LOS PUNSETES - "Madrid me ataca" (EP Sonido Muchacho, 2024)

Estamos en el año de LOS PUNSETES, en el que cumplen su 20 aniversario como banda. De momento lo han empezado a celebrar con un 7" de nombre Madrid me ataca (Sonido Muchacho, 2024). Cuatro zarpazos guitarreros de los que tanto nos endandilan viniendo del quinteto de la capital del reino. 

A final de 2024 verá la luz un recopilatorio muy especial con la revisión de sus hits por parte de 21 formaciones de lo más granado del pasado, presente y futuro del panorama musical patrio. Pero esto ya será otra historia sobre la que nos explayaremos cuando llegue el momento.

Arranca la escucha de este EP con la canción titular exponiendo sin tapujos esa relación bipolar que mantiene la banda con su ciudad. El riff guitarrero introduce una convincente estrofa que va evolucionando melódicamente hacia el cautivador estribillo. Nada nuevo en el modus operandi de LOS PUNSETES y que siga así por mucho, mucho tiempo. 

Un soniquete muy a The Stokes nos envuelve de entrada en "Un palacio con mis huesos". Un corte con lírica inquietante cimentando un estribillo de aquellos que se graban a fuego. Pero aún falta el truco final y viene en forma del épilogo ultra coreable a lo "lo, lo, lo..." intentando perpetuarse hasta el infinito y más allá.  

 

Entramos en la cara B del vinilo con el torbellino anti-capitalista "TIN/TAE", en las antípodas rítmicamente del cierre del trabajo, el arrebatador medio tiempo "Todos los lugares", con ese saborcillo a Joy Division incorporado en la estrofa.

 

Disfruta del Madrid me ataca de LOS PUNSETES y házte con un ejemplar físico con la espectacular portada del diseñador gráfico e ilustrador Manuel Donada aquí >

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JOAN COLOMO - "Tecno Realista" (Montgrí, 2024)

 

JOAN COLOMO (Sant Celoni, Vallès Oriental, 1981) sigue la senda pesimista que evidenciaba el título de su anterior referencia Disc Trist (2021) con su octavo álbum en solitario, Tecno Realista (2024). Cambio de discográfica incluido, migrando de su sello de siempre Bcore Disc a Montgrí, el barcelonés arranca su presente obra con el corte "Tot és molt difícil" (videoclip insertado a pie de página). Ya avanzaba que no soplan buenos aires para la euforia en este trabajo y es que solo hace falta ser un habitante del planeta tierra para darte cuenta. Eso sí, la ironía y guasa grabada en el ADN del artista ayuda y mucho para hacer la escucha, igual que pasa en la vida, más placentera. Los obstáculos que van surgiendo en la convivencia diaria en una gran urbe como Barcelona son la excusa perfecta para abrir las puertas al disco vestidos con una delicada pieza acústica.  

Tras esta intro que jugaba un poco al despiste, la brit-popera "Dona'm quelcom" empieza a exponer la verdadera cara rítmica que nos acompañará durante esta travesia reflexiva sobre la deriva hacia el colapso global que es Tecno Realista. Esta lista de peticiones de lo que uno necesita para poder sobrevivir con dignidad nos lleva de la mano hacia "Filles d'Internet". Crítica mordaz a las "bondades" de estar conectados constantemente a la red. Su ritmo animoso, con pinceladas cabareteras incluidas, amortigua un drama que nos va consumiendo silenciosamente.

En "Brossa nova espacial" Joan coteja los términos "brossa" (basura en catalán) y "bossa" de "bossa nova" electrónica, que es al final lo que resulta estilísticamente esta canción. Enmarcando una crítica velada al afan generador de residuos característico de este capitalismo salvaje que nos envuelve y del que somos, en mayor o menor medida, partícipes. 

"El meu cap" es la confirmación de que nuestra cabeza sea uno de los pocos ríncones exquisitos que nos queden donde sentirnos seguros, abstraernos de lo que nos rodea, cogernos unas diarreas mentales del copón o todo a la vez. Refinado pop electrónico aliñado de sugestivos recovecos, coros, casiotones... JOAN COLOMO en su máxima expresión.

     

La "Extinció final" es hacia donde se dirige inexorablemente la humanidad, no hay novedad al respecto. La prioridad es que no pare la fiesta, cueste lo que cueste, su lírica lo expone sin paños calientes: <<La festa no es pot aturar, hem de cremar més combustible. Som un públic fidel d’aquest festival turbo capitalista / Les glaceres es fondran, ens cobriran els oceans. La humanitat ha decretat, tant se val seguim igual, fins a l’extinció final>>. 

"Geoenginyeria" sería algo así como la balada del disco, una de sideral con su aureola ingrávida incorporada. Otra perla sonora incrustada en Tecno Realista y llevamos unas cuantas. Aquí la sequía por el cambio climático sería el leitmotiv principal.

El sugerente medio tiempo "La síntesi", con vocoder incorporado en su tramo final, nos conduce al tramo final del disco. El que llega con la trepidante "El ball", una más que estimulante invitación a saltar a la pista de baile sin tapujos ni vergüenzas, a mover el esqueleto como si no hubiera un mañana, completando el tema más hedonista del conjunto.

PERRO - "¿Te acuerdas?" (Sonido Muchacho, 2024)

Adrián Albacete (bajo), Guille Fabregat (voz y guitarra), Aarón Díaz (batería y teclados) y Fran del Valle (batería) son PERRO y están de vuelta con un quinto álbum bajo el brazo. Tras una parada de la actividad en 2019 su regreso no podía ser más esperado y a la postre más convincente. ¿Te acuerdas? (Sonido Muchacho, 2024) se muestra poderoso desde su arranque "Escucha pariente", primer single del retorno de los murcianos armados de un noise-pop que regula a las mil maravillas la crudeza con la melodía y esos estribillos que se marcan a fuego en el subconsciente. Ese viraje sonoro rondando el segundo minuto y medio es de traca. 

"Gracias, de nada" son guitarras rasgantes, línea de bajo señorial y baterías detonadoras, sí, sí, en plural que son PERRO. No acabo de descubrir nada, la banda va de este palo desde sus inicios de actividad allá por finales de 2010 y en el presente trabajo muestran un óptimo tono muscular. El recoveco del último minuto armado de distorsión al cuadrado resulta tan atronador como hipnótico.

Súbete a la acera, rápido, que viene el post-punk arrolador de "Coches chungos, trompos guapos" y como su título sugiere puede incluso atropellarte. Trepidante, con una letra que es un aviso para navegantes: <<una vez se acabe la moda, volveré con un puñal en la boca>>. 

La tropical estrofa del medio tiempo "Y si no revienta" desemboca en un estribillo que se debate entre lo enérgico y lo cadencioso. El romance entre las guitarras y el bajo sigue más fogoso que nunca y en el kraut-rock de "Me vas a perder" (videoclip insertado a pie de página) llegará a su climax. Te volará la cabeza. ¿Estamos ante el tema definitivo de PERRO? Nosotros ya lo hemos colocado entre los hits estatales de 2024. Va a ser una bomba en directo con su incisiva estrofa, la paradiña del puente y el punkorro estribillo. Luego llega ese tremendo viaducto de dos minutos y medio in crescendo, con la percutora línea de bajo charlando animosamente con una guitarra que se va gustando y mucho, para retomar la senda inicial concluyendo un corte todo él para enmarcar. Nos apuntamos a pies juntillas a su cierre lírico: <<¿Ahora qué? (¡Hedonismo!)>>.

"Alguién tiene que mandar" con ese cóctel jugoso de guitarras jangle-pop, sintes centelleantes y percusión desmelenada cierran la cara A del vinilo. Uno que arranca en su reverso con la inquietante y demoledora "Alguien te mira", el corte más extenso del conjunto con sus sinuosos cinco minutos de duración.   

Han liberado a la bestia y "Ejercicios de fe" muestra el lado más visceral y psicodélico de los murcianos, pura locura. Mientras, "Me duele España" es la sorpresa del disco, con sus ritmos pro-funkies vistiendo un corte que reflexiona, al modo PERRO, sobre las contradicciones de la convulsa actualidad socio-política estatal.

JOANA SERRAT - "Big Wave" (Great Canyon Records, 2024)

Big Wave (Great Canyon Records, 2024) es el sexto álbum en solitario de JOANA SERRAT. Con la producción de Matt Pence (Jason Isbell, John Grant) estamos ante el trabajo con más novedades en la carrera de la catalana. El de Missouri ha inyectado al americana característico de Joana una sobredosis de reverberación y distorsión. En definitiva, más experimentación y crudeza al servicio del desahogo emocional de la artista de Vic. El resultado es un disco oscuro, incómodo, por momentos angustioso, que acongoja y embelesa a partes iguales. 

"The Cord" abre el melón de Big Wave. El que fuera primer single avance del álbum muestra su naturaleza ya desde el minuto cero, con esa atmósfera densa y enrarecida supurando amargura al cuadrado. Si no querías caldo, pues toma dos tazas con "Feathers" y su aproximación al rock alternativo más sucio cimentado sobre la línea de bajo sintético del moog, toda una revelación de cara a dotarle personalidad inusitada al disco. Una constante recriminación hecha canción en la que Joana se rebela contra la presunta integridad ética de una sociedad que reprime y encorseta.

Foto de Janie Jones

    

En el medio tiempo "Freewheel" se menciona esa gran ola que da título al trabajo, una que puede pasarte por encima con su poderío surtido de traumas e inseguridades. Todo y con ello estamos ante una de las canciones rítmicamente más luminosas del conjunto, un bellezón de corte, con ese break hacia su ecuador culminado por el solo de guitarra descomunal de Joey McClellan (Midlake, Rufus Wainwright, John Grant), pura maravilla.

   

Vuelve a aparecer la densa niebla con "Sufferer" (videoclip insertado a pie de página) acompañándonos en este viaje hacia las tinieblas. Percusión sombría, electrónica punzante, abatidos rasgueos guitarreros... vistiendo una desesperación que traspasa, puede incluso rozarte. Seguimos metidos de fango hasta los hombros con "Tight to you" o más bien arenas movedizas, y ya sabes lo que pasa con ellas, cuando más intentas salir más te hundes.

  

La melancólica "This house" es la primera de las dos baladas del álbum, tan preciosa como desgarradora. Jesse Chandler (Mercury Rev, Midlake, Beth Orton) al piano, Matt Pence jugando con el armonizador Eventide y Joana a la voz llevándonos de la mano hacia una casa devorada por llamaradas sentimentales.

 
Con "Are You Still Here?" la luz ilumina toda la estancia, esta vez sin fisuras. Un bombón de tema dedicado a su abuela en el que se demuestra que cuando se encuentran la ternura y el amor incondicional estos perduran para siempre.

"Big Lagoons" es emotividad 360º, la segunda y última balada del disco. Con un desarrollo sosegado se envalentonará sin aspavientos sobre los dos minutos y medio de metraje. Mientras, llegamos a una de esas canciones que hay que oírlas para creerlas con "A Dream That Can Last". La tristeza que contiene contrasta radicalmente con su ambiente bucólico, de cuento de hadas, muy a lo ENYA style. El truco final es que, pese a que intervienen solo dos guitarras acústicas como instrumentos, la utilización del armonizador incrementa hasta el infinito el empaque sonoro.

MARIA JAUME - "Nostàlgia Airlines" (Bankrobber, 2024)

MARIA JAUME (Lloret de Vista Alegre, 1999) debutó discográficamente en 2020 con un delicado folk acústico con tímida tendencia hacia el pop incluido en Fins a maig no revisc. Luego siguió su desarrollo sonoro abrazando totalmente el pop en Voltes i voltes (2022), uno de cálido y aterciopelado, muy mediterráneo, por otra parte lógico siendo ella mallorquina. El sencillo "Lo que romp es coret" (2023) cerraría esta segunda etapa.

¿Cual sería la próxima pantalla estilística a superar por Maria? Con Nostàlgia Airlines (Bankrobber, 2024) la evolución resulta si cabe más sorpredente al plantarse con un pop electrónico bajo el brazo, por momentos con claro apego a la pista de baile. Además jugueteando con otros palos sonoros,  sumándolos a esta auténtica fiesta del balearic melancólico más contemporáneo.

Producido por otro mallorquín, Lluís Cabot (Da Souza), consolidando ya un tándem al repetir en esas lides al igual que hizo con el anterior álbum de Maria, en este además sumándose al 50% en la vertiente compositiva. Nostàlgia Airlines orbita temáticamente sobre dos pilares: el turismo y las relaciones sentimentales, con historias que entrelazan los dos conceptos de principio a fin. Para rizar el rizo van apareciendo entre sus notas flashes protesta respecto a la invasión guiri que sufren las Islas Baleares. Añadiría por extensión otros lugares turísticos de mar y borrachera como Barcelona, dónde los habitantes también se ven expulsados de sus casas y calles por la ola especuladora Airbnb sumada al asedio crucerista.

Antes de empezar con el repaso al disco aviso que estamos ante uno de los grandes trabajos estatales de lo que llevamos de 2024, opositando a colocarse entre lo más granado a final de año. Ahora sí, arrancamos con "Pura geografia", el primer gran hit del disco y de la carrera de la artista. Un amor a distancia condenado al fracaso fundido con un electro-pop elegante, no exento de reposado subidón. Bailando sobre las cenizas de una relación imposible. 

En "Super mala pinta" aparece la primera colaboración del trabajo, en este caso la de Clara Vinyals (Renaldo & Clara). La base sutilmente afrobeat viste una sugestiva progresión en un corte que transpira sensualidad, arena y brisa marina por los cuatro costados. 

Vuelve el desamor que abria el álbum con "Quina pena" y un adictivo riff de sinte poniendo el lazo de regalo a un corte tan efímero como sugerente. Sirve además de intro perfecta para otro de los momentos cumbres del trabajo: "Trista a Miami". Ideal para subirte a la pista de baile, aunque sea con lágrimas en los ojos. La cantante Julieta completa magistralmente un dueto mágico, de aquellos para el recuerdo. El seductor reggaeton subido de bpm emmarca un himno a la morriña amorosa.    

       

Seguimos nostálgicos al cuadrado con la enorme "Mala via" y sus recovecos de inquietos beats con hechizo constante incorporado, o lo que viene siendo, MARIA JAUME firmando una perla más de Nostàlgia Airlines y las que faltan por venir.

La breve "Cala rajada 1964", incluyendo en su ocaso el sample de "Bajo el Cielo de Palma" del cantante y compositor también mallorquín Bonet de San Pedro (1917-2002), nos abre la puerta a "Hoteles, sol y playa". Se viste de color sepia, sabor tropical y añoranza de tiempos más "sostenibles" otro de los momentos plus estimulantes del álbum. La brillante colaboración de Pau Debón, la voz de los Antonia Font, le pone la guinda. Aquí aquello de "cualquier tiempo pasado fue mejor" sienta cátera. ¿Cómo una canción denunciando la salvaje explotación turística que soportan las Baleares puede resultar a la vez tan placentera a los oídos?  

Con "Xin xin i bye bye" seguimos surfeando esa ola melancólica que envuelve a MARIA JAUME en general e impera en este trabajo en particular. El amor rara vez es para siempre, aquí su huella se describe en parte en italiano, medio en serio medio en broma, como intentando de esta manera engañar a la pena. Cierto es que bailando todo se supera mejor. 

La pro-urban "Ella sempre crema" desata las pasiones más carnales en un corte que chorrea hedonismo. La paradiña hacia su ecuador es de alto voltaje, uno de los múltiples detalles que revelan que estamos ante un disco especial.

SERCH. - "Introspectiva" (Flor y Nata Records, 2024)

SERCH. han publicado su quinto álbum de estudio con Introspectiva (Flor y Nata Records, 2024). Se trata de un recopilatorio nada convencional, con lavado de cara de las canciones seleccionadas adaptándolas a la realidad actual de la banda, traspaso de idioma del inglés al castellano e inclusión de cuatro temas nuevos. Oseasé un trabajo muy especial con el que conmemorar los 10 años de vida como formación. Sergio Salesa (voz y letras), Miquel Cellalbo (guitarras, teclados adicionales y producción), Carlos Vallecillos (teclados) y Andrea Visentín (bajo) aglutinan lo mejor del post-punk, el pop electrónico y el glam-rock añejos teletransportándolos a nuestros días previo paso por su filtro contemporáneo.   

El disco arranca con la poderosa "Extraños sin nada que perder" con ese saborcillo ochentero de gente como New Model Army o los Sister of Mercy. La banda barcelonesa cuando se pone intensa alcanza niveles de embrujo inusitados, lo que será una constante durante toda la escucha.

Seguimos enérgicos con "Formas" y una imponente estrofa armada de densos sintes y percusión hiperactiva que desemboca en un estribillo que, de tan melódico, desarma.

"Desde la radio" se erige como una de las versiones respecto a la original que más me ha fascinado con un aumento sensible en su profundidad, sonando más cavernosa, quizás en parte por un mayor peso protagonista del bajo. 

"La rabia" (videoclip insertado a pie de página) forma parte de las 4 canciones nuevas que forman parte de Introspectiva. Lanzada como segundo single trata de esa indecisión que nos ahoga, promesas que no se cumplen, la manía que tenemos de procrastinar por sistema, convirtiendo lo pospuesto en irrealizable. Musicalmente es arrebatadora, con centelleantes sintes, estribillo redondo y una atmósfera que intenta zafarse de la oscuridad a golpes de subidón. 

Un bajo muy a lo Peter Hook nos coge de la mano en "Hermanos" y no nos suelta pese a la aparición de su explosivo estribillo. Además rondando el segundo minuto y medio elige desmelenarse y de qué manera.

Cabalgando a lomos de "Mi rendición" llegamos a una de las canciones cumbre de la carrera de SERCH., la balada "Eterno". El frontman Sergio Salesa la dedica a su padre surpurando emotividad al cuadrado y alcanzando el techo emocional de la banda hasta el día de hoy.  

La deslumbrante "Niño" es músculo y épica a partes iguales, con unas gloriosas guitarras abrazando su melancólica naturaleza. Otros de mis crush de SERCH. Le sigue el segundo de los temás inéditos, la trepidante y grandilocuente "Perdidos en Varsovia". Cuidado que puede llegar a zarandearte con su magnetismo salvaje.

"Solo conexión" nos da la bienvenida con un riff guitarrero, enseguida unos centelleantes sintes les darán la réplica. SERCH. siguen a lo suyo, directos a la yugular, sin escatimar en poderío sugestivo.

La única pieza instrumental del conjunto es "Brumas", también entre el cuarteto de novedades que nos ofrece el disco. Aquí Carlos Vallecillos se luce con unos densos teclados que llenan de inquietud la estancia y es que su título no engaña.

Llegamos al que fuera primer single avance de Introspectiva, el último tema nuevo que nos quedaba por degustar: "Nueva situación". Bajo percutor, guitarras incisivas, sintes resplandecientes y Sergio dándolo todo al micro, oseasé SERCH. en estado puro marcándose un nuevo clásico en la carrera de la banda barcelonesa.

JOAN QUERALT & THE SEASICKS - "The Tales of AI Bizarre Metaverse Club" (Cielos estrellados, 2024)

Después de cinco álbumes en su haber JOAN QUERALT regresa, tras seis años de su anterior lanzamiento, con The Tales of AI Bizarre Metaverse Club (Cielos estrellados, 2024). Lo hace con ánimos reconvados, acompañado de la banda THE SEASICKS compuesta por Blanca Cereceda (bajista), Edgar Vidal (guitarrista) y Mark Ullod (baterista). Con este equipo titular Joan ha querido rascar al máximo en la producción hasta dejar el resultado lo más crudo y orgánico posible. Ha trasladado el concepto de poner en valor la sencillez y lo auténtico, además de al proceso de composición y grabación, también a nivel de mensaje, reivindicando la condición humana con todas sus virtudes y defectos frente a la invasión de la perfección digital, culminada con la llegada de la IA.

The Tales of AI Bizarre Metaverse Club arranca con "The Denial", el que fuera tercer avance del disco, un corte garajero que pone los puntos sobre las ies ya desde el minuto 0 del trabajo con una marcada actitud rockera que imperará durante toda la escucha.

El juguetón medio tiempo "What You Really Wanna" nos conduce a "Love Divine" (videoclip insertado a pie de página) y su blues-rock cargadito de canalleo con unas guitarras que se van desmelenando a medida que nos aproximamos al ocaso del corte.

La balada "Heal The Pain" cierra la cara A del vinilo de manera monumental con su halo de melancolía vestido por un aterciopelado binomio guitarra/bajo enmarcando uno de los momentos culminantes de The Tales of AI Bizarre Metaverse Club.

La radiante "Vending Machine" es muy The Strokes, con un bajo y batería reivindicando su protagonismo en un corte que hace referencia a la máquina de vending que había en el antiguo local de ensayo de la banda. Parece ser que era poco fiable, timando constantemente a sus usuarios.

El bajo ahora sí que se acaba de reivindicar con la grungera "Sue Me". La guitarra tampoco se queda coja con sus adictivos riffs, pero es que rondando el segundo minuto al primero parece que se lo haya agenciado definitivamente el Peter Hook de los Joy Division, agrandando si cabe la aureola de temazo.

FERRAN PALAU - "Plora Aquí" (Hidden Track Records, 2024)

Recuperar sabores de vivencias juveniles; reconectar con esa experimentación a medio camino de la curiosidad imberbe y una precariedad que empuja a exprimir al máximo tu creatividad; poner en valor el ensayo/error, rehuyendo todo lo posible la correción digital. Estos serían algunos de los estímulos e inquietudes sobre las que se ha forjado Plora Aquí (Hidden Track Records, 2024), el esperado nuevo álbum de FERRAN PALAU. 

El imaginario cinéfilo ochentero y noventero del artista sigue intacto, aquí enfocado hacia las películas de monstruos. De hecho aquí tenemos dos de bonachones: Snif y Smosly. El primero, máximo protagonista, tanto que monopoliza la portada del disco, se presenta como tierno y curioso. El segundo más arisco y receloso. Ambos personajes tienen lugar de honor en el cortometraje de ocho minutos de duración dirigido por Pablo Maestres y que puedes ver insertado a pie de página. Este trabajo cinematográfico, con la banda sonora a partir de canciones del disco, cuenta con la aparición del mismo Ferran y su hijo Leo Palau acompañando a gente como Judith Mascó y Bruna Cusí. Funciona a modo de una especie de Eduardo Manostijeras animal, con crítica al consumo rápido e indiscriminado, a los medios de comunicación sensacionalistas y en definitiva a la tendencia reaccionaria de la sociedad en general respecto a lo "diferente".

Foto de Louise Sansom

No nos olvidamos del álbum puro y duro, por supuesto, enseguida estamos con él, pero es que los lanzamientos de FERRAN PALAU son así de poliédricos, con cuidado merchandising inspirado en el concepto del mismo y los máximos posibles soportes audiovisuales al que puedan dar cabida la cuadrilla talentosa que siempre orbita alrededor del de Collbató.

Esta vez se le ha unido el artista y productor Sr. Chen al tándem habitual que acaban de moldear sus trabajos formado por Jordi Matas y Joan Pons (EL PETIT DE CAL ERIL). Esta novedad se nota respecto a sus últimos trabajos, despojándolo de capas y acentuando el romance entre la vertiente más acústica/folk de los dos primeros discos de Ferran e incluso de su inmediatamente anterior Joia (2021) y las atmósferas hip-hoperas que ya se habían ido colando entre las notas de Blanc (2018), Kevin (2019) y Parc (2021).

   

La voz de Snif nos da la bienvenida a Plora Aquí con la intro "Els llibres" para que enseguida entre el flow suavecito tan particular del artista vistiendo la ternura de "S'estenen flors". De las menos encriptadas líricamente de la carrera de Ferran, con este: <<cada cop que veig el que passa, quan estàs un temps lluny de casa, em queda més clar que et necessito, una mica més i no ho explico>>, sellando una explícita carta de amor.

En un trabajo de FERRAN PALAU por lo general te encontrarás perlas sonoras o auténticos diamantes, en el segundo grupo incluiría canciones como el tridente que viene. En "Avui" unos coros incorpóreos se entrelazan con arpegios guitarreros en la estrofa para encarar su ultra delicado estribillo, con una poética lírica de aquella que se clava a fuego en la retentiva: <<Avui seràs el fang que frenarà els meus peus, perquè no pugui escapar-me de tot. Avui seràs la sal que em curarà la pell, tinc un pressentiment>>. 

Foto de Pablo Maestres

"M'encanta" me produce ese mismo sentimiento: "me encanta". Transmitiendo un buen rollito espectacular, con una estrofa juguetona y puente soulero conduciéndonos hacia su luminoso estribillo coronado por unos mágicos punteos guitarreros. Por si no tuvieramos bastante hacia el segundo minuto y diez segundos entramos en un break, con coros duduás incluidos, que es pura delicatessen sonora. 

 
El avance de Plora Aquí fue la reconfortante "Aquí no hi ha truc". Si el grado de placidez se midiera a través de las canciones esta debería estar en el podium de lo más del año. Le sigue la de muy aire mediterraneo "120", transpirando calidez por los cuatro costados.

El interludio instrumental con sabor a bossa-nova "Dinosaures" abre la cara B del vinilo indicándonos el camino hacia "Snif", nombre además, tal como indicábamos al inicio de estas líneas, de uno de los dos monstruos que aparecen en el concepto del trabajo. También comentar que entre su letra se cuela el título del disco. Una base marcadamente hip-hopera hace que estemos ante el corte más cadencioso de la escucha, como incitándote con sus sugestivas notas a una ligera oscilación corporal.

La golosina "És així", armada de unos arpegios que directamente acarician, dan paso a "Fil d'or". ¿Te animas a levitar? Su bucólica atmósfera junto a unos coros coronando el vaporoso estribillo harán que eludas la ley de la gravedad.

RUSSIAN RED - "Volverme a enamorar" (Sonido Muchacho, 2024)

Diez años han pasado ya desde que RUSSIAN RED publicara su último álbum con material inédito. Desde entonces un disco de versiones y colaboraciones con artistas como Glowbug, Melpo Mene y Juno eran las novedades que nos hacían entender que la carrera musical de Lourdes Hernández (Madrid, 1985), tras su marcha a Estados Unidos allá por el 2013, aún estaba activa.

La autora de uno de los álbumes estatales más estimulantes del siglo XXI con Fuerteventura (2011), en los últimos tiempos había dedicado más tiempo a su faceta como actriz, regresando en 2023 en solitario con el avance de dos singles de Volverme a enamorar (Sonido Muchacho, 2024). El quinto álbum de la madrileña, supura por sus poros sensualidad al cuadrado, con una Lourdes empoderada y liberada a partes iguales, optando por momentos al etiquetaje de femme fatale.

El trabajo ha sido manufacturado a seis manos junto a Luis Sanso Luichiboy (Cupido) y Carlos René, con apenas veinte minutos de metraje que arrancan con "Me gustan todos los chicos". La calidez de unos arpegios de guitarra clásica nos abre la puerta a la habitación de Lourdes, una en la que expone de manera un tanto pícara su soledad, con el corazón roto pensando, citando el título del disco, en "Volverme a enamorar". Pocas veces un minuto y cincuenta segundos habían presentado mejor el contenido e intenciones de un álbum.

Con la agridulce "No entiendo nada", la que fuera segundo anticipo del disco, nos impregnamos de saborcillo añejo, con unos coros que bien podrían acompañar a Claudine Longet en la maravillosa El Guateque (1968), volviendo a encandilar seguro a Peter Sellers.

   

"Intelectual sexual" sería algo así como follar mientras debates con tu pareja sobre el existencialismo. El corte más juguetón e implicitamente lujurioso del conjunto, ahondando en el símil peliculero, me la imagino en la banda sonora de alguna película española del destape de mitad de los setenta.

  

El nuevo clásico de RUSSIAN RED es la perla spanglish "This is un volcán", primer single del disco. La que nos traslada a su época más folk e intimista, con una evocadora estrofa que parece no tener fin hasta la llegada del aterciopelado falso estribillo, a modo del placentero cigarrito de después. Lourdes nos lo aclara: <<This is not a love song, this is un volcán>>. 

La artista se marca un sugerente bolero electrónico con "Una fresca". ¿Auto-zasca o ejercicio reivindicativo? El nivel de sugestión se mantiene bien elevado durante la escucha del disco pero hay momentos en los que se bordea lo tórrido, este sería uno de ellos.

 
Si entrelazamos el sexo con el amor la cosa se pone fina. "La última vez" es eso, romanticismo y excitación a partes iguales. Un espíritu duduá se va colando entre las notas de otro sugerente corte, en el que se llega a la conclusión de que: <<Y si al hacerme el amor, me agarro fuerte a una ilusión. Aunque sea la última, última vez>>.

CARLA - "Eclipse" (Great Canyon Records, 2024)

Carla Serrat (Vic 1990) lleva desde 2014 con su alias CARLA y una propuesta de electrónica orgánica repartiendo bombones sonoros en forma de un mini-LP y tres álbumes, contando con el presente Eclipse (Great Canyon Records, 2024).

Nos encontramos ante 30 minutos en los que la catalana culmina su evolución virando hacia territorios cada vez más heterógeneos, con el electro-pop como hilo conductor sin abandonar del todo esa atmósfera experimental marca de la casa.

  

Eclipse es una palabra que viene del griego y que significa "desaparición" o "abandono". A la práctica,  dos cuerpos celestes coinciden hasta provocar la desaparición momentánea de uno de ellos, apagándose su luz a nuestra vista. Esa dicotomía entre el resplandor y la sombra sirve de leitmotiv al trabajo. Uno que arranca con "Longing" marcando la apertura de la catalana hacia otros ambientes sonoros ya en el minuto y veinte segundos en forma de golpe encima de la mesa con esos expansivos sintes. La culminación es el brillante ocaso en un último cambio de compás hacia su tercer minuto, confirmando que estamos ante algo muy grande.

Foto de Andrea Gianella

 

"One last song" quizás sería una de las canciones que más dan la razón a CARLA a la hora de plantear la dualidad conceptual del disco, al menos rítmicamente, por su break rondando el segundo minuto de corte. Un cambio de rumbo que rompe la placidez onírica inicial aunque sin desatender ni un ápice el nivel de magnetismo reinante.   

Una de las sorpresas que contiene Eclipse es la colaboración del cantante y percusionista guineano afincado en Londres Falle Nioke, mitad del proyecto colaborativo N'Dekho, junto a Joe Goddard (Hot Chip). "Part of me" se convierte en uno de los cortes más inmediatos de la carrera de CARLA, un afro-beat bailable y adictivo a partes iguales.

Entramos en territorios donde se recupera por momentos la vertiente más aventurera de la artista a través de "Rising into you" y "Void of your memory" (videoclip insertado a pie de página). Electrónica vanguardista al servicio de tus sentidos. La primera, rozando por la escuadra a la música de club, con esos hipnóticos recovecos que tal como reza su título "nos elevan" y de qué manera. La segunda, conmovedora balada con un sintético trabajo vocal como perfecto lazo de regalo para un corte tan agridulce como arrebatador.

La electrónica juguetona de "Words", con el ensoñador estribillo como guinda más esos densos sintes en el puente como contrapunto, completan otro corte plus estimulante.

"Consequence" y su contenida épica nos indican la dirección correcta para llegar al encanto de "Over too soon". Acercamiento de CARLA a un R'n'B de tintes urbanos con resultados inmejorables.

DEPRESIÓN SONORA - "Makinavaja" (EP Sonido Muchacho, 2024)

Marcos Crespo (1997), alías DEPRESIÓN SONORA, nos presenta su tercer EP con Makinavaja (Sonido Muchacho, 2024) tras el del debut homónimo en 2020 y Historias tristes para dormir bien del 2021. Completan su repertorio hasta la fecha el larga duración El Arte de Morir muy Despacio (2022) y varios singles con gente tan diversa y talentosa como Ghouljaboy, Bratty, Rojuu, Javiera Mena, Carolina Durante o Los Punsetes, por lo que podemos considerar al vallecano un ejemplo de hiperactividad y colaboracionismo. Además ha girado por España, Latinoamérica y Estados Unidos, actuando el pasado abril en el prestigioso Coachella.

Con estas credenciales y la aureola de ilusionante promesa ya convertida en palpable realidad, cada nueva publicación de Marcos genera las máximas espectativas, ni que decir que sobradamente cumplidas en el caso que nos ocupa. Makinavaja, cuyo título es un homenaje al cómic Maquinavaja: el último choriso del dibujante Ivà, son 4 cortes redondos de shoegaze melódico, post-punk y jangle-pop, por geolocalizarlo estilísticamente, que arrancan con el sonido de un casete introduciéndose en un reproductor dándonos paso a "Mala". Una línea de bajo percutora y una sombría batería, sobretodo en su tramo final, cogiendo de la mano a esas guitarras tan añejas y a la vez tan seña de identidad de DEPRESIÓN SONORA. Así se enmarca una letra, también marca de la casa, con versos como el que remata el tema: <<...que escribo yendo ciego. Tu culo un caramelo, siempre soy sincero, siempre escribo ciego>>. Otro clásico ya en la saca del Sr. Crespo.

"Vivo del aire", el que fuera primer avance de este trabajo, se situa como uno de los hitos emocionales de la corta pero intensa carrera de Marcos. Un medio tiempo convertido en himno con ese estribillo marcándose a fuego: <<Vivo del aire, vivo de oirte hablar, vivo de ser de alguien por quien podría matar>>. 

En la inquietante "Nada importa" nos encomendamos a la bipolaridad debatiéndonos entre entre el sinsentido de la vida y la búsqueda del placer para salir del pozo existencialista. La canción más trepidante del conjunto con un bajo imperial firmando la sentencia: <<Nada importa, no es importante, nada, nada>>.

DISCO GLANDEX - "Diga sí a la vida moderna" (Autoeditado, 2024)

DISCO GLANDEX es el nuevo proyecto del talentoso e hiperactivo productor sevillano Mist3rfly, creador de bandas como Lemon^fly, Electronikboy, o Conmutadores, esta vez junto al vocalista Loon Attic y la corista y percusionista La Rubia MJ. El trío manufactura un pop electrónico altamente bailable, para perderte del gusto por entre sus melódicas notas de sintes. Las reminiscencias a artistas añejos ochenteros como Alaska y Dinarama o Pet Shop Boys se difuminan hábilmente con sus habilidades contemporáneas. 

En su álbum debut Diga sí a la vida moderna (2024) han colaborado gente tan distinguida como la diva La Prohibida, el gran Santi Rex (Niños del Brasil) o el no menos legendario guitarrista Luis Miguélez.

Queríamos hacer algo especial con esta formación tan singular por lo que pedimos a Mist3rfly que nos describieran, desde la perspectiva de los creadores, la esencia de cada canción que conforma el primer disco de DISCO GLANDEX. A continuación entre Loon Attic y él nos destripan este estupendo trabajo, corte a corte, nunca mejor dicho:

• Baila su funeral> En este tema hemos querido plasmar una dicotomía: el ambiente jocoso-festivo de la fiesta nocturna y el aspecto más serio y oscuro de la adicción a las drogas que se está haciendo más presente con la aparición de nuevas drogas de diseño. Creemos q es algo que no se debería ignorar. Describe a esas personas arrogantes y egocéntricas que presumen de su superioridad mientras sus vidas están desmoronándose. A pesar de enfrentar problemas y necesitar ayuda, prefieren mantener su actitud orgullosa y rechaza cualquier apoyo. En lugar de enfrentar la realidad, se aferran a su falsa imagen de grandeza, ignorando las consecuencias de sus acciones.

• Sin ser tú> Es un tema que compuso Mist3rfly hace muchos años, lo hemos rescatado con nueva producción e invita a recapacitar para llegar a ser personas más auténticas y mejores, sin disfraces. Esta canción critica la hipocresía de aquellos que intentan aparentar ser algo que no son, mientras esconden sus verdaderos sentimientos negativos.

• Mi último tango en París> Es otro rescate de Mist3rfly, nos gusta decir de este tema que es el primero del que se enamoran en una primera escucha quienes escuchan el álbum. Es una oda a vivir la vida sin importar las limitaciones o los miedos. Donde la voz de La Prohibida y la de Loon Attic calzan a la perfección.

• Starlette> Retratar a una mujer seductora y enigmática que se presenta como una atracción en un mundo de vulgaridad y extravagancia, donde su presencia destaca como una figura principal en medio de la multitud. Gracias a las guitarras del gran Luis Miguélez es el tema más kitch y salvaje del álbum.

• Zaragozana> Tema escrito por Davis Rodríguez (Escuelas Pías) y Armando Jiménez (Ex-Blacanova) que reflexiona sobre la importancia de la identidad cultural y cómo esta puede perderse o ser malinterpretada en un contexto de globalización y homogeneización cultural. Además Disco Glandex tenemos una conexión especial con la ciudad de Zaragoza y con su gente, y quién mejor que un maño como nuestro queridísimo Santi Rex (Niños del Brasil) para que colaborara con nosotros en esta canción.

• Ven que te abrace> Segundo tema con el que se tiene un amor a "primera escucha". Es un himno a la vida y al amor escrita por Manu Jiménez que nos explica como encontrar la felicidad y la libertad a través de la conexión con los demás y la autenticidad personal, mientras se enfrenta a los desafíos y las adversidades de la vida. ¿Que hay más gratificante que un abrazo?

• Diga si a la vida Moderna> Escrita por Armando Jiménez (Ex-Blacanova), es una oda a los comienzos de la vida moderna antes de contar con la inteligencia artificial, cuando no existía tanta inmediatez. Antes la novedad de las nuevas creaciones duraban más de un día y todo se disfrutaba por más tiempo.

• El tiempo se pierde> Hemos querido hacer un tema "daliano" para expresar que todo comienza y todo acaba, que todo es temporal, intentado sumergir al oyente en un mundo surrealista de ensueño donde lo ordinario se transforma en extraordinario y cada detalle está imbuido de un significado poético y misterioso.

• Electro, indie, punk y dance> Queríamos añadir un tema que nos ayude a conectar con el público en los directos, ya que al ser sencillo y bailable todos podemos cantar y bailar cuando suene. En definitiva un tema para bailar, ya sea en tu casa como en un concierto de Disco Glandex.

MAR PUJOL - "Cançons de rebost" (Hidden Track Records, 2024)

La cantante y guitarrista MAR PUJOL (Prats de Lluçanés -Barcelona-, 1999) tras su debut en 2022 con el EP  EP Trepa y algunos sencillos posteriores, lanza ahora su primer larga duración: Cançons de Rebost (Hidden Track Recors, 2024). Un "rebost", alacena en castellano, ocupa un lugar modesto dentro del domicilio, donde no se suele guardar lo más preciado de las posesiones pero sí quizás objetos muy necesarios para el día a día. Así resulta este disco, un trabajo sin artificios pero imprescincible. Reflexivo, austero a la par que elegante, diez canciones vestidas en su mayoria solo de guitarra clásica y voz, con la ayuda a la producción de uno de los gurus del nuevo pop catalán: Jordi Matas. Y es que, inmersos como estamos en la sociedad de la inmediatez y la deshumanización, invertir media hora para la escucha de un contenido tan balsámico como el que nos ocupa conlleva efectos regeneradores.  

MAR PUJOL traslada sus inquietudes vitales a una calidez que directamente acaricia, como en "Amor en conserva", el arranque del álbum. Entre sus notas se menciona ese "rebost" y se expone el leitmotiv del trabajo, con los alimentos también como metáfora de sentimientos y experiencias. Enseguida aparece una de las perlas del disco, "Verd avellaner". Delicados arpegios guitarreros enmarcan su poética lírica con versos como: <<Porta'm amb tu on floreixen pessigolles d'herba seca i creuem camp a través / Llévame contigo donde florecen cosquillas de hierba seca y crucemos campo a través>>. Es uno de los cortes donde se identifica más el estribillo, la excepción que confirma la regla ya que Mar suele esquivar la estructura típica del pop.

En "Tots els racons" aparece el violonchelo y unos coros como invitados ocasionales a esta fiesta de la placidez y el sosiego que es Cançons de rebost, inyectando un plus de hechizo a otra delicatessen de la cantautora. Le sigue "Flor de nit", la que fuera primer single avance, con esa sección de cuerda siguiendo dando guerra embelesante, esta vez para musicar un poema de Joan Josep Camacho. 

La conmovedora "Ploranera" cierra la cara A del disco con el tema más extenso del trabajo. Cuatro minutos y ocho segundos de unos arpegios que se enredan hasta tejer un manto de la más bella melancolía. Seguimos con "L'hora justa" en zona de altas emisiones sensitivas, es una constante en todo el trabajo. Luego nos topamos con la pista más efímera del conjunto, minuto y medio de una empoderada "Princesa de la sal".

"Per cada u" fue el segundo single del álbum (videoclip insertado a pie de página), un surtido de deseos hecha canción. La menos introspectiva del conjunto, con una leve electrónica que, junto con la temática de la misma, acaba por situarla más allá de la alacena contenedor del resto de cortes de Cançons de rebost.

Con "ìí" nos subimos a un tren, que tal como reza su letra <<...no duu l'or, però duu el tresor / no trae el oro, pero lleva el tesoro>>. Ese "tesoro" que nos regala Mar con el aterciopelado tándem que forman su voz y la guitarra.

BLEACHERS - "Bleachers" (Dirty Hit, 2024)

Presentar a Jack Antonoff (1984) como el culpable del proyecto indie-pop BLEACHERS, anteriormente integrante de Fun, sería indiscutiblemente quedarnos con la punta del iceberg de una trayectoria incuestionable dentro del panorama musical mundial. Productor, compositor y multiinstrumentista, ganador de once premios Grammy, colaborador de artistas como Taylor Swift, Lana Del Rey, The 1975, Diana Ross, Lorde, St. Vincent, Florence + The Machine, Kevin Abstract etc. 

No hace falta decir que estamos ante una eminencia con patas, todo un talento que ha sabido estampar su firma a estilos tan diversos como el pop, rock, soul o incluso el rap. Quizás por tal abanico estilístico que ha abarcado como productor y compositor se podría pensar que costaría identificar el sonido de su banda. Pues no, desde aquel debut con Strange Desire en 2014, Antonoff ha fijado su punto de mira en un pop luminoso con notálgicas miradas a los 80's, acentuando sus preferencias en su cuarto y homónimo álbum (Dirty Hit, 2024). Un trabajo que se reivindica más participativo y compacto, más como banda en todos los sentidos.

El de New Jersey arranca el disco con la reflexiva "I Am Right On Time" y una latente épica que no acaba de liberarse totalmente, sumida en un disciplinado autocontrol. Concluye con un lapidario: <<For once in my life, I am right on time>>. Antonoff asume el paso del tiempo como el proceso de aprendizaje que es, lo que le ha llevado, entre otras muchas cosas, a gestar el álbum que nos ocupa.

BLEACHERS se ponen el traje de sus vecinos la E Street Band en el corte más inmediato del trabajo, el juguetón single "Modern Girl". Uno de luminoso, me atrevería a decir festivo, con el saxofón muy protagonista, seguirá así en otros lances del trabajo, y el mismo grupo insertado en una lírica entre sarcástica y hedonista. Este instrumento de viento sigue haciendo de las suyas en "Jesus Is Dead", despertándonos abruptamente de su machacón desarrollo hacia el tercio final del corte. 

Entramos en zona de alto standing emocional con los dos singles "Me Before You" y "Alma Mater". La primera, una preciosa balada con retintín a declaración amorosa incluida, de hecho la relación sentimental con su actual mujer es una de las claras inspiraciones del álbum. La segunda, con una base electrónica como pulso de la misma, ecos de saxo y sorprendente pincelada de falsete incluido, además de la intervención de Lana del Rey como guinda de un corte todo el embelesante.

"Tiny Moves" es el cuarto single extraido del álbum haciendo justicia a su adictivo poderío. Incluimos a pie de página el videoclip protagonizado por la esposa de Antonoff, la actriz, bailarina y modelo también estadounidense Margaret Qualley. 

Un fuerte aroma a The National impregna la escucha con la llegada de la conmovedora "Isimo", no es el único momento del disco en que Jack Antonoff parece fundirse con Matt Berninger. Mientras, la acústica "Woke Up Today" explorará bucólicos terrenos folk acompañada de coros abrazando su balsámica guitarra.

Otra colaboración de lujo en el ábum es la de Florence Welch (Florence and the Machine) en la desgarradora "Self Respect", precediendo a la minimalista "Hey Joe", la más breve del conjunto con sus agridulces apenas dos minutos de duración.