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domingo, 29 de mayo de 2022

YAWNERS - "Duplo" (Montgrí, 2022)


YAWNERS es un proyecto de la guitarrista y compositora salmantina residente en Madrid Elena Nieto. Hace 3 años debutó en formato largo con  Just Calm Down (La Castaña, 2019), en el que exploró los sonidos más power-pop de los 90's, fundamentalmente los procedentes de la costa este norteaméricana con grupos de cabecera como WEEZER o PAVEMENT. Ahora, tres años después de su debut, nos trae Duplo (Montgrí, 2022), una confirmación tanto estilística como a nivel de proyección, de las expectativas generadas con su anterior referencia.

Elena va intercalando el castellano con el inglés en 31 minutos y medio, incluso mezclando ambos idiomas en la misma pieza como en "Honey". Inciso guitarreo cuando se precisa, otro más azucarado cuando se reclama, YAWNERS se manifiesta apta para todos los públicos y situaciones, incluso con un nuevo himno indie para dedicar en un aniversario, "Tu Cumpleaños", maravillosa, con sorprendentes vientos incluidos.

Duplo da vueltas a través de sus 10 canciones sobre los desasosiegos e incertidumbres de una veinteañera en este mundo tan rarito que nos ha tocado cohabitar. La nostalgia agitadora que abre el melón "No Me Digas"; el estribillo irresistible de "Suena Mejor";  el toque de gracia a esa relación tan especial que tiene Elena con los Weezer a través de la canción "Rivers Cuomo" (videoclip insertado a pie de página), hay que decir que el mismo cantante de la banda de Los Ángeles está encantadísimo con el tema; el dueto con los CALA VENTO en "Paranormal"; la deliciosamente agridulce "Something About You", mi preferida. Elena nos da motivos de sobra para disfrutar de la escucha.

sábado, 28 de mayo de 2022

THE NEW RAEMON, DAVID CORDERO y MARC CLOS - "Así Caen Los Días" (BMG Spain 2022)


THE NEW RAEMON, el genio del ambient estatal DAVID CORDERO y el multiinstrumentista MARC CLOS regresan después de un año del maravilloso A los Que Nazcan Más Tarde (BMG Spain 2021) con segunda entrega de una trilogía que se adivina esencial. Así Caen Los Días (BMG Spain 2022) ahonda en la melancólica belleza, aquella que toca la fibra, que remueve por dentro, redoblando los efectos balsámicos de la escucha.

El nivel de sugestión de este tridente es descomunal, lo demuestran desde la inicial "Ríe la Primavera". Con una calidez abrasadora, arrancando muy ambient para enseguida derivar hacia baladón absoluto, me atrevería a decir que incluso reclamando baile de agarrao, aunque la lírica marca de la casa de Ramón Rodríguez lo ponga en duda: <<Lejos del baile de máscaras y disfraces, me resisto a vivir bajo las normas y sus principios. Echo de menos el ruido de las persianas de tiendas de discos>>. Los vientos finales ponen la guinda a una hermosa bienvenida al álbum y así seguirán haciéndolo durante todo el trabajo.

Un definitivo riff de notas de piano nos acompañará mientras dure el tema titular. "Así Caen Los Días" conmueve con su evocadora naturaleza y sacude con sus inquietantes y demoledoras frases: <<Así caen los días en tiempos difíciles; todo está pasando en todas partes. Arde la hierba a los pies de un olmo, terribles porvenires duermen a su sombra. Así caen los días y bosteza la noche; cantan las cigarras en tiempos de guerra. Así caen los días>>.

 
"Florezca el Presente" es el momento pop del disco o al menos el que menos lejos está de la inmediatez. Hay que tener claro que Así Caen Los Días requiere de una audición tan relajada y sosegada como su contenido, lejos de la espiral de la prisa, tal como reza una de sus letras, el premio final lo vale.
 
La fuerza evocadora de "Un Impulso" es desmesurada con una solemne percusión abrazando ese embelesantes sintes y vientos mientras Ramón se explaya con versos como: <<La luz es nuestra jugando al ajedrez. Brilla el sol en el tablero, recuerdo de un viejo mundo. Un día no tuve nada; ahora, un cambio en la mirada, una llama extinguida hasta dolerme.>>

La sombra de THE CURE es alargada para estos tres y "La Sociedad Ordena Las Cosas" lo corrobora, llevándonos de la mano hacia uno de esos momentos dónde hay que permanecer más de lo prudente, "Todas Esas Palabras". Una delicada caja de ritmos dando paso al dueto mágico formado por guitarra y bajo que van haciendo de la suyas durante todo el metraje. Sumamos esos sutiles flashes de sintes, una electrónica vaporosa y Ramón  echando el resto: <<Malas palabras para todos los gustos armando ruido, mucho ruido, metiéndonos en líos, en el torrente del río, armando ruido, mucho ruido. Crepitan en la hoguera, buscan su sitio, armando ruido.>> 

La desgarradora "Los Molinos", por momentos casi fantasmal, nos llega a lo más profundo del alma. Ramón luciéndose sobremanera, tanto vocalmente como con su poesía: <<El cielo es de ceniza y estoy a su merced. Ay de mí, siempre suyo seré. Sé lo que se siente cuando todo apesta, esclavo de la culpa y el protocolo. / Todo el mundo es culpable, todo el mundo, mientras muelen el tiempo los molinos.>>

"Todo Lo Que Conocemos" se manifiesta como bipolar con su dulce ritmo chocando frontalmente con la inquietante lírica: <<Todo lo que conocemos es el cuerpo. Cada pecado contiene su infierno, pozos profundos en los que aprender. Me sigue asombrando el cielo nocturno y mi propio cuerpo roto en el arcén.>>

jueves, 26 de mayo de 2022

THE KILLERS - "Pressure Machine" Deluxe (Island Records, 2022)


Ya les tenía ganas a los THE KILLERS, hace demasiado tiempo que me tenían cabreado, la verdad. Casi había perdido la esperanza y es que después de parir dos discos que los catapultaron a lo más alto, Sam's Town (2006) y Day & Age (2008), se dedicaron a exprimir el producto llena estadios, olvidándose de la esencia de la música en mayúsculas, o lo que vienen siendo buenas melodías vistiendo estimulantes historias.

Mientras hay vida hay esperanza y Brandon Flowers como vocalista y sintes, Dave Keuning en la guitarra, Mark Stoemer en el bajo y el baterista Ronnie Vannucci Jr volvieron el año pasado por la puerta grande, totalmente redimidos con Pressure Machine (Island Records, 2021). Estamos frente al disco más emotivo, reflexivo y conmovedor de la carrera de los THE KILLERS.

Yo me la juego, como si estuviera en su ciudad Las Vegas, tiro los dados y sale que se trata de su obra magna. Pues no satisfechos con eso, en 2022 publican una edición Deluxe muy especial, con siete canciones más. Lo de “especial” viene al cuento de que han presentado varias versiones sobre tres de los cortes contenidos en el disco madre. Respetando la letra les han cambiado totalmente la melodía, dando una vuelta más de tuerca, tanto a las mismas canciones como a la grandiosa obra conceptual que es Pressure Machine.


Vamos yendo al meollo.
Brandon Flowers como máximo compositor ambienta el disco en el pueblo donde vivió desde los 10 a los 16 años, Nephi en Utah. Una comunidad de unas 5000 personas con campos de trigo, una estación de tren, una fábrica de caucho (de ahí el nombre del disco) y poco más. Country-rock y americana para mostrarnos el corazón del país, con relatos de pérdida, tragedia, depresión, desencanto y añoranza. Todo esto tiene cabida en la vida de un pequeño pueblo de la américa profunda, alejado de todo, incluso del tan suspirado sueño americano.

Las canciones además contienen una intro en forma de comentarios de los propios vecinos de esa pequeña localidad.
 
“West Hills” arranca el disco a modo de presentación de lo que es la vida en un lugar como este, con sus luces pero sobre todo también sus sombras, con la religión muy presente. En este caso concreto la droga se erige como fatal protagonista, vehículo para escapar y al mismo tiempo para encadenarte, nunca mejor dicho teniendo en cuenta cómo termina esta historia. El piano, el violonchelo, el violín y la mandolina, junto con una desgarradora interpretación de Brandon, son su maravillosa envoltura.

Como de las más inmediatas y luminosas del conjunto tenemos a “Quiet Town”, aunque con la nostalgia muy presente. Expone la tranquilidad de la vida sencilla, poniendo como eje vertebrador el tren, puerta de entrada y salida de la monotonía. También como culpable de que de vez en cuando ocurra algo en el pueblo, como se lleve por delante a alguien cada cierto tiempo.

“Terrible Thing” es la pista más acústica y triste del disco, contando una historia de depresión y posterior suicidio a causa de la homofobia. Guitarra, armónica, un casi imperceptible sintetizador y la voz de Brandon al servicio de un tema estremecedor.

El desencanto religioso se muestra en “Cody” donde nos sorprende el solo de guitarra eléctrica cargado de distorsión hacia el minuto 2:20" de Dave Keuning, haciendo tambalear por un momento la quietud global del disco.

"Sleepwalker” es ya otro clásico en la carrera de los THE KILLERS.  Un oasis de vitalismo y positivismo dentro de este espléndido Pressure Machine, poniendo el valor el vivir, superando de la mejor manera posible los obstáculos que te vayas encontrando. Cuidado con la mandolina, aquí jugando un papel definitivo.

La melancólica “Runaway Horses” cuenta con la colaboración de la cantante de indie-folk americana Phoebe Bridgers. Un tema precioso, tal cual. Con espíritu acústico pero a la vez lleno de sutil instrumentación como la guitarra pedal steel, el piano o los violines, enriqueciendo aún más si cabe su atmósfera reflexiva.

La agridulce “In The Car Outside” quizá sea una de las canciones con el ADN más THE KILLERS del disco. Épica, in crescendo, incluso brincable, con un idilio inicial entre bajos y sintes al que se van añadiendo la batería percutora y unas tremendas guitarras.

“In Another Life” juega al despiste. Su instrumentación y línea melódica es luminosa pero su lírica es amargura por un tubo, la de pensar en lo que hubieras podido ser y en qué te has quedado. ¿Has quedado atrapado por tu propio pueblo o por las decisiones tomadas?

El trabajo de la guitarra de “Desperate Things” es brutal, así como el del piano. Un corte que supura dolor por los cuatro costados, incluso resultando por momentos inquietante, aunque Brandon con su tono de voz intente rebajar la intensidad emotiva reinante. La letra va de un policía que se enamora de una víctima de violencia de género y acaba asesinando a su marido.

La vida pasa por delante de nuestros ojos y mientras, ¿qué hacemos? La canción que da título al disco “Pressure Machine”, habla de esto, de cómo se nos escapa de las manos el tiempo. Precioso corte, con el falsete de Brandon embelesándonos en el bellísimo estribillo. El delicado solo de violín que nos acompaña durante el último minuto del tema es la guinda del pastel.

La calidez de “The Getting By” cierra el disco con un hiper-sensorial desdoblamiento coral del estribillo hacia el segundo minuto y rondando el tercero, originando unos de esos momentos en los que te querrías quedar toda la vida. Otra perla para despedir el enorme álbum de 2021 Pressure Machine.

jueves, 19 de mayo de 2022

TRENTEMØLLER - "Memoria" (In My Room, 2022)


Desde su álbum del 2013 Lost, incluido, todas las portadas de los lanzamientos del productor y compositor de música electrónica Anders TRENTEMØLLER se han teñido de blanco y negro. De hecho siempre la oscuridad, el negro, ha mandado en los ambientes y sensaciones que nos transmite el danés. En su sexto disco de estudio Memoria (In My Room, 2022) empezamos a advertir algo de blanco, pero sin hacernos demasiadas ilusiones, Anders es Anders. Aún así parece que los nubarrones escandinavos tienden a disiparse o al menos darnos una tregua en algún que otro lance de este trabajo. A lo mejor ser padre de un niño de dos años haya tenido algo que ver en ello y del significado conceptual de la "Memoria" como nexo de unión de las 14 canciones que componen su más reciente obra. TRENTEMØLLER, como todos, se va haciendo mayor, ahora también con responsabilidades familiares, por lo que el ejercicio reflexivo de mirar hacia atrás (memoria de largo plazo), pero también para avanzar en la vida (memoria de corto plazo), puede hacerse imprescindible.

Coincidiendo con la referencia que hacía en el anterior párrafo sobre Lost (In My Room, 2013), desde ese trabajo el danés ha ido virando hacia terrenos dark wave y post-punk 80's. Con Memoria sigue añadiendo elementos más eléctricos que electrónicos a su propuesta, con texturas ampliando su tendencia hacia el dream-pop y el shoegaze.

"Veil of White" abre el melón con unos cálidos acordes de guitarra dándonos la bienvenida junto a la arrulladora voz de su pareja y colaboradora habitual en los últimos tiempos, Lisbet Fritze (cantante y guitarrista de la extinta banda Giana Factory). Un corte tan sedante como bello, una entrada flotando entre nubes hacia el universo emocional de TRENTEMØLLER.

La belleza de "No More Kissing In The Rain" (videoclip insertado a pie de página), mi preferida del disco, hace que nos derritamos del gusto. Dream-pop de alto copete, todo un clásico instantáneo en la carrera del danés con esas múltiples capas de sintes sirviendo en bandeja de plata la melodía, una base cadenciosa, ese bajo, la voz de Lisbet... pura maravilla.

Foto de Karen Rosetzsky

La instrumental "Darklands" de entrada no puede resultar más explícita en su título, aunque lleva sorpresa. Si fuera cantada diríamos que la "estrofa" si que nos arrastraría hacia esas "tierras oscuras" a las que hace referencia, pero luego el ultra melódico "estribillo" nos rescataría para ponernos completamente a salvo.
 
Con "Glow" nos encontramos ya bien instalados en esos terrenos plácidos a los que nos trasladaba la parte más "amable" del anterior corte. Electrónica percutora marca de la casa acompañada por vaporosos rasgueos guitarreros y un señorial riff entrando a partir del minuto 1:16". Todo el empaque en sutil in crescendo, con equilibrio perfecto entre crudeza y ritmo.

"In The Gloaming" fue el primer avance del álbum, la pista más inmediata del trabajo. Ensoñadora, sugestiva a más no poder, con un hipnótico riff de sintes marcando bíceps durante la travesía. Otra perla, vamos. 

"The Rise" muta en su segundo minuto de inquietante a claustrofóbica coincidiendo con el aumento exponencial de sus BPM. Mientras "When the Sun Explodes" nos envuelve en un manto de relativa placidez con su arrebatadora y etérea electrónica. Para cerrar este tridente de instrumentales, también la considero así pese a sus escuetos coros, nos llega el bajo sentenciador de "Dead Of Alive". La cargante percusión, su turbadora distorsión, las voces fantasmales y los centelleantes sintes completan un corte tremendamente sugestivo.

Un riff de guitarra es el armazón sobre el que se sujeta la dulce melancolía de "All To Soon", otro himno dream-pop a la saca de Anders. Recuperamos ese aire enigmático que suele venir de la mano del danés con el ambient balsámico de "A Summer's Empty Room" y una guitarra muy a lo Twin Peaks de Baladamenti.

Con la opresiva "Swaying Pine Trees" nos adentramos en un denso bosque de electrónica 100% TRENTEMØLLER, quizás repleto de esos pinos a los que hace referencia su título. Menos mal que llega la ensoñadora "Drifting Star" para reconfortarnos con unos centelleantes sintes abrazando esas lánguidas notas de guitarra.

domingo, 8 de mayo de 2022

DORIAN - "Ritual" (Intromúsica, 2022)

 

Cuatro años después del excelente Justicia Universal (Intromúsica) DORIAN regresan hambrientos de mutación y evolución con Ritual (Intromúsica, 2022). Y es que mucho ha acontecido en el mundo desde 2018, concentrado sobre todo en los dos últimos años. Marc Dorian (vocalista, guitarras y programaciones), Belly Hernández (teclados y coros), Bart Sanz (bajo), Lisandro Montes (guitarra, teclados), ahora como cuarteto tras la marcha de Víctor López (batería y percusiones), condensan sus recientes experiencias vitales e inquietudes musicales en los cuarenta minutos más heterogéneos y cosmopolitasde toda su carrera.  

El viaje comienza con "Mundo perdido", enseguida olisqueando esa riqueza multicultural a la que hacía referencia a través de una base de percusión tropical jugueteando con sutiles arreglos orquestales, para culminarlo con la intervención del MC británico Youthstar y rapeo contestatario como: <<Man it's time to take back the power>>. Le da la réplica a Marc cuando éste reza aquello de <<Días de furia, días perdidos. Vida sin libros, vida de olvido. Vida con dogmas, vida dormida. Vida sin arte, vida sin vida>>.

Esa especie de tic-tac de reloj que inicia la cálida "Dos vidas", con espíritu de balada pasional añadido, parece reivindicar la importancia del tiempo, se confirmará en el siguiente corte. DORIAN aquí parafrasea Gabriel García Márquez en el estribillo: <<Porque a un solo día sin ti son cien años de soledad, nunca miramos hacia atrás, siempre buscamos algo más>>. Luego sentencia con lo que: <<Dos vidas quiero para ti, dos vidas quiero para mí, porque una sola no nos da para explorar esta unidad>>. El cierre en francés es la guinda para un corte tan elegante como sugestivo.

Foto de Sergi Margalef

"No dejes que pase el tiempo" con el acompañamiento vocal de Ana Mena, es un buen ejemplo de la desinhibición mainstream que la banda a acogido de cara a este lanzamiento. Lo curioso es que el resultado no nos aleja demasiado de los DORIAN más genuinos, señal inequívoca que los barceloneses tienen unos cimientos de identidad bien sólidos.

Los teclados de la melancólica "Rubik" son una maravilla, encajando a la perfección los coros y la caja de ritmos. Luego ya entrando unos sintes marca de la casa hacia el ecuador del tema y hasta el final, en uno de los cortes más marca de la casa del conjunto.

"Libre" nos devuelve al ejercicio de fusión y diálogo transatlántico que es conceptualmente Ritual. Esta vez con ayuda vocal de la colombiana Lido Pimienta junto a una reinterpretación que hace la banda del ritmo de la chacarera, tradicional del norte de Argentina. Arrebatador corte, además con fuerte carga motivacional, que buena falta nos hace, así concluye: <<lo que soñamos se hace realidad>>.

Estimulantes sabores indígenas nos invaden en "Lento", otra de las canciones protesta de este trabajo. El cóctel entre la estrofa aborigen, el cegador estribillo synth-wave y su vehemente lírica, hace que se declare como uno de los cortes más sorprendentes de Ritual

"Energía rara" es la más adictiva del trabajo con un estribillo que va a ser de los más coreados en los directos de DORIAN. Synth-pop de quilates compuesto a cuatro manos por Marc y el reputado productor Alizzz. Acompañamos su delirante videoclip cerrando esta página, no te lo puedes perder.

Foto de Sergi Margalef

El estimulante new wave de "Tornado" recrimina la especulación inmobiliaria global que obliga al que menos tiene a malvivir en suburbios o barrios marginales y en general el abuso del poderoso a base de corrupción, evasión de capitales etc. 

"Techos de cristal", con ese flow hip-hopero omnipresente, pone el foco en la aún bien visible discriminación de la mujer. Parece mentira que en pleno siglo XXI vayamos abocados a la involución. <<Por todas las que no pudieron estar. Por todas las que pelearon sin poder avanzar. Eres quien hace hoy la revolución. Mujer del siglo XXI tu tienes la razón>>, poco más a añadir.

domingo, 1 de mayo de 2022

BIZNAGA - "Bremen No Existe" (Montgrí, 2022)


Jorge Navarro (bajista), Álvaro García (guitarra y voz), Pablo Garnelo (guitarra) y Jorge 'Milky' Ballarín (batería) forman BIZNAGA y ya van por su cuarto trabajo discográfico con Bremen No Existe (Montgrí, 2022). Punk-rock marca de la casa con cada vez más apego por las melodías pop, forjándose desde 2011 una trayectoria incontestable.

En el cuento de los Hermanos Grimm Los músicos de Bremen cuatro animales (un burro, un perro, un gato y un gallo) están condenados al sacrificio por considerarlos sus dueños demasiado viejos y no resultarles útiles. Por lo que huyen hacia la ciudad alemana de Bremen, considerada abierta y acogedora, para sobrevivir haciéndose músicos. Pues bien, BIZNAGA lo tienen claro, Bremen No Existe, no hay futuro, no queda hielo. La banda recoge el desaliento y la frustración de las últimas generaciones en forma de colección de canciones con la sonoridad más reluciente e inmediata de toda su carrera.
 
Foto de Carmen Morago

El disco no podía comenzar más explícito en torno a su concepto: <<Ahora que tenemos treinta y tantos, que no nos une el amor sino el espanto, la euforia es el disfraz de la desafección y dura lo que dura video de Tik Tok>>. "Líneas de Sombra" lo puede escupir más alto pero no más claro, referencia literaria incluida, sirviéndonos de lanzadera perfecta para aterrizar en uno de los estandartes del álbum, la melancólica "Domingo Especialmente Triste", con la colaboración vocal de Isabel Cea (Triángulo de Amor Bizarro) en su irresistible estribillo, acompañamos videoclip a pie de página. Aquí tendríamos un buen ejemplo para cuando apuntaba el aumento del poso melódico en las recientes composiciones de BIZNAGA.
 
<<Dime, ¿El futuro era esto? No, no por favor>> Eso reza el estribillo de "Espíritu del 92" siguiendo con el talante contestatario que tanto caracteriza a BIZNAGA y a este trabajo en particular. Mientras, llegamos a "Madrid nos Pertenece", con el idilio más cristalino entre guitarras y bajo, ambos instrumentos luciendo ultra limpios y cadenciosos.

Momento para la auto-referencia en "Cómo Escribimos Adalides De La Nada", con un cierre lírico que no puede ser más demoledor: <<Juventudes comatosas, juventudes abolladas, Adalides de la nada>>. Le sigue "Contra Mi Generación", con Álvaro desgañitándose en el estribillo dándose de ostias con su fuerte carga melódica.

sábado, 23 de abril de 2022

NICZERO9 - #NZ9 (Dog From Hell Records, 2022)


Los productores Josep Arnan y Oscar Cortés forman NICZERO9 y ahora publican su primer lanzamiento en formato larga duración, tras aquel lejano mini-LP "99 Millions de Segons" (Astro Discos, 2005). En su momento enfocados al rock-ambient pasado por el tamiz electrónico. 

En esta ocasión NICZERO9 muestra un claro dominador en lo que respecta al espectro estilístico de las otras bandas de sus componentes, CAMPING por parte de Oscar y TIGER MENJA ZEBRA en el caso de Josep. No queda ni rastro del poso post-rock de los primeros, #NZ9 adopta la dosis justa de la electrónica visceral de los Tiger, mayormente a base de breakbeat y techno-industrial, alterándola hasta darle carácter de marcada tendencia al baile.


"#Begin" abre el melón al modo apisonadora rave para luego apaciguarse los ánimos con el melódico trance de #KeepOnMoving y el atmosférico ambient de #LoveHaters. Cuidado con esta última que juega al despiste, su segunda mitad inyectará ritmo a tus caderas.

"#4" atesora uno de los títulos más explícitos del momento. Parida aparte, el cuarto corte de #NZ9 seguirá provocándote el baile con sus hipnóticos beats. Le sigue la tribal "#RobbersOnSuit", otro rompepistas, para cerrar el trabajo con "#Off", no podía ser de otra manera. Ocho minutos y medio de magnética sugestión, del mejor Detroit techno para despedirte muy arriba de hechizo electrónico, al más puro estilo NICZERO9.

martes, 12 de abril de 2022

VULK - "Vulk Ez Da" (Montgrí, 2022)


Julen Alberdi (guitarra), Andoni de la Cruz (voz y guitarra), Alberto Eguíluz (bajo) y Jangitz Larrañaga (batería) son VULK, banda que tras cuatro años desde su anterior lanzamiento vuelven al candelero discográfico con Vulk Ez Da (Montgrí, 2022). Lo hacen con cambios sustanciales; consumándose el relevo a la batería del anterior miembro Javier Marco por Jangitz, canjeando su alternancia del euskera con el inglés por la presencia total del primero e inyectando una mayor dosis de crudeza y poderío a su propuesta post-punk. 

Que el disco se grabara en analógico en Atala Estudioa (Beri, Navarra) por Íñigo Irazoki (BELAKO, AINARA LEGARDON) con el cuarteto tocando al unísono, seguro tiene mucho que ver en la transmisión de ese plus de energía al que hacemos referencia. Todo al servicio de unas letras que exponen retales de convivencia inherentes a la condición humana, sin filtros, desde una afilada objetividad. 

Canciones adictivas como el arranque, nunca mejor dicho con ese sonido de motor de fondo añadido, "Hamar Lagun Baten Kontra" (Diez contra uno). Percutoras como el bajo en "Amodioa Kartzelan" (Romance en la cárcel), con la sorprendente complicidad de unos vientos arrolladores. Hablando de bajo, su riff en "Gaua Eta Odola" (Noche y sangre) tampoco es cojo, junto a unos arrebatadores cambios de ritmo rondando el 2º y 4º minuto del metraje. A que, para recovecos los de "Mailua" (El martillo), comprimidos en el que es el medalla de plata de los cortes más breves del conjunto con sus sugestivos 2 minutos y 8 segundos de reloj.

Foto de Aitor Mendilibar

El vivaracho riff guitarrero de "Laguna" (Amigo) nos acompaña al cierre de la cara A del LP con el amor fraternal por bandera y unos paros en su desarrollo, como para permitirnos coger aire ante lo que nos queda por escuchar. 

La inquietante "Militantzia Sutsua" (Militancia apasionada) con 6 minutos y medio donde pasarse del idilio inicial entre el bajo y la percusión a su explosivo ecuador. Luego se avanza soltando lastre hasta acabar vacíos, exhaustos, pero gozosos tras ser testigos de uno de los cortes más abrumadores del trabajo. Prácticamente viene hermanada con "Agurra"(Despedida) y ese hipnótico trabajo de las voces.

domingo, 10 de abril de 2022

ANNA ANDREU - "La Mida" (Hidden Track Records, 2022)

ANNA ANDREU ya tiene segundo álbum de su carrera en solitario con La Mida (Hidden Track Records, 2022). Si en el espléndido Els Mals Costums (2020), Anna desviaba su pasado country-folk como co-líder de CÁLIDO HOME hacia la canción de autor mediterránea, con cierto apego al pop y regusto lo-fi; ahora le inyecta más ingravidez aún a su propuesta con la incorporación de texturas electrónicas y un mayor peso de los sintetizadores.

Jordi Matas sigue ejerciendo de productor de cabecera de la de Sant Quirze del Vallés (Barcelona). En esta ocasión incluso notándose más su embrujo, precisamente por ese abrazo a atmósferas más sintéticas que mencionaba en el anterior párrafo.

Anna (guitarra y voz) vuelve a contar con Marina Arrufat (batería, teclados y coros) para condimentar esta delicatessen sonora que es La Mida. Arranca con "Penyora" y una estrofa que de entrada te deja sobrecogido: <<Duia una pena tan gran sobre una esquena tan petita. Com si fos ferro infernal, era oberta la ferida (Llevaba una pena tan grande sobre una espalda tan pequeña. Como si fuera hierro infernal, estaba abierta la herida)>>. Una de las tantas virtudes de ANNA ANDREU es que puede expresar amargura sin perder ni por un segundo esa calidez balsámica característica, con unas notas de guitarra que ayudan y mucho. Al final la cosa parece encauzarse un pelín, tal como reza su letra en el estribillo: <<És fàcil d’entendre que he perdut el centre però no serà per sempre (Es fácil de entender que he perdido el centro pero no será para siempre)>>.


"La Certesa" fue el avance del disco y ya dejaba entrever el incipiente idilio entre guitarra y teclados. ¿Me he vuelto loco o esos últimos, junto al cadencioso ritmo de la percusión inyectan un flow al tema que lo convierte incluso en bailable? Eso si, seria un "baile" sutil, vaporoso.

FERRAN PALAU hace su entrada triunfal en La Mida cantando a dúo "Un Son". El resultado no podía ser más maravilloso, no sólo porque son dos voces que transmiten lo que no está escrito, sino porque precisamente lo que si que está "escrito", como ya es habitual en el trabajo de Anna, es otra exquisitez: <<Sóc l’angle mort on tu t’amagues fins que es destapi el desastre. Seré el punt cec que no esperaves i ho pagaré molt car (Soy el ángulo muerto donde tú te escondes hasta que se destape el desastre. Seré el punto ciego que no esperabas y lo pagaré muy caro>>. Esos flashes bluseros de guitarra firman la sentencia de esta maravilla.

"La Força i el Temps" lleva en su ADN bien marcado la secuencia lírica de ANNA ANDREU, como demuestra ese inquietante break rondando el segundo minuto y el verso: <<I em somio morta sense dol ni plany i tu obres la porta de bat a bat (Y me sueño muerta sin luto ni lamento y tú abres la puerta de par en par)>>. La dulce voz de Anna y esa manera tan aterciopelada de tocar la guitarra camufla una tenue penumbra, más marcada en este álbum que en el anterior.

Con "Hores per Dies" llega el momento más "pop-metafísic" de La Mida, digamos que sería algo así como la marca de la casa más palpable de su sello Hidden Track Records. Pura belleza, Anna armada solo con la voz junto a unos coros inanimados y etéreos sintes, más que suficiente para vestir de seda sus hermosos versos: <<Tinc la virtut i la falta com l’ocell que mor en vol i no cau de l’estol i suspès com el sol ell només viu de l’aire (Tengo la virtud y la falta, como el pájaro que muere en vuelo y no cae de la manada y suspendido como el sol él sólo vive del aire)>>.

miércoles, 6 de abril de 2022

THE CLASH - "London Calling" (CBS Records, 1979)


En el ocaso de este 2022 se cumplirán 43 años, qué viejos nos hacemos, del lanzamiento de uno de los trabajos más gloriosos del rock, el doble LP de los THE CLASH de 1979 London Calling (CBS Records, 1979).

La banda liderada por Joe Strummer (nacido en 1952 en Ankara -Turquía- donde su padre ejercía de diplomático británico) y Mick Jones (nacido un año después en Londres), con su tercer álbum publicado el 14 de diciembre de 1979, entran por la puerta grande en el Olimpo de los jefes musicales. Aquellas navidades de 1979 las vitrinas de las tiendas de discos fueron ocupadas por THE CLASH y los PINK FLOYD con el disco "The Wall", otro clásico. Paradójicamente, aunque musicalmente nada tienen que ver, ambas obras abordaban temas sociales y políticos de interés, tanto para su generación como para las anteriores.

Vayamos por partes, THE CLASH es uno de los grupos esenciales surgidos del punk, originada a finales de los años 70's, con dos rasgos diferenciales de otras formaciones coetáneas como los SEX PISTOLS o RAMONES, que se caracterizaban por su simplicidad musical y nihilismo lírico. El primero es que incorporaron magistralmente estilos diversos como el reggae, rock, rockabilly, ska, rhythm and blues, jazz, hardcore, funk y dub, entre otros variados, dentro de su repertorio. La segunda es que lo hacían desplegando un sentimiento de rabia y rebeldía política, con una marcada ideología de izquierdas y reivindicación social y política. Activos diez años, desde 1976 hasta 1986, la banda dejó profunda huella en la historia de la música moderna.

Volvemos al año 1979, la conservadora Margaret Thatcher acaba de tomar posesión como primera ministra del Reino Unido. La conocida con el apodo de "La Dama de Hierro" aplicará una agenda de privatizaciones y recortes sociales a saco. Aunque los THE CLASH ya llevan publicados de dos discos esenciales para el género, como son el homónimo The Clash (1977) y el Give'em Enough Rope (1978), siendo uno de los pilares de la explosiva escena punk británica, están muy lejos aún de gozar del éxito popular necesario para tener garantizada una subsistencia económica. Tampoco tiene pinta de que el propio movimiento punk deba sobrevivir comercialmente y la Thatcher bien parece encarnar la representación material de su derrota.

Con este panorama, más bien poco alentador, el cuarteto británico completado por Paul Simonon al bajo y Topper Headon como batería, se apuntan a una huida hacia delante publicando un doble álbum, icónico ya desde su portada, con foto del bajista Simonon destrozando contra el suelo su instrumento. Además adoptaron en el título del disco la misma tipografía que el disco debut del ELVIS PRESLEY. En London Calling THE CLASH confirman el despliegue del arsenal de géneros musicales conformando un caleidoscópico mural sonoro al servicio de su habitual lírica contestataria. Un disco que tiene un hilo conductor, la derrota, donde los protagonistas de las canciones son los perdedores

El título del tema inicial (videoclip insertado a pie de página) que también da nombre al disco, fue inspirado en los llamamientos que transmitía la BBC durante los bombardeos alemanes en la capital del Reino Unido en la Segunda Guerra Mundial (“This is London calling…”, “Esto es Londres emitiendo…”). Se transformó en eso, la llamada desesperada de una generación. 

El rockabilly de "Brand New Cadillac" es una versión de la canción de 1959 originaria del cantante también británico Vince Taylor. Viene por orden seguida del encantador swing de "Jimmy Jazz".

En la canción "Hateful" se trata el poder destructivo de la droga, especialmente inspirado por la que era reciente muerte del bajista de SEX PISTOLS Sid Vicius, amigo de Joe Strummer. Luego vendría la fresca fusión reggae/ska de "Rudie Can't Fail", que nos habla de los Rude Boys, la primera generación de ingleses nacidos de padres procedentes de Jamaica y que a menudo eran víctimas de la xenofobia y el acoso policial. 

Llega el power-pop de "Spanish Bombs", homenaje a la resistencia del bando republicano en la Guerra Civil Española donde se nombra también al gran Federico García Lorca. Aquí el vínculo sentimental de Strummer con Granada se nota y mucho.

El rhythm and blues de "The Right Profile" tiene como protagonista  al actor norteamericano Montgomery Clift con letras que nombran su accidente de coche y el posterior abuso de alcohol y drogas. El tiempo que va desde su accidente en 1956 hasta su muerte en 1966 fue conocido como "el suicidio más largo de la historia de Hollywood". Realmente Strummer la dedica de forma encubierta a su productor Guy Stevens, adelantándose a su muerte por sobredosis de fármacos sólo dos años después de la grabación de London Calling.


En la melancólica perla pop "Lost in the Supermarket" Strummer intentó dibujar la infancia de su compañero Mick Jones, que creció en unos bajos de las afueras de Londres con su madre y su abuela. Jones cantó la canción a petición del mismo Joe, que la definía como "un relato de superación". También funciona como una crítica al consumismo, un dos por uno en toda regla.

El corte punk-rock "Clampdown" está dedicada a la juventud rebelde que lucha contra el orden establecido, mientras que el maravilloso reggae de "The Guns of Brixton", compuesta por el bajista
Simonon, está inspirada con Brixton, la zona del sur de Londres donde creció y donde solían sufrirse disturbios en la calle, brutalidad policial incluida.
 
El segundo LP arranca con "Wrong 'Em Boyo", una versión en clave ska de la canción rocksteady del mismo título de la banda jamaicana THE RULERS publicada en 1967, que a su vez ya era una cover del cantante de rythm and blues estadounidense Lloyd Price y su canción "Stagger Lee" de 1958.

Con uno de los temas más cercanos al pop del disco, "Death or Glory", se mofan de la escena punk, hablando de cómo todos los jóvenes rockeros rebeldes finalmente crecen y se apoltronan dentro de la sociedad capitalista. Precisamente éste es el destino que los THE CLASH querían evitar.

"Koka Kola" (con todas las "C" con "K") es la canción más corta del trabajo con su minuto y 48”. Suficientes para vestir certeramente una letra sarcástica y crítica, con evidente doble sentido entre la Coca Cola y la cocaína en el mundo de los negocios y sobre las cloacas del capitalismo. Después la melódica y dramática "The Card Cheat", aliñada con una trompa y con un inusual protagonismo del piano, centrándose en un jugador solitario al que finalmente se le acaba la suerte.

"Lovers Rock" es un estilo de música reggae gestado en la Inglaterra de mediados de los años 70 caracterizado por su sonido y contenido romántico. La canción tiene el mismo nombre pero con el apóstrofe entre la “r” y la “s” en el "Lover's", como "Rock del amante" y no como "Amantes del Rock" (el estilo musical). Aquí se juega al despiste ya que parece tratar sobre la diferencia entre el sexo por disfrutar y la procreación, lo que llevó inicialmente acusaciones de sexismo a la banda, pero desde el segundo verso queda claro que Joe Strummer sólo está parodiando canciones de reggae con letras sexuales.

viernes, 1 de abril de 2022

BONITX - "Soft butch" (El Genio Equivocado, 2022)


Bonitx (léase como "Bonite") nos desarmó con su revisión del synth-pop 80's fusionándose con elegantes trazos de guitarra eléctrica y exquisito empleo de la caja de ritmos junto a un sutil autotune. Todo ello tenía cabida en su espléndido debut discográfico homónimo publicado justo hace un año. Volviendo al presente, Edu Rubix vuelve a agitar nuestro tímpanos dándole una vuelta y media a su sonido con su nuevo álbum Soft butch (El Genio Equivocado, 2022).

Ahora el R&B y funk son los ritmos jerárquicos con una guitarra más protagonista que en la anterior referencia de la barcelonesa. Las experiencias vitales acumuladas e inquietudes como persona no binaria siguen siendo el lienzo sobre el que desplegar su deslumbrante talento compositivo. Esta vez pero, desde una vertiente más empoderada y rehabilitadora, como si con el primer álbum hubiera limpiado su aura de inseguridades y desasosiegos.

Foto de Blanca Arias

Un cálido riff de guitarra nos abre la puerta a Soft butch con "Tan sola" y Edu jugando al despiste en lo que se refiere a la temática, sería algo así como la excepción que confirma la regla del conjunto. Su corte más apesadumbrado, con las secuelas de una ruptura sentimental como leitmotiv de tres minutos y medio en los que con una guitarra, caja de ritmos y fina utilización del autotune, es capaz de noquearte en el primer asalto.

El lado machito del "varón", qué poco me gusta ese término, tiene su protagonismo en "Cosas de chicos". La guitarra vuelve a hacer de las suyas con esa sugestiva cadencia y como base el amparo imprescindible de los ritmos surgidos de Roland 808. Le sigue "¡Mírame!" y ese grito reivindicando una atención que creemos tiene sobradamente ganada. A modo de canto se sirena su <<Bae, me vas a mirar. Y me vas a querer tocar>> se quedará adherido a tu subconsciente. Más spoilers, el break de su tramo final es puro terciopelo.    

Durante "Nunca te quise besar" BONITX repite, a modo de mantra, quince veces su título. Adictivos rasgueos funkies de guitarra, junto a una potente caja de ritmos y mágico tratamiento de las voces, vuelven a conjurarse a modo de trío sentimental. Las solemnes notas de sintes actúan de improvisada carabina.

El elegante neo-soul de "Déjate ver" nos invita a pasar página, superar malas experiencias en un ejercicio de resiliencia presente en gran parte del álbum. Quizás alguna de esas "malas experiencias", en este caso sentimentales, tuvieran que ver con la interpelada en "Vete con alguien normal".

Foto de Blanca Arias

"Vas a acordarte de mi" es otra muestra del nuevo enfoque en la lírica de BONITX, de la importancia de la autoestima. Algo que debería ser natural, fluir con cada aprendizaje vital, pero que tanto nos cuesta mantener a niveles saludables. Hablando de "niveles", el de sensualidad sigue bien alto con ese acogedor R&B que invita incluso a un apasionado baile.

Valorar la diferencia, lo original, sin estar pendientes de "likes" o otras pamplinas, como Edu relata en "Dame tu tiempo", siempre es bien. Y así, como quien no quiere la cosa, llegamos al tridente final de cortes de Soft butch. "No me mires, hetero" arranca este cierre con acordes de guitarra acústica a modo de bossa-nova junto a unos chasqueos de dedos nos acompañan hasta que en el segundo minuto un festival de caja de ritmos se une a esta, desgraciadamente aún necesaria, reivindicación anti-homofobia. 

"Mientras duermes" es durante su mayor parte una bacanal de vocoder y autotune, sin más que añadir, en manos de BONITX suficiente para conformar un dulce y evocador tema.

sábado, 19 de marzo de 2022

EL ÚLTIMO VECINO - "Juro y Prometo" (Pias, 2022)


Me imagino a Gerard Alegre besándose la base del dedo pulgar apretando bien su mano lanzando al aire un solemne "¡Juro y Prometo!" a modo de conjura que venza por fin sus inseguridades, que aparque para siempre una autoexigencia casi febril, para dar paso a la placidez que da simple satisfacción del trabajo bien hecho. EL ÚLTIMO VECINO con su tercer larga duración Juro y Prometo (Pias, 2022), más dos EP's y varios sencillos inéditos publicados, debería emular al futbolista que señala el número de su camiseta cuando marca un gol, o el pintor, satisfecho por su lienzo, lo mira por última vez con media sonrisa antes de darlo por concluida. 

Estamos ante un disco monumental, sin paños calientes, al César lo que es del idem. Y no es nada extraño, Gerard viene desde 2013 dando muestras evidentes de su talento con hits, o al menos así deberían trascender, como "Un Sueño Terrible", "Tu Casa Nueva", "Antes de Conocerme", "Dónde Estás Ahora" o "Nostalgia". Juro y Prometo nos transmite un nivel de madurez, equilibrio y honestidad brutales, dando una vuelta de tuerca a su reformulación del pop sintético 80's con guiños jangle aliñados por flashes aflamencados.
 
La frustración, la decepción, el desamor, la fe y la melancolía forman parte del imaginario inspirativo de fábrica de EL ÚLTIMO VECINO y cómo no, de su nuevo trabajo. En lo que respecta al sonido se asocia a la producción con el reputado Adrià Domènech, alias InnerCut (Bejo, Natos y Waor, Recycled J, Cruz Cafuné o Yung Beef).

Foto de Neelam Khan Vela

El disco arranca con la inmediata "Ábreme la puerta" y esas guitarras juguetonas marca de la casa junto a una percutora percusión abrazando un estribillo irresistible, la estrofa tampoco es coja, en uno de los cortes más eléctricos del conjunto.

"Mundo Mágico" quizás nos hable del universo interior del artista, el que intenta salvarse, con la música de cortes tan redondos como este. Unas programaciones bien armoniosas, incluso bailables, arman junto a riffs guitarreros, una coraza que pueda proteger a Gerard de sus incertidumbres.
 
"Átame" es un laberinto sonoro del que no queremos salir en la vida. Sus recovecos son rincones donde permanecer retirados del mundanal ruido. Los sintes y programaciones ahora ya si, tiran de absoluta jerarquía. Le sigue la nostálgica "Niño Discúlpame", con una estrofa que se va retorciendo hasta doblarse y unos ensoñadores sintes que alcanzan el summum en su tramo final, con esas notas al aire para cerrar otro tema arrebatador.

El despecho hace su entrada por la puerta grande con "Mentirosa", de menos a más en su vorágine rencorosa. Desde la estrofa, más light que no conciliadora, para vomitar hasta lo último en su estribillo y culminación de éste, llegando hasta el final del corte con el insistente <<El diablo no habla mal de ti>>.

"El Desastre" es un clásico instantáneo, otro de los parajes al que habrá que regresar cuando uno necesite coger aire o simplemente darse un baño de deleite. Más que luminosa, cegadora, pese a su deprimente letra, bendita paradoja. Pocas veces un desengaño sentimental pudo vestirse con unas notas tan placenteras.

lunes, 14 de marzo de 2022

CHAQUETA DE CHÁNDAL - "Futuro, Tú Antes Molabas" (Bankrobber, 2022)


CHAQUETA DE CHÁNDAL debutaron brillantemente en aquel parece lejano ya 2019 con Gimnasia Menor (Bankrobber) vistiendo con garage, punk-rock y psicodélia su lírica armada de sátira y mala leche al servicio de una ácida crítica del paisaje social actual. Pues bien, Guillem Caballero (voz, teclados y sintes), Natalia Brovedanni (voz y guitarra) y Alfonso Méndez (batería y coros), después de un single doble editado en 2021 vuelven ahora con segundo larga duración, Futuro, Tú Antes Molabas (Bankrobber, 2022). 

El trio ha inyectado más melodía en el nuevo álbum, dulcificando su lado más punkorro aunque sin rebajar ni un ápice su labia contestataria y actitud agitadora. 

"Firme Usted Aquí" arranca el trabajo con insistentes punteos guitarreros junto a ensoñadores sintes, conformando un plácido corte. ¿O no tanto? A partir de su segundo minuto te pasará por encima un break psicodélico de la hostia, pero claro, estamos ante un álbum de CHAQUETA DE CHANDAL, aquí no puedes dar nada por sentado. 

La industria farmacéutica es el blanco de la verborrea de la banda en "Vademécum" (videoclip insertado a pie de página), el que fuera primer avance del álbum. Una coctelera bien agitada de grunge, electropunk, psicodélia, garage... Con cuatro partes diferenciadas, sin estribillo, de estructura simétrica ya que la desbocada intro también les servirá de cierre. Todo en sólo dos minutos y medio de corte (no llega), suficientes para saborear al trio en todo su esplendor.

 
"La Conquista del Champán" le saca los colores a la clase política con ritmos cercanos al kraut-rock abrazando una lírica mordaz: <<hoy prometo mil cosas, mañana prometo otras tantas, luego no cumplo ni una y aquí sigo como si nada. Hoy he salido en la tele con mucha presencia y muy digno, mañana ni tute ni Imserso, ¡mejor un Consejo Administrativo!>>. El intermitente mantra <<no contéis conmigo>> sirve de armazón lírica para otro tema arrebatador de los barceloneses. 

La psicodelia sesentera pide protagonismo con "Tutorial para Villanos", enlazándose prácticamente con la siguiente, "De Mayor Quiero Ser Viejo". Dos canciones tan fascinantes como arrolladoras. La primera incluso ye-ye en su primera parte, para luego entregarse a su lado más lisérgico con la ayuda de unos vientos tan inesperados como decisivos. La segunda alucinógena ya desde su intro instrumental, con una ingeniosa letra aludiendo las presuntas virtudes de un jubilado: <<¿qué quieres ser de mayor? pues viejo y poco más, me seguiré quejando hasta el final. Cuidar bien mi huerto, ir justo de vientre, oler más bien fuerte, hablar con la tele, decir lo que me dé la gana. Taca-taca y dignidad: ¡viva la tercera edad!>>.

"Tú a Boston y Yo a California" me recuerda por momentos a Supertramp por las notas de ese cadencioso órgano añejo. El cambio de ritmo hacia el minuto y medio es de traca. Más perlas para la saca, esta vez dedicada a los bocachanclas sabelotodo.


La oda envenenada al gigante del comercio electrónico "¿Por Qué Lo Llaman Amor Cuando Quieren Decir Bezos?" resulta de las más sosegadas del álbum, una especie de noise-pop ligero con aires psicodélicos, para abrirnos la puerta de par en par al tridente final de cortes de 
Futuro, Tú Antes Molabas.

Con el interludio "Presos y Políticos y Viceversa" podemos jugar a la repetición de palabras a modo de metáfora con lo que es y lo que se quiera que se crea que sea. No se si me he explicado demasiado bien, cuando la escuches lo entiendes seguro. La utilización del vocoder y los sonidos tipo videoconsola 8 bits hacen el resto.