aigua clara arranca con "El gran lladre", entrando ordenadamente los tres instrumentos sobre los que se cimenta una banda clásica de rock: guitarra eléctrica, bajo y batería, ésta tocada con escobillas. Su plácida estrofa se ve alterada por el inquietante estribillo y esa explosión instrumental en su culminación. La melódica hace de puente entre los dos territorios sonoros, mientras David nos va exponiendo la mala combinación del inexorable paso del tiempo con los altibajos sentimentales, en un corte que pide enmarcarse.


Siguen bien armados de poderío sugestivo con "Por de mi", quizás una de las canciones más estimulantes que haya salido de la banda. ¿O hablamos de dos cortes en uno? Esos arpegios guitarreros, el violonchelo, unos ingrávidos teclados, el bajo percutor, el ney de 
Christos Barbas, vistiendo un tema tan melodramático como hermoso. Y la letra, no nos olvidemos de la letra, pieza fundamental en el embrujo del grupo. Una que relata, tal como se avanza en su título, los miedos hacia uno mismo: <<Quan aquesta matinada l'he sortit a buscar i per enlloc la trobava m'he descobert somrient, encara duia el coltell i amb la punta dels dits l'acariciava content, pensant que hauria fugit. Fins que he tornat al mateix lloc de sempre i l'he vist (Cuando esta madrugada la he salido a buscar y por ninguna parte la encontraba me he descubierto sonriendo, todavía llevaba el cuchillo y con la punta de los dedos la acariciaba contento, pensando que habría huido. Hasta que he vuelto al mismo sitio de siempre y la he visto)>>. En el tercer minuto tiene lugar el truco final; cuando todo indica que hayamos llegado a su final empieza un arrebatador cierre instrumental, con ese desmelene del tridente guitarra, piano y chelo.

"Sé que ets tú" es la deseada calma después de la tormenta. La complicada relación entre el mundo real y las redes sociales se relata mediante una canción en sutil in crescendo, con épica refrenada en su estribillo y unos luminosos sintes junto a la guitarra en su remate que me tienen loquito. Otra perla en un álbum que, tal como dejaba entrever a principio de estas líneas, esta destinado a dejar huella.

Fruto del confinamiento nace "Un lloc que no recordi", el que fuera primer avance del disco. Un jangle-pop trepidante y adictivo que hace bandera de las ganas locas que nos entraron de salir de todo aquello, pero cuando digo lo de "salir" me refiero literalmente. Mejor nos lo explica el Sr. Carabén: <Arribats aquí, sabent que hem de marxar, si pogués fugir, saps on voldria anar? Hauria de ser tan lluny que la meva memòria no em pogués seguir. Hauria de ser tan lluny com un lloc que no recordi (Llegados aquí, sabiendo que tenemos que irnos, si pudiera huir, ¿sabes adónde querría ir? Debería de ser tan lejos que mi memoria no pudiera seguirme. Debería estar tan lejos como un lugar que no recuerde)>>.

domingo, 1 de mayo de 2022

BIZNAGA - "Bremen No Existe" (Montgrí, 2022)


Jorge Navarro (bajista), Álvaro García (guitarra y voz), Pablo Garnelo (guitarra) y Jorge 'Milky' Ballarín (batería) forman BIZNAGA y ya van por su cuarto trabajo discográfico con Bremen No Existe (Montgrí, 2022). Punk-rock marca de la casa con cada vez más apego por las melodías pop, forjándose desde 2011 una trayectoria incontestable.

En el cuento de los Hermanos Grimm Los músicos de Bremen cuatro animales (un burro, un perro, un gato y un gallo) están condenados al sacrificio por considerarlos sus dueños demasiado viejos y no resultarles útiles. Por lo que huyen hacia la ciudad alemana de Bremen, considerada abierta y acogedora, para sobrevivir haciéndose músicos. Pues bien, BIZNAGA lo tienen claro, Bremen No Existe, no hay futuro, no queda hielo. La banda recoge el desaliento y la frustración de las últimas generaciones en forma de colección de canciones con la sonoridad más reluciente e inmediata de toda su carrera.
 
Foto de Carmen Morago

El disco no podía comenzar más explícito en torno a su concepto: <<Ahora que tenemos treinta y tantos, que no nos une el amor sino el espanto, la euforia es el disfraz de la desafección y dura lo que dura video de Tik Tok>>. "Líneas de Sombra" lo puede escupir más alto pero no más claro, referencia literaria incluida, sirviéndonos de lanzadera perfecta para aterrizar en uno de los estandartes del álbum, la melancólica "Domingo Especialmente Triste", con la colaboración vocal de Isabel Cea (Triángulo de Amor Bizarro) en su irresistible estribillo, acompañamos videoclip a pie de página. Aquí tendríamos un buen ejemplo para cuando apuntaba el aumento del poso melódico en las recientes composiciones de BIZNAGA. 

<<Dime, ¿El futuro era esto? No, no por favor>> Eso reza el estribillo de "Espíritu del 92" siguiendo con el talante contestatario que tanto caracteriza a BIZNAGA y a este trabajo en particular. Mientras, llegamos a "Madrid nos Pertenece", con el idilio más cristalino entre guitarras y bajo, ambos instrumentos luciendo ultra limpios y cadenciosos.

Momento para la auto-referencia en "Cómo Escribimos Adalides De La Nada", con un cierre lírico que no puede ser más demoledor: <<Juventudes comatosas, juventudes abolladas, Adalides de la nada>>. Le sigue "Contra Mi Generación", con Álvaro desgañitándose en el estribillo dándose de ostias con su fuerte carga melódica.

domingo, 10 de abril de 2022

ANNA ANDREU - "La Mida" (Hidden Track Records, 2022)

ANNA ANDREU ya tiene segundo álbum de su carrera en solitario con La Mida (Hidden Track Records, 2022). Si en el espléndido Els Mals Costums (2020), Anna desviaba su pasado country-folk como co-líder de CÁLIDO HOME hacia la canción de autor mediterránea, con cierto apego al pop y regusto lo-fi; ahora le inyecta más ingravidez aún a su propuesta con la incorporación de texturas electrónicas y un mayor peso de los sintetizadores.

Jordi Matas sigue ejerciendo de productor de cabecera de la de Sant Quirze del Vallés (Barcelona). En esta ocasión incluso notándose más su embrujo, precisamente por ese abrazo a atmósferas más sintéticas que mencionaba en el anterior párrafo.

Anna (guitarra y voz) vuelve a contar con Marina Arrufat (batería, teclados y coros) para condimentar esta delicatessen sonora que es La Mida. Arranca con "Penyora" y una estrofa que de entrada te deja sobrecogido: <<Duia una pena tan gran sobre una esquena tan petita. Com si fos ferro infernal, era oberta la ferida (Llevaba una pena tan grande sobre una espalda tan pequeña. Como si fuera hierro infernal, estaba abierta la herida)>>. Una de las tantas virtudes de ANNA ANDREU es que puede expresar amargura sin perder ni por un segundo esa calidez balsámica característica, con unas notas de guitarra que ayudan y mucho. Al final la cosa parece encauzarse un pelín, tal como reza su letra en el estribillo: <<És fàcil d’entendre que he perdut el centre però no serà per sempre (Es fácil de entender que he perdido el centro pero no será para siempre)>>.


"La Certesa" fue el avance del disco y ya dejaba entrever el incipiente idilio entre guitarra y teclados. ¿Me he vuelto loco o esos últimos, junto al cadencioso ritmo de la percusión inyectan un flow al tema que lo convierte incluso en bailable? Eso si, seria un "baile" sutil, vaporoso.

FERRAN PALAU hace su entrada triunfal en La Mida cantando a dúo "Un Son". El resultado no podía ser más maravilloso, no sólo porque son dos voces que transmiten lo que no está escrito, sino porque precisamente lo que si que está "escrito", como ya es habitual en el trabajo de Anna, es otra exquisitez: <<Sóc l’angle mort on tu t’amagues fins que es destapi el desastre. Seré el punt cec que no esperaves i ho pagaré molt car (Soy el ángulo muerto donde tú te escondes hasta que se destape el desastre. Seré el punto ciego que no esperabas y lo pagaré muy caro>>. Esos flashes bluseros de guitarra firman la sentencia de esta maravilla.

"La Força i el Temps" lleva en su ADN bien marcado la secuencia lírica de ANNA ANDREU, como demuestra ese inquietante break rondando el segundo minuto y el verso: <<I em somio morta sense dol ni plany i tu obres la porta de bat a bat (Y me sueño muerta sin luto ni lamento y tú abres la puerta de par en par)>>. La dulce voz de Anna y esa manera tan aterciopelada de tocar la guitarra camufla una tenue penumbra, más marcada en este álbum que en el anterior.

Con "Hores per Dies" llega el momento más "pop-metafísic" de La Mida, digamos que sería algo así como la marca de la casa más palpable de su sello Hidden Track Records. Pura belleza, Anna armada solo con la voz junto a unos coros inanimados y etéreos sintes, más que suficiente para vestir de seda sus hermosos versos: <<Tinc la virtut i la falta com l’ocell que mor en vol i no cau de l’estol i suspès com el sol ell només viu de l’aire (Tengo la virtud y la falta, como el pájaro que muere en vuelo y no cae de la manada y suspendido como el sol él sólo vive del aire)>>.

viernes, 24 de diciembre de 2021

MÚSICA CRÒNICA 2021 TOP10 discos



Segundo año pandémico a la saca, esperamos que sea el último aunque lo decimos sin demasiadas esperanzas, la verdad. Menos mal que siempre nos queda la música y este 2021 ha vuelto ha ser un año fantástico en este sentido. Vuestro TOP10 con los discos o EP's que más te han gustado en este 2021 habla por si solo. Recordamos que el ranking va de lo que capta más tu atención a través de nuestras reseñas contabilizado con el número de visitas que reciben. Puedes visitar las publicaciones clicando encima de sus correspondientes títulos.

La lista resultante es la siguiente>
  1. MAZONI - Ludwig (Bankrobber)
  2. A QUIET MAN - (Autoeditado)
  3. JOANA SERRAT - Hardcore From The Heart (Great Canyon Records)
  4. EL PETIT DE CAL ERIL - N.S.C.A.L.H. (Bankrobber)
  5. IRIS DECO - Golden (Hidden Track Records)
  6. JOAN COLOMO - Disc Trist (BCore Disc)
  7. ALGORA - Pódium (El Genio Equivocado)
  8. FERRAN PALAU - Parc (Hidden Track Records)
  9. MADEE - Eternity Mingled With The Sea (BCore Disc)

  10. MARIA RODÉS Y LA ESTRELLA DE DAVID - Contigo (Elefant Records)

Te compartimos la playlist Música Crònica 2021 con las canciones de este año que, semana a semana, nos han hecho más felices. Están en orden aleatorio, casi 18 horas de música gourmet listas para que les hinques el tímpano>

Te recordamos que también estamos en la radio, concretamente en la emisora por internet Ràdio Alfacs, con programa semanal los jueves a las 19h diseccionando los discos más alucinantes. El día de la emisión te esperamos aquí y después aquí a la carta.

Deseamos que en 2022 sigas acompañándonos, seguiremos intentando endulzar la existencia con la música más estimulante del planeta.  

¡SALUD y MÚSICA!


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sábado, 27 de noviembre de 2021

MARIA HEIN - "Continent i Contingut" (Hidden Track Records / Pértiga Music, 2021)

La joven mallorquina MARIA HEIN (Felanitx, 2003) debuta discográficamente con Continent i Contingut (Hidden Track Records / Pértiga Music, 2021). Un álbum repleto de sensibilidad, elegancia y calidez, la misma que desprende su portada, una instantánea de Maria recostada encima la hierba en medio de lo que parece un pic-nic, protegiéndose con su mano del destello de la luz solar.

Si la bisoñez puede ser sinónimo de inexperiencia en el caso que nos ocupa estamos ante la excepción que confirma la regla o al menos es lo que se transmite durante los 26 minutos que dura Continent i Contingut. Con 18 años Maria nos regala uno de los álbumes más bonitos del año, elijo este adjetivo porque dentro de su simpleza define muy bien la música y el estilo de la artista. Sin entrar en sofisticación ni artificio alguno, transmite una placidez inusitada, casi mágica.

Fotos x Marta Mas (Entrelíneas)

Alegrías, experiencias, dudas propias de la adolescencia que se exponen durante un disco muy personal, transparente, donde el "Continent" ("continente") es ella misma y el "Contingut" ("contenido") son dichos dilemas y preocupaciones, vestidos con canciones.

La producción de Ferran Palau es la guinda del trabajo, aunque sutil se hace bien presente en canciones como "Sa teva Presència", incluso se le oye en el "1, 2 ,3" inicial. Me lanzo a la piscina pero juraría que los sintes de "Setze Voltes" y los del bucólico estribillo de "Estrès Acumulat", más su línea de bajo, serían otros buenos ejemplos. Esas pausas, tempos, leves punteos guitarreros o bellas notas del piano al aire, son el lazo de regalo a un trabajo esplendoroso.

Continent i Contingut arranca con la etérea i acústica "Un tassó que vessa", con la voz de Maria y la guitarra conduciéndonos hacia "Sa teva presència", el corte más inmediato del conjunto. Aquí el piano tiene mucho que decir, con un precioso riff a modo de puente que va uniendo las orillas del corte.

En "Aquell mes de març" MARIA HEIN nos confirma lo que ya habíamos atisbado desde el minuto 0, que además de tener formación pianística y tocar también la guitarra, atesora una voz hermosa, lo tiene todo. Un nostálgico medio tiempo, de hecho la "nostalgia" será uno de los sentimientos más recurrentes durante la escucha.

Fotos x Marta Mas (Entrelineas)

Entramos en zona de alta sensibilidad con "Setze voltes" y el tema titular "Continent i Contingut". El primero con esos delicados arpegios guitarreros como bandera. El segundo con el piano como amo y señor de un refugio al que siempre querríamos escapar.

"Estrès acumulat" con esos luminosos sintes en el estribillo, como queriendo poner luz ante los titubeos existenciales. Mientras el destello de "Llums de sa ciutat" ("luces de la ciudad") nos indican lánguidamente el camino hacia el tridente final de cortes de Continent i Contingut.

Vemos en los créditos del álbum que este va dedicado a su padre y en "Mein Vater" ("mi padre" en alemán) se hace más que evidente. Melancólico tema, con la emoción a flor de piel, intercalando el idioma germano y el catalán, haciendo aún más familiar e intenso el recuerdo.

lunes, 15 de noviembre de 2021

MADEE - "In the Cold Season" (BCore, 2021)

Ramón Rodríguez (voz, guitarra), Pep Masiques (bajo) Adam Vives y Capi a las guitarras, Marc Prats a los teclados y Antonio Postius a la batería, vuelven a la carga. Nueve meses después del lanzamiento de Eternity Mingled With The Sea (BCore, 2021) su espléndido álbum retorno tras 14 años de no publicar un larga duración, presentan un segundo trabajo, el no menos estupendo In the Cold Season (BCore, 2021). MADEE retoman la fórmula ganadora exhibida en sus más recientes trabajos, con el poeta y fotógrafo de Seattle Mark Swanson a cargo de las letras. 

Lo comenté en la reseña del "Eternity Mingled..." y no puedo dejar de volver a mencionarlo, la variación con la banda del registro vocal de Ramón Rodríguez en relación a su proyecto personal The New Raemon. Es algo así como un chute de rejuvenecimiento, mutando un mayor comedimiento en enérgico y jovial desmelene, una versatilidad que reclama la contundencia rítmica del grupo.

En MADEE el bajo se siente muy protagonista como se muestra por ejemplo en el tridente inicial de In the Cold Season. El poder de director de orquesta exhibido en "Drinking Wine from a Paper Cup", con riff incluido en "Ghost Town Living" y haciendo palpitar profundamente a "Deception Pass". El primer corte se manifiesta como un nostálgico medio tiempo, bien cadencioso en su evolución; el segundo, inquietante y arrebatador a partes iguales, abrazando una oscuridad que se irá manifestando durante varios pasajes del trabajo; el tercero, un ejercicio de introspección al cobijo de deliciosas notas, con una guitarra y unos sintes recuperando terreno, mostrándose ya definitivos. Su parte final es de aquellos momentos en los que te quedarías habitando una buena temporada.

Llega el tema titular "In the Cold Season" y un piano que aunque lo intente no puede apaciguar el desasosiego que se respira, con un Ramón luciéndose bien a la voz, una voz que observamos en este álbum, dicho sea de paso, en su máximo apogeo.

La sinuosa "Longing", con una estrofa intensa y extensa, puente rompedor y un estribillo que más que existir se desvanece, conduciéndonos a la reflexiva "Remains to Be Seen". Espléndida, de disfrute inmediato, con una melódica estrofa que contrasta con su enérgico estribillo. El piano en el puente parece ejercer de paso fronterizo hacia la crudeza sonora.