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sábado, 23 de abril de 2022

NICZERO9 - #NZ9 (Dog From Hell Records, 2022)


Los productores Josep Arnan y Oscar Cortés forman NICZERO9 y ahora publican su primer lanzamiento en formato larga duración, tras aquel lejano mini-LP "99 Millions de Segons" (Astro Discos, 2005). En su momento enfocados al rock-ambient pasado por el tamiz electrónico. 

En esta ocasión NICZERO9 muestra un claro dominador en lo que respecta al espectro estilístico de las otras bandas de sus componentes, CAMPING por parte de Oscar y TIGER MENJA ZEBRA en el caso de Josep. No queda ni rastro del poso post-rock de los primeros, #NZ9 adopta la dosis justa de la electrónica visceral de los Tiger, mayormente a base de breakbeat y techno-industrial, alterándola hasta darle carácter de marcada tendencia al baile.


"#Begin" abre el melón al modo apisonadora rave para luego apaciguarse los ánimos con el melódico trance de #KeepOnMoving y el atmosférico ambient de #LoveHaters. Cuidado con esta última que juega al despiste, su segunda mitad inyectará ritmo a tus caderas.

"#4" atesora uno de los títulos más explícitos del momento. Parida aparte, el cuarto corte de #NZ9 seguirá provocándote el baile con sus hipnóticos beats. Le sigue la tribal "#RobbersOnSuit", otro rompepistas, para cerrar el trabajo con "#Off", no podía ser de otra manera. Ocho minutos y medio de magnética sugestión, del mejor Detroit techno para despedirte muy arriba de hechizo electrónico, al más puro estilo NICZERO9.

martes, 12 de abril de 2022

VULK - "Vulk Ez Da" (Montgrí, 2022)


Julen Alberdi (guitarra), Andoni de la Cruz (voz y guitarra), Alberto Eguíluz (bajo) y Jangitz Larrañaga (batería) son VULK, banda que tras cuatro años desde su anterior lanzamiento vuelven al candelero discográfico con Vulk Ez Da (Montgrí, 2022). Lo hacen con cambios sustanciales; consumándose el relevo a la batería del anterior miembro Javier Marco por Jangitz, canjeando su alternancia del euskera con el inglés por la presencia total del primero e inyectando una mayor dosis de crudeza y poderío a su propuesta post-punk. 

Que el disco se grabara en analógico en Atala Estudioa (Beri, Navarra) por Íñigo Irazoki (BELAKO, AINARA LEGARDON) con el cuarteto tocando al unísono, seguro tiene mucho que ver en la transmisión de ese plus de energía al que hacemos referencia. Todo al servicio de unas letras que exponen retales de convivencia inherentes a la condición humana, sin filtros, desde una afilada objetividad. 

Canciones adictivas como el arranque, nunca mejor dicho con ese sonido de motor de fondo añadido, "Hamar Lagun Baten Kontra" (Diez contra uno). Percutoras como el bajo en "Amodioa Kartzelan" (Romance en la cárcel), con la sorprendente complicidad de unos vientos arrolladores. Hablando de bajo, su riff en "Gaua Eta Odola" (Noche y sangre) tampoco es cojo, junto a unos arrebatadores cambios de ritmo rondando el 2º y 4º minuto del metraje. A que, para recovecos los de "Mailua" (El martillo), comprimidos en el que es el medalla de plata de los cortes más breves del conjunto con sus sugestivos 2 minutos y 8 segundos de reloj.

Foto de Aitor Mendilibar

El vivaracho riff guitarrero de "Laguna" (Amigo) nos acompaña al cierre de la cara A del LP con el amor fraternal por bandera y unos paros en su desarrollo, como para permitirnos coger aire ante lo que nos queda por escuchar. 

La inquietante "Militantzia Sutsua" (Militancia apasionada) con 6 minutos y medio donde pasarse del idilio inicial entre el bajo y la percusión a su explosivo ecuador. Luego se avanza soltando lastre hasta acabar vacíos, exhaustos, pero gozosos tras ser testigos de uno de los cortes más abrumadores del trabajo. Prácticamente viene hermanada con "Agurra"(Despedida) y ese hipnótico trabajo de las voces.

domingo, 10 de abril de 2022

ANNA ANDREU - "La Mida" (Hidden Track Records, 2022)

ANNA ANDREU ya tiene segundo álbum de su carrera en solitario con La Mida (Hidden Track Records, 2022). Si en el espléndido Els Mals Costums (2020), Anna desviaba su pasado country-folk como co-líder de CÁLIDO HOME hacia la canción de autor mediterránea, con cierto apego al pop y regusto lo-fi; ahora le inyecta más ingravidez aún a su propuesta con la incorporación de texturas electrónicas y un mayor peso de los sintetizadores.

Jordi Matas sigue ejerciendo de productor de cabecera de la de Sant Quirze del Vallés (Barcelona). En esta ocasión incluso notándose más su embrujo, precisamente por ese abrazo a atmósferas más sintéticas que mencionaba en el anterior párrafo.

Anna (guitarra y voz) vuelve a contar con Marina Arrufat (batería, teclados y coros) para condimentar esta delicatessen sonora que es La Mida. Arranca con "Penyora" y una estrofa que de entrada te deja sobrecogido: <<Duia una pena tan gran sobre una esquena tan petita. Com si fos ferro infernal, era oberta la ferida (Llevaba una pena tan grande sobre una espalda tan pequeña. Como si fuera hierro infernal, estaba abierta la herida)>>. Una de las tantas virtudes de ANNA ANDREU es que puede expresar amargura sin perder ni por un segundo esa calidez balsámica característica, con unas notas de guitarra que ayudan y mucho. Al final la cosa parece encauzarse un pelín, tal como reza su letra en el estribillo: <<És fàcil d’entendre que he perdut el centre però no serà per sempre (Es fácil de entender que he perdido el centro pero no será para siempre)>>.


"La Certesa" fue el avance del disco y ya dejaba entrever el incipiente idilio entre guitarra y teclados. ¿Me he vuelto loco o esos últimos, junto al cadencioso ritmo de la percusión inyectan un flow al tema que lo convierte incluso en bailable? Eso si, seria un "baile" sutil, vaporoso.

FERRAN PALAU hace su entrada triunfal en La Mida cantando a dúo "Un Son". El resultado no podía ser más maravilloso, no sólo porque son dos voces que transmiten lo que no está escrito, sino porque precisamente lo que si que está "escrito", como ya es habitual en el trabajo de Anna, es otra exquisitez: <<Sóc l’angle mort on tu t’amagues fins que es destapi el desastre. Seré el punt cec que no esperaves i ho pagaré molt car (Soy el ángulo muerto donde tú te escondes hasta que se destape el desastre. Seré el punto ciego que no esperabas y lo pagaré muy caro>>. Esos flashes bluseros de guitarra firman la sentencia de esta maravilla.

"La Força i el Temps" lleva en su ADN bien marcado la secuencia lírica de ANNA ANDREU, como demuestra ese inquietante break rondando el segundo minuto y el verso: <<I em somio morta sense dol ni plany i tu obres la porta de bat a bat (Y me sueño muerta sin luto ni lamento y tú abres la puerta de par en par)>>. La dulce voz de Anna y esa manera tan aterciopelada de tocar la guitarra camufla una tenue penumbra, más marcada en este álbum que en el anterior.

Con "Hores per Dies" llega el momento más "pop-metafísic" de La Mida, digamos que sería algo así como la marca de la casa más palpable de su sello Hidden Track Records. Pura belleza, Anna armada solo con la voz junto a unos coros inanimados y etéreos sintes, más que suficiente para vestir de seda sus hermosos versos: <<Tinc la virtut i la falta com l’ocell que mor en vol i no cau de l’estol i suspès com el sol ell només viu de l’aire (Tengo la virtud y la falta, como el pájaro que muere en vuelo y no cae de la manada y suspendido como el sol él sólo vive del aire)>>.

miércoles, 6 de abril de 2022

THE CLASH - "London Calling" (CBS Records, 1979)


En el ocaso de este 2022 se cumplirán 43 años, qué viejos nos hacemos, del lanzamiento de uno de los trabajos más gloriosos del rock, el doble LP de los THE CLASH de 1979 London Calling (CBS Records, 1979).

La banda liderada por Joe Strummer (nacido en 1952 en Ankara -Turquía- donde su padre ejercía de diplomático británico) y Mick Jones (nacido un año después en Londres), con su tercer álbum publicado el 14 de diciembre de 1979, entran por la puerta grande en el Olimpo de los jefes musicales. Aquellas navidades de 1979 las vitrinas de las tiendas de discos fueron ocupadas por THE CLASH y los PINK FLOYD con el disco "The Wall", otro clásico. Paradójicamente, aunque musicalmente nada tienen que ver, ambas obras abordaban temas sociales y políticos de interés, tanto para su generación como para las anteriores.

Vayamos por partes, THE CLASH es uno de los grupos esenciales surgidos del punk, originada a finales de los años 70's, con dos rasgos diferenciales de otras formaciones coetáneas como los SEX PISTOLS o RAMONES, que se caracterizaban por su simplicidad musical y nihilismo lírico. El primero es que incorporaron magistralmente estilos diversos como el reggae, rock, rockabilly, ska, rhythm and blues, jazz, hardcore, funk y dub, entre otros variados, dentro de su repertorio. La segunda es que lo hacían desplegando un sentimiento de rabia y rebeldía política, con una marcada ideología de izquierdas y reivindicación social y política. Activos diez años, desde 1976 hasta 1986, la banda dejó profunda huella en la historia de la música moderna.

Volvemos al 1979, la conservadora Margaret Thatcher acaba de tomar posesión como primera ministra del Reino Unido. La conocida con el apodo de "La Dama de Hierro" aplicará una agenda de privatizaciones y recortes sociales a saco. Aunque los THE CLASH ya llevan publicados de dos discos esenciales para el género, como son el homónimo The Clash (1977) y el Give'em Enough Rope (1978), siendo uno de los pilares de la explosiva escena punk británica, están muy lejos aún de gozar del éxito popular necesario para tener garantizada una subsistencia económica. Tampoco tiene pinta de que el propio movimiento punk deba sobrevivir comercialmente y la Thatcher bien parece encarnar la representación material de su derrota.

Con este panorama, más bien poco alentador, el cuarteto británico completado por Paul Simonon al bajo y Topper Headon como batería, se apuntan a una huida hacia delante publicando un doble álbum, icónico ya desde su portada, con foto del bajista Simonon destrozando contra el suelo su instrumento. Además adoptaron en el título del disco la misma tipografía que el disco debut del ELVIS PRESLEY. En London Calling THE CLASH confirman el despliegue del arsenal de géneros musicales conformando un caleidoscópico mural sonoro al servicio de su habitual lírica contestataria. Un disco que tiene un hilo conductor, la derrota, donde los protagonistas de las canciones son los perdedores

El título del tema inicial (videoclip insertado a pie de página) que también da nombre al disco, fue inspirado en los llamamientos que transmitía la BBC durante los bombardeos alemanes en la capital del Reino Unido en la Segunda Guerra Mundial (“This is London calling…”, “Esto es Londres emitiendo…”). Se transformó en eso, la llamada desesperada de una generación. 

El rockabilly de "Brand New Cadillac" es una versión de la canción de 1959 originaria del cantante también británico Vince Taylor. Viene por orden seguida del encantador swing de "Jimmy Jazz".

En la canción "Hateful" se trata el poder destructivo de la droga, especialmente inspirado por la que era reciente muerte del bajista de SEX PISTOLS Sid Vicius, amigo de Joe Strummer. Luego vendría la fresca fusión reggae/ska de "Rudie Can't Fail", que nos habla de los Rude Boys, la primera generación de ingleses nacidos de padres procedentes de Jamaica y que a menudo eran víctimas de la xenofobia y el acoso policial. 

Llega el power-pop de "Spanish Bombs", homenaje a la resistencia del bando republicano en la Guerra Civil Española donde se nombra también al gran Federico García Lorca. Aquí el vínculo sentimental de Strummer con Granada se nota y mucho.

El rhythm and blues de "The Right Profile" tiene como protagonista  al actor norteamericano Montgomery Clift con letras que nombran su accidente de coche y el posterior abuso de alcohol y drogas. El tiempo que va desde su accidente en 1956 hasta su muerte en 1966 fue conocido como "el suicidio más largo de la historia de Hollywood". Realmente Strummer la dedica de forma encubierta a su productor Guy Stevens, adelantándose a su muerte por sobredosis de fármacos sólo dos años después de la grabación de London Calling.


En la melancólica perla pop "Lost in the Supermarket" Strummer intentó dibujar la infancia de su compañero Mick Jones, que creció en unos bajos de las afueras de Londres con su madre y su abuela. Jones cantó la canción a petición del mismo Joe, que la definía como "un relato de superación". También funciona como una crítica al consumismo, un dos por uno en toda regla.

El corte punk-rock "Clampdown" está dedicada a la juventud rebelde que lucha contra el orden establecido, mientras que el maravilloso reggae de "The Guns of Brixton", compuesta por el bajista
Simonon, está inspirada con Brixton, la zona del sur de Londres donde creció y donde solían sufrirse disturbios en la calle, brutalidad policial incluida.
 
El segundo LP arranca con "Wrong 'Em Boyo", una versión en clave ska de la canción rocksteady del mismo título de la banda jamaicana THE RULERS publicada en 1967, que a su vez ya era una cover del cantante de rythm and blues estadounidense Lloyd Price y su canción "Stagger Lee" de 1958.

Con uno de los temas más cercanos al pop del disco, "Death or Glory", se mofan de la escena punk, hablando de cómo todos los jóvenes rockeros rebeldes finalmente crecen y se apoltronan dentro de la sociedad capitalista. Precisamente éste es el destino que los THE CLASH querían evitar.

"Koka Kola" (con todas las "C" con "K") es la canción más corta del trabajo con su minuto y 48”. Suficientes para vestir certeramente una letra sarcástica y crítica, con evidente doble sentido entre la Coca Cola y la cocaína en el mundo de los negocios y sobre las cloacas del capitalismo. Después la melódica y dramática "The Card Cheat", aliñada con una trompa y con un inusual protagonismo del piano, centrándose en un jugador solitario al que finalmente se le acaba la suerte.

"Lovers Rock" es un estilo de música reggae gestado en la Inglaterra de mediados de los años 70 caracterizado por su sonido y contenido romántico. La canción tiene el mismo nombre pero con el apóstrofe entre la “r” y la “s” en el "Lover's", como "Rock del amante" y no como "Amantes del Rock" (el estilo musical). Aquí se juega al despiste ya que parece tratar sobre la diferencia entre el sexo por disfrutar y la procreación, lo que llevó inicialmente acusaciones de sexismo a la banda, pero desde el segundo verso queda claro que Joe Strummer sólo está parodiando canciones de reggae con letras sexuales.

viernes, 1 de abril de 2022

BONITX - "Soft butch" (El Genio Equivocado, 2022)


Bonitx (léase como "Bonite") nos desarmó con su revisión del synth-pop 80's fusionándose con elegantes trazos de guitarra eléctrica y exquisito empleo de la caja de ritmos junto a un sutil autotune. Todo ello tenía cabida en su espléndido debut discográfico homónimo publicado justo hace un año. Volviendo al presente, Edu Rubix vuelve a agitar nuestro tímpanos dándole una vuelta y media a su sonido con su nuevo álbum Soft butch (El Genio Equivocado, 2022).

Ahora el R&B y funk son los ritmos jerárquicos con una guitarra más protagonista que en la anterior referencia de la barcelonesa. Las experiencias vitales acumuladas e inquietudes como persona no binaria siguen siendo el lienzo sobre el que desplegar su deslumbrante talento compositivo. Esta vez pero, desde una vertiente más empoderada y rehabilitadora, como si con el primer álbum hubiera limpiado su aura de inseguridades y desasosiegos.

Foto de Blanca Arias

Un cálido riff de guitarra nos abre la puerta a Soft butch con "Tan sola" y Edu jugando al despiste en lo que se refiere a la temática, sería algo así como la excepción que confirma la regla del conjunto. Su corte más apesadumbrado, con las secuelas de una ruptura sentimental como leitmotiv de tres minutos y medio en los que con una guitarra, caja de ritmos y fina utilización del autotune, es capaz de noquearte en el primer asalto.

El lado machito del "varón", qué poco me gusta ese término, tiene su protagonismo en "Cosas de chicos". La guitarra vuelve a hacer de las suyas con esa sugestiva cadencia y como base el amparo imprescindible de los ritmos surgidos de Roland 808. Le sigue "¡Mírame!" y ese grito reivindicando una atención que creemos tiene sobradamente ganada. A modo de canto se sirena su <<Bae, me vas a mirar. Y me vas a querer tocar>> se quedará adherido a tu subconsciente. Más spoilers, el break de su tramo final es puro terciopelo.    

Durante "Nunca te quise besar" BONITX repite, a modo de mantra, quince veces su título. Adictivos rasgueos funkies de guitarra, junto a una potente caja de ritmos y mágico tratamiento de las voces, vuelven a conjurarse a modo de trío sentimental. Las solemnes notas de sintes actúan de improvisada carabina.

El elegante neo-soul de "Déjate ver" nos invita a pasar página, superar malas experiencias en un ejercicio de resiliencia presente en gran parte del álbum. Quizás alguna de esas "malas experiencias", en este caso sentimentales, tuvieran que ver con la interpelada en "Vete con alguien normal".

Foto de Blanca Arias

"Vas a acordarte de mi" es otra muestra del nuevo enfoque en la lírica de BONITX, de la importancia de la autoestima. Algo que debería ser natural, fluir con cada aprendizaje vital, pero que tanto nos cuesta mantener a niveles saludables. Hablando de "niveles", el de sensualidad sigue bien alto con ese acogedor R&B que invita incluso a un apasionado baile.

Valorar la diferencia, lo original, sin estar pendientes de "likes" o otras pamplinas, como Edu relata en "Dame tu tiempo", siempre es bien. Y así, como quien no quiere la cosa, llegamos al tridente final de cortes de Soft butch. "No me mires, hetero" arranca este cierre con acordes de guitarra acústica a modo de bossa-nova junto a unos chasqueos de dedos nos acompañan hasta que en el segundo minuto un festival de caja de ritmos se une a esta, desgraciadamente aún necesaria, reivindicación anti-homofobia. 

"Mientras duermes" es durante su mayor parte una bacanal de vocoder y autotune, sin más que añadir, en manos de BONITX suficiente para conformar un dulce y evocador tema.