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sábado, 17 de julio de 2021

A QUIET MAN - "Staring at the Dark" (autoeditado, 2021)

Publicando discos desde el 2009 Fabio Vega, oséase A QUIET MAN, vuelve a la carga con ya su novena referencia, el espectacular "Staring at the Dark" (2021). Si haces la cuenta de la vieja te sale casi a álbum por año y es que la hiperactividad compositiva del residente en La Ràpita (Terres de l'Ebre) resulta tan inusitada como eficiente en el resultado final de cada uno de sus trabajos.

La temática del trabajo es el amor, como viene siendo habitual en el artista, en esta ocasión más desde la perspectiva de la pérdida o de la parte más complicada de las relaciones y sus fatales consecuencias. 

Rítmicamente A QUIET MAN sigue la senda confirmada en su anterior From the Sea (2018) de inyectar gran poso electrónico a sus elegantes composiciones compendios de texturas smooth jazz y soft rock

Staring at the Dark arranca bien explícita sobre su contenido conceptual con "Ich Hasse Dich" manifestando, hasta en cinco idiomas distintos (inglés, francés, castellano, catalán y alemán en el título) lo siguiente: <<Te odio, hoy te odio más y más Te odio, te odio más que ayer Te odio más y más cada día Pero te sigo amando Isabel>>. Esa base de percusión cadenciosa, esos arpegios, riffs de violines, la misteriosa paradiña rondando el cuarto minuto y la sugestiva voz de Fabio conformando un inicio de trabajo incontestable.

¿Bailas? Puedes hacerlo con "Long Ago", eso sí, con lágrimas en los ojos. Su omnipresente y adictivo loop de sintes, las escuetas pero sentenciadoras notas al piano y su electrónico desarrollo completan otro espléndido corte. 

Foto de Erica Puigcerver

La intensa y redentora "Blame On Me", al menos en apariencia ya que al final hay un giro inesperado de los acontecimientos: <<...Blame on me And I blame on you (Mi culpa y te culpo a ti) >>. Hasta que llega "Hold Me Tight" y entonces no queda otra que dejar que hable tu piel. Maravillosamente desgarradora, épica, uno de los momentos cumbres en la carrera de A QUIET MAN hecho canción. Con su primoroso despliegue vocal, melódica estrofa, estremecedor estribillo y unos coros fantasmales como guinda a un pastel más que delicioso.

La sugerente "Travelling" está hecha para contornearse, quizás junto al motivo de la búsqueda descrita en su lírica. Sus hechizantes siete minutos dan para mucho, la mayoría instrumentales, todos absolutamente disfrutables.

Si el anterior corte lo pasábamos viajando quizás nuestro destino fuera China, o al menos eso parece indicar el halo oriental que desprende la conciliadora "Excuse Me". Seis minutos y medio de absoluta placidez, muy jazzística, con ese bajo bien protagonista como bandera. 

La súplica en forma de hit dance "Come Closer" te hará, si o si, mover tus caderas, en otro de los momentos top encantadores de un Staring at the Dark que gana, aún más si cabe, con cada escucha.

sábado, 3 de julio de 2021

Entrevista a CUCHILLAS, noise pop de altos vuelos desde Zaragoza

CUCHILLAS son un cuarteto noise pop proveniente de Zaragoza que nos ha encandilado con su nuevo EP Pasión de Sábado (Intromúsica 2021). Queríamos saber más de ellos:

¿Cómo os presentaríais en un par de frases?

Somos una banda radicada en Zaragoza con raíces españolas, argentinas y colombianas formada por cuatro personas que escucharon mucho grunge y noise noventero.

¿Cuál es vuestro método compositivo?

Componemos en la comodidad del hogar para después darle forma a los temas en el local de ensayo. Cuando ya tenemos una base sólida, maquetamos los temas y trabajamos sobre esas maquetas a las que se van sumando nuevas pistas para enriquecer la base inicial. Así, los temas evolucionan y conseguimos que cada uno tenga su propia personalidad.

¿Qué bandas o artistas os influyen con más intensidad?

Escuchamos infinidad de géneros musicales y siempre hay un poco de ello en nuestras canciones, de manera más o menos depurada. Últimamente estamos escuchando mucho a artistas y bandas como las Fin del Mundo, Ed Maverick o Rata Negra mientras revisitamos temas de bandas como Mercromina o Modest Mouse.

En el último single que habéis publicado, la versión del “Maldito” de la Jessy Bulbo, notamos un cambio del noise-pop melódico al que nos teníais acostumbrados hacia un enérgico punk-rock. ¿Vais a seguir explorando en esa dirección estilística?

El punk es algo que siempre está presente en nuestros temas con mayor o menor intensidad, desde la misma filosofía del DIY de la que tanto se habla como eufemismo de la falta de medios hasta pequeños riffs o referencias en lo instrumental en ocasiones muy sutiles.

Vuestro nombre resulta de entrada inquietante aunque luego vemos que vuestros ritmos no son tan fieros como podría transmitir. ¿Jugáis un poco al despiste? ¿Cómo surgió el llamarse Cuchillas?

Más que jugar al despiste nos gusta llenarlo todo de referencias muy personales que no siempre tienen que entenderse al 100%. Por ejemplo, títulos como "Buenas Tardes Salud!" o "Pasión de Sábado" tienen su origen en programas de la televisión argentina. Al final lo más bonito de expresarte en el ámbito artístico es que tus propias referencias y la lectura que hace el oyente se fusionen para que la obra cambie constantemente y adquiera nuevos significados.

Nos encanta el arte de vuestros trabajos a cargo de Mapi Pérez. ¿Cómo vino esta colaboración y la orientación hacia el western de todos los lanzamientos relacionados con el EP “Pasión de Sábado”?

Mapi (@mapifys) es una muy buena amiga de la banda a la que admiramos un montón. Ella ya había participado en este tipo de proyectos artísticos con anterioridad e incluso ganó un merecidísimo MIN por su trabajo para el "Tú Siempre Ganas" de Hazte Lapón. En cuanto a la estética western, todo surgió a raíz de "Colorado", el primer tema que compusimos para este segundo EP. Quisimos expresar muchas cosas con el arte de este lanzamiento y fue un placer poder contar con Mapi, quien lo entendió de maravilla desde el inicio del proyecto. Como siempre, la lectura final del mensaje queda en manos del oyente.

En una época en la que está tan de moda las colaboraciones con otros artistas ¿con qué banda o solista os gustaría compartir alguna de vuestras canciones.

Respetamos cualquier postura al respecto del tema, aunque como banda nos sentiríamos más cómodos a la hora de hacer una colaboración con artistas o bandas a las que admiramos y/o con las que compartamos un punto de vista en lo ideológico, que trasciende a muchos niveles en la industria musical. De por sí nuestro estilo no es lo que mayoritariamente prima en este submundo de las colaboraciones, por lo que preferiríamos colaborar con alguien desde esa admiración artística y personal antes que forzar una colaboración para darle el gusto al algoritmo.

Después de 2 EP’s en el mercado ¿habéis adoptado este formato como estrategia de lanzamiento o pensáis publicar algun LP en un futuro? ¿Cuales son vuestros planes a medio plazo?

Somos muy fans del formato del EP, aunque estamos trabajando en tantos temas nuevos que quizás optemos por editar un LP en nuestro próximo lanzamiento. Por el momento nos encontramos a mitad de camino entre la fase compositiva y la depuración final de, como decimos, un buen puñado de temas. Podríamos decir que será un problema que tendrán que resolver los Cuchillas del futuro.

Muchas gracias, CUCHILLAS.

Disfruta con la escucha de su nuevo EP Pasión de Sábado >

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martes, 29 de junio de 2021

CUCHILLAS - "Pasión de Sábado" EP (Intromúsica, 2021)

Cuchillas son Sara Cortés (voz y guitarra), Emiliano Montani Emont (guitarra solista y sintes), Jorge Martínez (bajo) y Rafael Charry (batería). Cuatro amigos procedentes de Zaragoza con raíces españolas, argentinas y colombianas. Un popurri multicultural que confluye en una maquina bien engrasada rebosante de distorsión noise pop, con gran apego a las melodías y fuerte regusto noventero. Aunque formados en 2019 como banda sus miembros no son unos pipiolos en esto de la música, todos han tenido sobradas experiencias, algunos con vinculación actual con otros proyectos o incluso alternándolo con carreras en solitario.

Pasión de Sábado (Intromúsica 2021) es su segundo EP, un trabajo que abre las puestas con "La Habitación". Un bajo demoledor, que será muy protagonista durante su metraje, junto a unas guitarras afiladas en un canto a la superación de las relaciones o costumbres tóxicas. El cambio de ritmo en su estribillo, desdoblado a través de un solo de guitarra y así hasta el final, culminando un espléndido corte.

Chocan frontalmente los ritmos dulzones de la estrofa de "Unidad de Víctimas Especiales" con su abatida lírica, la sedosa voz de Sara también contribuye a generar tal dicotomía. Eso sí, hacia el minuto y veinticinco segundos del tema CUCHILLAS sacan su lado gamberro a pasear. Un corte tan lleno de contrastes como efectivo en el resultado.

"Colorado" es el himno del conjunto, a medio camino entre la nostalgia y el hedonismo con gran poso sentimental de por medio. Muy Weezer, es la típica canción que parece que hayas oído cien veces y aún así la disfrutas igual que en la primera. La letra, incontestable: <<En esta fiesta donde todos van al baño, brindaremos por la fuerza que nos damos. Las veces que nos odiamos en verano, no importan ahora que follamos todo el rato.>>

"Vos y yo" es la que contiene más esencia punk del trabajo. Efímera, con su minuto y cuarenta segundos de rasgueos guitarreros, riffs de bajo y animosa batería.   

Finiquita Pasión de Sábado en su edición digital con "El Mundo de Jorge" (videoclip insertado cerrando la página). Precisamente es eso, la exposición del universo de Jorge Martínez, el bajista de CUCHILLAS. Un medio tiempo que surfea entre lo azucarado y lo inquietante.

lunes, 14 de junio de 2021

Joan Colomo - "Disc Trist" (BCore Disc, 2021)

JOAN COLOMO ya tiene séptimo álbum publicado con Disc Trist (BCore Disc, 2021). Su título lo dice todo, bueno, o no tanto. ¿Cómo es posible que un trabajo que se autodenomina de entrada "triste" puede dejarnos una media sonrisa de satisfacción rehabilitadora tras su escucha? Joan sigue con ese humor negro marca de la casa, una irreverencia rozando en ocasiones el surrealismo y evidente habilidad para vestirlo con certeras melodías. Este último aspecto alcanza la cima en su carrera con Disc Trist, un prólogo más diez canciones rebosantes de una exquisitez pop inusitada.

JOAN COLOMO nos muestra la realidad del mundo que nos ha tocado vivir con toda su crudeza, sin paños calientes, pero a la vez su agudeza e ingenio provoca que encontremos suficientes argumentos como para agarrarnos a la esperanza, o al menos sobrellevarlo dignamente. 

"Proleg" abre el álbum de manera lánguida, con un trio vaporoso formado por sintes, voz y coros. Sedosamente nos da paso a "Cançó animada" (videoclip a pie de página), samplers de sus hijas cantando incluidos. Con ella nos viene la presentación del contenido del álbum: <<Volia escriure una cançó animada / que transmetés una visió optimista / Però en comptes de tot això, aprofito aquesta ocasió per dir-vos de manera insistent: que tot va una mica malament / Volia aprofitar aquest incís per donar un missatge clar i concís: potser el futur serà millor, però a curt termini sembla que no.>> 


En este trabajo estilísticamente nos encontramos ante un p
op globalmente de sintetizadores y con fuerte carga melódica, como demuestra claramente "En un món paral.lel". Tambien esa ironía que lleva de serie Joan con versos como: <<El món que ens ha tocat viure està molt bé, és com un viatge d'LSD. Una distòpia en temps real, una anada d’olla d’un fals documental. És molt engrescador sentir els analistes al teu televisor. I jo només vull marxar si és que puc parar de vomitar.>> (El mundo que nos ha tocado vivir está muy bien, es como un viaje de LSD. Una distopía en tiempo real, una ida de olla de un falso documental. Es muy estimulante sentir los analistas a tu televisor. Y yo sólo quiero marchar si es que puedo parar de vomitar). Tras la segunda aparición de su etéreo estribillo, hacia el ecuador del tema, aparece un puente bien revelador del desbordante talento compositivo de JOAN COLOMO y de la cuidada producción de este trabajo. 

Una pandilla de Oompa Loompas parece haberse colado en el disco con "Salvem el planeta!". La autodestrucción de la humanidad resulta menos traumática con estos ritmos trepidantes y aureola a videojuego 8 bits. No puedo dejar de compartir un pellizco de su delirante lírica: <<Salvem l’arròs negre i el mar. Salvem les festes de saló. Salvem tots els balls regionals. Salvem la crema de contenidors.>> ( Salvemos el arroz negro y el mar. Salvemos las fiestas de salón. Salvemos todos los bailes regionales. Salvemos la quema de contenedores).

La sugestiva "Himne de la melangia" ahonda en el apocalipsis pero esta vez a modo de morfina de efectos instantáneos. Su dulce desarrollo resulta balsámico, con efectos consoladores, también en su alegato final: <<Dubtes i no trobes cap resposta, quin és el sentit d’aquesta vida quan tot l’aire que respires és extremadament efímer. Mai no perdis l’esperança, malgrat aquesta malastrugança. Per sentir una mica d’alegria canta l’himne de la melangia.>> (Dudas y no encuentras ninguna respuesta, cuál es el sentido de esta vida cuando todo el aire que respiras es extremadamente efímero. Nunca pierdas la esperanza, a pesar de esta mala suerte. Para sentir un poco de alegría canta el himno de la melancolía).


Hay dos cortes en el trabajo en los que JOAN COLOMO habla en primera persona mostrando sin tapujos sus imperfecciones y fobias, son respectivamente "Currículum" y "Cançó de la por". En la primera, la más breve sin contar el prólogo, confesándose un desastre absoluto. Un loser que, a pesar de ello, es capaz de dejarnos la boca abierta con su brutal clarividencia, como con ese cambio hacia el minuto y veinte segundos, pura magia. En la segunda, con esos sugerentes coros a modo de eco o reafirmación de sus sentencias y unos gruesos sintes que se van intercalando con otros más livianos, adornando una cadenciosa base electrónica que convierte al corte incluso en bailable.

lunes, 7 de junio de 2021

Maren - “Margaritas y Lavanda” (Hook Ediciones Musicales, 2021)

Dieciocho años de edad, pero es que a los 14 ya lanzó su primer EP, Alguien sin vergüenza (La Produktiva Records), presentándolo en salas estatales y conciertos por Euskadi. En 2019 abrió la gira del americano Tyler Ramsey en sus conciertos de Barcelona, Madrid, Zaragoza y Valencia, participando también en el festival Wave Rave junto a artistas como Crystal Fighters, Belako o Hinds. MAREN vive deprisa y debuta en 2021 en formato largo con “Margaritas y Lavanda” (Hook Ediciones Musicales).

La vizcaína utiliza su alter ego Margarette para contar sus vicisitudes y plasmarlos en un álbum que es todo él una delicatessen pop.

"Margarette, todos lloran por ti" abre el trabajo a dúo con Anni B Sweet y exquisita instrumentación abrazando unas voces que empastan a la perfección, incluso diría que se funden por momentos. Hay un desborde de elegancia y frescura, tanto sonora como lírica, lo que será una constante durante la media hora de duración del álbum.

"Cualquier cosa que diga yo" contiene un sugestivo contraste entre estrofa y puente. En primer lugar con cierta neblina flotando en el ambiente respecto a un estribillo donde parece que definitivamente salga el sol. "Debería ser normal" (videoclip insertado a pie de página) con unos cautivadores riffs de cuerdas omnipresentes junto a unos percutores y gruesos sintes de base, sumando flashes funky de la guitarra culminando el estribillo, enmarcando otro corte espléndido.

Foto de Beatriz Berzosa

"Fotosíntesis" fue el primer avance del álbum, una perla dream pop con esos encantadores punteos de guitarra acústica, un bajo pulsómetro, guitarra eléctrica que se hace visible en el estribillo y que se quita la careta definitivamente durante la sorprendente explosión psicodélica del minuto 2:50", prodigiosa.

No había hecho hincapié aún en un detallito de nada, una minucia, nótese la ironía. Me refiero a la maravillosa y personal voz de Maren, con esa especie de reverb natural que le viene de serie, incrementando el abanico de matices a la hora de verter su canto. Como se hace bien apreciable en la delicada "Un sitio que tenga sol". Las notas más bajas se muestran extremadamente bellas, las demás sólo hermosas 😉.

lunes, 31 de mayo de 2021

Escuelas Pías - "Plantas Venenosas" EP (El Genio Equivocado 2021)

Escuelas Pías siguen presentando sus novedades por entregas trimestrales, en su caso en forma de EP, hasta completar todo el material que verá su culminación en un nuevo álbum. Tras la publicación de Plantas de exterior en noviembre de 2020 y Plantas carnívoras en febrero de 2021, llega ahora Plantas venenosas (El Genio Equivocado, 2021), con otros cuatro pelotazos pop manufacturados por Cristian Bohórquez (sintetizadores, guitarra, bajo y programaciones) y Davis Rodríguez (voz, sintes y programaciones).

Arranca el trabajo con la encantadora "Pasatiempos" (videoclip insertado a pie de página), lo tiene todo: sintes deslumbrantes, bajo cadencioso, riffs guitarreros y precisa caja de ritmos con ese espléndido redoble culminando el estribillo. La lírica, otro aspecto fundamental  de los sevillanos, va dando bandazos de lo kitsch a lo poético, sin despeinarse o simplemente siendo caras de una misma moneda: <<Carlos huele gato cuando está enfadado, mejor no decirle nada, un día de estos de le pasa /  Si solo soy un grito al viento que al menos sea legendario. Yo me perderé en el tiempo, dando vueltas a tu lado.>>

Foto de Amaya Granell

Las resplandecientes guitarras vuelven a tener protagonismo en la nostálgica "Exvotos", enmarcando la estrofa y escoltando el estribillo, de paso recuperando las reminiscencias a Suede que ya mostraron en algún que otro momento del anterior EP. Sus últimos treinta segundos, sólo con la percusión y la voz de Davis, son la guinda para otra golosina sonora del dúo.

Unos gruesos sintes nos abren la puerta a "Eclipse" para que enseguida otros más ensoñadores nos den la vez en la estrofa. No sé si consiguen rebajar la amargura que desprende su lírica, pero lo que si que es seguro es que nos hacen pasar cuatro minutos maravillosos: <<Porque tú eres el planeta que me hace oscurecer y hoy se alinearán los astros para no volverte a ver.>>

La melancólica e ingrávida "Miss del 69" pone el punto y final a Plantas Venenosas. Una sutil base tropical parece querer animar a los protagonistas de la historia a bailar un lento, para ver si así se atenuaba su pena y quien sabe. Ya se dice, que el roce hace el cariño.

lunes, 24 de mayo de 2021

Zoé - "Sonidos de Karmática Resonancia" (Universal Music, 2021)

Hablar de Zoé es hacerlo de una de las bandas latinoamericanas más grandes de todos los tiempos. En activo desde 1997, con cuatro premios Grammy, millones de discos vendidos y unas cuantas giras mundiales en su haber, los mexicanos ya tienen séptimo álbum de estudio, Sonidos de Karmática Resonancia (Universal Music, 2021).

León Larregui (voz y compositor), Sergio Acosta (guitarra), Jesús Báez (teclados), Ángel Mosqueda (bajo) y Rodrigo Guardiola (batería) son los componentes del grupo. Larregi y Acosta están residiendo actualmente en Barcelona, su centro de operaciones desde donde propagar al mundo este portentoso álbum. Para la ocasión han cambiado a su productor de cabecera Phil Vinall por Craig Silvey (Arcade Fire, The National y Arctic Monkeys). Se veía venir que con tantas variaciones de por medio Sonidos de Karmática Resonancia no podía ser un trabajo convencional en la carrera de los mexicanos .

Van a por los 25 años de trayectoria por lo que de madurez y experiencia van sobrados, todo y con ello estamos ante el disco más equilibrado, más rebosante de pegada en el haber del grupo. Voy a tirarme a la piscina, seguramente se trate de uno los álbumes en castellano más estimulantes de lo que llevamos de siglo XXI.

"Popular" (videoclip insertado a pie de página) es la pieza con la que arranca el trabajo, una golosina de medio tiempo pop plagada de sintes ochenteros, acentuados en el puente instrumental entre el desdoble del estribillo. La guitarra y el bajo al servicio de los teclados, sutiles pero a la vez determinantes, coronando un inicio incontestable. Su lírica nos confirma que la música siempre está ahí cuando se la necesita.

El synth-pop de quilates de "Karmadame" demuestra que estamos ante un álbum que también se puede bailar aunque sea con lágrimas en los ojos. Adictiva, sombría, con un puntillo funky para aumentar su halo irresistible. El falsete de Larregui pone el resto. Sus segundos finales son de aquellos detalles de sofisticación que confirman que estamos ante un trabajo inmenso.

Un fuerte aroma a The Cure, una de las influencias confesas de la banda, entra en escena en la intro de la estrofa de "Velur" con ese bajo a lo Simon Gallup como gran protagonista durante todo su metraje. Secundado por un preciso riff de guitarra, batería pulsómetro, sintes ingrávidos... en definitiva, Zoé como banda al completo al servicio de tus sentidos. 

Unos teclados muy blues abren la puerta a "El Duelo" y esa esencia rítmica perdurará, incluso se incrementará con la aparición de ese solo de guitarra hacia el minuto 1:40". Un final con sintes psicodélicos le colocarán la guinda. Le sigue la sentimental "SKR", con un marcado contraste entre su estrofa neo-psicodélica a lo Tame Impala y el estribillo ultra melódico, encuadrando un corte tan progresivo como adictivo. El último minuto y medio es un festival espacial.

jueves, 13 de mayo de 2021

Twin (EP Hidden Track Records, 2021)

Ana López alias Twin, en su EP debut en solitario que acaba de publicar con el sello barcelonés Hidden Track Records, canjea el elegante pop electrónico de su banda Her Little Donkey por una electrónica, también selecta, acopio de destellos trip-hop, R&B y downtempo.

El primer trabajo de la artista arranca con "Benasque" (videoclip insertado al final del artículo), un corte con caja de ritmos como base pulsómetro, loops centelleantes y programaciones embriagadoras. Una maquinaria bien engrasada al servicio de la dulce voz de Ana y una inquietante lírica, completando una carta de presentación incontestable.

"Escapar" y ese embrujo añadido por el trabajo de voces autotuneadas mutando en nuevo instrumento a sumarse a este absoluto festín para los sentidos. El desamor está muy presente en el trabajo de Twin y en el presente corte su estribillo no lo puede mostrar más evidente: <<No pretendía que pensara que esto era el final. Cada segundo lo ocultaba, ya no quieres jugar, no hay que disimular.>>

Foto de Carles Rodrigo

Los vaporosos sintes junto a ese tan cadencioso como sugestivo groove enmarcan a "Cristal", a modo de bondadosas sílfides intentando rescatarte de una relación a todas luces tóxica.

Llega el final del trabajo con "Instinto", la más lánguida rítmicamente del conjunto aunque para lo cual no se hayan tenido que rebajar demasiado los bpm, durante todo el EP el ambiente reinante es de naturaleza sosegada. Un tema tan hipnótico como arrebatador; con ese riff de afligidas notas al piano como intro y que seguirá intermitentemente durante su metraje; las vocecillas autotuneadas ahora incluso a modo de coro; una base cavernosa y el tramo final con resplandecientes sintes que parecen rebelarse ante tanta melancolía reinante.

lunes, 10 de mayo de 2021

Calavera - "Espejismos" (Lago Cráter / TBC Produccions, 2021)

Tras siete años de vida como banda, Calavera, el ahora proyecto personal del maño Álex Ortega, se enfrenta a su segundo trabajo en formato largo con Espejismos (Lago Cráter / TBC Produccions, 2021). El resultado han sido ocho canciones redondas, rebosantes de elegancia y exquisitez pop, sobradamente preparadas para inyectarte placidez y bienestar durante su algo más de media hora de duración. 

"Sayonara" (videoclip insertado a pie de página) abre el melón con un desamor a ritmo de dulces guitarras, bajo pulsómetro, sintes evocadores... y paro porque voy sin freno. Pero es que Calavera da para mucho, con Álex cada detalle cuenta y lo demuestra marcando terreno desde el minuto 0 con un corte espléndido. Destacar que en la producción ha tenido la compañía de Javi Vicente AKA  Carasueño, lo cual siempre es garantía de alto rendimiento.

Con "Ámbar" se une a la fiesta Eva Amaral, en un tema más oscurillo que la media, aunque se vaya despejando la neblina durante su segunda mitad. Su colaboración se antoja perfecta, primero en esos coros del puente hacia el estribillo y luego ya en el resto de otra canción sobresaliente. Sigue en plena forma la historia de amor entre las guitarras eléctricas y los sintes ochenteros, un romance de los de antes, con ramos de flores y piropos sin fin. 

"En una isla" es un bombón de canción, seguro duraría bien poco bajo el sol abrasador que se manifiesta durante su escucha. Ese poso de melancolía que contiene resulta el contrapunto perfecto a sus deliciosas notas. 

Una batería disonante, sintes siempre centelleantes y convincentes, riffs guitarreros... todo conjurándose en un refinado desarrollo pop. Todo esto y mucho más es "Huyendo", prepárate, te va a encantar.

La maravillosa "No te das cuenta", un vaporoso clamor del que se encuentra en la zona de amigos, padeciendo en silencio sus sentimientos encontrados. Delicado medio tiempo, muy melódico, que se abre con unos sintes centelleantes presentando una estrofa que se desdobla para dar paso al lapidario estribillo, luego un puente en su ecuador para coger carrerilla y encarar su segunda mitad repitiendo el estribillo hasta llegar a otro flirteo sonado entre guitarras y sintes. Encaramos el tramo final con un alto en el camino cogiendo definitiva carrerilla y derivando en unos intensos rasgueos de guitarra a modo de empujón al protagonista de la historia, en pro de un desenlace más favorable.

domingo, 2 de mayo de 2021

Bonitx (El Genio Equivocado, 2021)

Bonitx (léase como "Bonite") debuta discográficamente con álbum homónimo publicado por El Genio Equivocado en este 2021. Edu rubix (Eduardo Rubio Pineda) nos ha zarandeado pero bien con su propuesta synth-pop hecho en el arranque de la segunda década de los 2000, con todo lo de contemporáneo pero a la vez de reminiscencias acumuladas que ello supone. El artista lógicamente también es persona y en este caso, como auto considerada no binaria, aprovecha parar mostrar sus inquietudes diarias al respecto a través de un talento musical deslumbrante.

Centrándonos en lo estrictamente musical destacaría la fusión licuada de la guitarra eléctrica con el resto de instrumentación más "sintética" y el exquisito empleo del autotune y la caja de ritmos. Al final todo es uno, conjurándose junto a la voz de Bonitx para sugestionar y embelesar al respetable.

La sedosa "Habitación" arranca el trabajo a modo de intro evocadora que te vaya preparando pausadamente para lo que está a punto de llegar. Como primera muestra nos sobreviene "Algo que cambie", la que fuera carta de presentación en forma de primer single. Con un riff de luminosos sintes omnipresente junto a una gruesa base, a modo de latido rebelde, como queriendo potenciar el mensaje de reivindicación identitaria que contiene.

¿Bailas? Con "Punk" podrás hacerlo y no sólo con este corte, Bonitx provocará tu contorneo sin que te des ni cuenta. En el estribillo pregunta insistentemente <<Qué queréis? ¿Qué queréis de mí?>>. Pues así, a bote pronto, seguir escuchándote ya sería una petición segura.

Foto de Blanca Arias

Lo que apuntábamos al inicio de estas líneas sobre el tratamiento de la guitarra eléctrica mimetizada con el entorno queda bien de manifiesto en la amorosa "Bruja". Una gominola pop o prácticamente dream-pop si no fuera por su cadencioso beat.

"Femme" contiene un poso funk que la convierte en uno de los temas más armoniosos del conjunto demostrando que se puede defender la diversidad de género, o directamente su ausencia, mientras mueves tus caderas.

La sensual y sugerente "Chica" nos llena de amor, con marcado sabor de los 80 en sus notas, es una constante durante todo el trabajo, esta vez junto a un regusto hip-hopero pululando por ahí. Necesitábamos una pausa para digerir todo lo que estamos experimentando y Bonitx atiende a nuestras necesidades con "10", una escueta pero no por ello menos embriagadora pieza instrumental.

Llega el gran hit del disco con la adictiva "Sin ti" (videoclip insertado a pie de página), candidata inmediata a codearse con los temazos de 2021. Agridulce himno pop con sintes y loops retros, un bajo muy protagonista y rasgueos guitarreros funky. Todo aderezado con un plus de reverb completando un corte que hay que oírlx para creerlx 😉.

domingo, 25 de abril de 2021

Junco y Mimbre - "Or a la Llera" (EP Hidden Track Records 2021)

El nuevo trabajo de Junco y Mimbre nos pilla aún digiriendo su espectacular álbum debut homónimo publicado en octubre del pasado año, uno de los trabajos destacados que nos regaló 2020.

Unos arpegios guitarreros nos dan la bienvenida a Or a la Llera (Hidden Track Records 2021), un EP que arranca con el tema que le da título bajo el influjo de una guitarra que sigue delicada durante todo su metraje, junto a una batería que más que repiquetear, acaricia. Empiece dulzón pese a una lírica entre inquietante y bucólica. Los segundos finales se rebelan más intrépidos, como queriendo que la transición en el tempo con el siguiente corte sea lo más certera posible.

Nos sobreviene un jangle-pop azucarado; con el bajo que pasa a un primer plano, una marcial batería, tendiente a fibrosa aunque sin pasar del trote, y unas guitarras más juguetonas que en el resto del trabajo. Situamos a “Equilibri” como el corte más vitalista y dinámico del conjunto.

Foto de María Codina

Seguimos en terrenos evocadores con el encantador medio tiempo dream-pop “Apnea” y una letra tan profunda como el fondo marino dónde poder practicar dicha disciplina: <<…una apnea ens farà dubtar del demà, una idea ens ofegarà i matarà. I tots els dies els passaràs volant, i ja no hi haurà lloc on nedar…>> Hacia su ecuador se produce una embelesante pausa en forma de diálogo entre guitarra y bajo, con un poso electrónico como testigo privilegiado. 

“Imatge Inversa” nos muestra dos aspectos a tener muy en cuenta en el trabajo de Junco y Mimbre; la exquisitez de los arreglos, la producción a cargo de Núria Graham y Jordi Casadesús seguro que tienen mucho que ver; y la lírica, a cargo de su frontman María Espinosa. En el primer caso cogiendo como ejemplo su inicio, con ese cortejo entre guitarra acústica y eléctrica abriéndonos la puerta al corte. En el segundo caso para muestra su estrofa final, con la que se despide este estupendo EP: <<Quin mal invent, venir-te a perseguir. Quin mal invent, passar per una lent. Quin mal invent, que inútil no existir.>>

Disfruta del Or a la Llera de Junco y Mimbre>

Completa la experiencia sonora haciéndote con un ejemplar físico del trabajo en formato vinilo 7" aquí

Sigue a Junco y Mimbre en la red>

   

domingo, 18 de abril de 2021

Axolotes Mexicanos - :3 (dos puntos, tres) -Elefant Records 2021-

:3 (dos puntos, tres) -Elefant Records 2021- es el tercer álbum en formato largo del supergrupo Axolotes MexicanosOlaya Pedrayes (voz y teclados), Juan Pedrayes (batería), Lucas de la Iglesia (guitarra), Mario del Valle (guitarra) Stephen J. Lyne (bajo), miembros a la vez de formaciones como CAROLINA DURANTE, CONFETI DE ODIO, TEMERARIO MARIO, STEPHEN PLEASE y NO FUCKS, nos extasían con su cóctel de autor repleto de gominola twee pop, fogonazos punk y barniz j-pop.

Siempre tenemos que buscar el lado positivo de las cosas, aunque a veces cueste y mucho. Uno de los efectos colaterales de la pandemia que podemos clasificar como provechosos ha sido que, pese a pararse en seco los conciertos o quizás por ello, las bandas en muchos casos han podido concentrarse al 100% en el proceso creativo. Este es el caso de Axolotes Mexicanos que durante el confinamiento pudieron, a través de los hermanos Pedrayes junto a Stephen, poder ir confeccionando las trece canciones que componen :3 (dos puntos, tres).

"Opening" nos abre las puertas a esta especie de salón recreativo sonoro que resulta el nuevo trabajo del quinteto. Esta vez con regusto a videojuegos 8 bits 80's y espíritu de banda de High School americana. Su lírica es bien explícita y muestra ya de entrada un sentimiento de rechazo fraternal que será bastante recurrente durante todo el metraje: <<La chapa que me das Cuando empiezas a hablar no la puedo soportar, me voy a mi casa, me tomo un Orfidal y pienso en mil maneras para poderte evitar...>>

"Cara de idiota" muestra el lado más dulzón de Axolotes. El amor es lo que tiene y más aún si se envuelve en un pop aterciopelado como el que nos ocupa. Llega "Vergüenza" y nos relajamos con la tranquilidad que nos da una relación cuando se despoja de su vertiente sentimental, todo acicalado con encantadores notas j-pop.

La nostálgica y adictiva noise-pop "Verano en espiral", con su videoclip cerrando la página, nos conduce de manera encantadora a la inapelable "Que te pires". Un puñetazo en la boca, asomando la cabeza la cresta punk de la banda. Cóctel embriagador de guitarras metaleras, bajo percutor, batería desbocada, sintes dementes y una letra que es vehemencia pura y dura.

Nos tomamos un respiro en el remanso de paz que es "Cuando_estoy_contigo.mp3". Cuqui como ella sola, la más breve del conjunto con diferencia con su minuto y cuarenta segundos de pop en letras mayúsculas.

"Oshare Kei" transpira las reminiscencias de la subcultura musical japonesa más reciente que tanto agrada al quinteto. Nos pasa por encima el arrebatador medio tiempo "No sé si llamarte". Desgarradora pese a unos sintes que parecen querer aliviar con sus notas dicharacheras tanta amargura reinante.

Con la bipolar "Te quiero (...)" vuelve a escena el pop azucarado aunque sin abandonar el poso punk tan marca de la casa, como exhiben en el estribillo. "Gotelé" es la primera balada del álbum, melancolía al cuadrado, acústica en su primera mitad para luego entrar sintes y sección rítmica como queriendo ayudarte entre todos a asumir de que: <<...esos días ya no volverán.>>

"Quiero que vengas" es esa ventana abierta que hace que te de todo el solano en la cara al despertar tras una noche de borrachera. Eso sí, su cadencioso ritmo y exquisita producción actúa a modo del mejor Ibuprofeno posible.

"De aquí a un año" es la gran balada del disco. Tan preciosa como agridulce, con unos arreglos gourmet acentuando, aún más si cabe, su poderío emocional. Al estribillo hay que darle de comer aparte, maravillosa.

lunes, 12 de abril de 2021

THE NEW RAEMON, DAVID CORDERO y MARC CLOS - A los Que Nazcan Más Tarde (BMG Spain 2021)

La prolífica carrera de Ramón Rodríguez alias THE NEW RAEMON tras Madee ha ido marcada en parte por continuas colaboraciones, tanto dentro de su propio trabajo como alternándose con proyectos comunitarios. En el segundo caso buenos ejemplos serían El Problema De Los Tres Cuerpos (Cydonia/Playas De Normandía 2011) álbum junto a Francisco Nixon & Ricardo Vicente; Convergència i Unió (BCore 2013) con María Rodés y Martí Sales; y Lluvia y Truenos (Subterfuge, 2016) escrito a cuatro manos con Ricardo Lezón, líder de McEnroe. Este modus operandi ha generado A los Que Nazcan Más Tarde (BMG Spain 2021), compuesto junto al genio del ambient estatal con gran presencia internacional DAVID CORDERO y el multiinstrumentista y productor MARC CLOS.

Los tres artistas se conocían de años, habían intercalado colaboraciones cruzadas e incluso habían coincidido juntos durante las sesiones de grabación del mencionado Lluvia y truenos (2016). Era cuestión de tiempo que confluyeran en un trabajo conjunto.

Llegó la pandemia, con ella el confinamiento y enseguida se puso en marcha la maquinaria. El contexto era distópico, angustioso, buen caldo de cultivo para posibles composiciones arrebatadoras. Para que el proyecto no sonara a ninguno de los tres componentes en especial, sino que imperará la homogeneidad, se impusieron el salir de su zona de confort; Ramón aparcando las guitarras y cogiendo el piano, Marc abrazando la electrónica y David dejándola a un lado para trabajar con instrumentos de índole más acústico.

Cada uno aportando desde sus respectivas casas/estudio, intercambiando archivos sonoros y con ellos ideas, notas, texturas... Así, durante tres semanas intensas de fluidez compositiva y compenetración al cuadrado, se fue forjando el trabajo.

A los Que Nazcan Más Tarde despierta con el romanticismo de "La Peor Parte" y ese loop de notas al aire del piano junto a unas balsámicas cuerdas y la voz de Ramón enmarcando ese <<...quiero morir sin tu perdón>> que se apalanca en tu memoria, a modo de monumento a la adoración y la ternura.

<<Hubo un tiempo en que fui un saco de boxeo, hubo un tiempo en que no quise amar. Contigo todo se detiene, despierto y me hago más grande. Te amo de la cabeza a los pies. Algunos quieren destruirnos, son bloques de cemento. Bailaremos a cámara lenta para escapar de los lobos>> Ante esta lírica qué difícil es poder aportar algo que resultará seguro prosaico ante tal belleza. Esa belleza complementada a la perfección con el sonido que envuelve "Cámara Lenta", el segundo de los cortes del álbum y uno de los momentos más experimentales y a la vez más sugestivos del conjunto. La intervención del violonchelo de Antonio Fernández Escobar resulta la guinda de este suculento pastel sonoro.

"Plata Verdadera" y su lapidaria frase <<.. eres plata, verdadera plata...>> como bandera de una oda que enarbola un tema electrónico minimalista hasta catapultarlo hacia lo más profundo de tus sentidos.

Cogemos aire con "Desnudo Frente a la Máquina de Escribir", al menos en lo que se refiere a su sonoridad ya que su mensaje transmite más incertidumbre que otra cosa. Es un espejismo porque con "Corre, Caballo Viejo" recuperamos enseguida niveles de emotividad desde la sencillez, rara vez logrados en los últimos tiempos dentro del panorama musical estatal, quitando precisamente algún que otro trabajo que lleva la firma de los culpables de lo que estamos escuchando. El camino de la vida, con tropiezos, aciertos, dudas, decisiones... Todo suma y hace bagaje, pero hay que seguir, no queda otra y lo que nos queda.

"Una Infancia" saca a la luz una de las diversas influencias que han ayudado a la gestación de A los Que Nazcan Más Tarde. Nos referimos a los THE CURE más turbadores y reflexivos, con un bajo que parece tocado por el mismísimo Simon Gallup. Para completar el halo de reminiscencias del disco nada mejor que pasarse por la playlist que David Cordero ha querido confeccionar a tal efecto.

Con las delicadas notas de "Todos Quieren un Final Tranquilo" entramos en bucle con ese etéreo arpegio de guitarra por lo bajini, que nos conduce, junto a un acompañamiento instrumental sutilmente embriagador, a su desenlace en forma de dolorosa invitación: <<...llóralas las cosas, llóralas>>

"No Haces de Mí lo que No Soy" es la excepción que confirma la regla o lo que viene a ser el corte más inmediato del trabajo y además uno de los de mensaje más esperanzador u optimista. Ese solemne piano presentando una base y evolución cercana a un elegante house con sabor étnico. Además puedes incluso bailarla. 

<<Lo peor pasó.>>, así queremos pensar, como se cierra "Orión Brillando a lo Alto". Un conmovedor homenaje ambient electrónico a la fe en la humanidad, porque aunque <<...sufrir es horrible...>>, siempre se atenúa abrazando la bondad y la honradez.

lunes, 5 de abril de 2021

SAÏM - "Fràgil" (BCore Disc 2021)

Joan Roig (guitarra, voz) junto a los hermanos Natalia (bajista) y Daniel Gómez (batería) forman SAÏM y ya tienen segundo álbum con Fràgil (BCore Disc 2021). 

Los mallorquines siguen con la energía propia de una banda en esencia punk-rock pero en esta ocasión potenciando su vertiente más melódica, acercándolos a sonoridades emo-rock y grunge norteamericano de principios de los 90's.

El título del álbum resulta bien explícito, SAÏM muestran sin tapujos sus preocupaciones, debilidades y melodramas, intentando salir del agujero lo más enteros posible. Todo aliñado por los fogonazos de una poderosa base rítmica avivando, aún más si cabe, su fuego guitarrero.

El convincente arranque "Contratemps" pone de inicio toda la carne en el asador. Power-pop en su estrofa, enrabietándose en su estribillo y una espléndida culminación armoniosa que se desdobla en un tramo final arrebatador.

Un bajo percutor saca sus bíceps a relucir en la melancólica "Intempèrie", un corte tan trepidante como redondo. La desbocada batería y la incisiva guitarra completan un equipo que se sabe ganador.

Foto de Albert Capó

"Autumne" es el que fuera primer single del álbum con videoclip que dejamos insertado a pie de página. Su lírica puede encerrar la esencia temática de Fràgil con versos como: <<Urgències, absències, no aprens mai a dir que no. Distàncies, fragàncies, seguiràs sumant errors. Cant victòria, me derrotes. No és com abans: desitjos perennes. Indemnes. Tothom se mor.>>

"Desordre" es puro nervio, con un trio que se muestra perfectamente engrasado y una guitarra que literalmente se sale con esos embriagadores cambios de ritmo hasta descubrir la soledad en sus segundos finales. ¡Enormes, SAÏM!

"Febrer" empieza como acaba el anterior corte, con la guitarra en solitario, pero enseguida se unen a la comitiva sus dos incansables compañeros de fatigas, bajo y batería. Un canto de desesperación y angustia que coge carrerilla en el puente para explotar en su estribillo.

Ritmos jangle-pop hacen su aparición durante la estrofa de "La mar gran", placentera al oído aunque su lírica siga siendo del modo apesadumbrado. Con "Tristesa" parece que hayamos tocado fondo en la vida y solo nos quede remontar. Y vaya si lo hacemos, con ese brillante cambio de la segunda aparición del estribillo por una enorme culminación instrumental. En un tema que hace honor a su letra cuando reza: <<Tristesa, m’alegra disfrutar-la. Tristesa, valdrà la pena sentir-la un pic i un altre.>>

Foto de Josep Castejón

Vuelve un cadencioso power-pop con "Segona persona" y con ella un empujón para salir de tu zona de confort, para arriesgar a no ser que quieras sucumbir ante lo frustrante de no haberlo intentado.

lunes, 22 de marzo de 2021

VALENTINA & THE ELECTRIC POST - "The Line" (Hidden Track Records 2021)

VALENTINA & THE ELECTRIC POST, oseasé  Valentina Risi  (voz, guitarra, piano y sintes) y Ildefons Alonso (percusión y programaciones, también miembro de formaciones como El Petit de Cal Eril) debutaron en 2019 con el EP Before the Universe (Hidden Track Records) y un folk ensoñador aderezado con poso electrónico. En este 2021 nos traen The Line (Hidden Track Records), profundizando en su vertiente más ingrávida y sugestiva trip-hopera.

La evocadora e inquietante "I've got to go" abre un melón que está todo el en su punto. Me encanta el poderoso contraste entre la guitarra acústica y esos gruesos sintes, con la exploradora base a modo de adhesivo para un encaje perfecto. Le sigue la sosegada "Turn", con unos gustosos arpegios de guitarra eléctrica adornando el progresivo desarrollo, culminado su encanto por la voz de terciopelo de Valentina.

A "Psycho(p)omb" (impactante videoclip insertado a pie de página) hay que darle de comer aparte. Turbadora, adictiva, in crescendo en su poder de embrujo, con una aparente estructura convencional estrofa/estribillo que va derivando hacia la psicodelia más abrumadora. Pura maravilla.

Foto de Anna Benet

En "The Decision" aparece "la línea" a la que se hace referencia en el título del álbum y se revela como el contrapunto entre la juventud y la vejez, la alborada y el crepúsculo, el inexorable paso del tiempo. Todo aderezado con una amalgama de incisivos sintes y estimulantes programaciones.

"October" arranca con un riff de arpegio guitarrero para abrazar el chill-wave con unos centelleantes teclados, tanto en los puentes como en el remate del estribillo. Otra perla.