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viernes, 24 de diciembre de 2021

MÚSICA CRÒNICA 2021 TOP10 discos



Segundo año pandémico a la saca, esperamos que sea el último aunque lo decimos sin demasiadas esperanzas, la verdad. Menos mal que siempre nos queda la música y este 2021 ha vuelto ha ser un año fantástico en este sentido. Vuestro TOP10 con los discos o EP's que más te han gustado en este 2021 habla por si solo. Recordamos que el ranking va de lo que capta más tu atención a través de nuestras reseñas contabilizado con el número de visitas que reciben. Puedes visitar las publicaciones clicando encima de sus correspondientes títulos.

La lista resultante es la siguiente>
  1. MAZONI - Ludwig (Bankrobber)
  2. A QUIET MAN - (Autoeditado)
  3. JOANA SERRAT - Hardcore From The Heart (Great Canyon Records)
  4. EL PETIT DE CAL ERIL - N.S.C.A.L.H. (Bankrobber)
  5. IRIS DECO - Golden (Hidden Track Records)
  6. JOAN COLOMO - Disc Trist (BCore Disc)
  7. ALGORA - Pódium (El Genio Equivocado)
  8. FERRAN PALAU - Parc (Hidden Track Records)
  9. MADEE - Eternity Mingled With The Sea (BCore Disc)

  10. MARIA RODÉS Y LA ESTRELLA DE DAVID - Contigo (Elefant Records)

Te compartimos la playlist Música Crònica 2021 con las canciones de este año que, semana a semana, nos han hecho más felices. Están en orden aleatorio, casi 18 horas de música gourmet listas para que les hinques el tímpano>

Te recordamos que también estamos en la radio, concretamente en la emisora por internet Ràdio Alfacs, con programa semanal los jueves a las 19h diseccionando los discos más alucinantes. El día de la emisión te esperamos aquí y después aquí a la carta.

Deseamos que en 2022 sigas acompañándonos, seguiremos intentando endulzar la existencia con la música más estimulante del planeta.  

¡SALUD y MÚSICA!


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jueves, 23 de diciembre de 2021

LA SENTINA - "Brutalismes" (The Indian Runners, 2021)

Albert Girons (veu i guitarra) y Ildefons Alonso (bateria y productor) son la formación actual de LA SENTINA, un proyecto en continua evolución desde su aparición en 2006 de la mano de Albert, su alma mater.

"Brutalismo" es un estilo arquitectónico de las décadas 50 y 70 del siglo XX caracterizado por la construcción de grandes edificios con un uso masivo del hormigón, consiguiendo una apariencia áspera, apreciándose sus materiales estructurales desde el exterior. Brutalismes (The Indian Runners, 2021) es el cuarto larga duración de LA SENTINA y es algo así, un paso hacia la rudeza, en este caso instrumental. Diríamos que han mutado su pop-folk de antaño a sonoridades cercanas al noise-rock.

Unos riffs sentenciadores de guitarras nos abren la puerta al álbum a través de "Palusantus", un corte con glóbulos de blues-rock en sus venas. LA SENTINA mostrando su metamorfosis desde el minuto cero. Mientras "La nit més llarga" se muestra más amable, un luminoso pop vistiendo su lírica reflexiva, una constante en las temáticas de Albert, deliberar sobre cuestiones globales desde el modesto costumbrismo personal.

"El petó més llarg" es una maravilla, la más extensa del conjunto con sus sutilmente épicos cinco minutos. In crescendo, nostálgica, con un trabajo exquisito de la percusión, rasgueos continuos de guitarra acústica e incluso con la voz de Albert más entonada que nunca. Luego sobrevienen los coros y la distorsión de la guitarra eléctrica a modo de guinda para un pastel sonoro bien suculento. 

Se rebaja el nivel de intensidad sensorial con la languidez agridulce de "Raig" y la guitarra eléctrica como cicerone de la balada del disco. Le siguen dos cortes siameses, al menos en sus títulos: la cadenciosa "Un tros de mi" y la blusera "Un tros de tu" (Un trozo de mi", "Un trozo de ti"). Lo encriptado de las letras de Albert dan mucho a la interpretación o directamente a la imaginación. Con metáforas de paisajes fluviales e intervenciones quirúrgicas yo lo descifro como el fin de una relación sentimental pero, quién sabe.

miércoles, 22 de diciembre de 2021

GEBRE - "Riu Amunt" (The Indian Runners, 2021)

La banda GEBRE vienen de Flix (Tarragona) y lo forman Aleix Ferrús (voz y guitarra eléctrica), Adrià González (guitarra eléctrica), Dani Cervera (bajo) y Llorenç Orriols (batería). Riu Amunt (The Indian Runners, 2021) es su primer larga duración después de que lanzaran en 2019 el EP debut  Marçà-Falset. 

Navegando entre un power-pop y surf-rock muy 90's, GEBRE nos regalan un disco luminoso, melódico, con cierto aire nostálgico revoloteando por ahí. Comenzando por la portada, un diseño del mismo Adrià González a partir de una fotografía de su abuelo materno, donde se ven a unos niños entre unas rocas y un azul profundo adueñándose de la imagen.

Riu Amunt arranca con "Quan tot va començar" y la descripción de una sutil violencia machista, la que se disimula tras una supuesta jerarquía patriarcal de hogar tradicional, demasiado presente aún en nuestros días. Sus amables notas no pueden esconder el drama de la realidad.

"Desapareix" fue el primer avance del álbum, un corte en el que el mismo título parece desvelar el deseo del protagonista de la historia, "desaparecer". Víctima, como tantos valga el apunte, de una monotonía congénita, laboral y vital. Su armonioso desarrollo, con unas acogedoras guitarras como queriendo consolar al susodicho, deberían animarle a intentar cambiar su modus vivendi.

"Dos quarts de sis" es una entrañable aproximación al sentimiento de identidad de un país, a partir de la cotidianidad, de la convivencia. Un dulce medio tiempo pop para reflexionar entre sus líneas.

"Me van salvar" con esos coros surferos, guitarras y batería, más enérgicas que la media y un solo guitarrero hacia mitad del corte como guinda para otro tema redondo del cuarteto. La sigue "Ni un dia més", rítmicamente prima hermana, briosa, pura rebeldía contra la rutina.

¡Qué bien cuando se está bien! Es lo que parece querer gritar a los cuatro vientos el protagonista de la historia de "Ja no penso en les ferides", con un notable aire brit-pop soplando por ahí.

A veces deseamos con todas nuestras fuerzas que suceda, que "Demà sortirà el sol" ("mañana saldrá el sol"). Pero luego todo sigue igual, no clarea, seguimos igual de encapotados. Las reconfortantes notas del tema nos podrían impulsar a cambiar el panorama.

La vigorosa "Ningú no ho sap", con ese oportuno solo de guitarra hacia su mitad, nos conduce a ese homenaje a la pasión por la música que es "Per què faig cançons". Un espléndido riff de guitarra culmina una canción que nos representa.

sábado, 18 de diciembre de 2021

MOON VISION - "Instinct" (Hidden Track Records, 2021)

Albert Pardo (teclados y voz), Xevi Collado (guitarra, bajo y voz), Júlia Collado (voz, en solitario también conocida como IRIS DECO) y Pau Schultz (batería) forman en la actualidad MOON VISION y Instinct (Hidden Track Records, 2021) es su segundo álbum. Electrónica que provoca el fluir de emociones y sensaciones confirmando una coexistencia natural entre máquina y piel.

"Harsh Contact" es la intro del trabajo, dos inquietantes minutos con la voz de Júlia, piano y impulsos digitales abriéndonos la puerta a vivencias y experiencias de la banda, que ven la luz en forma de ensayo sensorial.

"Instincts" nos hace elegir entre el impulso o el raciocinio a ritmo de un medio tiempo, esta marcha será una constante en todo el trabajo, manifestándose cautivador, rozando lo hipnótico.

En "Blackout" parece como si un robot nos diera la bienvenida a la nave nodriza dónde nos espera Júlia para seguir cantando el resto del tema. La atmósfera espacial que se crea ayuda y mucho a ponerte en situación. Un tema que incluso muta en bailable, una delicia.

Foto de Silvia Poch

Con "Neon Fan" podemos seguir bailando pese a sus pausas, un baile siempre elegante y sosegado tratándose de MOON VISION. Los luminosos sintes retros y la cadenciosa caja de ritmos ponen el resto a otro sugestivo corte del cuarteto.

"Alone" es eso, un tratado sobre la "soledad", con loops gruesos, otros de más rítmicos y un desarrollo in crescendo quedándose a las puertas del subidón. Éste quedaría definitivamente apaciguado con la llegada de la placideza del chill-wave de "Easy Boy". 

"Reasons To Be Wild" es una invitación a la indomabilidad, al inconformismo, mientras unos sintes ochenteros van desprendiendo buena onda entre láseres y purpurina. Elementos que podríamos utilizar en una fiesta como la que "Happy" prácticamente nos invita a lomos de un sugerente funky. Hay que vivir la vida, intentar ser feliz que son dos días.

"Ritual Union", con un desarrollo que se debate entre lo oscuro y lo armonioso, nos lleva de la mano hacia "Queen". Reivindicación, orgullo, empoderamiento femenino: <<I'm the queen, don't try to beat me honey. Cause I'm the queen now, say it as loud as you can (soy la reina, no intentes vencerme cariño. Porque soy la reina ahora, dilo tan fuerte como puedas)>>.

MARIALLUÏSA - “La vida és curta però ampla” (Bankrobber, 2021)

Si hubiera un trofeo por el mejor título de disco del año este seguro se lo llevaba MARIALLUÏSA por La vida és curta pero ampla (La vida es corta pero ancha).

Pau Codina (voz y guitarra), Carles Guilera (guitarra y teclados), Pol Mitjans (batería y percusión) y Andreu Dalmau (bajo), tras un debut en formato largo tan ilusionante como És per tu i per mi (Bankrobber, 2020) y con sólo un año de margen para asimilarlo, publican La vida és curta però ampla (Bankrobber, 2021). Los de Igualada (Barcelona) nos traen un álbum en esencia pop, con más peso de las guitarras que antaño, en el que se incita a vivir el aquí y ahora, disfrutar de las pequeñas cosas junto a tus seres queridos. Su escucha resulta una experiencia realmente plácida, en ocasiones incluso sensual, aquí la voz y el tono de Pau tiene mucho que ver.

El cuarteto arranca el trabajo con "Que guai quan estem bé" y una especie de riff a dos manos, guitarra y teclado, que ejercerá de guía para ensamblar el resto del corte. No nos olvidamos del bajo, el otro gran protagonista en la instrumentación. El toquecito final del saxo y trompeta es la guinda para un corte que te deja tal y como indica su título: "Que guay cuando estamos bien".

"Veig la sort" es una declaración de amor en toda regla, sin filtros: <<Veig la sort de creure en els teus ulls com ho fas tu amb mi, com ho faig jo amb tu. Sento el temps com neix i se'n va i jo et vaig cantant que amb tu em vull fer gran (Veo la suerte de creer a tus ojos cómo lo haces tú conmigo, cómo lo hago yo con el tuyo. Siento el tiempo como nace y se va y yo te voy cantando que contigo me quiero hacer mayor)>>. El cambio neo-psicodélico hacia el segundo minuto es de traca.

"Què farem demà?" es un alegato a favor de luchar por lo que quieres, en este caso focalizado en la música, pero que podría hacerse extensible a otra actividad o ámbito en la vida. Un corte con recovecos, tan sutiles como deleitosos, seguro que hacen más apacible el camino hacia tu sueño.

Llega la lujuria máxima con "Tot és dolç quan fem el que tu saps", una muestra: <<Com m'ho fas, com t'ho faig Sóc dins teu i tu ets dins meu Quan respires em sento tot teu Fem dels cossos un sol moviment (Cómo me lo haces, cómo te lo hago Estoy dentro de ti y tú estás dentro de mí Cuando respiras me siento todo tuyo Hacemos de los cuerpos un solo movimiento)>>. En el minuto 1 y 23" la distorsión de la guitarra simulando el orgasmo es pura genialidad.

"Cauen les flors" es bipolar, nótese la disparidad entre su amable cadencia y la apesadumbrada lírica, armando entre las dos una despedida. Esta, sin duda, resultará lo menos amarga posible gracias a ese idilio constante entre guitarra, teclados y bajo. La batería ejerce de pacificador entre tanto acaparador instrumental.  

"Turmells al riu" reflexiona sobre las incertidumbres que nos va generando el camino por la vida y que, más allá de que tengan solución o no, fluirlas siempre es buena opción. El perfecto ensamblaje entre la guitarra acústica y eléctrica culmina otro estupendo corte. 

miércoles, 15 de diciembre de 2021

FERRAN PALAU - "Joia" (Hidden Track Records, 2021)

"Joia" en castellano puede significar "joya" o también "felicidad". Si nos referimos al nuevo trabajo de FERRAN PALAU a nosotros nos transmite instantáneamente lo segundo aunque de lo primero, refiriéndose a "joyas" que no se pagan con dinero, esas que son las más valiosas, este disco va repleto.

FERRAN PALAU arrancaba el año con Parc (Hidden Track Records), un espléndido álbum que puedes recordar con nuestra reseña. Un 2021 tan agotador como inspirador para el artista de Collbató (Barcelona), enfrascado en gira para presentar el disco y a la producción de las artistas Iris Deco, Carlota Flâneur y Maria Hein. Precisamente durante las grabaciones de los álbumes correspondientes, todos destacados en nuestro espacio, han ido emergiendo las canciones que componen su nuevo trabajo Joia (Hidden Track Records), con el que cerrar "brillantemente" el año. Ferran simultáneamente tenía en la cabeza la realización de una película inspirada en las sectas, pero que a la vez reflejara el sentimiento de familia sonora del que es miembro y prácticamente gurú; formada por artistas que ha estado produciendo, los músicos que le acompañan en directo y Louise, Ana, Clara y Maria, las mujeres que hay detrás de Hidden Track.

Inicialmente las canciones no debían formar parte de ningún disco pero Ferran tenía prisa para que volaran. Además realizar una película es mucho más complejo que hacer un disco, por lo que la cosa ha quedado en álbum y videoclip (insertado a pie de página), que tampoco está nada mal.

Joia es un disco simétrico, arranca y termina con un mismo tema pero desdoblado con dos palabras que son la misma pero al revés: "Ram" y "Mar". La primera ejerce de efímero intro (25"). Una especie de inquietante suspiro comunitario para abrir el  melón. Enseguida aparece el tema titular con Ferran acompañado de la guitarra acústica, será una constante durante el trabajo, y otra vez el apoyo vocal de las Hiddens, elenco femenino, mayoritario en el sello, con Anna Andreu, Iris Deco, Carlota Flâneur, Maria Hein, Marina Arrufat, Maria Espinosa, Luise Sansom, Júlia, Twin, Valentina Risi i Leo Palau, desplegando todo su poder cautivador. Un corte delicado, mágico, con una lírica entre poética y metafísica, al estilo Palau: <<I per fi el que em fa feliç, ho tinc i vaig mar endins  (Por fín lo que me hace feliz lo tengo y voy mar adentro)>>.

La placidez, más si cabe, se adueña de la escucha con "Primavera" y "Rosa". Dos cortes que parecen buscar el equilibrio. La primera entre la paz interior y la vorágine vital, la segunda mientras se desenredan madejas sentimentales. 

Llega "Fotos" y con ella una anécdota personal. Resulta que el pasado mes de octubre tuve la suerte de poder compartir conversación y cerveza con Ferran en Tortosa, después de las pruebas de sonido previas a un concierto en el evento A Cel Cobert de la capital de les Terres de l'Ebre (Tarragona). Me di cuenta que una de las canciones que acababa de tocar no era de su repertorio publicado hasta entonces, además me resultaba especialmente hermosa. Se lo comenté y me confirmó la pillada, sorprendido por que me diera cuenta del detalle teniendo en cuenta el amplio repertorio que atesora. Pues bien, aquella canción era "Fotos", con esos dulces arpegios a la guitarra acústica culminados por un estribillo que es toda una declaración de amor: <<No sé què esperes de mi ni sé què hauria de dir-te, que vull que et quedis aquí, que vull que et quedis a viure (No sé què esperis de mi ni sé què t'hauria de dir, que vull que et quedis aquí, que vull que et quedis a viure)>>.

"Trenca'm" con esos tímidos punteos acompañando los arpegios y un sereno ruego, que me avises si me vas a destrozar. Igual que te digo una cosa te digo la otra y con "Casa't amb mi" no te lo puedo manifestar más transparente: <<Casa’t amb mi cada matí. Només hi som nosaltres dos i només puc mirar-te (Cásate conmigo cada mañana. Sólo estamos nosotros dos y sólo puedo mirarte)>>.

BUFFETLIBRE honra a DAFT PUNK con una espectacular mixtape audiovisual

En 2013 la pareja de Djs y productores barceloneses Miguel Sánchez y Marc Constantí debutaron en formato largo con Songs For Elaine (Subterfuge Records). Mucho ha pasado desde entonces, más que en término de años, que también, en el aspecto de cambios vitales y por ende, de formación. Ahora ya con Marc como único miembro, ocupado con trabajos de producción, sesiones de Dj y realizador de remixes. Además de cuando en cuando se destapa con algún que otro proyecto audiovisual como este enorme Something About Daft Punk, una auténtica obra de orfebrería con la que homenajea al dúo francés DAFT PUNK.

Siguiendo la estela de anteriores y ya icónicos proyectos como Rewind, Peace, Verbena Selected o Proyecto Batidora, BUFFETLIBRE repite la fórmula de rodearse de decenas de colaboradores para, esta vez, rendir tributo a DAFT PUNK que, tras 28 años de actividad, anunciaron su separación este pasado febrero.
 
Something About Daft Punk es, tal como se expone en la nota de prensa, un mixtape visual que recoge algunos de los mejores temas originales, remixes y rarezas de DAFT PUNK. Lo que lo hace especial es que estos temas han sido escogidos por diferentes artistas ligados de alguna manera a la carrera del dúo francés. Más de 60 músicos, desde artistas influyentes en la carrera de los franceses (Cerrone, DJ Rush, DJ Falcon, Roy Davis Jr.) a otros influenciados por ellos (The Knocks, Myd, L’Impératrice, Digitalism, Yelle), así como varios que compartieron con ellos la época dorada de la electrónica francesa (Alan Braxe, Étienne De Crécy, Air, Benjamin Diamond).

Estos colaboradores, además de seleccionar sus temas favoritos de DAFT PUNK, aportan a su vez recuerdos, memorias y anécdotas relacionadas con los franceses, dando como resultado una especie de relato histórico-musical en forma de video sesión de más de 100 minutos que se puede disfrutar en YouTube y en la web de BUFFETLIBRE. Te lo dejamos insertado también a pie de página.

sábado, 11 de diciembre de 2021

NINOT - "Núvol" (Right Here Right Now, 2021)

Iu Bover a la batería, Víctor Bregante a los teclados y Marc Casanova a la voz y guitarra son NINOT y van funcionando como formación desde hace algo más de dos años. En tan poco tiempo ya han lanzado el  EP  Casa (2019) y ahora un discazo, el que ocupa estas letras, Núvol (2021). Para este trabajo el combo de Sitges han contado en la producción con Jordi Casadesús (La iaia, Maria Rodés, Cesc Freixas, Núria Graham, Gemma Humet). A pie de página insertamos el vídeo reportaje de las jornadas de grabación.
 
Desde su primera referencia han ido creciendo a velocidad meteórica como banda y se plasma en Núvol, Un álbum elegante, sugestivo, maduro, con un peso más determinante de los sintetizadores y las cajas de ritmos. El título del disco no puede ser más revelador ya que realmente te vas a sentir, durante gran parte del mismo, como flotando del placer entre cúmulos y estratos.
 
"Waaah" da el pistoletazo de salida con una estrofa insistente vistiendo un corte de índole lujuriosa: <<Tu estirada al llit al meu costat, m'acaricies el pit amb suavitat, m'insinues que vols tornar a jugar, feia estona que t'estava esperant (Tu, tumbada en la cama a mi lado, me acaricias el pecho con suavidad, me insinúas que quieres volver a jugar, hacía rato que te estaba esperando)
>>. Después de las llamas quedan las brasas y estas son "Ella". Una balada que es toda una golosina. Declaración de amor o casi pura devoción, con unos tenues rasgueos guitarreros acompañando los atmosféricos sintes, muy retros ochenteros, lo que será una constante en todo el trabajo.


Foto de la Marta Ruf

"Murs" es encantadora, con ese saborcito tropical y evolución en leve in crescendo. Rozando por momentos la épica sosegada, ésta que nos permite gritar a los cuatro vientos que <<ja ningú podrà fer-me mal (ya nadie podrá hacerme daño)>>.

Se pide perdón con "Vida artificial" y un piano que aquí es amo y señor del cotarro a través de su omnipresente riff. Caja de ritmos, sintes y la voz de Marc ponen el resto a un sentido tema. Otro de muy redondo en el haber del trío.

En "Cinc minuts" unos gruesos sintes parecen querer enfatizar los <<No>> que aparecen constantemente durante su evolución, una que se transforma sorpresivamente a partir de los dos minutos y medio, haciéndolo incluso bailable. 

"Desconeguts" es una locura, con esa delicia de estribillo instrumental a los sintes, que culmina una lánguida estrofa y que hace que el corte se maneje sin desmelenarse entre el abatimiento y el entusiasmo. 

Seguimos evocadores, rebosantes de romanticismo con "L'animal" y "Miratge", para entrar en un estado de placidez absoluta. Su letra así lo expone: <<Miro el cel i busco les paraules, noto com les teves mans m'agafen, de cop tot el meu cos está volant pels aires (Miro el cielo y busco las palabras, noto como tus manos me cogen, de golpe todo mi cuerpo está volando por los aires)>>. Sintes y caja de ritmos nos llevan en volandas hacia un paraje sensorial del que no querríamos regresar.

"Has tornat" ahonda a nivel estilístico en la línea synth-pop ochentera y a nivel lírico, en lo pasional. Nos envuelve una atmósfera de serenidad reconfortante, deleitosa. De repente "El bar" nos devuelve directos del firmamento hacia territorios más mundanos. Un velado homenaje a la juerga y la colateral resaca.

viernes, 10 de diciembre de 2021

MARIA RODÉS Y LA ESTRELLA DE DAVID - "Contigo" (Elefant Records, 2021)


Amor, desamor, humor... Si sigo con vocablos acabados en "mor" podría llegar al "tumor", y como que no 😉. Ahora totalmente en serio, este matrimonio de conveniencia sonora que es el formado por MARIA RODÉS Y LA ESTRELLA DE DAVID revolotean alrededor de las tres primeras palabras que arrancaban estas líneas para dar como fruto el encantador Contigo (Elefant Records, 2021). 

Con la impecable y personalísima producción de Sergio Pérez (MUJERES, JOE CREPÚSCULO, LOS PUNSETES...), bajo el manto de ritmos bluegrass, country-folk y tex-mex, el dueto va desplegando una complicidad exquisita para ir narrando un romance como los de antes, tal como expone el primer verso de su corte inicial, "Hacer el amor":  <<Quiero un amor que me obligue a rendirme, quiero ese calor que no da la pasión. Y no sé si eso existe, lo que tenga que ser que sea contigo al lado. Yo quiero un amor antiguo y no me importa ahora mismo si pido demasiado>>. Y es que lo que el banjo y la pedal-steel ha unido, que no lo separe el hombre. Una canción que es pura caricia.

Con "Lo que venga ya vendrá" se aviva un pelín la cadencia hillbilly para que Maria nos confiese que <<después de tantos años de revolotear He encontrado un nido en el que me quiero quedar contigo mucho tiempo, aunque me va a costar, pues soy un alma errante y nunca encuentro mi lugar>>. Ya se adivina que sostener esta relación no será tarea fácil.

Foto de Sergio Albert

La historia del idilio amoroso no se cuenta totalmente cronológicamente como demuestra la apesadumbrada "Viernes". David Rodríguez le pone voz a una despedida a contra corazón, una retirada tan amarga como inevitable. En cualquier momento parece que tenga que aparecer un mariachi para consolarle o rematarle del todo, eso ya va a gustos.

"Un mundo ideal" es maravillosa, nos viene de perlas para recuperar el ánimo y de qué manera. Unos trémolos de mandolina nos hacen derretir del gusto, al igual que le sucede a su protagonista dentro del sueño. Quién sabe, quizás al despertar se haga realidad al modo final feliz de Aladdín.

Con "Venga va" nos ponemos de vuelta de tiernos, en un momento de la relación que, al igual que esta canción, no querríamos que acabara nunca. Esas mariposillas en el estómago, ese primer beso, esos tembleques de piernas. Un corte precioso, como la dulce "Eres". Declaración de amor en toda regla, sin filtros ni titubeos. Maria, el violín y la guitarra eléctrica se montan un trio mágico mientras el resto de la instrumentación van lanzando pétalos de rosa al aire.

miércoles, 1 de diciembre de 2021

40 años del "Architecture and Morality", la ascensión de OMD

Juana de Arco, la conocida como "Doncella de Orleans", nació hacia 1412 en el pueblo de Domrémy (Región de Lorena, Francia). De origen humilde y campesino resulta fascinante ver el ascenso de una joven que cambió el destino no solo de Francia en la Guerra de los Cien Años, sino de Europa entera, con sus actos bélicos, su fuerza y tesón. Su fuerte fervor religioso la guió para liberar del yugo inglés al pueblo de Francia. Otros ingleses, más de cinco siglos después, también lograron su "ascensión" particular gracias, en parte, a la heroína francesa. Pero vamos por partes.

El 11 de septiembre del 1975 en el Empire Theatre de Liverpool actuaban KRAFTWERK en un concierto a la postre con escasa asistencia de público. Entre el respetable estaban Paul Humphreys y Andy McCluskey, un par de músicos locales que habían desarrollado su amistad gracias al amor compartido por los pioneros alemanes del synth-pop. Aunque ambos habían tocado en varias bandas de rock tradicionales, la atracción de los paisajes sonoros industriales y minimalistas de los germanos los llevó a tomar una dirección diferente, con la electrónica como base.

Ya como ORCHESTRAL MANOEUVERS IN THE DARK (OMD) uno de sus conciertos lo dieron en el Factory Club de Manchester, donde llamaron la atención de Tony Wilson de Factory Records así como la de su tocaya Carol Wilson. Aunque reconoció el potencial de OMD, Wilson sintió que Factory no tenía ni el alcance ni las finanzas para apoyar lo que él consideraba un gran éxito en ciernes. Los firmó sólo para lanzar su single debut "Electricity" en 1979, para ponerlos en el mercado y así llamar la atención de las principales discográficas.

Cuando los grandes sellos comenzaron a acercarse a la banda, OMD firmó en cambio con el recién establecido sello Dindisc de Carol Wilson, propiedad de Virgin Records, sintiendo que les daría la libertad artística de una banda independiente, pero la seguridad financiera de una importante.

Tras la publicación en 1980 de dos álbumes con sólo ocho meses de diferencia, su carrera continuaba ganando impulso. Andy y Paul, esta vez en formato cuarteto junto al baterista Malcolm Holmes y el saxofonista Martin Cooper, ingresaron en el estudio a finales de aquel trepidante año para esculpir su tercer trabajo, con la dosis óptima de confianza y libertad que les permitiera ampliar sus horizontes, tanto sonora como líricamente.

La casualidad fue protagonista esencial para entender el cambio de dirección de la banda, en forma de petición a Paul por parte de un amigo, y antiguo miembro de la banda, de que le prestara el estudio. Necesitaba pasar un tiempo allí para trabajar en un proyecto que consistía en grabar un coro y crear formas alternativas de usarlo. Como pago le ofreció copias de las muestras, las cuales Humphreys utilizó como base y comenzó a construir paisajes sonoros y canciones a partir de ellas. La fusión de los arreglos corales con melodías pop comerciales y sonidos poco convencionales no sólo le dio seriedad a las referencias históricas y oscuras de sus letras, sino que también le dio una profundidad y dimensión extraordinaria a su música.

Tenemos por un lado los loops vocales heredados del amigo de Paul; por otro la influencia manifiesta de KRAFTWERK y BRIAN ENO; las ganas por encontrar el equilibrio entre lo comercial y lo experimental; el diferenciarse entre lo que se estaba cociendo en aquella época; más un profundo sentido de la espiritualidad y el misticismo. Lo agitamos bien fuerte y wualá, nos sale un Architecture and Morality (1981), su álbum más inspirado y uno de los estandartes de los ochenta.

El álbum, publicado el 8 de noviembre, arranca con "The New Stone Age", la pieza  más singular con respecto al resto del álbum y posiblemente también con lo que habían hecho hasta entonces OMD. Jugaron al despiste, confundiendo al personal con que la nueva dirección de la banda iba abocada hacia terrenos más viscerales. Con esos afilados rasgueos guitarreros, inquietantes sintes y Andy desgañitándose, más que cantando.

"She’s Leaving", cuyo título fue un homenaje a "She's Leaving Home" de sus paisanos THE BEATLES, recupera un sonido más de acorde con lo que la banda nos tenía acostumbrados. Unos luminosos sintes  enmarcan un agridulce corte con madera de single, de hecho Dindisc lo quería así pero OMD se negó, alegando que estarían exprimiendo demasiado el álbum al sacar un cuarto single.

Con "Souvenir" (videoclip insertado a pie de página) llega el primer momento cumbre de Architecture and Morality y uno de los hits mayúsculos de su carrera.  Melancólica como ella sola, dejando asomar por primera vez los loops vocales "prestados" que mencionábamos al principio del artículo y que tan importantes serán en el transcurso del álbum. Con esa inolvidable armonía al sintetizador que será gran protagonista tanto en la entrada como cogiendo el testigo también en el estribillo. Que fuera cantada por Paul en vez de por Andy también le da un toque de peculiaridad añadido a este himno synth-pop.

"Sealand" es sosiego, inquietud, pero también osadía, con sus casi ocho minutos ambientales. Lleva el nombre de la base de la RAF en la península del Wirral (noroeste de Inglaterra), aunque la canción en sí trata sobre una refinería de petróleo. La decisión de nombrarlo "Sealand" surgió puramente de la imagen que el nombre evocaba como el lugar de encuentro perfecto entre la tierra y el mar. La pista se desarrolla a un ritmo pausado inspirado en Eno, con base percutora aliándose con una melodía preciosista de sintes junto al mellotron. Hasta que la voz de Andy, similar a un mantra, irrumpe hacia los seis minutos. Otra maravilla, arriesgando y ganando.

martes, 30 de noviembre de 2021

WOLF ALICE - "Blue Weekend" (Dirty Hit, 2021)

Según el polifacético intelectual alemán Goethe (1749-1832) el color azul es el de la tranquilidad, el más pasivo, por ello se le asocia a aquellos sentimientos que pueden derivarse, como la tristeza. Pues bien, Blue Weekend (Dirty Hit, 2021) sería algo así como un fin de semana a la postre sin demasiadas expectativas, más bien soporífero, pero quizás, quién sabe, si se le puede dar la vuelta. El nuevo álbum de los británicos WOLF ALICE,  oseasé Ellie Rowsell (voz, guitarra), Theo Ellis (bajo) y Joel Amey (batería, voz), contiene mucho de esas emociones poco reconfortantes, pero también le dan una oportunidad al inconformismo, a la resiliencia. 

Consolidada ya como una de las bandas referentes del rock alternativo actual han grabado el disco en Bruselas con Markus Dravs (Arcade Fire, Björk, Brian Eno, Florence + The Machine) como productor. Como resultado, un trabajo globalmente más sosegado que sus anteriores referencias, My Love is Cool (2015) y Visions of a Life (2017), ganador del Mercury Prize al disco del año.

Blue Weekend se presenta de manera simétrica, arrancando y finiquitando con una canción desdoblada, "The Beach". Un corte con clara vocación de intro y una evolución in crescendo, una amistad que se siente perjudicada, debatiéndose entre la nostalgia y el aciago presente, todo con la playa como idílico marco, como queriendo con ese paisaje conciliar el ambiente.
 
Con "Delicious Things" la cosa empieza a ponerse seria, con las vivencias experimentadas en Los Ángeles como excusa, el cuarteto se marca una pieza épica. La más extensa del conjunto con sus cinco minutos estelares. Lánguida, con toquecitos psicodélicos en la estrofa y un enorme puente avanzadilla de los fuegos artificiales en forma de estribillo. Ese break hacia el ecuador del tema y luego Ellie como rapeando sutilmente antes de volver a la carga con todo. ¡Uff, bravo!


Seguimos a tope de inspiración con la estimulante "Lipstick On The Glass" y la voz de Ellie en plan estelar. Una trifulca contigo mismo cuando la indecisión se apodera de tus miedos, armado de una etérea estrofa adornados con esos punteos guitarreros. Hasta que sobreviene el determinante estribillo y luego el tramo final con todo, despidiendo otro corte sensacional de WOLF ALICE.

Blue Weekend entre tanta atmósfera bucólica contiene dos trallazos marca de la casa. El primero la contestatariamente brutal "Smile", con ese bajo funkillo, guitarras desbocadas, batería galopante y sintes centelleantes. El cambio hacia el segunto minuto, con el bajo ejerciendo de martillo percutor, es de traca.

Después de la tormenta viene la calma con el momento folk del álbum. El tratamiento de las voces en la agridulce "Safe From Heartbreak (If You Never Fall In Love)" es fantástico, con Ellie actuando a manera de coro de ella misma durante todo el corte, en compañía únicamente de unos arpegios a la guitarra acústica. En su ocaso noto a faltar unas palmas acompañando la a capella, seguro que esto se solventa en sus conciertos.

Seguimos por derroteros sosegados con "How Can I Make It Ok?", al menos en sus momentos iniciales, luego ya será otra cosa. Dudas existenciales se alían con otro desarrollo de corte arrebatador de los londinenses y unos sintes que se sentirán cómodamente protagonistas. Aunque a partir del segundo minuto, lo que era un tema muy dominado por los mismos, va mutando hacia sabores más folk-rock, para rematar en terrenos neo-psicodélicos

WOLF ALICE sacan a pasear su lado más salvaje con "Play The Greatest Hits", un puñetazo en la boca, con su estrofa punk y un estribillo que se culmina con la migaja justa de melodía como para reconocerlos.

La sensual "Feeling Myself" suena de entrada a añeja, nos sorprende ese órgano hammond, pero aún más su evolución, como cuando llega el estribillo espacial. Luego el tema muta hacia el trip-hop, una locura.

"The Last Man on Earth" es el baladón del disco, el "Space Oddity" de WOLF ALICE. Primero con voz y piano, reposada hasta el segundo minuto. Luego con el resto de la banda como preparando lo que nos pasará por encima. En el tercer minuto aparecen en escena por un instante los Beatles del "Sargent Peppers", y la cosa sigue animándose más y más hasta desembocar en unos plácidos últimos 30 segundos en los que sabes que ya regresado a casa tras, posiblemente, el viaje de tu vida. Como condenados a la auto-extinción que está el ser humano, canciones como esta podrían hacernos reflexionar de que aún nos pudiera quedar esperanza.

sábado, 27 de noviembre de 2021

MARIA HEIN - "Continent i Contingut" (Hidden Track Records / Pértiga Music, 2021)

La joven mallorquina MARIA HEIN (Felanitx, 2003) debuta discográficamente con Continent i Contingut (Hidden Track Records / Pértiga Music, 2021). Un álbum repleto de sensibilidad, elegancia y calidez, la misma que desprende su portada, una instantánea de Maria recostada encima la hierba en medio de lo que parece un pic-nic, protegiéndose con su mano del destello de la luz solar.

Si la bisoñez puede ser sinónimo de inexperiencia en el caso que nos ocupa estamos ante la excepción que confirma la regla o al menos es lo que se transmite durante los 26 minutos que dura Continent i Contingut. Con 18 años Maria nos regala uno de los álbumes más bonitos del año, elijo este adjetivo porque dentro de su simpleza define muy bien la música y el estilo de la artista. Sin entrar en sofisticación ni artificio alguno, transmite una placidez inusitada, casi mágica.

Fotos x Marta Mas (Entrelíneas)

Alegrías, experiencias, dudas propias de la adolescencia que se exponen durante un disco muy personal, transparente, donde el "Continent" ("continente") es ella misma y el "Contingut" ("contenido2) son dichos dilemas y preocupaciones, vestidos con canciones.

La producción de Ferran Palau es la guinda del trabajo, aunque sutil se hace bien presente en canciones como "Sa teva Presència", incluso se le oye en el "1, 2 ,3" inicial. Me lanzo a la piscina pero juraría que los sintes de "Setze Voltes" y los del bucólico estribillo de "Estrès Acumulat", más su línea de bajo, serían otros buenos ejemplos. Esas pausas, tempos, leves punteos guitarreros o bellas notas del piano al aire, son el lazo de regalo a un trabajo esplendoroso.

Continent i Contingut arranca con la etérea i acústica "Un tassó que vessa", con la voz de Maria y la guitarra conduciéndonos hacia "Sa teva presència", el corte más inmediato del conjunto. Aquí el piano tiene mucho que decir, con un precioso riff a modo de puente que va uniendo las orillas del corte.

En "Aquell mes de març" MARIA HEIN nos confirma lo que ya habíamos atisbado desde el minuto 0, que además de tener formación pianística y tocar también la guitarra, atesora una voz hermosa, lo tiene todo. Un nostálgico medio tiempo, de hecho la "nostalgia" será uno de los sentimientos más recurrentes durante la escucha.

Fotos x Marta Mas (Entrelineas)

Entramos en zona de alta sensibilidad con "Setze voltes" y el tema titular "Continent i Contingut". El primero con esos delicados arpegios guitarreros como bandera. El segundo con el piano como amo y señor de un refugio al que siempre querríamos escapar.

"Estrès acumulat" con esos luminosos sintes en el estribillo, como queriendo poner luz ante los titubeos existenciales. Mientras el destello de "Llums de sa ciutat" ("luces de la ciudad") nos indican lánguidamente el camino hacia el tridente final de cortes de Continent i Contingut.

Vemos en los créditos del álbum que este va dedicado a su padre y en "Mein Vater" ("mi padre" en alemán) se hace más que evidente. Melancólico tema, con la emoción a flor de piel, intercalando el idioma germano y el catalán, haciendo aún más familiar e intenso el recuerdo.

domingo, 21 de noviembre de 2021

ALGORA - "Pódium" (El Genio Equivocado, 2021)

ALGORA alcanza el Olimpo de los Dioses con Pódium (El Genio Equivocado, 2021), dónde se nos muestra más reivindicativo, visceral, solvente y estimulante que nunca. La portada es bien explícita, con la silueta a contraluz de Víctor en plan enigmático pero a la vez marcando poderío. Y es que este álbum lo es y mucho de "poderoso", aunque lo haga partiendo del dolor y las cicatrices que le han ido generando su identidad LGTB, o quizás sea por ello mismo. El concepto, tal y como expone el artista, es "la historia de alguien que nació perdiendo y de cómo la perspectiva de los años va revelando esa realidad impuesta por un sistema que maltrata, invisibiliza y humilla al diferente".

La fuerza de Pódium reside en una conjura mágica protagonizada por producción perfecta, halo de elegancia envolviendo melodías arrebatadoras y un mensaje con lírica, entre afligida y contestataria, que agita, revuelve, llega.   

Notas al aire de piano nos dan la bienvenida al álbum con "Días de Nieve", un corte desgarrador que denuncia el bullying de manera poética pero a la vez descarnada: <<Si aguanto desnudo en la terraza, quizás suba la fiebre y me quede en casa. Pero si no funciona y tuviera que ir a clase, me concentraré y rezaré muy fuerte para… Que todos los días sean días de nieve y así el autobús nunca llegue...>> Una balada synth-pop que es como un helado frito al estilo chino, cálido por fuera y témpano por dentro. 

El leitmotiv de "Luna de cazador" son recuerdos engendrados por la homofobia sufrida por Víctor en su infancia, encarados como un diálogo entre el ALGORA de hoy y el niño que fue. Lo viste un electro-pop atmosférico, sutilmente bailable. Los ambientales minutos finales ponen la guinda a otro tema enorme, y van dos de dos.

Fotos de Nacho G. Riaza

Seguimos muy arriba de inspiración con "Medalla de Oro" (videoclip insertado al final de la página), carne de pista de baile, antisistema establecido, donde el premio sea pisar al otro, sobresalir a través de la humillación al diferente. La letra es bien clarividente: <<...Príncipe de periferia, sonreías a tu séquito, preparaste la victoria, hambriento de sudor y hierro. Comenzó la cacería, yo era tu premio.>>

"Los amantes de Magritte" coge su título de la pintura surrealista del belga René Magritte (1928) donde se representa el beso de una pareja con los rostros cubiertos por unas telas. Un medio tiempo techno-pop con estrofa delicada y puente+estribillo embriagador. La letra, la más escueta del trabajo, no puede ser más elocuente: <<Anhelo el final de la tarde, en un mundo no redondo. Temo besarte confundido en impaciencia, por si alguno levanta la tela. Maricón...>> Aquí parece que ALGORA se dé permiso para ser y actuar de acorde a su naturaleza.

"Liebre" cuenta con la colaboración del artista multidisciplinar Megane Mercury. Una base breakbeat sobre la que desplegar la angustia del que padece un calvario de abusos: <<...Liebre, liebre. Si es cazador el padre, el crimen no vale. Corre, corre, el crimen no existe, si el maestro es cómplice. Liebre. Un balón en tu abdomen, una bala en tu carne. Corre. Huele a sudor el aire, sabe a óxido tu carne.>>

Víctor despliega toda su sensualidad en la vaporosa "Polvo", un corte que, más que sugiere, demanda: <<... Antes de que nos hayamos rendido, quiero mezclar tu sudor con el mío. Antes de que nos hayamos perdido, quiero juntar tus ojos con los míos. Antes de que nos hayamos rendido, quiero ensuciar tu cuerpo con el mío. Antes de que nos borre el vacío, antes de que nos hayamos dormido. Quiero que me folles una noche, quiero que me folles una noche más.>>

miércoles, 17 de noviembre de 2021

RAMPAIRE - "Aigua del Cel" (Segell Microscopi, 2021)

 

RAMPAIRE és el nom dels arrossars que la família de l'ampostí Alfred Porres conserva al Delta de l'Ebre i a la vegada el que ell va triar per al seu projecte personal. El music porta a la seva esquena una extensa carrera musical des dels començaments dels noranta quan capitanejava Atzucac, banda amb la que va publicar el disc Paradisos possibles (Soviet Records, 1993).

Aigua del Cel (Segell Microscopi, 2021) és el seu segon disc després de L'era de les revolucions (2019) i els EP Pedretes (2018) i Sol (2015).

El present treball transpira sonoritats en essència pop però marcades per un sabor americà, potser l'aparició en moments del treball de la lap steel hi te molt a veure. RAMPAIRE va desplegant vivencies y experiències sense escatimar perspectives però enfocant-ho sempre amb un tarannà vitalista.

Produït, enregistrat i mesclat per Albert Freixas i l'Eduard González, que varen ser membres tots dos de la banda Ix! (2007-2016), Aigua del Cel arranca amb la cançó titular i uns ensucrats acords de guitarra elèctrica donant el pas a un cant homenatge a l'existència amb versos tan concloents com: <<La vida és tot i res dins l'univers, al despertar serem aigua del cel. >>

Fill i net d'arrossaires del Delta com és, no podia deixar d'esmentar la seva terra en passatges del treball com en l'encantador mig temps "Ran de mar". A més amb pincellada reivindicativa inclosa sobre la seva vulnerabilitat: <<...I és tan ran de mar que, quan bufa el vent de llevant, s'ofega al meu davant. I soc tan ran de mar que, quan s'ofega, em sento tan,tan insignificant. S'enfonsa a poc a poc la línea de l'horitzó. Tan fràgil com un castell d'arena dins la tempesta, la platja del Trabucador...>>

Foto de Quim Giró

Seguim posant la vida per endavant amb "Les Vides", no podía tenir títol més aclaridor, arrancant amb una metàfora fruitera ben reveladora: <<Les vides són com préssecs grocs, maduren bé si els toca el sol...>> Una vegada més es fa palès el gran treball en la secció de corda a n'aquest àlbum. La lap steel, la guitarra acústica, l'elèctrica i el baix es conjuren per a regalar-te una festa per als teus sentits. La personal e intransferible veu de l'Alfred posa la resta.

"Tres Instants" és tant emotiva com agredolça, la balada de l'àlbum. Aquí el piano és el gran protagonista instrumental dins d'un tall intimista, tendre, per a gaudir a foc lent. És això mateix, la descripció de "tres instants" especials durant el principi, transcurs i final d'una vida. 

Ens recuperem de la intensitat emocional viscuda amb el ritme en un toquet tropical de "Los Dies que Vindran". Alfred es pregunta pel futur, un de tant incert com segur apassionant, creuem els dits per a que així sigui.

"Te'n Vas" (videoclip insertat al final de la página) va ser el single avançament d'Aigua del Cel. Una cançó molt especial per a l'artista ja que a més incorpora, en la seva versió al disc, una estrofa cantada pel seu fill Àlex. Resplendent encara que denotant una aurèola marcadament nostàlgica.

lunes, 15 de noviembre de 2021

MADEE - "In the Cold Season" (BCore, 2021)

Ramón Rodríguez (voz, guitarra), Pep Masiques (bajo) Adam Vives y Capi a las guitarras, Marc Prats a los teclados y Antonio Postius a la batería, vuelven a la carga. Nueve meses después del lanzamiento de Eternity Mingled With The Sea (BCore, 2021) su espléndido álbum retorno tras 14 años de no publicar un larga duración, presentan un segundo trabajo, el no menos estupendo In the Cold Season (BCore, 2021). MADEE retoman la fórmula ganadora exhibida en sus más recientes trabajos, con el poeta y fotógrafo de Seattle Mark Swanson a cargo de las letras. 

Lo comenté en la reseña del "Eternity Mingled..." y no puedo dejar de volver a mencionarlo, la variación con la banda del registro vocal de Ramón Rodríguez en relación a su proyecto personal The New Raemon. Es algo así como un chute de rejuvenecimiento, mutando un mayor comedimiento en enérgico y jovial desmelene, una versatilidad que reclama la contundencia rítmica del grupo.

En MADEE el bajo se siente muy protagonista como se muestra por ejemplo en el tridente inicial de In the Cold Season. El poder de director de orquesta exhibido en "Drinking Wine from a Paper Cup", con riff incluido en "Ghost Town Living" y haciendo palpitar profundamente a "Deception Pass". El primer corte se manifiesta como un nostálgico medio tiempo, bien cadencioso en su evolución; el segundo, inquietante y arrebatador a partes iguales, abrazando una oscuridad que se irá manifestando durante varios pasajes del trabajo; el tercero, un ejercicio de introspección al cobijo de deliciosas notas, con una guitarra y unos sintes recuperando terreno, mostrándose ya definitivos. Su parte final es de aquellos momentos en los que te quedarías habitando una buena temporada.

Llega el tema titular "In the Cold Season" y un piano que aunque lo intente no puede apaciguar el desasosiego que se respira, con un Ramón luciéndose bien a la voz, una voz que observamos en este álbum, dicho sea de paso, en su máximo apogeo.

La sinuosa "Longing", con una estrofa intensa y extensa, puente rompedor y un estribillo que más que existir se desvanece, conduciéndonos a la reflexiva "Remains to Be Seen". Espléndida, de disfrute inmediato, con una melódica estrofa que contrasta con su enérgico estribillo. El piano en el puente parece ejercer de paso fronterizo hacia la crudeza sonora.