Hot Chip - "Freakout/Release" (Domino Recording, 2022)

Alexis Taylor (voz, sintes, guitarra) Owen Clarke (bajo), Al Doyle (guitarra), Joe Goddard (sintes, percusión) y Felix Martin (sintes, programación) forman HOT CHIP y Freakout/Release (Domino Recording, 2022) es su octavo trabajo de estudio.

El nuevo álbum de los londinenses es un festival de melodrama disco, funky y electro-pop. Un cóctel emocional agitado, no revuelto, con experiencias personales, secuelas pandémicas, problemáticas sociales i medioambientales, todo sobre lo que poder desfogarse uno dejándose la piel encima de la pista de baile.

Freakout/Release contiene el quinteto de cortes inicial que conforman una de las primeras mitades de discos internacionales más incontestables de los últimos tiempos. La sugestiva "Down" arranca con todo, cimentada sobre un sample de "More Than Enough" de Universal Togetherness Band, provocando seguro el contoneo de caderas gracias a su elegancia funky.

Foto de Pooneh Ghana

"Eleanor" (videoclip insertado a pie de página) es el hit más reconocible del álbum, inmediato, adictivo, irresistible. Si la anterior podías bailarla esta ya viene con el decreto de obligatoriedad incorporado.

Se desata la locura con el inquietante tema titular "Freakout/Release", una hipnótica combinación entre el "Killer" de Adamski con los LFO y su "Freak". La banda explica que esta canción fue el punto de partida de la composición del álbum al encontrarse próxima a su versión del "Sabotage" de los Beastie Boys.

 

Llegamos a terrenos emocionales estratosféricos con "Broken" y "Not Alone", coincide que son mis dos preferidas del disco. La primera un synth-pop tan preciosista en su melodía como desgarrador en su naturaleza, para bailarla con lágrimas en los ojos. La segunda, agridulce como ella sola, nos muestra una luz al final del túnel a través de unos balsámicos sintes y la voz de Alexis, más pulida que nunca, a modo de apósitos cicatrizantes para miedos y angustias.

Foto de Pooneh Ghana

El sugestivo medio tiempo "Hard to be Funky", con la intervención de la artista Lou Hayter, nos teletransporta a los 80's sin menearnos de nuestra base de escucha. Mientras "Time" si que reclama movimiento por nuestra parte, como el de desplazarnos a la pista de baile más cercana siguiendo la estela de su arrebatador estribillo. ¡Danzad, danzad, malditos! Parece que nos griten HOT CHIP con este corte o el siguiente "Miss the Bliss", un adictivo house con inesperado break gospeliano en su ecuador, refugio privilegiado donde coger aire para seguir dándolo todo hasta el final.

WOLF ALICE - "Blue Weekend" (Dirty Hit, 2021)

Según el polifacético intelectual alemán Goethe (1749-1832) el color azul es el de la tranquilidad, el más pasivo, por ello se le asocia a aquellos sentimientos que pueden derivarse, como la tristeza. Pues bien, Blue Weekend (Dirty Hit, 2021) sería algo así como un fin de semana a la postre sin demasiadas expectativas, más bien soporífero, pero quizás, quién sabe, si se le puede dar la vuelta. El nuevo álbum de los británicos WOLF ALICE,  oseasé Ellie Rowsell (voz, guitarra), Theo Ellis (bajo) y Joel Amey (batería, voz), contiene mucho de esas emociones poco reconfortantes, pero también le dan una oportunidad al inconformismo, a la resiliencia. 

Consolidada ya como una de las bandas referentes del rock alternativo actual han grabado el disco en Bruselas con Markus Dravs (Arcade Fire, Björk, Brian Eno, Florence + The Machine) como productor. Como resultado, un trabajo globalmente más sosegado que sus anteriores referencias, My Love is Cool (2015) y Visions of a Life (2017), ganador del Mercury Prize al disco del año.

Blue Weekend se presenta de manera simétrica, arrancando y finiquitando con una canción desdoblada, "The Beach". Un corte con clara vocación de intro y una evolución in crescendo, una amistad que se siente perjudicada, debatiéndose entre la nostalgia y el aciago presente, todo con la playa como idílico marco, como queriendo con ese paisaje conciliar el ambiente.

 

Con "Delicious Things" la cosa empieza a ponerse seria, con las vivencias experimentadas en Los Ángeles como excusa, el cuarteto se marca una pieza épica. La más extensa del conjunto con sus cinco minutos estelares. Lánguida, con toquecitos psicodélicos en la estrofa y un enorme puente avanzadilla de los fuegos artificiales en forma de estribillo. Ese break hacia el ecuador del tema y luego Ellie como rapeando sutilmente antes de volver a la carga con todo. ¡Uff, bravo!

Seguimos a tope de inspiración con la estimulante "Lipstick On The Glass" y la voz de Ellie en plan estelar. Una trifulca contigo mismo cuando la indecisión se apodera de tus miedos, armado de una etérea estrofa adornados con esos punteos guitarreros. Hasta que sobreviene el determinante estribillo y luego el tramo final a saco, despidiendo otro corte sensacional de WOLF ALICE.

Blue Weekend entre tanta atmósfera bucólica contiene dos trallazos marca de la casa. El primero la contestatariamente brutal "Smile", con ese bajo funkillo, guitarras desbocadas, batería galopante y sintes centelleantes. El cambio hacia el segunto minuto, con el bajo ejerciendo de martillo percutor, es de traca.

Después de la tormenta viene la calma con el momento folk del álbum. El tratamiento de las voces en la agridulce "Safe From Heartbreak (If You Never Fall In Love)" es fantástico, con Ellie actuando a manera de coro de ella misma durante todo el corte, en compañía únicamente de unos arpegios a la guitarra acústica. En su ocaso noto a faltar unas palmas acompañando la a capella, seguro que esto se solventa en sus conciertos.

Seguimos por derroteros sosegados con "How Can I Make It Ok?", al menos en sus momentos iniciales, luego ya será otra cosa. Dudas existenciales se alían con otro desarrollo de corte arrebatador de los londinenses y unos sintes que se sentirán cómodamente protagonistas. Aunque a partir del segundo minuto, lo que era un tema muy dominado por los mismos, va mutando hacia sabores más folk-rock, para rematar en terrenos neo-psicodélicos. 

WOLF ALICE sacan a pasear su lado más salvaje con "Play The Greatest Hits", un puñetazo en la boca, con su estrofa punk y un estribillo que se culmina con la migaja justa de melodía como para reconocerlos.

La sensual "Feeling Myself" suena de entrada a añeja, nos sorprende ese órgano hammond, pero aún más su evolución, como cuando llega el estribillo espacial. Luego el tema muta hacia el trip-hop, una locura.

"The Last Man on Earth" es el baladón del disco, el "Space Oddity" de WOLF ALICE. Primero con voz y piano, reposada hasta el segundo minuto. Luego con el resto de la banda como preparando lo que nos pasará por encima. En el tercer minuto aparecen en escena por un instante los Beatles del "Sargent Peppers", y la cosa sigue animándose más y más hasta desembocar en unos plácidos últimos 30 segundos en los que sabes que ya regresado a casa tras, posiblemente, el viaje de tu vida. Como condenados a la auto-extinción que está el ser humano, canciones como esta podrían hacernos reflexionar de que aún nos pudiera quedar esperanza.

ODINA - "What I Never Told You" (2020)

Si quisiéramos confeccionar un perfume sonoro y como ingredientes cogiéramos esencia de artistas como Bon Iver, Cat Power, Keaton Henson, Beth Orton y Björk en sus inicios, seguro que la fragancia resultante olería bastante a ODINA (Blanca Romeo). Con tal amalgama de reminiscencias, junto al talento rebosante de la tarraconense afincada en Londres, se avecina disfrute instantáneo para tus tímpanos. 

Tras los EP's Broken (2016) y Nothing Makes Sense (2018) y los singles Snow (2018) y About You Now (2019), ahora debuta en formato largo con el espléndido What I Never Told You (autoeditado 2020). Un álbum donde se desnuda emocionalmente, abrazando atmósferas más electrónicas, experimentando en ocasiones con el autotune o la reverberación pero sin dejar de lado la esencia acústica folk que le viene acompañando desde sus inicios. 

Singles como las incontestables "1,2,3,4", "Please", "Many Things" (videoclip insertado a pie de página) y "Heartache", más ocho cortes con argumentos de sobra como para no pasar desapercibidos. Melodías delicadas, letras intimistas, una preciosa voz modulada a placer por la artista junto a una guitarra eléctrica que es jefa instrumental y escudera vocal. Te aseguramos treinta y nueve minutos de deleitosa escucha.

Gózalo con What I Never Told You de ODINA>

El pasado agosto pudimos disfrutar del directo de ODINA en el marco del imprescincible Festival Eufònic en Sant Carles de la Ràpita (Terres de l'Ebre -Tarragona-), con todo vendido. Una joven Blanca visiblemente conmovida ante el caluroso recibimiento del respetable ya que, como ella comentó, en estos momentos tan complicados éste sería probablemente el único concierto por ahora para poder presentar su nuevo trabajo. Timidez, delicadeza, sutil emotividad, con una hermosa voz como guinda dejándonos embelesados y con ganas de más.

Aprovechamos para felicitar al Festival Eufònic por la organización, como siempre impecable pero en la situación actual aún más destacable. El marco elegido al aire libre para velar de la mejor manera por la seguridad en tiempos de pandemia era tan efectivo como incomparable. Reivindicamos a rabiar el hashtag #laculturaessegura, confirmado de primera mano.

GORILLAZ - "The Now Now" (Warner Music, 18)

Damon Albarn además de pasar a la historia de la música moderna por su talento, seguro que lo hará por el don de la ubicuidad y la hiperactividad que se gasta. Proyectos que lidere no le faltan: Blur, The Good The Bad & The Queen, él mismo en solitario, y el que ahora mismo nos ocupa, su proyecto más experimental y revoltoso, GORILLAZ. 

The Now Now (Warner Music, 18) es su sexto álbum de estudio y el más equilibrado, más maduro, menos GORILLAZ. Me explico; hasta la fecha, llegando a la cúspide con su anterior entrega, el desconcertante Humanz (Warner Music, 17), cada referencia del proyecto era a cual más repleta de eclécticas colaboraciones y amalgama sonora, siempre con algún que otro hit que diera empaque al conjunto.

En The Now Now la cosa cambia y mucho, se muestra fiable y convincente de principio a fin. Con un arranque simplón pero efectivo como el single avance "Humility" y una de las contadas pero bien elegidas colaboraciones de este trabajo, la del gran George Benson a la guitarra. Enseguida nos percatamos de la clara apuesta de Damon por una mayor sencillez y despojo de artificios en las composiciones, una  de las diferencias más palpables de este álbum respecto a los anteriores.

La cosa se pone fina con la aparición del hit "Tranz" (videoclip al final del post), tampoco es que sea un corte demasiado complejo, pero es que ya te avisamos que la cosa va por ahí. Dos minutos y cuarenta y tres segundos que enganchan sin remedio, con unos deliciosos sintes como brillante remate de estribillo.

"Hollywood" contiene la otra colaboración del trabajo de la mano del reincidente Snoop Dog y Jamie Principle. Seguimos a tope de pegada, con permiso incluido para el bailoteo. Luego "Kansas", armoniosa, melancólica, una delicia. Y "Sorcererz", prácticamente con los mismos beats que la anterior, cadenciosa, con un punto hiptónico la mar de majo.

Menudo oasis de paz que resulta "Idaho", además situada en el ecuador del conjunto a modo de alto en el camino. Con espíritu acústico y resultado ensoñador, maravillosa. Como contrapunto la instrumental "Lake Zurich", derivando hacia el dance, extremadamente pegadiza, otro acierto a la saca del londinense. Como la agridulce "Magic City", deleitable como ella sola.

SUEDE - "The Blue Hour" (Warner Music, 2018)

SUEDE están gozando de una segunda juventud después del parón compositivo que les durara cerca de once años (2002-2013). Sus nuevos álbumes Bloodsports (2013), Night Toughts (2016) y el que cierra con broche de oro la trilogía, The Blue Hour (Warner Music, 2018), así lo certifican.

Estamos ante un trabajo inquietante, contestatario, oscuro en el talante y deslumbrante en su desarrollo. Brett Anderson se pone en la piel de un niño, inspirándose en su propio hijo, a la hora de tejer un aparente hilo argumental en medio de la distópica realidad que le rodea. El resultado, una obra monumental, con fuerte carga sinfónica, acentuada si cabe con la presencia en su metraje de la Orquesta Filarmónica de Praga. 

The Blue Hour necesita una escucha pausada, relajada, un espacio íntimo para el desconecte. Desde su inicio con la lúgubre neoclásica "As One" y  unos coros que, tanto te abruman, como te hielan la sangre, dando paso a uno de los cortes más identificables como marca de la casa, el medio tiempo "Wastelands". La dulzura de "Mistress" se fusiona con la majestuosa "Beyond the Outskirts", una de las cumbres emotivas del trabajo y me atrevería a decir de la carrera de SUEDE.

En The Blue Hour nos topamos con tres interludios; el primero, el menos convencional como tal, "Chalk Circles", con esos coros marciales, robustas guitarras y la voz de Brett como punto de encuentro. Más adelante, la inquietante "Roadkill", con exótico giro arabesco incluido; y "Dead Bird", escueta conversación entre padre e hijo mientras el primero entierra un pájaro, quizás el mismo pájaro muerto que sirviera meses atrás como imagen anunciación del álbum.

Una de las dos excepciones del conjunto que imaginas brincándolas en un concierto sería "Cold Hands", demostrando que el quinteto británico tiene reservas de energía y empuje para rato. Pero es un espejismo, enseguida aparece "Life is Golden" (videoclip al final del post) y con ella vuelve la sensación de conmoción y de odisea, maravillosa.

WOLF ALICE - "Visions of a Life" (Dirty Hit, 2017)

My Love is Cool (Dirty Hit, 15) nos gustó tanto que lo colocamos como nº 2 entre lo más destacado internacionalmente en 2015. Partiendo de esta premisa, esperábamos Visions of a Life (Dirty Hit, 17) entre esperanzados y recelosos; ya se sabe, el segundo LP de una banda puede encumbrarla o situarla en un limbo del que es muy complicado escapar.

Ellie Rowsell (voz, guitarra), Joff Oddie (guitarra, voz), Theo Ellis (bajo) y Joel Amey (batería, voz), al finalizar su anterior gira se juntaron en Londres para componer este nuevo trabajo. Después remataron la faena en Los Ángeles junto al productor Justin Meldal-Johnsen (M83, Beck, Nine Inch Nails). Tom Elmhirst (David Bowie, Arcade Fire, Adele) se encargaría de las mezclas.

"Heavenward" da el pistoletazo de salida con un potente shoegaze, para enseguida dar paso al embriagador trío de adelantos del álbum. La apisonadora "Yuk Foo" (clip a pie de post), donde dan rienda suelta a su lado más punkorro; la pro-soul "Beautifully Unconventional"; y la  azucarada "Don't Delete the Kisses", más mona que un post de gatitos.

"Planet Hunter" se muestra elegante y soberbia, un medio tiempo que es una delicia; "Sky Musings" y ese susurro inquietante de Ellie que da paso a una deriva hacia lo épico; "Formidable Cool" con un marcado halo lisérgico; "Space & Time", montaña rusa repleta de crudeza y distorsión; "Sadboy" o la demostración palpable de que los Smashing Pumpkins, directa o indirectamente, son buena fuente de inspiración para los londinenses.

A lo tonto llegamos a una no menos memorable recta final de álbum, con la majestuosa y ensoñadora "St. Purple & Green", y un cambio de dirección hacia el minuto 2:20'' que por si mismo justifica el bombo que se le puede estar dando a esta pedazo de banda. La lánguida "After the Zero Hour", con una Ellie asombrándonos con su amplitud de registro vocal, esta vez rozando lo espiritual. Y el cierre que da título al trabajo; una progresiva composición dividida en tres actos que bien podría servir de carta de presentación de la banda para quién aún no los conociera, ya que contiene toda su esencia: potencia, crudeza, emotividad, épica, placidez... en definitiva, WOLF ALICE.

HINDS, donde el garage se vistió de sonrisa (Londres, 22/01/15)

De unos meses a esta parte vengo diciendo que ya nadie hace música o películas alegres. Lo que veo en el cine solo son dramones y lo que escucho en la BBC radio o Radio3 es si, muy buena música, pero un claro reflejo de que la sociedad ahora mismo tiene preocupaciones grandes.

Pues han tenido que llegar 4 chicas de Madrid con nombre inglés y letras en inglés para desmontarme, por suerte, esta mini teoría que creía totalmente cierta.

Hinds aparecían por enésima vez en Londres en menos de un año con el cartel de “entradas agotadas”, cosa que ya esta empezando a ser costumbre por aquí.

Se olía en el ambiente que era una noche importante. No todos los días asistes a un concierto en el que estas codo con codo con Bobby Gillespie (Primal Scream) o con los componentes de The Vaccines.

ZOLA BLOOD + MAIIANS en The Lexington (Londres-02/12/14)

Mi primera vez en el Lexington, en cuatro años que llevo viviendo en Londres, y ya solo eso era motivo de celebración para mí. Mítico pub donde los haya, donde tocan grupos que generalmente se están abriendo paso en la difícil escena musical de la capital, así que es un buen sitio tanto para sorpresas como para decepciones.

Había escuchado bastante a Zola Blood en las semanas anteriores al concierto y me habían dejado impresionado. Su EP Meridian (2014) suena más maduro de lo que te esperarías en una banda novata.

Pues bueno, tocaban en casa y se notaba en la afición, había feeling y lo más importante, ponían orgullosos el cartel de SOLD OUT.

“Eyes Open” abrió su set de una forma impecable. Desde un primer momento sonaron casi perfectos, aunque a veces no se sabe muy bien si eso es bueno del todo. Un tema que se caracteriza por un sinte hipnótico en loop de principio a fin y una voz con una reverb inmensa que funciona muy bien con el tono misterioso de la canción.

THE NATIONAL hace temblar el meridiano en su final de tour (Londres 26NOV)

Cada vez que te desplazas hasta el 02 de Greenwich (The O2) sabes y sientes que vas a ver a un grande, ya sea mediática o musicalmente, aunque bueno, me parece un crimen comparar a The National con Enrique Iglesias.

La densa niebla que cubría el estadio le daba un perfecto toque de misticismo a la noche, que combina perfectamente con las canciones y letras de la banda de Cincinnati. Era como la entrada a una cueva donde no me esperaba en absoluto lo que iba a pasar durante las tres próximas horas.

Wild Beasts abrieron la noche de una forma brillante aunque se les quedó un poco grande el escenario para el sonido que tienen. Se dejaron dos de sus hits para cerrar el set, de algo más de media hora, que entretuvo a muchos de los que llegamos con tiempo para ver a un grupo que dará mucho que hablar en 2015. Una puesta en escena sencilla pero con bastante personalidad.

La voz de INDIANA ilumina el XOYO de Londres (04/11/14)

Eran muchas las ganas que tenia de ver a Indiana en directo. Hacía ya bastantes meses que la seguía desde que me enamoro con ese “Solo Dancing” que me puso en loop durante días.

Foto de Ivette Trinidad

Pues llegaba el momento de su paso por Londres en su primera gira en solitario por el Reino Unido y no me lo podía perder. Después de un verano que la ha llevado por varios festivales llegaba el momento de dar la cara en las salas pequeñas, donde todo es más íntimo y lo malo suele destacar más que lo bueno. Pero no iba a ser el caso, creo que nos sorprendió a todos los presentes con su madurez y seguridad.

VETUSTA MORLA vuelve a conquistar Londres (The Coronet-17/10/14)

De todo menos a "la deriva" es como está el grupo con mejor directo de la música española en la actualidad. Vetusta Morla llegaban a Londres a presentar su nuevo disco La Deriva (2014) y una vez más con un sold out en el The Coronet, sala clásica donde las haya en la capital inglesa. La larguísima cola para entrar, que hacía las veces de botellón, avanzaba que allí dentro esa noche se iba a sudar, y así fue.

Foto de Jesús Figueirido

La canción que da nombre a al nuevo trabajo abría el concierto, y mientras nos hacíamos todavía sitio entre la cantidad de gente que había, los de Madrid nos empezaban a disparar sus nuevos hits uno detrás de otro, canciones nuevas, con mucha fuerza y mucha rabia, pero que la gente ya canta como si tuvieran 10 años, "Fuego” (clip recién estrenado a final de post), “Golpe Maestro”, “La Mosca en tu pared” o “Pirómanos”.