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lunes, 26 de octubre de 2020

"Un Documental al Grupo Equivocado" (La Historia de WILLY SPECTOR Y LOS FATUS)

El cineasta Miguel Velilla fue un universitario en Barcelona que coincidió en la residencia de estudiantes con dos oscenses (Guillermo Bruno y Eugenio Ramo), haciendo tan buenas migas como para posteriormente compartir piso durante tres años. Es entonces, hacia 2004 y sin pretenderlo, cuando empieza la gestación de Un Documental al Grupo Equivocado (La Historia de WILLY SPECTOR Y LOS FATUS).

El trabajo muestra durante diez años las penurias, conciertos, juergas, resacas... y fundamentalmente las relaciones interpersonales de los componentes de la banda WILLY SPECTOR Y LOS FATUS, ante todo un grupo de amigos. Se ve como van madurando musicalmente así como con las experiencias de la vida. Durante su metraje Miguel, además de detrás de la cámara, se intuye como un miembro más del grupo. 

La película resulta entretenida y divertida, con momentos incluso delirantes, aunque un poso agridulce siempre ande pululando por ahí. Las pasan canutas pero el ánimo y ganas de pasarlo bien no decae.

Miguel primero estudió Odontología, después en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Catalunya y posteriormente un master en la London Film School de Londres. Su vocación fílmica parece que va ganando el pulso laboral a la médica ya que viene siendo su ocupación desde hace una década. Un Documental al Grupo Equivocado ha pasado ya por varios festivales seleccionado para concurso como en el Portobello Film Festival de Londres. A pie de página tienes su tráiler.

Al igual que le pasó al director del documental, WILLY SPECTOR Y LOS FATUS luchan por su gran pasión, en este caso abrirse camino en el complejo y espinoso mundo de la música. El mensaje queda claro en el cartel publicitario: <<Hay cerca de 65.000 bandas en España. Menos de un 1% van a conseguir vivir de la música. Esta película es para el 99% restante>>.


Hay que encajar lo que en principio empieza como un hobby con los estudios y la subsistencia del día a día. En el caso que nos ocupa los miembros de la banda tienen oficios tan diversos como arquitecto, médico, diseñador gráfico, profesor... aunque la esperanza de llegar a vivir de la música siempre está latente. ¿Quién no desearía hacer lo que realmente le gusta, progresar y llegar a percibir lo suficiente como para poder centrarte al 100% en ello?

El pasado jueves 22/10/20 se estrenó Un Documental al Grupo Equivocado en la plataforma Filmin, puedes verlo en el siguiente enlace. Puedes comprobar todo el espléndido trabajo de Miguel Velilla como realizador en su web.

Yendo hacia el aspecto puramente musical WILLY SPECTOR Y LOS FATUS no son sólo un grupo de descerebrados irreverentes, descarados y soñadores, que también; además son una banda con originalidad y talento a raudales. Su sonido contiene gran poso bailable o más bien brincable, con reminiscencias de gente como LCD Soundsystem o sobre todo Happy Mondays (de hecho Eugenio fue durante muchos años su "Bez" particular con la pandereta), junto a una actitud desaliñada bordeando el punk, bien palpable en sus directos.

lunes, 19 de octubre de 2020

PUMUKY - "Castillo Interior" EP (Keroxen, 2020)

PUMUKY están de vuelta con el EP Castillo Interior (Keroxen, 2020), dónde los hermanos Jaír y Noé Ramírez han volcado en 4 canciones los desasosiegos acumulados durante los últimos tiempos. Toda una invitación a penetrar en su guarida, en este caso castillo, habitada por enfermiza belleza.

Un lustro después del lanzamiento de su anterior álbum Jústicia Poética (Jabalina Música, 2015) la banda canaria, actualmente dúo, se ha adaptado a las nuevas circunstancias, tanto personales como globales, cambiando la batería por caja de ritmos y empoderando a las programaciones como recurso imprescindible en sus composiciones. A pesar de que en parte deriven instrumentalmente hacia lo "sintético", no han disminuido ni un ápice su nivel de sugestión y sensibilidad sonora. Incluso me atrevería a ratificar que en este nuevo trabajo alcanzan nuevas cotas de delirio emocional, bordeando el éxtasis. 

El tema titular "Castillo Interior" abre la veda con un loop electrónico de base; la voz de Jaír, quebrándose intermitentemente, una constante acentuada en el EP; guitarras distantes pero determinantes y un desarrollo reiterativo, sutilmente in crescendo, armando un corte enorme.

Si contextualizar siempre viene bien en el caso de PUMUKY se hace indispensable. Como en el segundo corte de Castillo Interior, "Pandroginia". Nombre del proyecto que llevó a cabo la artista y escritora transgénero británica Genesis Breyer P-Orridge, fallecida precisamente en este tenebroso 2020, con su segunda esposa, la también artista Jaqueline Breyer (Lady Jaye). El proceso iniciado en 1993 pretendía, a partir una serie de modificaciones corporales, terminar pareciendo gemelas.​ Al poco tiempo, ambas comenzaron a usar el nombre «Breyer P-Orridge» y a hablar de sí mismas en plural, simbolizando que uno siempre está en el otro. 

Foto de Zhana Yordanova

"Pandroginia" (videoclip de Murciano Total insertado a final de página) representa esta especie de delirio fusionista estético/pasional con desgarradores versos como: <<Así que ahora me arrancaré estas cadenas que ya eran de piel. No atenderé a ninguna razón. Ya no quiero escuchar nada de lo que me digan. Miembros en fusión hasta ser indistinguibles. Si estoy contigo el mundo ya puede arder>>. Una evolución que de lánguida deriva por momentos hacia un leve drum and bass, vistiendo de seda una canción estremecedora.

Llega "Realidades aumentadas" y con ella otro clásico en el haber de PUMUKY. Una evasión de la realidad, un intento por esquivarla, cuánto de necesario es y más aún en el momento actual que nos toca vivir: <<En mi cabeza ya nada separa lo real de lo que imagino. Estoy sentado aquí y a la vez en otro sitio. En sentido contrario conduciendo, acelerando hasta deformar el tiempo. Retroceder a la casilla de salida; recuperar al fin las riendas de mi vida. Ahora creo en otro tipo de mentiras. Delirio brutalista para quemar los días>>. 

"Doppelgänger" cierra el trabajo creando un ambiente angustioso, casi irrespirable. Este vocablo alemán se utiliza para designar al doble de una persona, comúnmente en referencia a una especie de gemelo malvado o fantasmal, con aureola de mal fario. Pues PUMUKY se lo toma al pie de la letra, con una bruma sonora de sintes y caja de ritmos que primero te abrazan, fuerte, para luego con ayuda de las guitarras asfixiarte. Eso si, hermosamente.

lunes, 12 de octubre de 2020

PAU VALLVÉ - "La Vida és Ara" (autoeditado, 2020)

PAU VALLVÉ es un artista de amplio recorrido en sus espaldas con más de 20 años de experiencia forjada en varios proyectos solistas; como instrumentista de acompañamiento en directos, compositor de bandas sonoras y productor de otros artistas. Con su nombre y apellido La Vida és Ara (2020) es su séptimo álbum de estudio y alberga suficientes cambios en su haber como para que él mismo confirme que nos encontramos ante el principio de una nueva etapa.

Si la música de Pau siempre es un reflejo de su estado de ánimo, vivencias y momentos, La Vida és Ara sería como un "ver tu vida pasar en un instante", o para ser más exactos, en 40 minutos.

El álbum fue grabado íntegramente por el artista durante el confinamiento. Se separó de su pareja pocos días antes de declararse el Estado de Alarma y se trasladó, en principio por unos días, a su estudio donde le pilló el aislamiento forzoso. Allí se quedó sin poder salir 75 días. Con este panorama  monástico por delante qué mejor que crear un disco. Pau aprovecho para repasar sus experiencias, clasificarlas y dejar salir a su yo más reflexivo, si aún se podía, serenamente y con la "distancia de seguridad" que da la madurez.

Es el álbum más ligero de equipaje del catalán, con caja de ritmos, una guitarra y su voz. Como mucho en algún momento se suma al "petit comité" instrumental un bajo y el teclado. Así se nos muestra, despojado de artificios y postureos, renovado, sin auto-censuras ni puertas al campo. 

La Vida és Ara empieza con el desamor como protagonista con "Buguenvíl.lies" y "Èpoques Glorioses". La primera redundante en su evolución, con ese animoso loop de palmoteo junto a un cadencioso riff guitarrero, como pretendiendo difuminar el poso amargo de la separación. La segunda delicada, etérea, resultando incluso reconfortante, invitándote a quedarte con lo mejor del recuerdo.

Foto de Claudia Serrahima

"Mori l'odi" es algo así como una segunda parte del "Avui l'únic que vull" del Abisme cavall hivern primavera i tornar (2017). En esta ocasión, la más pop y accesible de primeras del conjunto, toma forma de alegato para el empoderamiento del oprimido. Para ello, indice, el abandono del individualismo no sería mal asunto.

Llega la canción que da nombre al álbum y con ella uno de los momentos más álgidos a nivel interpelativo. "La Vida és Ara" lo dice todo con su título, ¡hay que vivirla ya! Al igual que la canción, debe disfrutarse pero sin prisas, degustándola, como bien concluye: <<no hi ha res més al final>>. Ese simpático loop a modo de hilo musical del juego vintage 80's Simon como base, junto a unos plácidos rasgueos guitarreros y cálidas notas del sinte como colofón a una canción maravillosa. Una muestra del nuevo modus operandi de PAU VALLVÉ, haciendo caso al dicho: "el mejor perfume viene en frasco pequeño".

"Què va, què va" es la primera sorpresa del álbum al tratarse de una cálida bossa-nova, estilo inédito hasta la fecha en el haber de Pau con su proyecto más personal. Los versos finales son toda una declaración de intenciones: <<Si ara em fessin tornar i refer tots aquests anys ho faria de nou exactament igual però ho faria disfrutant>>.

En la blusera "Gaseles i el mar" aparece el desgarro característico en la voz de Pau, un elemento marca de la casa y actualmente casi inédito en esta nueva filosofía compositiva que parece haber adoptado el artista. Ahora miramos al futuro con ilusión, armados de cambios en hábitos y costumbres. 

Foto de Tina Riera (Atthina)

"Sant Grial", la más breve del álbum con su minuto y medio de duración para reflexionar sobre esa especie de inmortalidad que adquiere un artista al dejar como legado su obra. Nos da paso a la segunda sorpresa que contiene La Vida és Ara, el bolero "Com troncs baixant pel riu". Un melancólico y bello repaso de la vida, desde que asomas la cabeza hasta que te consumes.

"Copiar / pegar", con su lánguido tempo solo alterado sutilmente por ese solo de guitarra en su ecuador, evidenciando que todo el mundo se cree con poder para aleccionar, aunque luego no se apliquen el cuento para si mismos.

Vamos a por un nuevo mañana, a por lo que nos quede y con todo. "Magranes" nos invita a ello, no rítmicamente, ya que seguimos gravitando por atmósferas plácidas, pero si con su alentadora lírica: << Desperto, ja està / Diumenge ha acabat / Adéu a aquests anys i ara endavant>>.

lunes, 5 de octubre de 2020

SEMANA SANTA - "Estado Inicial" (EP Desorden Sonoro / Polze de la Mort, 2020)

SEMANA SANTA es una joven banda valenciana formada por Iván Sanantón (guitarra y voz), Martín Pastor (batería) y Roser Pérez (bajo y coros). En activo desde 2018 debutan ahora con el EP Estado Inicial (Desorden Sonoro / Polze de la Mort 2020), cogiendo el rebufo de la nueva hornada de bandas post-punk de esta comunidad como Mausoleo, La Plata, Finale o Chavalan

Sombríos, crudos, arrebatadores... SEMANA SANTA son un puñetazo en el estómago del panorama indie patrio más complaciente y ya era hora. De acuerdo, de momento sólo tenemos cuatro canciones para valorar el proyecto, pero son de tal calibre que no podemos, ni queremos, rebajar el entusiasmo.

Preguntados sobre el porqué del nombre nos comentan que al escogerlo no querían hacer apología de la religión católica ni por el contrario burla de esta, simplemente les pareció buena idea por su sonoridad impactante y a la vez porque se aproxima a su estilo oscuro. 

En Estado Inicial el desengaño y la incertidumbre de la que son presa la juventud actual es la materia sobre la que arman un arsenal de distorsión guitarrera, bajo percutor y batería desbocada. 

Joy Division y Parálisis Permanente, por ejemplo en "Sangre Sucia" y "Ruidos" (videoclip insertado en el pie de página) respectivamente, son dos bandas que enseguida nos pueden venir a la cabeza al escuchar al trío, aunque si profundizamos un pelín nos damos cuenta de que sólo son reminiscencias engullidas por su abrumadora personalidad.

Otro de los detalles muy a tener en cuenta de SEMANA SANTA es su apego por la melodía, teniendo gran protagonismo en sus cortes. Desde el arranque "Estado Inicial", la canción. Una estrofa amable dando paso a un estribillo cadencioso que va culminando enérgicamente, a modo de sparring para encajar los golpes que recibiremos durante los próximos minutos.
 

"Ruidos" es eso, noise por un tubo. Con encabritados rasgueos guitarreros resguardados por ese hipnótico bajo, altamente protagonista, y una explosiva batería como guinda, brutalidad al poder. Y seguimos con el mismo modus operanti en "Demasiado Tarde", con un bajo que sigue mostrando su músculo, un leve kraut marcando la angustia reinante, distorsión guitarrera echando chispas y la batería, directamente puro estallido.

Llega el final con "Sangre Sucia" y un riff de bajo marcando la lánguida e inquietante estrofa que irá cambiando de semblante a medida que vaya avanzando su metraje. A partir de su ecuador se quita la careta volviendo a emerger la ferocidad marca de la casa de SEMANA SANTA.

lunes, 28 de septiembre de 2020

BELAKO - "Plastic Drama" (BMG Records, 2020)

Cris (Voz y teclados), Josu (guitarra y voz), Lore (bajo) y Lander (batería) son BELAKO y Plastic Drama (BMG Records 2020) su tremendo cuarto álbum. Cogiendo como punta de lanza el desastre ocasionado por los excesos de consumo y posterior mal reciclado del plástico, BELAKO nos invita con actitud impugnatoria, pero también entonando el mea culpa, a un viaje reflexivo hacia la crítica situación actual del planeta, sociedad, sistema... En contraste con nuestras nimiedades diarias que convertimos en problemas insalvables, mientras perdemos de vista lo realmente importante.

La espera se ha hecho larga, teniendo en cuenta que el lanzamiento estaba para principios de mayo, pero ya sabes, problemillas con un bichito y eso. De todas maneras la banda ha aprovechado bien el tiempo, promocionando el lanzamiento con avances, hasta siete, habiendo desgranado por el camino gran parte del contenido de Plastic Drama. Luego ya visto en conjunto, en ese formato largo que tanto nos gusta y defendemos, han confirmado con creces su enormidad.

"Tie Me Up" abre la caja de Pandora criticando la dependencia yonqui hacia el consumismo del que somos víctimas, pero también verdugos, teniendo en cuenta los desastrosos efectos que se derivan. Una explosión de guitarras inician la escucha para presentar una melódica estrofa que vuelve a encabritarse envolviendo el estribillo, el mismo que aparece camuflado entre rasgueos guitarreros, bajo pulsómetro y robusta batería. El corte más inmediato del álbum, a dos voces ya que el dueto vocal de Cris y Josu lo es de principio a fin.

Con "The Craft" BELAKO te lanza un jarro de agua fría mañanera para el despeje: <<Ours is the power / Now is the time / This is the hour / The power of time>>. Aquí y ahora. ¿A qué esperas? Una canción que se divide prácticamente en dos por el marcado contraste que surge en su desarrollo. Además nos topamos con un salvaje puente que te retorna al principio para terminar desintegrándose, literalmente. Otra barbaridad de corte.

Los de Mungia cambian el inglés por el francés en "Sirène", extrapolando la doble identidad de la Sirena y la coincidencia fonética con “Si réel” (tan real). Lo que viene a ser lucha por encontrarse a si mismo, aunque el trayecto nos pueda parecer más bien un espejismo. Cris juega con su voz cambiando de tono cuando le viene en gana durante la cadenciosa estrofa, en claro contraste con lo enérgico e inquietante del envoltorio, el resultado, conmovedor. 



"All Nerve" es una barbaridad de corte anti-sistema. Un riff de bajo amo y señor del cotarro; una guitarra que muta de juguetona a desenfrenada; la batería agazapada esperando a su presa y Cris desatada vocalmente, recordándonos a los gorgoritos de la Kate Pierson de los The B-52's

Con el tema titular "Plastic Drama" nos sobreviene de golpe la placidez sonora con ese groove del binomio bajo/batería, invitándote incluso a un sugestivo baile. Mientras llega la introspectiva "Marinela2017", el "Creep" (Radiohead) de BELAKO. In crescendo, primero lánguida y minimalista, solo piano y voz, para luego ir creciendo hasta desgarrarse por completo. Más maravillas del cuarteto.

Van completando Plastic Drama la energía de AKLR, con cierta dosi de electrónica añadida, y el grunge melódico de "Profile Anxiety" con una paradiña y coros hacia el minuto 1:47" que son la guinda del pastel.

viernes, 25 de septiembre de 2020

SERCH. - "The Factory Sessions" (Flor y Nata Records, 2020)

Sergi Salesa (voz y teclados), Miquel Cellalbo (secuencias, teclados y guitarras) y Jorge Arroba (bajo) son SERCH y a principios de este lúgubre 2020 publicaron el estupendo Concept (Flor y Nata Records) que ya colocamos como "disco recomendado" en nuestra web. Fruto del lanzamiento de este álbum presentan ahora The Factory Sessions (Flor y Nata Records 2020), su primer disco en directo con 7 tracks del Concept más dos nuevas versiones.

Registrado el pasado 29 de Julio, en los locales de Fabregada 38 en L´Hospitalet de Llobregat (Barcelona), demuestra una vez más el talento del trío con un sonido y una puesta en escena impecables. También está disponible en YouTube la sesión con sus 7 primeras canciones interpretadas en directo, insertamos la playlist cerrando la página.

La mayoría de sectores están terriblemente afectados por la pandemia y el cultural es uno de los que más herido de muerte se encuentra. SERCH se quedó sin prácticamente poder presentar en directo su flamante nuevo álbum. Por los pelos, cuestión de días antes del confinamiento, solamente pudieron realizar un showcase en Barcelona y luego enseguida a guardar los bártulos. La cosa no podía quedar así y mientras se sigue combatiendo al bicho, el trio pensó en hacerle una peineta encontrando una manera para poder reflejar su potente directo, The Factory Sessions.

La voz cantante Sergio nos da más detalles del lanzamiento:

"Cuando terminamos de grabar CONCEPT, ensayamos mucho, creo que conseguimos un gran nivel de directo había fechas de presentación en varias ciudades, todo prometía muy interesante y excitante.

Hicimos una gran presentación en Marzo en el Fnac de Barcelona con grandes amigos y 3 días después de golpe... todos los proyectos se vinieron abajo con el tema del COVID, cancelaciones de fechas, entrevistas etc..

Todo esto es sin duda un mal menor, comparado con la gravedad de la situación global... Pero ahora mismo no queríamos esperar más, necesitamos mostraros lo que habíamos preparado con tanta ilusión. Aunque esperamos dentro de no mucho tiempo poder retomar gran parte de esos compromisos pendientes.

El título THE FACTORY SESSIONS es un inevitable guiño a NEW ORDER/JOY DIVISION. Creo que con CONCEPT, nos hemos reconciliado un poco con todos esos discos, hay otras influencias, pero las más destacadas de estos últimos meses han sido esas, sobre todo en la evolución de las guitarras y líneas de bajo y quizás en el material nuevo que estamos desarrollando en este momento, ya de cara a un nuevo LP en 2021."

lunes, 21 de septiembre de 2020

VARRY BRAVA - "Hortera" (Hook Ediciones Musicales, 2020)

Óscar FerrerVicente Illescas y Aäron Sáez son VARRY BRAVA y ya tienen quinto álbum de estudio, el exclusivo Hortera (Hook Ediciones Musicales, 2020). 

Que son unos cachondos esto ya lo sabemos de primera mano, pero los Varry del 2020 no solo superan en desfachatez y descaro la versión de fábrica, sino que además dan una vuelta de tuerca a su propuesta estilística. Y mira que esto último era complicado, el trío murciano ya se movía cómodamente en el punto de mira de los indies más académicos. Ahora se erigen abanderados de lo "Hortera" y si, bien que lo consiguen, de paso le dan un buen baño de color y ritmo a un presente ya no gris, negro azabache.

"Hortera" en su globalidad hace honor a su título, ya desde la inconmensurable portada obra de Juan Jiménez Alto. Una mierda kitsch, y no lo digo en sentido peyorativo, todo lo contrario. Hermosa caca rosa bañada en purpurina, una eficaz maniobra de marketing por su hipnótico impacto y no poder quitarle el ojo una vez se detecta. Pero es que además, temazos, haberlos haylos. Un álbum que sobre todo se baila, con unas bases y sintes que son puro menea-caderas. Como sucede en "Luces de Neón", "Molar", "Ciervos", "PlisDonGou" o "La Culpa". 

Puedes encontrarte con canciones que son pura raza pop VARRY BRAVA, como la titular "Hortera" (videoclip cerrando la página) y "Mi Mejor Momento". También tienen su lado tierno y lo certifican con la emotiva y nostálgica al piano "Kitkat", cerrando el álbum.

Foto de Jose David - La Industrial

Nos dejamos para el final la gran bomba de relojería de Hortera, nada más y nada menos que "Loco". Su estreno suscitó en redes una legión de comentarios, muchos negativos, todo hay que decirlo. No se perdonaba su base reggaetonera, bueno, creo que aún ahora no se ha entendido por gran parte de los seguidores de la banda. Pues bien, pienso que si te gustan los Varry podías esperarte un tema que experimentase con ritmos latinos, no entiendo la sorpresa, el rasgarse las vestiduras. "Loco" es melodía, exotismo, sensualidad, guasa, brillo... en definitiva, VARRY BRAVA.

lunes, 14 de septiembre de 2020

ARISTA FIERA - "Cromatismo Doméstico" (El Genio Equivocado, 2020)

ARISTA FIERA reducen su formación de cinco a tres componentes con Isabel Galván (voz, pianos y sintetizadores), Juan Ortega (bajo) y Gorka Gamarra (guitarra) a la vez que presentan tercer trabajo con Cromatismo Doméstico (El Genio Equivocado, 2020). Como su propio nombre presagia, se presenta sobre un muestrario de matices y situaciones que nos podemos topar periódicamente en la vida diaria.

Apenas quedan vestigios de la impronta shoegaze que afloraba intermitentemente en los anteriores trabajos de los malagueños. Asoma algo de post-punk pero sobretodo el dream-pop, en ocasiones incluso sin el "dream", se hace gran dominador de su propuesta. 

El reproche hecho canción "No estás" da el pistoletazo de salida al trabajo con unos intensos y adictivos sintes abrazados por una sección rítmica que explota en el estribillo, dando paso a un armonioso puente a modo de tregua... y vuelta a empezar. Un corte enorme para arrancar de la mejor manera Cromatismo Doméstico.

La marcial e hipnótica percusión se adueña de "El breve romance", chocando de frente con el halo melancólico imperante, el título es bien ilustrativo sobre el futuro de la pareja protagonista. Le sigue la dulce "Victoria", en este caso más bien agridulce. Progresiva, con una estrofa doblada, un par de puentes hacia dos falsos estribillos por no tener reiteración, junto a un glorioso último minuto de cuerdas como guinda a una canción que es pura delicia.

"Tu familia", de tan luminosa resplandeciente, pese a que sigamos en terrenos emocionalmente no demasiado halagüeños. Esos vigorosos rasgueos guitarreros noise-pop junto a una percusión indomable y sintes secundarios pero determinantes. Otra muesca más en la culata de la excelencia de los malagueños.


Con "Multitudes" cerramos la primera mitad de Cromatismo Doméstico de manera lánguida mientras repasamos los antojos de esta sociedad super consumista en la que nos ha tocado vivir. Tal como reiteran en su ocaso: <<Infinita vanidad, infinita vanidad>>.

Como ya hicieran en su espléndido anterior trabajo, el EP Mi Defensa Personal (El Genio Equivocado 2019), también en éste incluyen un tema instrumental de corte clásico. "Interludio", al piano, esta vez para separar las dos mitades de Cromatismo Doméstico.

El post-punk hace acto de presencia en el trabajo con los dos siguientes cortes. Unos inquietantes tambores de guerra anunciando "Walden" junto a insistente riff guitarrero en el corte más eléctrico del conjunto, bueno, al menos hasta la llegada de la angustiosa y poderosa "Decir que No". 

lunes, 7 de septiembre de 2020

SALINA - "Lava" (Beauty Fool Records, 2020)

SALINA se estrena en formato largo con Lava (Beauty Fool Records, 2020), tras la demo debut en el 2017 y los EP's Time Will Eventually Kill Us (2018) y Split (2019), este último a medias con la banda Citrus Clouds. Momentos de cambios para los de Barcelona; su columna vertebral formada por Daniel Pérez (voz y guitarra) y Ernest Gómez (batería), provenientes de la banda de post-hardcore Wann, completan la formación en la actualidad con la incorporación de Carles Generó (bajo y voz) en sustitución de Héctor Ortega. Además añaden el catalán al inglés como lengua mediante la cual expresarse en sus composiciones. 

Lava contiene noise-pop de alto copete con reminiscencias a bandas americanas añejas como Pavement o Dinosaur Jr. El título funciona como metáfora del desarrollo del álbum, ya que al igual que sucede con el trayecto del magma, los cortes van adaptándose al terreno y a la potencia de su empuje a medida de que lo requieren las circunstancias.

El arranque de Lava es demoledor, con cuatro primeras canciones que son pura delicia. Distorsión contenida junto a una intensidad latente que hace su aparición cuando conviene, apaciguada con sus buenas melodías. Oséase como en las dos primeras, la por momentos turbadora "Una Resposta Correcta" y la nostálgica "Sense Ombra". Les siguen "Golden Fate" y "Set Me Free" (videoclip insertado cerrando la página). La primera más enérgica en su totalidad y la segunda con idéntica receta que en el dueto inicial.

"Últim Avís" es la peculiar del disco, por su cadencia y languidez, cerrando una primera mitad de álbum primorosa.

Llega "Llac Sec" y con ella el poderío dominante, tanto de SALINA como la de este trabajo en concreto. Pero cuidado con lo que viene, otro de los momentos álgidos de Lava, la salvaje melancolía de "Sorra Negra". La más extensa del conjunto con sus cinco minutos y diecisiete segundos de crudas guitarras, batería desbocada y bajo percutor. Un respiro en su ecuador y luego volviendo a la carga cuesta abajo hasta su ocaso, brutal.

Con "We Come Ethereal" rebajamos aparentemente los decibelios aunque cuidado porque el trío juega al despiste, estamos ante un volcán y mientras no esté extinguido es lo que tiene. "Atlantic Days" sigue dándonos buenas llamaradas para encaminar casi chamuscados el final de Lava con, no podía ser de otra manera, "Volcanic". La más pop de todo el metraje, melódica y agridulce, una delícia.

Disfruta de la Lava de SALINA y hazte con su impecable edición física en vinilo rojo >



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lunes, 31 de agosto de 2020

BELADRONE - "Andévalo" (El Genio Equivocado, 2020)

Manuel Begines (bajo -Blacanova-), Iñaki García (voz y guitarra -Tannhäuser-) y Paco Arenas (guitarra, voz y coros -Blacanova y Martes Niebla-), con la colaboración de Eduardo Escobar (Tannhäuser) a la batería, forman este dream-team sonoro también llamado BELADRONE. Una nueva banda gestada con los cimientos de otras dos, mellizas al nacer (ambas en 2006), pero dispares en su propuesta. Por una parte Blacanova (de aquí emana también gran parte de la formación de Martes Niebla), con ese arrebatador shoegaze marca de la casa, oscuro azabache. Por otra Tannhäuser, con su embriagador post-rock. Como era de esperar ambas propuestas sólo podían reencarnarse en otra suprema.

El primogénito de esta asociación es Andévalo (El Genio Equivocado, 2020), un álbum debut con nombre de comarca de Huelva dónde poder situar las inquietudes emocionales de la banda. Una especie de road-movie sonora aderezada con densas texturas shoegaze repletas de distorsión y reverberación.  

"La Flecha" arranca el trabajo en la playa del mismo nombre (paraje situado entre los municipios de Lepe y Cartaya), en un corte entre nostálgico e inquietante. Desde el minuto 0 BELADRONE destapa su ADN con versos como: <<En sus ojos apagados, ya no había miedo, solo su mancha. Enterrado ya su cuerpo, el agua salada se ahoga en sus vértebras. Muchos años separados, solo me queda morir en la flecha>>. De los temas más pop del conjunto aunque sólo en apariencia ya que a partir del minuto 3' el noise empieza a asomar la cabeza y de qué manera, otra de las señas de identidad de los sevillanos.

Con "Andévalo", la canción, un implacable post-punk irrumpe en escena como elefante en cacharrería  y viene para quedarse. El tramo final vuelve a ser un homenaje al ruidismo más visceral. Le prosigue la muy shoegaze "Astro Muerto", ambientada en la comarca de la Cuenca Minera, con unas etéreas guitarras que parecen diluirse en cada remate de estrofa, hasta dar paso al preciso estribillo, conformando uno de los cortes más ensoñadores del trabajo.


"Cemento" ya empieza con distorsión al cuadrado, no esconde su impetu ni falta que le hace. Progresiva, intensa, con el mantra <<Lo poco que queda de ti, lo poco que queda de mí>> abrazando su atronador ocaso.

Tomamos un mini respiro con "El Valle" que, sin dejar de lado un enérgico post-punk, al menos resuena de las más "amables" del conjunto. Ha sido un espejismo, con "Palacio Oscuro" vuelve el  sutil desasosiego marca de la casa con unas guitarras entrelazadas, unas sucias, otras más vaporosas, todas puro deleite.

sábado, 29 de agosto de 2020

ODINA - "What I Never Told You" (2020)

Si quisiéramos confeccionar un perfume sonoro y como ingredientes cogiéramos esencia de artistas como Bon Iver, Cat Power, Keaton Henson, Beth Orton y Björk en sus inicios, seguro que la fragancia resultante olería bastante a ODINA (Blanca Romeo). Con tal amalgama de reminiscencias, junto al talento rebosante de la tarraconense afincada en Londres, se avecina disfrute instantáneo para tus tímpanos. 

Tras los EP's Broken (2016) y Nothing Makes Sense (2018) y los singles Snow (2018) y About You Now (2019), ahora debuta en formato largo con el espléndido What I Never Told You (autoeditado 2020). Un álbum donde se desnuda emocionalmente, abrazando atmósferas más electrónicas, experimentando en ocasiones con el autotune o la reverberación pero sin dejar de lado la esencia acústica folk que le viene acompañando desde sus inicios. 

Singles como las incontestables "1,2,3,4", "Please", "Many Things" (videoclip insertado a pie de página) y "Heartache", más ocho cortes con argumentos de sobra como para no pasar desapercibidos. Melodías delicadas, letras intimistas, una preciosa voz modulada a placer por la artista junto a una guitarra eléctrica que es jefa instrumental y escudera vocal. Te aseguramos treinta y nueve minutos de deleitosa escucha.


Gózalo con What I Never Told You de ODINA>



El pasado agosto pudimos disfrutar del directo de ODINA en el marco del imprescincible Festival Eufònic en Sant Carles de la Ràpita (Terres de l'Ebre -Tarragona-), con todo vendido. Una joven Blanca visiblemente conmovida ante el caluroso recibimiento del respetable ya que, como ella comentó, en estos momentos tan complicados éste sería probablemente el único concierto por ahora para poder presentar su nuevo trabajo. Timidez, delicadeza, sutil emotividad, con una hermosa voz como guinda dejándonos embelesados y con ganas de más.



Aprovechamos para felicitar al Festival Eufònic por la organización, como siempre impecable pero en la situación actual aún más destacable. El marco elegido al aire libre para velar de la mejor manera por la seguridad en tiempos de pandemia era tan efectivo como incomparable. Reivindicamos a rabiar el hashtag #laculturaessegura, confirmado de primera mano.

lunes, 27 de julio de 2020

MÚSICA CRÒNICA en SPOTIFY




Dentro de los retos que nos propusimos allá por enero de 2013 al parir este portal estaban el de encontrar el disco que te deje KO, la canción que te parta en dos o el videoclip que te vuele la cabeza. Al guiarnos en primera instancia por la reacción de nuestros tímpanos y sobretodo del erizado de nuestra piel, es imprescindible saber tu reacción para ver si vamos bien encaminados en cumplir nuestros objetivos. Por ello tus comentarios en el pie de cada reseña, en la fanpage de Facebook, en el grupo Música Crònica Club, nuestro Twitter o Instagram son tan bien recibidos 👏.

Ahora estrenamos usuario en Spotify donde por ejemplo encontrarás las playlists con las canciones, tanto estatales como internacionales, que más nos van emocionando durante cada año y que vamos actualizando a medida de que nos van llegando. Eso sí, como única norma sólo hay una canción por cada banda o intérprete, así conseguimos que el abanico de artistas sea lo más amplio posible para poder ampliar tu catálogo de cabecera. Nos encantaría que nos siguieras, así como también poder recibir tu feedback sobre las mismas, con recomendaciones, opiniones etc.

Gózalo con la playlist Música Crònica 2020👌👇




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lunes, 20 de julio de 2020

CÓMO VIVIR EN EL CAMPO - “Siempre te he amado, nunca he dejado de quererte, toda mi vida es para ti” (El Genio Equivocado 2020)

Pedro Arranz (voz y guitarra), Carlos Barros (batería) y Miguel López (bajo) son CÓMO VIVIR EN EL CAMPO (CVEEC) y Siempre te he amado, nunca he dejado de quererte, toda mi vida es para ti (El Genio Equivocado 2020) su cuarto álbum de estudio.

La banda abre su particular abanico art-pop castizo a texturas más accesibles, incluyendo incluso algún que otro estribillo. Prueba evidente la tenemos en el tridente mágico formado por "Por favor, mátame", "Malbaratada" y "La Partida". Además colocadas seguidas, una detrás de la otra tras el majestuoso arranque progresivo "Starry Belle". 

Volviendo a los tres cortes más pop de la carrera de CÓMO VIVIR EN EL CAMPO, estos contienen las claves de su sutil cambio de orientación sonora incluso incitando a un leve baile; inyectando funk como en las guitarras de "Por favor, mátame"; poso tropical en el estribillo de "Malbaratada", el remate de la trompeta de Jordan Hoffman es una maravilla; o el delicioso empaste de la voz de Pedro junto a la de Begoña Casado en la melódica y delicada "La Partida". En esta última se desvela una vez más la importancia capital que le da la banda a la instrumentación ya que, aunque contenga una escueta letra (apenas dos frases), la música consuma el mensaje y de qué manera.


Las encantadoras "Refugio en el martes" y "Bodas", aunque con poso agridulce, rítmicamente son la mar de reconstituyentes. La primera, juguetona en su lírica, la segunda elegante como ella sola, con unas guitarras que de deliciosas son pura delicatessen. El cambio hacia su ecuador es otro de los momentos exclusivos que nos encontramos durante la escucha del nuevo trabajo de los madrileños.

Letras que son pura poesía; sonidos pop coqueteando según convenga con el funk, soul y ritmos latinos; un marcado deje de elegancia y delicadeza impregnando todo el álbum. En definitiva, una estimulante experiencia para degustar lento, sin prisas, dejándote seducir por todos sus matices.

lunes, 13 de julio de 2020

MIST3RFLY - "Vórtice" (Flor y Nata Records, 2020)

Dícese "Vórtice" al remolino de viento o aire que avanza rápidamente y levanta a su paso polvo o materias poco pesadas. MIST3RFLY ha mutado en este fenómeno atmósférico para poder sobrellevar la cuarentena motivada por el maldito Covid-19. La tolvanera resultante de tal tremendo álbum aún no disipa, ni se espera.
  
Vórtice (Flor y Nata Records, 2020) parece un velado homenaje al abanico de bandas que inspiran al artista sevillano. Empezando por la portada, a medio camino entre la del The Man-Machine (1978) de Kraftwerk That Total Age (1987) de Nitzer Ebb. Yendo más allá; se trata de álbumes que si juntamos sus decenas resultan capicúas y el contenido del nuevo trabajo de MIST3RFLY recoge, en su mayoría, influencias de gente que bien podrían haber gestado sus mejores trabajos entre las dos fechas. ¿Inquietante deducción o absurda elucubración? Ahí lo dejo.

Vórtice arranca con el arrebatador trance del dueto de ases formado por "Complex" y "Max Hyper Boom". Un inicio EDM a modo de subidón monumental desde el minuto 0.

MIST3RFLY nunca ha disimulado sus influencias, al contrario, toda una lección de honestidad por su parte. Podemos adivinar la de los propios Nitzer Ebb en los pelotazos "Alexanderplatz" (videoclip al final del post) y "Lass Uns Gehen", esta última con la voz de Santi Rex (Niños del Brasil). Y las dos más evidentes; D.A.F. con la versión de su aclamado "Der Mussolini", lo que sirve de homenaje a su cantante Gabi Delgado que nos abandonó este 2020 junto al líder de Kraftwerk, con su elegía en el corte que cierra el trabajo, "Florian Schneider".


Otro momento álgido del álbum es el adictivo dark-wave de "Confined", transmitiendo angustia desde la pista de baile, resulta casi imposible no contornearse tras darle al play.

Para darle de comer a parte la maravillosamente rocambolesca "Wonita Poison" (single con 10 remixes aquí) dedicada a su ciudad natal, Sevilla. MIST3RFLY por cosas como esta demuestra que sus más de 30 años de carrera lo avalan y de qué manera. ¿Cómo se puede hermanar a la más grande de España con el techno de otro grande, en este caso un francés? Pues bien, cogiendo la intro de "Muera el Amor" de Rocío Jurado como base y sampleando el trozo vocal del <<veneno, veneno>>; añadiendo un desarrollo de regio trance y culminando con un ambient que bien querría firmar un Jean Michel Jarre recuperado de forma. MIST3RFLY eres un mago, el Gandalf de la electrónica patria.

lunes, 6 de julio de 2020

CHUCHO - "Corazón Roto y Brillante" (Intromúsica Records, 2020)

CHUCHO vuelve tras el aclamado Los Años Luz (I*M Records, 2016) con el no menos espléndido Corazón Roto y Brillante (Intromúsica Records, 2020). Un álbum agrio, con el fantasma de la ruptura sentimental adueñándose del metraje y un ejercicio de inconformismo en busca del propio resurgimiento o simplemente la supervivencia. Hay dolor, incluso angustia, pero también un atisbo de luz al final del tunel y mucho humor,  del negro. El símbolo del desfibrilador es protagonista de la portada del disco, podría ser como metáfora de la esperanza para una recuperación cardíaca. Obra de la diseñadora albaceteña Ana Cuevas, habitual colaboradora en el arte de la banda.

El incombustible Fernando Alfaro junto a Juan Carlos Rodríguez y Javier Fernández arrancan el álbum con el corte titular, vigorosa sinopsis de una relación de la mano de un certero power-pop. Aunque el desenlace de la historia no fuera demasiado positivo su ritmo transmite energía y luminosidad a partes iguales.

Nos llega un marcado sabor a western con la batería trotona de "Sombra Lunar" y esos acordes guitarreros que piden a gritos una visita al saloon de turno para meternos entre cuerpo y espalda unos buenos bourbons, o directamente ese "combinado" al que se hace referencia en su letra. Cambio de tercio con "La Ambulancia y el Doctor" y esa mezcla entre elegante soul y duduá, resultando un corte la mar de deleitoso pese a la carga de reproche que retransmite.

La delirante "Yoga Love" (videoclip protagonizado por Aníbal Gómez al final del post) es otro de los momentos álgidos del trabajo. Un oasis de bonanza con esos sintes juguetones abrazando una lírica ocurrente y socarrona: <<...y siempre después de mi puto trabajo entre el precariado y el voluntariado, con la tragedia a medio poner, a clase de yoga una y otra vez, y me estiraba hasta lo imposible y aún así no alcanzaba, nunca fui muy flexible, me retorcía hasta lo imposible, en clase de yoga una y otra vez por amor...>>

La enorme "La Carretera de la Costa", con el certero acelerón en el puente rumbo hacia el popero estribillo y paradiña instrumental de apenas 15" rondando el segundo minuto. Esos coros como dando el chivatazo de que algo más está a punto de llegar y wualá, toma sorprendente cambio en el minuto 3:14" derivando en cálido final, bordeando el reggae. Pedazo guinda para un pastel que es puro delicatessen.


"La Feria Animal", blusera durante su estrofa y pseudo-jotera en su estribillo de acorde a lo rústico de su título. Ah y además contiene remate electrizante incluido, ante nosotros un corte tan inclasificable como embriagador.

Aires rockabillys inundan la estancia en "Hoamm", aunque el motivo siga siendo la separación sentimental, leitmotiv de todo el trabajo, su lírica es tan disparatada que no puedes evitar esbozar una media sonrisa durante su escucha. La inquietante "Vals del Trueno", turbadora sobretodo por el marcado contraste entre la música y la letra. Los jocosos coros rematan la faena.

Una tenue americana asoma la cabeza con "Espalda Brillante" y su hipnótica base explotando a intervalos en solos desbocados guitarreros, hasta que alcanza el cénit con sus rasgueos perpetuos finales. La aparente balada del conjunto las encontramos en "Agente Sebso", aunque en el estribillo se quite la careta para acabar en el puente final reivindicando una vez más el carácter ácido del trabajo.  

El ambiente está bastante cargado, necesitamos coger aire y una canción tan naive y encantadora como "Agujetas" nos viene como anillo al dedo. No llega a los dos minutos pero son rematadamente balsámicos.

viernes, 3 de julio de 2020

El revulsivo PRESUMIDO con "No Apareces"

Nacho Dafonte y Tarci Ávila: PRESUMIDO.













En estos momentos tan estupendos que nos toca vivir, en el que todo son alegrías, buenas vibraciones, mejores perspectivas y un presente que es el verano de nuestras vidas, parece evidente que nada puede parar nuestro estado de euforia desbocada. Ahora viene cuando te despiertas y te encuentras con dos noticias, una buena y otra mala. La mala por evidente ya ni la nombro, la buena, a la que nos agarramos como a clavo ardiendo, es el esperado revulsivo en forma de nuevo pelotazo del dúo gallego PRESUMIDO. 

Si su anterior single "Encerrados" era pura melancolía gestada desde el confinamiento, "No Apareces" sigue en la misma línea nostálgica pero esta vez con nombres y apellidos. Todo un jarro de agua fría para devolverte a la cruda realidad, recuperando la parte de la "vieja normalidad" que venía con sus penas por desengaños sentimentales incluidos de serie. Además puedes bailarla, aunque sea con lágrimas en los ojos, porque "No Apareces" es un evocador medio tiempo pop con suficiente cadencia soul como para que no puedas resistirte a contornear sutilmente tus caderas.

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lunes, 29 de junio de 2020

TREPÀT - "Canción Divina" (Miel de Moscas, 2020)

Cinco años después del espléndido El Amor está en la Tierra (Miel de Moscas, 2015) TREPÀT está de vuelta con Canción Divina (Miel de Moscas 2020). Su título no podía ser más acertado, aunque lo de "Divina" no habría que cogerlo por el aspecto "celestial" sino por lo soberbio del resultado. 

Juan Luis Torné (voz y guitarra), Daniel Molina (teclado, sintetizador), Miriam Cobo (guitarra), Patricia Pasquau (bajo) y Alberto Valero (batería) siguen siendo ásperos e inquietantes cuando hace falta, pero esta vez se manifiestan más melódicos y elegantes, conformando un empaque más arrebatador que nunca. Shoegaze y noise-pop con la dosis justa de electrónica como lazo de regalo al conjunto. Un álbum dedicado al amor, en sus distintas formas y condiciones, sin límites ni barreras.

Veintiséis minutos, pero que bien aprovechados, sin fisuras. Como el embriagador arranque "Power" con unos TREPÀT sugestivos y estimulantes: <<vente conmigo, tócame el culo de nuevo>>. Kraut in crescendo desbocándose hacia el tramo final, qué locura. De repente y para recomponernos de la embestida nos viene al pelo el delicado jungle-pop de "Explosión", una de las canciones más redondas de su carrera y de lo que llevamos de año. Con sus balsámicas guitarras, maravillosa estrofa, estribillo perfecto... hay que oírla para creerla.

Con "Moverse" vuelven los TREPÀT más oscurillos, al menos en su envoltorio, pero aún así con suficientes argumentos para reivindicar la tendencia hacia la luz del quinteto. Su escueta letra a modo de mantra lo deja bien claro: <<Paz y amor amigo hoy, esta noche no hay que dejar de quererse, de moverse y de quererse y de abrazarse hasta romperse>>.

La canción titular viene con evocadora intro añadida chocando frontalmente con la energía vital que transmite en su desarrollo, TREPÀT una vez más jugando al despiste. Tanto que al final echamos cuentas y "Canción Divina" nos resulta un corte la mar de bailable.


Llega "Fuerza Descomunal" y con ella otra prueba evidente de que estamos ante una banda idem, de "descomunal", se entiende. Sentimos la evidencia oportunista a la hora de encontrar el calificativo pero es que nos venía a huevo. Una plegaria echa canción. Notas solemnes al piano, coros eclesiásticos, sutil in crescendo hasta la gloriosa culminación con el cambio en el minuto 2:40" y su lírica lapidaria: <<... un diamante a pulir y una fuerza descomunal, nadie para poder abrir, solo en casa una vez más, mil abrazos que transmitir y uno solo para olvidar...>>

"Peligro" nos arrebata con un puñetazo en el estómago la dulce placidez heredada del anterior corte. Fulminante, percutora con su marcial y contundente kraut. Para brincarla como un poseso, se nos antoja brutal en directo. 

Cierra el álbum "Desde la Oscuridad con Amor" la más sombría con diferencia del trabajo. Una fascinante versión del "From Darkness With Love" del trapero Cecilio G. La banda le da la vuelta como un calcetín al tema llevándolo a su terreno de tal manera que la original resulta prácticamente irreconocible. Algo así como lo que hicieron sus paisanos Los Planetas con "Islamabad" y Yung Beef.

lunes, 22 de junio de 2020

JOEL SARAKULA - "Companionship" (2020)

JOEL SARAKULA es un músico australiano con cuarto disco en el aire, el coqueto y reposado Companionship (2020). Soft-rock y soul con alguna que otra pincelada funk o incluso disco. Siempre elegante, con una marcada aureola vintage 70s.

Diez nuevas canciones donde el músico desarrolla un estilo lírico más profundo e introspectivo que sus trabajos anteriores mientras elogia la amistad, el amor y la soledad. De carácter tranquilo y relajado se le cuela alguna pista de ritmo más animoso, cercano al disco, como "I'm Still Winning" o "Reunion Island".

Companionship arranca con "Midnight Driver", una fantasía de soft-rock donde el narrador lamenta los hábitos nocturnos de su pareja: "Cuando ella viene, me deprime". Las guitarras californianas bañadas por el sol, los estilos vocales y la percusión ayudan a crear un ambiente cinematográfico, todo un temazo. 

En la introspectiva "King Of Clowns", Sarakula crea una canción pop que recuerda la artesanía de Hall & Oates y Elvis Costello. Tanto una admisión de culpa como una declaración de intenciones sin complejos, cayendo en la peligrosa división entre la auto-compasión y la auto-parodia: "Mis malas decisiones funcionaron por un tiempo, mi baile intentó hacerte sonreír , Nunca lo sabré, es solo como soy". Todas estas confesiones se producen en un ritmo funk lento aderezado con decisivos flashes de sintetizador vintage.


La cálida "Sunshine Makes Me" sale directamente de una piscina de mediados de la década de los 70s, con su jazz-fusion y sugerente funk como perfecta banda sonora para hacer más llevadera la canícula estival. El coro es un mantra de deseo, necesidades y realidad que ve a Sarakula cantar "La luz del sol me hace perder la cabeza, treinta grados y mis ojos se agrandan mucho. Soñando en grande y viviendo lento, ¿no sabes que el tiempo está de nuestro lado".

Nacido en Sydney, con sede en Londres y ejerciendo de verdadero trotamundos, JOEL SARAKULA realiza giras con bandas que recluta en cada territorio en el que aterriza: una banda de Barcelona para España, una banda de Berlín para Alemania, etc. Este intercambio intercultural es un guiño astuto a la era dorada de los años sesenta y setenta cuando los artistas de pop, soul y blues de Estados Unidos hacían lo mismo. En sus conciertos por la península cuenta con una formación de lujo, con componentes de Fundación Tony Manero - Lalo López y Marc Benaiges - y con Leo Guateque de Los Retrovisores. Damos fe de ello ya que el año pasado fuimos de los afortunados que pudimos degustar su directo en el marco de las "15 Jornades Musicals a l'Ermita de la Pietat " en Ulldecona (Terres de l'Ebre -Tarragona-).

En concierto "Jornades Musicals Ermita de la Pietat" (2019-Ulldecona)

El Currículum de Sarakula es envidiable. Con tres álbumes publicados; The Golden Age (2013), The Imposter (2015) y Love Club (2018), sonando en sitios tan imponentes como BBC Radio 2, BBC 6, BBC London o XFM. También ha estado en listas por toda Europa (WDR 5, Radioeins, Bayern 2, Deutschlandfunk, ICAT, Radio 3..) destacándose en Alemania, Italia y España. También, cómo no, es resaltable su presencia en el circuito de festivales, paseando su estilo en sitios como el SXSW, Primavera Sound, Glastonbury, The Great Escape, Liverpool Sound City, Scala London, Tallinn Music Week, V-ROX o Reeperbahnfestival de Hamburg.

lunes, 15 de junio de 2020

LINDA GUILALA - “Espacio De Tiempo (2009-2019)” -Elefant Records, 2020-

Espacio De Tiempo (2009-2019) -Elefant Redords, 2020- es el disco recopilatorio de LINDA GUILALA reflejo de lo que ha sido una década muy intensa, con más de veinte lanzamientos en su haber.

Iván y Eva, dejaron atrás un proyecto exitoso e inmediato como JUNIPER MOON para lanzarse a uno más elaborado y singular. Los años pasan y demuestran que la música es lo suyo. Han girado y editado discos en innumerables países, recibido elogios de la prensa de aquí y de allí, y en tiempo de crisis industrial, han conseguido ir aumentando poco a poco sus fans por todos los rincones del mundo. Por eso, y por la cantidad de referencias que, o bien nunca han sido editadas en vinilo, o directamente ya están agotadas, han creído que era un buen momento para editar esta colección, Se cierra una época para el grupo (que ya está preparando nuevas canciones), permitiendo con este lanzamiento a muchos de los completistas, o bien a los seguidores nuevos, hacerse con muchas de estas canciones en formato físico.

Por ejemplo, “Te He Cambiado”, “Sexta Dimensión” y “Nadie Se Dará Cuenta” han sido extraídas de Bucles Infinitos (2009), su primer disco, que nunca tuvo edición en vinilo. Unas canciones que muestran un grupo todavía más centrado en las melodías, con ecos del punk-pop, con apuntes de ruido e intensidad, pero aún buscando su propio sonido. Como ocurre en las canciones sacadas de aquel Paranormal EP (2011), ya descatalogado; “Cientos De Ovnis” y “Un Millón De Zombies Más” siguen disfrutando de melodías directas, pegadizas, estribillos claros e inmediatos, con un sonido cercano a bandas como THE JESUS AND MARY CHAIN o LUSH y a grupos indies de pop electrónico.

“Lo Siento Mucho” y “Verano” también fueron singles digitales, y junto a “Chicas Guapas (Que Van A Trabajar En Moto)” formaron parte de otra referencia agotada, Xeristar, un mini-LP 10” editado en 2014 y que ya contaba con la incorporación de Bruno a las guitarras. Los ambientes misteriosos y la agresividad eléctrica hacían acto de presencia, las dinámicas se radicalizaban, pero la pegada seguía ahí y las melodías entraban de manera directa. Por primera vez podemos disfrutar de una edición física de “Éxodo”, la canción que LINDA GUILALA hicieron para el Ukelele Kit Project.

Foto de Sabela Nieto

En 2016 llegó el turno del golpe encima de la mesa definitivo de los gallegos con Psiconáutica (otra edición en vinilo agotada). El que era su segundo largo estuvo dentro de nuestro TOP10 de los álbumes estatales más destacados del año. “Cayendo (2ª Recidiva)”, “La Última Vez (1ª Recidiva)”, “Accidente”, “Cosas Nuevas” y “Fobia Social II” muestran a un grupo más hipnótico, que ha desarrollado de manera sorprendente su concepto del muro de sonido. MY BLOODY VALENTINE se convierten en una referencia clave, al igual que grupos como RIDE, SPIRITUALIZED o GALAXIE 500. Mantienen su habilidad para las líneas melódicas inolvidables, pero todo forma parte de un discurso más complejo, más emocional.

A partir de ahí, salen una retahíla de sellos, proyectos y oportunidades para ir sacando referencias y singles. “Mucho Más Joven”, de 2017, hasta ahora sólo con edición digital, todavía contaba con Bruno a las guitarras. Pero en el single 7" Primavera Negra, de 2018, ya hace aparición Mari, lo que da forma a la alineación definitiva en la actualidad. Primavera Negra contenía el tema titular y “Ausencia Es Presencia”, rescatadas de otro single imposible de encontrar ya. “Mucho Mejor” (videoclip insertado a pie de post), una de las canciones más conocidas y alucinantes del grupo, sólo contaba con edición digital hasta la fecha lanzada también en 2018.

Foto de Linda Corno

Y por último, en 2019 la trilogía de singles de vinilo extranjeros cuenta con “Estado Natural” y “Espacio De Tiempo” del 7” lanzado por el sello inglés Sonic Cathedral en su Club del Single, “Agosto” del single del sello alemán Dreams Never End, y “Será Más Fácil” que fue editado en USA por Test Pattern Records.