MARIAGREP - "MARIAGREP IS NOT A CRIME" (Raso Estudio, 2025)

 

María Gallego alias MARIAGREP amplia su catálogo compositivo con un tercer trabajo discográfico, MARIAGREP IS NOT A CRIME (Raso Estudio, 2025). Así, en mayúsculas, como reivindicando su aura expansiva ya desde el título. La gallega, incolucrada en sendos proyectos más, Grande Amore y Coolnenas, persiste en su inclinación hacia lo colaborativo rodeandose de gente como el propio Nuno Pico de los primeros, Mundo Prestigio, Galician Army, Juait o Manuel Blanco. Con toda esta talentosa amalgama sonora el resultado no podía ser otro que un álbum tan heterogéneo como estimulante.

El disco supura por entre sus beats las virtudes y miserias de la vida nocturna. Una que es puro subidón en su arranque "123 YA!". Hyperpop de quilates que provoca el meneo de caderas instantáneo o directamente el brincar como una posesa. Su lírica cita una de las claves conceptuales del trabajo: <<Más fiesta, más estrés, sube la fiesta sube el estrés>>. La continuación natural por su hermandad rítmica tenía que ser "Mi atención". Envuelta en un halo de 8 bits reflexiona sobre los estándares del ligoteo y sus contradicciones.

Pitufina se coló por entre los surcos del álbum con la sorprendente "Gafas de Ferrari". Su electrónica minimalista parece dejar asomar una incipiente resaca. La que pospone sus efectos con la llegada de la monumental "Una balada más". Música de club para bailar hasta la extenuación, aunque sea con lágrimas en los ojos.

Foto de Arancha Brandon

Rebajamos el nivel de intensidad, que no de sugestión, con "Cogollito" y su flow al cuadrado incorporado. "Otra noche" nos devuelve de golpe por entre la multitud del club con ese sudoroso drum and bass. Estamos en un bucle del que no sabemos si podemos/queremos salir. 

La agridulce "Tempo II" es el mejor cicatrizante tras una relación tóxica. Un exquisito refugio en el que quedarte a vivir. Su némesis es el efímero big-beat de "Te grité" y una aureola punk sobrevolando ese poco más de minuto de duración.

DEPECHE MODE, 20 años "Playing the Angel" (2005)

 

Martin L. Gore (sintes, guitarra, composición), Dave Gahan (voz), Alan Wilder (sintes y programación) y Andy Fletcher (sintes) fueron la alineación titular de los DEPECHE MODE hasta que finalizó el Exotic Tour (1994), extensión de una de las giras más brutales de la historia, el Devotional Tour (1993), en la que se presentaba el demoledor Songs of Faith and Devotion (1993). Entre los daños colaterales derivados de esa gira, el más irreversible fue la dolorosa salida del grupo de Alan Wilder, pieza fundamental en el ADN del sonido de la banda desde su entrada en 1982. Tras la recuperación de Dave de sus graves problemas de adicción vuelven como trio con Ultra (1997) y luego Exciter (2001), dos álbumes aceptables pero claramente inferiores a la media, sobre todo en comparación a sus tres precendentes. 

La ausencia de Wilder fue complicada de digerir, aún ahora se nos hace bola, además viendo los trabajos inmediatamente posteriores de la formación se hacía más evidente la magnitud de la pérdida. 

Con este contexto el 17 de octubre de 2005 ve la luz el undécimo álbum de estudio de los DEPECHE MODE Playing the Angel, un puñetazo encima de la mesa de los de Basildon. Estamos ante su mejor trabajo durante la primera veintena de los 2000, ahora ya con la consolidación de la estrecha colaboración de dos miembros más en la recámara: Christian Eigner (batería) y Peter Gordeno (teclista). Además por primera vez Dave Gahan interviene en la co-autoria de canciones, concretamente en tres junto a Eigner y Andrew Phillpott, equipo con el que arrancó su carrera paralela en solitario. Fue producido por Ben Hillier, una asociación que perduraría en los dos futuros discos. 

El quinteto de cortes que arrancan Playing the Angel es desarmante. "A Pain That I'm Used To" arrolla desde su ensordecedor intro. Uno de los cortes más discordantes de la carrera de los DEPECHE entre la sugerente estrofa y ese estribillo que se va desbocando hasta explotar con esa especie de estruendo industrial que a la vez presenta el tema. Descarado, fresco, ilusionante. Y no bajamos el nivel de intensidad que llega la pegada de "John the Revelator", un blues electrónico y distorsionado, menuda locura. Seguimos con el aura industrial, aquí más retorcido. Inspirada en la original del norteamericano "Blind" Willie Johnson (1930) es la primera de las cuatro canciones en las que aparece la palabra "angel", contenida en el título del trabajo.

"Suffer Well" es una de las que firma Gahan en el álbum, single indiscutible del mismo, clásico instantáneo. Debatiéndose entre la elegancia y la oscuridad con ese halo bailable y el riff guitarrero marcado a fuego. Autobiográfica, solo hace falta ver su espléndido videoclip (insertado a pie de página). Llevamos tres temas y tres singles indiscutibles, inmejorable empiece.

Rebajamos un pelín el nivel de magnetismo con "The Sinner in Me" aunque no te lleves a engaño, este medio tiempo lleva sorpresa incorporada. Un nervio latente que traspasa, casi puedes notar su descarga. Finalmente se quita la careta en el salvaje último minuto y medio en el que guitarra y programación se asocian en un estallido electrizante.   

Volvemos al redil de la excelencia más absoluta con la conmovedora "Precious", si te fijas en las reproducciones en streaming se situa entre las cinco top de la banda. DEPECHE MODE recuperan el ambiente más sintético de sus primeros álbumes con riff y loop de teclados que se van entrelazando hasta presentar el sugestivo estribillo. El riff parece golpeado en vez de tocado y el loop es puro terciopelo, pero a la vez se complementan de maravilla. Aunque la cante Dave este corte se lo dedica Martin a sus hijos envueltos en el divorcio de la pareja.

Mr. Gore coge el micro en "Macro", no pretendía hacer un juego de palabras, salió solo. Enigmática, hipnótica. De naturaleza electrónica aumenta su densidad brumosa en el estribillo hasta que llegando al ocaso reivinca lo analógico a partir de unos acordes guitarreros.

La balada "I Want It All" es uno de los temas más disonantes del álbum. Surtida de recovecos con unas programaciones tan imprevisibles como audaces. La segunda con Gahan involucrado en su composición nos hace levitar durante sus seis minutos de cadencia trip-hop.

"Nothing's Impossible" cierra el trio de cortes no manufacturados por Martin, aunque aquí su guitarra tenga cierto protagonismo, con un envoltorio tenebroso no excento de ritmo impuesto por su marcial base. En el minuto tres sube una marcha más en el desarrollo culminando su hechizo amoroso.

El interludio instrumental lo pone la fantasmal "Introspectre" llevándonos de la mano hacia "Damaged People". Martin se desgañita dando voz en delay, emulando hábilmente a un coro, a la "gente dañada" en un emotivo corte electroacústico. Nos despertamos de este letargo sombrío con "Lilian" y su embrujo bailable, aunque sea con lágrimas de desamor en los ojos. Esos delicados acordes guitarreros me matan del gusto. Todo y con eso su potencial de hit queda empañado por una producción poco arriesgada. ¿Alan, tú aquí que hubieras hecho?

"The Darkest Star" en su segunda frase da título al disco, uno que finiquita con este frondoso darkwave de casi siete minutos de duración, un amago de sinfonía. Tétricas notas al aire de piano y los coros de Martin intentan abrirse paso por entre sus pasadizos. Broche de oro para un Playing the Angel que desenterró a los DEPECHE MODE más inspirados.

FERRAN ORRIOLS - "Darrere els horts" (Great Canyon Records, 2025)

FERRAN ORRIOLS, cantante y compositor del grupo Nyandú, presenta segundo álbum en solitario con Darrere els horts (Great Canyon Records, 2025). Pasando del DIY de habitación del inicial Plata (2023) a ensanchar su esencia folk, abriéndola a nuevas influencias y a múltiples colaboraciones como los artistas internacionales de renombre Steve Jones (de la icónica banda británica de folk-rock de los 70 Heron) y Alex Bush (colaborador habitual de Damien Jurado). También de estatales como Mar Pujol, Jaume Guerra (Obrint Pas, ZOO) y Àlex Pujols (Txarango), por citar algunos.

Darrere els horts tiene un explícito título con marcado sello rural, por algo su grabación fue en un estudio habilitado donde antes había una granja de pollos, en La Torre d'Oristà (Barcelona). En ese pueblo nació el cantautor y allí ha regresado con su família para vivir y de paso gestar un álbum monumental.

  

Estamos ante un trabajo arriesgado desde su naturaleza intimista hasta el metraje. Cincuenta y cinco minutos de escucha es hacerle un pulso al ritmo vertiginoso de la vida moderna. La recompensa será querer quedarte a vivir entre sus 24 canciones. Vale la pena ¿no?

Foto de Eva Freixa

La intro "Cançons" abre el álbum con la voz de Ferran sentenciando: <<<Jo no els demano res a les cançons i elles tampoc m’ho demanen a mi>>. Nos recuperamos de la profundidad lírica que iniciava esta travesía sonoro/vital cayendo en brazos de la calidez acústica de la bucólica "Fer l'amor". Compite con el anterior corte por ver quien contiene la mejor frase en primera persona: <<jo només vull fer l'amor, jo només vull fer l'amor, en aquest poble de mort>>.

"Mustang" con banjo y coros estridentes incluidos, rompe con los estándares del folk más ortodoxo, reafirmando el hambre de Ferran por abrir su propuesta a medida que se lo pide el cuerpo. El resultado es otro corte embriagador.

Unos aterciopelados acordes a la guitarra acústica parecen querer atenuar los efectos de la mordida del can que se aparece en "Les dents". Disgustos que hay que ir superando por la senda de la vida, no queda otra.

El primer single avance del disco fue la cálida "Hermoses" con esa base casiotone incorporada. Una de las más ricas instrumentalmente del trabajo. Ese cambio rondando el segundo minuto y medio es el broche de oro para una canción toda ella maravillosa.  

El nivel de hechizo sigue por la estratosfera con "Les presses" y esa guitarra acústica bien jefa, como queriendo jalear dulcemente los consejos contenidos en otro espléndido corte de FERRAN ORRIOLS. 

Entramos en un tridente de temas cortos, ninguno llega al minuto y medio,  con "Conservadors", "Perot i jo a la intempèrie" y "La Morronga". El segundo es el único que retiene credenciales de canción convencional, además en desarrollo in crescendo, con más empuje que la media. El primero parece más bien un interludio y el tercero es un canto tradicional a dos voces.

La preciosista "Gràcies a tu" es pura golosina. Dedicada a algún o algunos seres muy queridos con versos tan reveladores como: <<Quan estem junts soc molt feliç. Quina sort tenir-te aquí. Em mires i somrius obertament, no hi ha res més que pugui fer, que veure’t créixer i deixar-te ser. Us estimo>>. Por si hubiera dudas unos gorgoritos de bebé sellan su entrañable atmósfera. 

 

"El Grinch" es el segundo interludio del álbum con Ferran y su guitarra acústica testificando uno de los grandes pecados capitales, peor que no ir a misa en domingo, curiosamente pasa en el mismo santo dia. Llegamos al ecuador del álbum con la épica contenida de "Artistes" y aureola de gran banda encima de un escenario con trompeta, acordeón y contrabajo como invitados de lujo. 

En manos de Ferran voz y guitarra acústica forman un mágico binomio, un lugar seguro en el que refugiarte cuando precises. Se demuestra una vez más en cortes de desnuda belleza como "Estima", además con un mensaje de aquellos que deberían de calar hondo: <<L’estima és el que vull. L’estima és el futur. L’estima és un regal, aquí el tens obertament i a partir d’ara, estima els altres com si fossis tu mateix>>. También en la siguiente "Benparit", donde reforzando la sensación de intimidad se alcanza a oir lo que parecen chasquidos de la leña quemando en la chimenea. 

"Tom Delonge" es un homenaje envenenado al líder de la banda de rock estadounidense Blink-182. Es que al final de lo que se trata es: <<Que aquí hem vingut a passar-ho bé! No hem vingut a demostrar res! Que la música no es tracta de fer-ho bé, sinó de fer-ho!>>.

Las notas desplomadas del piano en la efímera "Andana 9 i 3/4" nos conducen al rincón del National Geographic particular de FERRAN ORRIOLS manifestándose con dos concisas canciones dedicadas a la fauna: "La marmota" y "La granota".

La ternura es una de las virtudes más evidentes del artista catalán y "No t'estimaré sempre igual" es la enésima prueba de ello. Otra de aquellas canciones que te dejan con media sonrisa de satisfacción marcada en la cara. 

El mes de septiembre para el que escribe estas líneas siempre ha sido un mes agridulce. Por una parte es mi cumpleaños pero por otra se acaba el festivo verano con todo lo que supone. Algo así parece indicar "Ai, setembre!" sin acabar de clarificar si se celebra o se teme.

YAWNERS - "Superbucle" (Montgrí, 2025)

La salmantina Elena Nieto aka YAWNERS ya tiene tercer disco en la calle con Superbucle (Montgrí, 2025). A base de power-pop noventero de quilates va labrándose una sólida carrera, de aquellas que dejan reluciente estela.

Si cogemos el tema que abre el álbum "Un día genial" y el que lo cierra "Un día horrible" ya tenemos armado el "superbucle". Uno por que nos pasa la vida, entre alegrías y decepciones, en el mejor caso sin sobresaltos, nadie dijo que fuera fácil.

Como apuntaba "Un día genial" nos da la bienvenida al trabajo y lo hace equipada con unas guitarras muy a lo "Friday I'm In Love" de los THE CURE, ni queriendo podía evitar la referencia. Igual que con la de los británicos esta desprende luminosidad desde el título hasta sus últimas notas.

"Merienda-cena" (videoclip a pie de página) sigue la senda vitalista del arranque con un imbatible estribillo que se avanza a la estrofa, como teniendo hambre de protagonismo, nótese el guiño al título que me saco de la manga. Su naturaleza contundente termina por desbocarse en los instantes finales.

Seguimos con estribillos pegadizos como el contenido en "El intruso", de las más puramente pop del conjunto. El break rondando su segundo minuto es de traca.

La agridulce "Self-diagnose" es la única en inglés de Superbucle. Elena ha ido rebajando la aparición de la lengua de Shakespeare en sus composiciones a medida que iba lanzando álbumes. La primera de bajona del disco es a la vez de las más redondas. Seguimos afligidos con "Dolor en el pecho" y ese marcado contraste entre la reposada estrofa y el estruendo del estribillo, marcando músculo la influencia de los WEEZER, auténticos ángeles de la guarda de la artista desde siempre.

  
"Las horas pasan" quizás sea una de las muestras más palpables de la evolución estilística de YAWNERS, atreviéndose con una pieza que se puede bailar, aunque sea con lágrimas en los ojos.

 
La cara B del disco nos coje con las uvas de fin de año abriéndose camino por entre tus piños. Con su indiscutible pegada "1 de enero" se convierte, desde la primera escucha, en uno de los clásicos en la carrera de Elena. Y es que lo de <<besarte el 1 de enero>> es perfecto.

Con la reflexiva "La inverosimilitud" nos aproximamos a "Sálvame", otra de las perlas de Superbucle. Una sorprendente guitarra a lo "Where the streets have no name" de los U2, aflorando y desapareciendo como el Guadiana, marcando el tempo de un corte que deriva tozudamente hacia un placentero dream-pop.

LA SENTINA - "Electricitat" (Grava, 2025)

Albert Girons (voz y guitarra) desde 2006 lleva agitando su proyecto LA SENTINA hasta destilar artefactos sonoros como el presente Electricitat (Autoeditado, 2025), el quinto álbum de estudio del músico catalán. En los últimos tiempos acompañado de Ildefons Alonso (batería), en esta ocasión han reclutado para la grabación además al saxofonista Albert Cirera y a Roger Cassola (piano y bateria en "Manual de supervivència"). Para completar el halo colaboracionista que envuelve a Albert han modelado el trabajo hasta en cuatro estudios diferentes, empapándose de las circunstancias de cada uno, enriqueciendo aún más el resultado final.

Con la electricidad como leitmotiv conceptual enciende el interruptor del disco "El ritme de les onades". Un blues-rock sinuoso que bordeando el segundo minuto explota mientras <<respires al ritme de les onades>>, para volver al redil poco antes de su cierre. Embriagador corte con la clave del álbum insertado en su letra: <<No som més que electricitat>>. El saxo aquí empieza a hacer de las suyas, protagonista esencial durante gran parte de la escucha.

Rebajamos el nivel de intensidad con la exquisitez azucarada de "Atura’t (Ets tu)". Unos sutiles rasgueos guitarreros inician este viaje ingrávido hacia su lapidario remate: <<Ets tu qui m'explica que diuen les estrelles. Ets tu qui dibuixa l'òrbita dels planetes. Ets tu qui m'explica què diuen les estrelles. Ets tu llum entre tenebres>>.

Seguimos en zona sosegada con la agridulce "Piscina de taurons" y su naturaleza acústica. Que no te confunda la placidez sonora, lleva irritación contestataria incorporada. Le sigue "Productes del cinquè quart", con una reiterativa estrofa avanzando increscendo por entre esta especie de eléctrica bossa-nova. Nótese aquí mi referencia nada forzada al título del trabajo.

Cierra la cara A del vinilo "Ozó" y esos cálidos acordes guitarreros dialogando con el latente saxo, enmarcando de los momentos más conmovedores del álbum. La delicada percusión actúa como mullida base sobre la que caer bien seguro. Una canción para quedarte a vivir. 

El magnetismo de "Onades #2" abre la puerta a la segunda parte de Electricitat armado de guitarra acústica y armónica percusión. Vaporosos ecos de electrónica y coros ponen el resto a otra perla de LA SENTINA. 

Entre los recovecos de "Manual de supervivència" recuperamos pinceladas de la aspereza roquera que abría el disco. Su bipolaridad rítmica es de las que deja huella.

"Bona nit" es inquietud y a la vez paz, dicotomía a la que suele jugar Albert. Una nana envenenada que bordeando el tercer minuto cambia de rumbo, desperezándose hasta su ocaso: <<Bona nit gent valenta, ara és hora de sortir. Retrobar el que vam perdre, mirar la mort de fit a fit>>.

JOAN VILLALONGA - "Un instante en la vida" (Astronomy Recording Music, 2025)

JOAN VILLALONGA (Four on Six y TanStuPids) desde que debutará en solitario en 2017 con el EP Un día en Aberdeen (Flor y Nata Records, 17) ha completado una trilogía con los posteriores álbumes Una noche en Shinjuku (Ànima Records, 19) y ahora con el reflexivo Un instante en la vida (Astronomy Recording Music, 2025). Se cierra pues esta etapa en la carrera del músico castellonense donde la "unidad" que abría los títulos de sus trabajos era inversamente proporcional a la del contenido estilístico, alcanzando el máximo de diversidad en la presente referencia.

 

El castellonense repite tándem con otro paisano, el productor Alberto Lucendo, en un disco que arranca con la inquietante "Los perros ya no ladran" y versos como: <<Suena mal, no hay razón. Todo vuelve a empezar y la cosa puede ir a peor>>. Un marcial blues que solo ve amenazada su hipnótica naturaleza por la aparición clave de la sugestiva trompeta.

Foto de Manuel Peris

La balada "Jenni" suaviza la escucha y de qué manera, nos irá bien para coger aire de cara a otro de los momentos más estimulantes del trabajo. Joan muta en el PHIL COLLINS del "In the air tonight" (1981) para regalarnos "Nosotros", la perla del álbum. Emotiva al cuadrado, con una guitarra eléctrica que penetra la piel, bajo conciliador, percusión ingrávida y la personal voz del artista como guinda para una canción maravillosa.

Sutiles aires reggae se cuelan en la escucha con "Qué más da". Nos apuntamos su mensaje: <<El lado alegre de la vida es todo un sitio donde estar. Hacer pensar lo que te digan si es blanco o negro que más da>>.

Que no te engañe la languidez de "Reiniciando en femenino", la fuerza interior que desprende se cuela por entre las rendijas de la conciencia. Le sigue la cadenciosa "En el otro lado" con la frase lapidaria por montera: <<Si te da miedo pensar mejor que no te atrevas a hablar>>. Los teclados añejos presentando a un siempre mágico theremin culminan otro estimulante corte.

Enfilamos el tramo final de Un instante en la vida con la melancólica "Todo es pasado" y ese solo guitarrero final rematando la conmovedora pieza. Mención aparte para la intervención de las cuerdas de un baglamá partiendo el corte, una muestra más de la riqueza instrumental de este trabajo.

DERBI JUNIOR - "El vi que alimenta" (Autoeditado, 2025)

Joan Marc (guitarra y voz) y Roger Orriols (batería y voz) son DERBI JUNIOR y vienen sobrados de energía guitarrera con su primer álbum: El vi que alimenta (Autoeditado, 2025). Desde que hace un par de años se conocieran y surgiera el flechazo, han ido trabajando en un debut que contiene de lo más estimulante que puede ofrecerte un power duo de garantías. Además con la implicación de los tres destacados productores Marc Fernandez (marc_io), Santi Garcia y Ferran Orriols.

El título no es gratuito, el dueto emplea el "vino" como alegoría vital que "alimenta" 360º. 

El power-pop de "Oblit i joia" abre las puertas del disco con un vendaval de electricidad melódica, oseasé DERBI JUNIOR sin filtros. El break encarando su último minuto es de alto copete, verás que reincidirán en la fórmula durante la escucha.

Foto de Eva Freixa

La contestataria "Grupdepersonestravessantelcarrer.jpg" utiliza pasos de cebra no respetados por los peatones como metáfora de la relación entre autoridades y ciudadado. Poderío y distorsión van de la mano en otro proyectil sonoro de los catalanes. 

"El vi que alimenta", con el dramático fenómeno de la gentrificación como telón de fondo, es una de sus canciones más redondas de la banda hasta la fecha. Todo manjar, desde la intro hasta su tridente mágico de estrofa, estribillo, puente y vuelta a empezar.     

Los recovecos de "Apartament núm. 13" son de aquellos para quedarte a vivir. Cambios de ritmo que activan. En "Joc", otra de las perlas contenidas en el trabajo, soplan aires a bandas norteamericanas añejas noise-rock como Dinosaur Jr. No les sienta nada mal ese traje.

La nostálgica "Les hores mortes" nos lleva de la mano hacia el interludio atmosférico que presentará el tridente final de cortes de El vi que alimenta. Uno que asoma con la melódica "Un altre cop a Venus", conmoviendo al estilo DERBI JUNIOR, a golpe de baqueta y zarpazos guitarreros.

SALVADOR TÓXICO - "Holi" (EP 2025)

Desde su último álbum Canciones de Laboratorio (2020) que no habíamos tenido el placer de degustar nuevo material de SALVADOR TÓXICO, el proyecto de Javier Castellanos. Así como es él, sin hacer ruido, nos aterriza Holi (2025), un EP que cumple con aquello de que "la espera mereció la pena".

Con el respaldo de Chema Ruiz al bajo y Juan Hernando a la producción el trabajo arranca con "Esta casa por dentro" y ese pop melancólico tan seña de identidad del madrileño. Estribillo de terciopelo rematado por una lírica que es puro sentimiento: <<ahora cuando te miro y te veo reir se me sale el corazon y eso es porque te quiero>>.

"KTDRL" viene armada de un flow sosegado pero bien sugestivo, parafraseando a Javier: <<como la luz del sol, como tu lengua jugando en mi boca>>. Los acordes guitarreros se entrelazan con el bajo a modo de flirteo sutil mientras unos sintes ejercen de perfecto celestino.

 

Nos sobreviene una bossanova castiza con la agridulce "Un día en Chinchón". El break de sintes rondando el tercer minuto son puros fuegos artificiales, para seguir nostálgicos modo premium hasta el final.

El bombo junto a unos arpegios a la guitarra acústica nos dan la bienvenida a "Osa Mayor". Luego irá evolucionando por entre brisas de americana para enmarcar un corte que entrelaza la salut mental con el misticismo.

LA PLATA - "Interzona" (Sonido Muchacho, 2025)

 

Diego Escriche (voz y guitarra), Patricia Ferragud (bajo), Salvador Frasquet (guitarra), María Gea (teclados) y Miguel J. Carmona (batería) son "El club de los cinco" particular que forman LA PLATA. Una banda que desde su formación en 2016 viene sobrada de talentosa sugestión post-punk y new-wave con sabor añejo. Ahora además se muestra permeable a sabores post-grunge con derivas electrónicas en su tercer larga duración Interzona (Sonido Muchacho, 2025).

El trabajo más heterógeneo de los valencianos hasta la fecha es también el más reflexivo y metódico en su trama. Una sinuosa travesía de exploración interior que visita diversos estados de ánimo, fortaleciendo emocionalmente. 

Interzona se divide en tres etapas delimitadas por un mismo número de breves piezas instrumentales. Se abre con el himno grunge "Cerca de ti". Diego y María entrelazan sus voces, será recurrente en otros momentos del álbum, inyectando embrujo a un corte todo él cautivador. El break en su ecuador es la gota que colma el vaso de la excelencia.

La melancólica "Mirar atrás" nos acaba de romper los esquemas con su base jungle jugueteando con esas guitarras marca de la casa, mientras un vaporoso teclado ejerce de loctite que fija tal fascinante amalgama sonora. Seguimos bajo el paraguas electrónico en "Ruido blanco" fundiéndose en perversa armonía con la ansiedad reinante: <<Miro al suelo al caminar, si no veo el final. Escondo en silencio un ataque de pánico y finjo entender un caos señalizado>>. El que fuera primer single avance finaliza con auto-sample de su antagónica "La vida real".

"Música infinita" sella su hedonismo extremo con ese sample inicial sacado de la Ruta del Bakalao, aquí la terreta tira. Arrebatador corte confirmando, una vez más, que LA PLATA se han convertido en unos genios fusionando ambientes. Puedes bailarla si quieres. Eso sí, la juerga funde-neuronas suele tener consecuencias a corto plazo, se le llama resacón. Se escenifica en forma de primero de los interludios, la inquietante "5am".

"Niebla" solo altera su abatido sosiego con la distorsión guitarrera del estribillo. Unas balsámicas notas al piano parecen querer indicarnos la salida para: <<... marcharnos lejos, lejos de esta oscuridad, lejos, no mirar atrás, lejos, lejos de esta niebla>>.

Un melódico riff de guitarra acústica abre la cara B del vinilo de la mano de la agridulce "La vida real". Un sugerente medio tiempo que actúa a modo de canto de sirena. Engatusa mientras embelesa para llegar al remanso de paz que es el intermedio "Aero".

MERINA GRIS - "Zuloa" (Sonido Muchacho, 2025)

Sara Zozaya, Julen Idigoras y Paskal Intxauspe son MERINA GRIS, banda singular desde la enigmática estética, culminada con máscaras cubriéndose el rostro, hasta una expansiva sonoridad hyperpop tan poco sondeada por estos lares. El trío de Donostia se valen mayormente de su euskera natal para vestir líricamente sus temas, evidenciando que no hay que renunciar a las raices para sonar tan cosmopolitas como los que más.   

En este reciente lustro han ido dando sobradas muestras de su potencial corroborándolo con el lanzamiento de su segundo álbum, Zuloa (Sonido Muchacho, 2025). El título, "agujero" en castellano, será el concepto dual sobre el que gire el trabajo. Puedes caerte en él pero también puede ser por donde liberarte o refugiarte en uno, si fuera necesario.  

El disco arranca con esta intro ensoñadora que es "Aurpegian". Un respirar hondo para lo que está por venir, como "Nadie cuando lloro" y la primera aparición del "hoyo" en la escucha. El que fuera primer avance del álbum cuenta con la colaboración de Igoitz Mendez, alias Hofe, entrelazando su voz con la de Sara, enmarcando esa gruesa electrónica guiada por una marcial base rítmica. Embriagadora, compatible con el baile, sentenciando con el lapidario mantra: <<Muchos cuando río, nadie cuando lloro>>.

Los recovecos de la agridulce "lilili" son pura obra de orfebreria. Y es que las canciones de MERINA GRIS suelen llevar consigo giros inesperados, cambios de ritmo que te dejan ojiplático del gusto. Puedes incluso pasar por diversos estados de ánimo en lo que dura una pista de los vascos y "lilili" es buena muestra de ello. 

La contestataria "Hiru Damatxo", con sus trepidantes beats, denuncia la paulatina pérdida de identidad de ciudades como San Sebastián por la especulación inmobiliaria y la sobreexplotación turística, devorando sin piedad lo autóctono. 

"Lotu Zure Txakurrak" se cimienta sobre un firme tan poderoso como inquietante. Nos asalta una espesa niebla pese a la aparición latente de sus centelleantes sintes, alumbrando mientras hielan la sangre. El asfixiante ocaso coreando el título es la guinda de este arrebatador pastel.

"Mejor" es emotividad al cuadrado, con esa sección de cuerda orquestal abrazando un corte todo el bien jugoso. La única canción del conjunto cantada íntegramente en castellano transmite la desesperada lucha por salir del "foso" omnipresente en este trabajo. Esa paradiña en su ecuador, presentando el cambio de Sara a Julen en la voz para desgañitarse hasta el final, es de oírlo para creerlo. Llegado a este punto sería justo valorar la monumental auto-producción que contiene Zuloa. Cada programación, distorsión, el refinado trabajo con el autotune... todo está en su sitio, bien dispuesto al servicio de tus sentidos.

Hay canciones del disco que podrian opositar al clubbing y la cadenciosa "Origami" seria de las mejor colocadas. Aunque rítmicamente pueda resultar de las más luminosas aquí el fantasma de la soledad encandila a modo de canto de sirena. 

"Triste Dabil Aita" explora la vulnerabilidad de la figura paterna ante la adversidad. El desasosiego parece querer aliviarse con sus vivaces notas en paulatino subidón.

RINÔÇÉRÔSE - "Psychôanalysis" (YEEESS, 2024)

La experimentada dupla francesa formada por Patou Carrié y Jean-Philippe Freu vuelven tras siete años desde su anterior publicación en formato largo con, precisamente, séptimo álbum de estudio: "Psychôanalysis" (YEEESS, 2024). RINÔÇÉRÔSE se han agenciado nuevo productor con Vincent Leibovitz y vienen dispuestos a seguirnos hacernos bailar con su fórmula electro-pop bien hospitalaria a sonoridades como el funk, house, rock o disco. Es lo que vienen haciendo desde hace casi 30 años y ya parece que no van a cambiar.

 
El álbum contiene cuatro cortes cantados y ocho instrumentales arrancando con la rompepistas "Awake" y la intervención vocal del francés Benjamin Diamond asociándose con unos riffs guitarreros irresistibles. Le sigue "Teenage hormonal revolution" resultando adictiva a más no poder con esa crudeza eléctrica entrelazada a su naturaleza menea caderas.

  
El corte titular "Psychôanalysis" (videoclip insertado a pie de página) cuenta con la colaboración de la cantante sueca Izzy Lindqwister desplegando todo su poder de sugestión en una especie de electro-kraut que me vuelve loco. En "Metamorphism" asoma la cabeza un house respaldado por loops imposibles, rasgueos guitarreros y un bajo que se gusta y mucho, nada puede salir mal.

El bajo repite protagonismo en "My heroes and my ego" con un riff oscurillo que se marca a fuego mientras la envoltura rebosante de sugerente electrónica pone el resto a otro corte arrebatador.

"Sunny disposition" contiene la tercera intervención externa del conjunto con el inglés Bnann Watts al micro. Su melódico desarrollo se desmelena en el tramo final con un inesperado subidón. Nos sobreviene el último artista invitado de Psychôanalysis en "Addiction" con el galo Jessie Chaton y su falsete exterminador ligando a las mil maravillas con el alma funk del tema.

GRANDE AMORE - "III" (Ernie Records, 2025)

Nuno Pico respaldado por Clara Redondo y mariagrep forman GRANDE AMORE, hiperactiva formación capaz de confeccionar disco cada dos años  completando con este III (Ernie Records, 2025) el tridente presentación desde su aparición allá por 2019. Aún les ha sobrado tiempo para ir modelando su sonido pasando del electro-pop fundacional al techno-pop i electro-punk, hasta llegar al presente armados de saturado electro-rock con cabida para el post-punk y el noise más sinuoso.

Los gallegos juegan al despiste con esa solemne intro instumental "O meu nome é ningún" porque enseguida llega la energía desbocada de "Lonxe dos homes" con una monumental guitarra pidiendo paso a codazos hasta explotar con su incendiario solo.

En este trabajo hay dos momentos para el homenaje explícito a bandas y además aparecen pegaditas. Abre este melón "Ontes fun moi malo" basada en el "Denim Demon" de los noruegos Turbonegro pasada por el manto de excitada distorsión de Nuno y los suyos. Le sigue "Maldita sea mi suerte", trepidante versión de la original de Los Suaves.

Foto de Esther Estévez

La conmovedora "Lela", Nuno la dedica a su abuela, con su asfixiante naturaleza ruidista hiela la sangre mientras embelesa, bendita paradoja. Enorme medio tiempo, una de las canciones cumbre en la carrera de GRANDE AMORE. A esas guitarras hay que darles de comer aparte.     

La industrial "Tempo queimado" es de las más puramente electrónica del ramillete. Un hipnótico dark-wave ochentero que noquea del gusto. Igual que el post-punk de la animosa "Vou pa Árzua" (videoclip insertado a pie de página). Luego nos llega la gran sorpresa del disco con la participación del gran Nacho Vegas en "Ti máis eu". Una especie de retorcido duduá que te dejará ojiplático.

ANIMADORA - "Sobre lo visible" (EP 2025)

Andrea Podadera, Roi Calderón, Marco Martínez, Enrico Varagnolo y Carlos Medina forman el quinteto titular de ANIMADORA, una banda que reparte distorsión como ginseng para tus sentidos. 

En marcha desde mediados de 2022 la banda madrileña capitaneada por Andrea (ex-Neon October) lleva publicados dos EP's: Las Corrientes (2023) y el que nos ocupa en estas líneas, Sobre lo visible (2025). Suficiente material como para confirmarnos que estamos ante uno de los nuevos proyectos DIY (do it yourself) más estimulantes del panorama estatal alternativo. 

Cinco cortes, cada uno con su carta del tarot representada, en veintiún minutos y medio de ruidismo esotérico. Arranca con la tensión de "El Diablo: intramuscular". Un sentimiento de angustia invade la escucha como niebla que dificulta el avance. Las explosiones guitarreras culminan las estrofas a modo de rabiosos fuegos artificiales.

Nos sobreviene el empuje de "Los Amantes: radares". Menuda pegada, tenemos en frente la pista más inmediata del conjunto. Eso sí, seguimos surfeando la desesperación, su lírica nos lo confirma: <<En las olas abatida, ni me muevo y aun sabiendo yo flotar prefiero el descenso. Son las aguas las que viva me devuelven a orillas de una ciudad tan llena de muerte>>.

Seguimos bien provistos de sugestión con los sinuosos cuatro minutos de "El Ermitaño: espacios". Los iniciales embelesantes acordes guitarreros actuan como canto de sirena aunque ANIMADORA ya nos tuviesen abducidos desde el empiece de Sobre lo visible. La traca la pone el mágico break hacia su ecuador que la divide en dos o quizás en tres, si contamos el cambio anterior sobre el minuto y quince segundos.  

"El Carro: inmóvil" va avanzando melancólicamente hasta la llegada del sobrecogedor ocaso, con Andrea desgañitándose entre velos de poderío eléctrico. Y así que llegamos al final del EP de la mano de la lánguida "La Emperatriz: desgarro". Su espíritu acústico nos envuelve, casi como una caricia, haciendo más liviano el tránsito entre las sombras.

JOE CREPÚSCULO - "Museo de las Desilusiones" (El Volcán Música, 2025)

Joël Iriarte alias JOE CREPÚSCULO con 17 años de carrera y once álbumes de estudio en su haber, más un recopilatorio, se rebela más certero e ingenioso que nunca con el presente Museo de las Desilusiones (El Volcán Música, 2025). Y cuidado porque viene incorporando un plus de vulnerabilidad y melancolía, lo cual le hace tremendamente peligroso.

El electropop con tendencia al petardeo del catalán se ha ido refinando con los años aunque solo lo justo como para no perder su fresca pegada. La misma que demuestra ya desde el inicio de su nuevo disco con "Bailar y llorar" (videoclip a pie de página). Un corte in crescendo que nace de la vigilia para ir a parar directamente a la pista de baile, demostrando que el contorneo es perfectamente compatible con el sollozo. Enseguida llegamos a otro clásico inmediato de la discografía de JOE CREPÚSCULO, "Enamorado de tu reverb". Aquí demuestra una vez más su majestría a la pluma con versos como los iniciales: <<Lo que te envuelve es una especie de resplandor, una aurora que ilumina y me da calor. Ese poso que tú dejas cuando ya no estás, flota en el aire y no me deja respirar>>. Enorme corte con un estribillo tan evidente como pegadizo. Los violines en el tramo final son la guinda del pastel.

La locura de "Infierno de dulce", solo de saxo incluido, te puede colocar tanto en un  humeante cabaret como en un sudoroso garito disco-funk. Llega "Jessica" y con ella se despliega el lado más romanticón de Joël. Ultra melódica, con unos centelleantes sintes ochenteros jugueteando con el bajo hasta la aparición del título del disco y más allá. 

Foto de Alexander Gross

La conmovedora "Kamikaze" es la única canción del trabajo que no firma JOE CREPÚSCULO. Compuesta por su socio Aaron Rux resulta la más lánguida de las doce, con piano y voz al servicio de una lírica lapidaria: <<Y después de este baile ya no hay más, me quedo aquí contigo hasta el final>>. 

Recuperamos sensaciones más festivas con el flow retro de "Pequeño niño peluquero", con otra de las frases marcas de la casa que se grabarán a fuego en tu subconsciente: <<La vida es un trasquilón que hay entre mi pelo y yo. No sé salir, el medio se ha vuelto un fin>>.

Arranca la cara B del vinilo con el embrujo dance de "Karaoke español". Otra chaladura genial del barcelonés. Ni sus paradiñas en el estribillo pueden alejarnos de los flasheantes focos de la discoteque. 

"Hey" es la nostalgia elevada al máximo exponente envuelta en un duduá synth-pop. Unos violines son los invitados de última hora en otro corte desarmante de JOE CREPÚSCULO. Seguimos en la zona más apesadumbrada del trabajo con "Dejadme en paz". Con espíritu bipolar evoluciona des del intimismo más minimalista hasta la épica, mutando tras el break de su ecuador hacia un atmosférico synthwave.

ANNA ANDREU - "Vigília" (Hidden Track Records, 2025)

Tras gestar discos tan embelesantes como Els Mals Costums (2020) y La Mida (2022) ANNA ANDREU vuelve a hacerlo con su tercer álbum Vigília (Hidden Track Records, 2025). El triplete mágico que completan ella a la voz y guitarra con su pareja Marina Arrufat (batería, teclados, violín, viola y coros) y el productor de cabecera Jordi Matas, nos presentan un álbum con la melancolía como hilo conductor y un halo nocturno que envuelve, abraza, reconforta.

La conmovedora "Roja i espassa" arranca el disco muy arriba de hechizo con unos arpegios guitarreros que son pura caricia. La poética lírica que viste la obra de Anna va soltando sus primeras perlas: <<Sota la teva mirada quieta jo m’amagava dins una escletxa. Ara soc lava roja i espessa, demà la roca que no es belluga. I la teva boca que es torna muda i que ja no m’espera>>.

"Com puc" repite las palabras "añoranza" y "añoro" al inicio y final del tema a modo de ejercicio de simetría. Las plácidas notas suavizan el ambiente hasta hacer más llevadero su potente peso nostálgico.

Foto de Sílvia Poch

"No té nom" (videoclip a pie de página) es delicadeza al cuadrado vistiendo un poso agridulce. Los dos puentes después de cada aparición del estribillo, entrelazando guitarra acústica con pellizcos a la viola, ponen la guinda a otro exquisito corte.

Cogemos aire con el coqueto medio tiempo "Mentrestant", flow de batería incluido abrazando los sugestivos punteos guitarreros. Ya estamos listos para la sorpresa del álbum en forma de desmelene de Anna a la guitarra. Una que muta de aterciopelada en la estrofa, como viene siendo costumbre, a afilada en el estribillo, nunca mejor dicho tratándose de una canción de nombre "Navalla". Quizás recuperando sensaciones vigorosas heredadas de su antigua banda CÁLIDO HOME.

Violín y viola nos abren la puerta a "Sencera", continuarán acompañándonos durante su desarrollo, haciéndonos navegar entre la inquietud y la ternura. Nos encontramos ante un estribillo de aquellos que calan, especialmente en su segunda comparecencia, prolongándose hasta ponernos la piel de gallina, también por su letra: <<Quina condemna haver-te de somiar, duia un ciri a cada mà i regalimant la cera. Quina condemna haver-te de somiar, no em vinguis a buscar si no em vols sencera >>.

TRASHI - "Me acuerdo de todo" (Vanana Records, 2025)

Tras la publicación de un ramillete de singles y un par de EP's llegó el momento de que TRASHI debutara en formato largo con Me acuerdo de todo (Vanana Records, 2025). Sergio Nicolás (voz y guitarra), Luz Abril (guitarra), Luis Morera (bajo) y María Lázaro (batería) confirman los mejores augurios desplegados desde su ilusionante aparición en 2020 con el single "No me ves :(". 

 
Estamos ante un disco generacional donde los desasosiegos propios de cuatro jóvenes, con la nostalgia como leitmotiv dominante, son embalados en 14 canciones rebosantes de un evocador pop con flashes urban incorporados.

Me acuerdo de todo arranca con la bucólica instrumental "Intro" que enseguida da paso a "Reventarme", la primera en la frente de los murcianos. Que no te engañen sus luminosas notas, la melancolía manda y así seguirá durante gran parte de la escucha. Rasgueos guitarreros yendo de la mano de unos sintéticos coros dan la bienvenida al liviano autotune que lleva insertado Sergio, para acabarnos de ganar con un estribillo que se pega como chicle a tu zapato.

Foto de Jesús Leonardo

"Te encuentro" es pura frescura melodramática. El break con el piano después de la primera aparición del estribillo es de traca. Un corte que si durará un minuto más tampoco pasaría nada, te dejará con ganas de más. Como mínimo merece multiplicar por 10 sus reproducciones en streaming. 

La norteamericana Chelsea King es la primera de las colaboraciones del álbum apareciendo en la sugestiva "Dime baby" (videoclip a pie de página). Majestuosa, una cuesta abajo sensorial que atrapa, eleva y sana. 

"Coma profundo" tiene uno de los estribillos más rompedores de la carrera de TRASHI y eso es decir mucho tratándose de una banda con tanta pegada. Arrebatadora, con una lírica de acorde a la intensidad reinante: <<Siento que siempre he estado en un coma profundo, de que he despertado hace solo un segundo y ahora quiero verte. Y tu has dejado de esperar>>. El bajo aquí se muestra bien percutor, lo revienta.

Seguimos en modo ensoñador con "Tú y yo y nadie más", con una guitarra acústica que va abriéndose paso entre chispazos vaporosos hasta que llega el sorprendente contrapunto rítmico en modo de explosivo final. Uno que prácticamente se enlaza con "Por la noche" y la añoranza de alguien bien importante en tu vida servida en un vigoroso empaque guitarrero, sobretodo en su desgarrador estribillo.

La cara B del vinilo se despereza de la mejor manera con la canción titular y otro de aquellos estribillos que convierten un tema en clásico instantaneo. En "Me acuerdo de todo" la piel de gallina no será negociable. Enorme medio tiempo, colocando el listón de emotividad en la estratosfera. Los teclados pedían espacio de honor en el trabajo y ya se sabe, quien siembra recoge. Mientras, Sergio desgañitándose soltando versos demoledores: <<Dejé la puerta abierta para que volvieras y cuando me di cuenta, no, ya no es lo que era>>. Firme candidata a canción del año.

La trepidante "Uno más", con la intervención estelar de Zahara, se reivindica como hit incontestable. Un excitado saudade con bajo y guitarra entrelazándose hasta el nudo. Desprende tanta angustia como embrujo.

Necesitábamos un respiro y TRASHI nos lo facilita con un "Interludio" instrumental reparador. Será un espejismo sí, porque llega "Fentanilo" armado de un flow que puede resultar igual de adictivo. Lo sentimos, caímos en la tentación del chiste fácil.