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viernes, 22 de octubre de 2021

MARIA ARNAL I MARCEL BAGÉS - "Clamor" (Fina Estampa, 2021)

El 26 de agosto de 2016 se confirmó el insólito y macabro hallazgo de 45 cerebros y un corazón enterrados durante ocho décadas en una fosa común de la Guerra Civil en Burgos. Así empezó la concepción del aclamado primer álbum de MARIA ARNAL I MARCEL BAGÉS, un ejercicio de memoria, de recuerdo y a la vez de cicatrización. El olvido se convierte en el peor enemigo de la reparación.

En 2021 el dúo vuelve a la carga con un nuevo trabajo conceptual. Si en 45 Cerebros y 1 Corazón (2017) se miraba hacia el pasado, yendo metafóricamente de la superficie hacia las entrañas de la tierra, esta vez con Clamor (Fina Estampa, 2021) sería, siguiendo con la alegoría, desarrollando la idea desde tierra firme hacia el espacio exterior. Y "la idea" consiste en, a partir de la separación sentimental de Maria como resorte, perseguir un nuevo amanecer, un nuevo mundo, resurgir de las cenizas, buscar la depuración, quizás con nuevo orden natural incluido. Un "clamor" por la salvación del planeta vestido con la característica reinterpretación del fandango que ya nos tiene acostumbrados Maria, más numerosos referentes galácticos y literarios en lo lírico, Marcel esta vez además inyectando texturas electrónicas a mansalva, experimentación a raudales y mucho tejido colaborativo: David Soler como productor y tercera pata de la banda, Jose Luis de Vicente a la dirección artística y las Tarta Relena, Kronos QuartetHolly Herndon Morphosis Ensemble participando activamente en varios pasajes del álbum.

Se empieza a percibir el "clamor" con "Milagro", el corte que estrena, más que un álbum, lo que viene a ser una experiencia sensorial. Cabalgando en una estrofa que es toda ella un in crescendo, sutil pero implacable. Hasta que rondando el segundo minuto se desmelena confirmando un hermoso tapiz de loops electrónicos, percusión y riffs guitarreros. La lírica es una invitación a la resiliencia con hermosos versos como: <<Que mi voz vuelva a mutar, después de tanta cosecha, y convertida en veloz flecha, atraviese esta pared. Y vuelva a mirad con sed qué principio abrió esta brecha. De las amarguras miel, las heridas en la piel se curan. Volver a empezar de nuevo aunque el viento sople de cara. Si hay tempestad habrá calma. Volver a sentir el mmm-mmm.>>


¿Bailamos? Con "Ventura" (videoclip insertado al final de la página) podrás o mejor dicho, deberás hacerlo. A modo de "danza de la lluvia" con la convicción de que el destino está en tus manos. Si crees, puedes: <<En la palma de mi mano tres surcos, son un sendero; el primero, vivir entero; el segundo, morir fiero; el tercero, decir quiero. Atreverse al deseo.>> 

La sensual "Fiera de mí" con su susurrante e irresistible mantra: <<Caminito de perlas muerde muerde muérdeme el cuello.>> Récord de escuchas del álbum en Spotify y con diferencia, prueba de que resulta la más adictiva del conjunto. Es curioso que la canción se sujete sobre una frase abierta a interpretaciones pero que, junto a su susurrante ejecución, podría transmitir incluso carga erótica, a la vez se envuelva con tal carga de paisajes sonoros y poéticos, incluso contestatarios. Estamos ante un disco de MARIA ARNAL I MARCEL BAGÉS, poco más a añadir.

"Meteorit ferit" nos anima al cambio, a una metamorfosis purificadora: <<Busco una ombra d'esperança, vull un canvi de partitura, vull cantar una aliança, vull canviar la llei futura, ara tan tendra i abans tan dura. Perdo la meva armadura i l'abraço tan fort com puc com si fos la teva cintura. (Busco una sombra de esperanza, quiero un cambio de partitura, quiero cantar una alianza, quiero cambiar la ley futura, ahora tan tierna y antes tan dura. Pierdo mi armadura y el abrazo tan fuerte como puedo como si fuera tu cintura).>> Una especie de intro instrumental armada de loops y ecos varios que se van lanzando, presentando su melódica estrofa. Estribillo que se desdobla abocado a un etéreo puente que vuelve a enlazar con el mismo estribillo y un final con cierta simetría con su inicio, conformándose todo en él un corte maravilloso.

El “Cant de la Sibil.la” ("Canto de la Sibila" en castellano) es un drama litúrgico de melodía gregoriana y origen medieval que anuncia el Juicio Final en la Misa de Gallo de las iglesias de Mallorca y en la catedral de Alguer (Cerdeña). Está declarado por la UNESCO "Patrimonio Inmaterial de la Humanidad". La "sibila" es una profetisa del fin del mundo de la mitología clásica que se introdujo y adaptó al cristianismo gracias a la analogía que puede establecerse entre dicha profecía y el concepto bíblico del juicio final. MARIA ARNAL I MARCEL BAGÉS adaptan este canto al siglo XXI de la mano de la artista electrónica estadounidense Holly Herndon y su inteligencia artificial a las voces, junto a las de las humanas y a la vez celestiales, Tarta Relena. Un rebaño de cabras se constituye la base perfecta donde desplegar cuatro minutos que ponen literalmente la piel de gallina.

domingo, 17 de octubre de 2021

LAURA GUARCH - "Krëodylia" (Segell Microscopi, 2021)

"Chreode" es un neologismo acuñado por el biólogo C. H. Waddington para representar el desarrollo o camino seguido por una célula y cómo crece como parte de un órgano. De ahí surgió la palabra inventada Krëodylia, título del debut en formato largo de la ulldeconense (Terres de l'Ebre - Cataluña) LAURA GUARCH. Conceptualmente el disco busca mucho la textura a través de capas sonoras electrónicas vistiendo su armazón pop. Imperando el trabajo de las voces que permiten viajar a través de sus notas, explorando nuestra relación con la naturaleza y el medio ambiente, con una aureola de profunda espiritualidad. El castellano, el catalán y el inglés son las herramientas escogidas con las que plasmar en letra sentimientos y emociones.

Tras pasar seis años viviendo en Londres, involucrada en multitud de proyectos musicales, Laura vuelve a sus orígenes (Ulldecona) para volcar sus experiencias acumuladas en este espléndido álbum.

La a capela "Reconquístate" abre el trabajo pasando del castellano al inglés i viceversa para reivindicar el respeto a si mismo y la autoestima como plataforma desde donde catapultarse en la vida.

"Body in Pain" es un tema que va evolucionando in crescendo, desde la práctica desnudez vocal hasta la llegada a una fiesta de beats y loops con el piano como maestro de ceremonias. Adquiere una cadencia tal que puede resultar incluso bailable en su tramo final. Uno de los temas más inmediatos del conjunto.

Foto de Sílvia Poch

Quizás "Círculo Lunar" (videoclip insertado a pie de página) sea la canción que más claramente muestre el concepto del álbum, con la madre Tierra y el empoderamiento de la figura femenina como grandes protagonistas. Un corte con tres partes bien diferenciadas y evolución simétrica (intro, estrofa y estribillo, para cerrar con vuelta al intro), actuando como capítulos de una misma historia.

La trip-hopera "Post-Truth" tiene un poder de hechizo considerable, tanto que puede incluso hacer que levites durante su clamoroso estribillo. 

Llega "Boira" y te enamoras, tal cual, la preciosa voz de LAURA GUARCH y lánguidas notas al piano, poco más, suficiente para emocionarte con esa caricia hecha canción. Tal como reza su lírica final: <<...Una carícia suau, un bany, un vol, allà on pugui trobar-te, agafar-te de la mà i riure. (una caricia suave, un baño, un vuelo, allí donde pueda encontrarte, cogerte de la mano y reír.)>>

Con "Fleeting Light" nos enfrentamos cara a cara a la aniquilación a la que estamos sometiendo a la flora y fauna del planeta. La progresiva "Nàufrags", recoge hábilmente la metáfora entre la soledad e inquietud de esos mismos "naúfragos" y la propia vivida durante la pandemia. Fueron dos singles lanzados durante el pasado año y que fueron incluidos finalmente en Krëodylia. 

Foto de Sílvia Poch

Entramos en el tridente de temas final del álbum con "A Loving Sound", sobre la inmigración y los conflictos de los que se huye tan desesperado como para escoger la vía de dejarlo todo para sobrevivir. Un corte partido en dos, inicialmente marcial, inquietante, con el <<Stop!>> como punto de partida y cierre. Se nos dirige hacia un estribillo ultra melódico, la otra cara de la misma moneda, como el abrazo que seguro bien necesitan los protagonistas de la historia.

domingo, 3 de octubre de 2021

EVA RYJLEN - "Onírica" (2021)

Onírica (2021) es el segundo álbum de la alcarreña EVA RYJLEN en solitario después de su paso por IDEALIPSTICKS (2008-2017), la banda que compartía con su pareja Jave Ryjlen, a la vez co-productor de su nuevo disco. Eva canjeó el garage-rock anglosajón de su anterior banda por la canción de autor de índole pop-rock y el inglés por el castellano. 

Este disco no hubiera tenido que nacer, es una especie de hijo bastardo que al final resulta más que querido, indispensable. EVA RYJLEN cuenta que en marzo de 2020 estuvo inmersa en una crisis existencial brutal coincidiendo con la eclosión de la pandemia. Prácticamente decidió abandonar la música cuando de manera inesperada empezaron a surgir las ideas, las notas, la inspiración y de ahí poco a poco Onírica.

"Caminar" arranca el trabajo de manera cruda pero determinante, cogiendo el toro de la vida por los cuernos. Su final lírico lo dice todo: <<Caminar, caminando, sin perder el camino con el corazón en las  manos y en los dientes el cuchillo.>> Una mezcla sugestiva entre el folk contestatario de Joan Baez y la agridulce esencia crooner de Christina Rosenvinge. 

Aparece una guitarra a lo "Where' the streets have no name" de los U2 en "Criatura Salvaje", con esa épica contenida transmitiendo energía vital, un ánimo que continua bien marcado en la luminosa "Bailas" (videoclip insertado a pie de página). Unas notas omnipresentes guitarreras a lo lap steel guitar inyectan un poso country importante a un tema en esencia muy pop. Vamos a quedarnos con su estribillo marcado a fuego: <<Hoy siento que todo puede ser, siento que gira el mundo bajo mis pies. Puedo recuperar la fe, aunque sea un momento.>>

La sugerente "Shangri-la", una de mis preferidas, con ese aire retro de primera mitad de los 70's que le dan esas notas al aire del órgano y ese bajo funky abocándolo incluso a un ligero bailoteo. Es imposible no caer rendido a sus pies.

"Quiero" es una balada que transmite nostalgia pero desde la rebeldía de la que no se resigna. Con una segunda mitad donde la guitarra elige que se derive a terrenos Beatles, cerrando primorosamente el círculo de un corte cautivador.

Completamos el primer sexteto de temas con el clavicordio de la sorprendente "Arquitecturas Extrañas", con esa esencia de vals vienés impregnando la escucha de un tema que se debate entre lo conveniente y lo deseable: <<Arquitecturas extrañas alrededor de tu cuerpo. Eres veneno y antídoto en este invierno eterno. No sé hacia dónde me muevo, no necesito saberlo. No quiero estar en ningún otro lugar en el universo.>>

"Kamikaze" es hechizo, sensualidad, empoderamiento... se me acaban los adjetivos. Cómo reza su letra: <<...si no existieras tendría que inventarte.>> 

El álbum pierde algo de fuelle de encantamiento con "Pequeño Invierno Florido" y "Tormenta de Arena" aunque vuelve a recuperarlo de todas todas en el tramo final del trabajo. 

Llegan "Gotas de Luna Llena" y "Santuario". La primera es la más extensa del conjunto, con una línea de bajo muy protagonista y una percusión ligeramente cadenciosa, completando un desarrollo maravilloso junto a la voz de Eva mostrándose más embelesante que nunca. "Santuario" es la más rockera de Onírica, bien podría pasar por un tema de su anterior proyecto Idealipsticks. Eva saca a pasear a su lado canalla, mostrándose segura y orgullosa. Después de gestar un álbum como este no me extraña, una se puede quedar bien a gusto.

sábado, 25 de septiembre de 2021

IRIS DECO - "Golden" (Hidden Track Records, 2021)

Júlia Collado, integrante de la banda de electrónica orgánica Moon Vision, debuta en solitario como IRIS DECO con el álbum Golden (Hidden Track Records, 2021). Ocho canciones donde la elegancia y la sugestión son amas y señoras, acicaladas con ritmos cercanos al soul y el R&B junto a pinceladas ambient. Se hace notar la producción a cargo de Ferran Palauel dúo b1n0, agregando su inconfundible sello de delicadeza y flow a la deliciosa voz de Júlia.

Arrancamos el álbum sensuales con "Flames", su videoclip dirigido por Albert Capó lo encontrarás insertado a pie de página. Unas "llamas" cuyo ardor traspasa sus notas hasta abrasarte: << ...I like your legs, tangled with mine and all the freckles that draw around your lips / And the curves that form your waist... Could I die into these flames? That I want turn them off with my tongue (Me gustan tus piernas enredadas con las mías y todas las pecas que se dibujan alrededor de tus labios / Y las curvas que forman tu cintura ¿Podría morir en estas llamas? Que las quiero apagar con mi lengua.>>

Entramos a este paraíso de nostálgica quietud que es "Elysian Place" de la mano de este excitante cruce entre SadeTracey Thorn que resulta IRIS DECO. No abandonamos este oasis de sosiego rítmico, no lo haremos durante todo el trabajo, pero si que cambiamos bruscamente de tercio en lo lírico con la inquietante "The Moan" y versos como: << ...Heart, beat, love. Hurt, sin, blood. This bullet came too far inside of me. >>

"She Dives Into" es una maravilla, con efectos hechizantes similares al del canto de sirena. Cautivadora, seductora, no te podrás resistir a su influjo, ni lo querrás. No sabemos bien dónde finalmente se va a sumergir la protagonista de su letra, pero si que tenemos claro que nos queremos zambullir en esa voz, ese bajo, esos beats, esos samplers, esos sintes... 

Con "Rainbows" vuelve a subir el tempo de excitación poniéndonos elegantemente lujuriosos. La paradiña en el segundo minuto y su tramo final son la guinda para otra canción fascinante en el haber de Golden.

"Near the Fire" es muy ambient, de hecho este ronroneo cercano al chill-out es presente durante varios momentos del disco. Una placidez sonora que es seña de identidad del debut de IRIS DECO.

domingo, 19 de septiembre de 2021

ESCUELAS PÍAS - "Plantas Alucinógenas" EP (El Genio Equivocado, 2021)

El dúo sevillano synthgaze formado por Cristian Bohórquez (antes en Blacanova y ahora también en Martes Niebla) y Davis Rodríguez (ex-Sundae y miembro de Martes Niebla), finalizan su serie de EP's que han presentado a lo largo de este año con Plantas Alucinógenas (El Genio Equivocado, 2021). Un título que cierra la tetralogía formada por Plantas de exterior (noviembre 2020), Plantas Carnívoras (febrero 2021) y Plantas venenosas (mayo 2021). Puedes acceder a sus correspondientes reseñas clicando encima del título de cada trabajo.

El proyecto se ilustra con el concepto botánico futurista que el ilustrador Cristian Pineda ha dado a todo el artwork digital que lo acompaña:


Empieza la fiesta con el delirio pop "Metros cuadrados" (videoclip insertado a pie de página) y una interpelación sobre habitar en un espacio donde puede pasar de todo y mayormente del género tétrico: <<...Quién dormirá donde tú estás, quién vivirá en este lugar. Cuántos murieron de pena en el desván y cuántos morirán. Cadáveres tras la pared, otro inventario por hacer. Alguien vendrá y se volverá a preguntar. Quién dormirá, quién vivirá, quién morirá en este lugar...>> Cuidado, porque pese al sombrío panorama sus embelesantes y melancólicas notas nos convencerán si o si para que emprendamos la mudanza hacia allí lo antes posible.

Quizás en nuestra nueva morada nos aparezca entre bártulos alguna "Cabeza rodante", no lo descartemos. Mientras tanto disfrutemos de un corte anti-nostálgico, renegando de lo vivido, buscando desesperadamente una evasión salvadora. La línea de bajo de base y la aparición luego de la guitarra en el estribillo, muy Suede, parecen darnos el empujoncito final para dar el salto hacia una nueva vida antes de que nos explote la "cabeza" a la que se refiere el título. 

Fotos de Amaya Granell

ESCUELAS PÍAS se nos ponen contestatarios con "Escena de mierda". Un rebelde puñetazo encima de la mesa ante el panorama musical actual o el "panorama" de la existencia presente en general: <<Condes fiestas, boomers y millennials, DJs ferias, fantasmas y culebras. Sangre fresca, fluidos y cuaresmas, poses trepas, juventud eterna. / Somos miseria en trajes de comunión, somos la escena que nunca nadie rodó, somos la música muerta de un ascensor. No importa ya se olvidó...>> Una canción con melódica contundencia, bien la hubieran firmado unos Alaska y Dinarama, fácilmente me imagino en el estribillo a Carlos Berlanga haciendo los coros a una Olvido Gara desatada con lo de los <<...trajes de comunión...>>

lunes, 16 de agosto de 2021

JOANA SERRAT - "Hardcore from the Heart" (Great Canyon Records / Loose Music, 2021)

JOANA SERRAT debutó discográficamente en 2012 y con Hardcore From The Heart (Great Canyon Records / Loose Music, 2021) ya lleva publicados cinco álbumes, confirmando trabajo a trabajo una espléndida trayectoria. La cantautora catalana (Vic, 2008) se inspira en el libro del mismo título, escrito por la sexóloga y ensayista Annie Sprinkle, para traspasar conclusiones a formato disco a través de sus letras y música. Le confronta a un reflejo de sí misma, cara a cara ante al abismo existente entre la vida real y la deseada. La referencia a la obra de Sprinkle se completa utilizando la pornografía como referente ilustrativo metafórico de la obscenidad frente a la importancia de rechazar prejuicios a la hora de encarar experiencias.

Estamos ante un álbum emocionalmente desgarrador y purificador sin pretender resultar reparador. Su propuesta, navegando entre ritmos de americana con tonalidades dream pop y soft rock, resuena en esta ocasión con un plus de sensibilidad añadida, una vuelta de tuerca más a su ya de por si elevado baremo de delicadeza nata.

Hardcore from the Heart arranca arriesgado con un corte como "Easy", el más largo del repertorio con sus casi siete minutos de duración. La artista se muestra firme y segura de sus posibilidades y no lleva más razón visto el resultado, no se podía elegir un inicio más maravilloso. Parafraseando al título de la canción, ¿quién dijo que fuera fácil? Pues con Joana lo parece, no quisiéramos que terminaran nunca sus notas y menos aún tras el cambio hacia el minuto cinco, pura belleza. El binomio guitarra y sintes te pondrán la piel de gallina del gusto, ya me lo dirás.

Foto de Andrea Font

"Pictures" (videoclip insertado al final de la página) es el desamor hecho canción. Fue el primer avance del álbum y seguro se erige en el corte más inmediato, pop y vigoroso con diferencia, de los diez que configuran el trabajo. Te atrapará desde la primera escucha con su melódica estrofa y su estribillo interpelador: <<Why didn’t you take me? Why did you need me to prove? I always believed in you, and I believed our love was pure (¿Por qué no me elegiste? ¿Por qué tenía que demostrártelo? Siempre he creído en ti, y creía que nuestro amor era puro).>>

"These Roads" es la primera de las tres perlas plus emocionales que contiene Hardcore from the Heart con ese ingrávido riff guitarrero por lo bajini y la voz de Joana, con una marcha más en su nivel de dulzura habitual. Realmente no nos cuesta imaginarnos yendo por alguno de "Estos Caminos" con esta banda sonora, dirigiéndonos rumbo al segundo de esos diamantes sensitivos que atesora el álbum, la sugestiva "You're With Me Everywhere I Go". Con ese cálido riff de guitarra como queriendo inyectar consuelo ante tanta melancolía. Su ocaso lírico es demoledor: <<I wanna feel yer warmth, slave of this mourn, bring me back where I belong (Quiero sentir tu calor, esclava de este lamento, llévame de vuelta a dónde pertenezco)>>.

La nostalgica "Summer Never Ends" sigue ahondando en el lado más delicado de JOANA SERRAT, su más clara seña de identidad, esa dulzura natural y auténtica que transmite a través de sus composiciones. Además no necesita demasiado, con su voz, una guitarra acústica y poco más hace maravillas.

"How To Make You Love Me" es un interrogatorio sentimental con flexo incluido, eso sí, aderezado con ritmos sosegados, al más puro estilo Joana.

Fotos de Andrea Font

El agridulce medio tiempo "Demons" nos conduce de la mano al tercer momento especialmente emotivo del conjunto, quizás el que más del álbum y me atrevo a decir de la carrera de la artista. Me refiero a "Take Me Back Where I Belong" y sus desgarradores seis minutos, aquí una muestra de su lírica: <<Haunted in grief. I love you. Where is the light? I’m caught in this silence. Where is my path? I’m broken. I miss you. I am broken and it burns in my chest. I want you. I am broken. I miss you (Atormentada por la pena. Te quiero ¿Dónde está la luz? Estoy atrapada en este silencio ¿Cuál es mi camino? Estoy rota. Te echo de menos. Estoy rota y me quema el pecho. Te deseo. Estoy rota. Te echo de menos) >>. Una evolución rítmica en leve in crescendo va envolviéndote con sus lánguidas notas; primero con la guitarra acústica, luego ya poco a poco junto al resto de la banda, hasta que un eterno solo de guitarra nos hace alcanzar el éxtasis. 

sábado, 17 de julio de 2021

A QUIET MAN - "Staring at the Dark" (autoeditado, 2021)

Publicando discos desde el 2009 Fabio Vega, oséase A QUIET MAN, vuelve a la carga con ya su novena referencia, el espectacular "Staring at the Dark" (2021). Si haces la cuenta de la vieja te sale casi a álbum por año y es que la hiperactividad compositiva del residente en La Ràpita (Terres de l'Ebre) resulta tan inusitada como eficiente en el resultado final de cada uno de sus trabajos.

La temática del trabajo es el amor, como viene siendo habitual en el artista, en esta ocasión más desde la perspectiva de la pérdida o de la parte más complicada de las relaciones y sus fatales consecuencias. 

Rítmicamente A QUIET MAN sigue la senda confirmada en su anterior From the Sea (2018) de inyectar gran poso electrónico a sus elegantes composiciones compendios de texturas smooth jazz y soft rock

Staring at the Dark arranca bien explícita sobre su contenido conceptual con "Ich Hasse Dich" manifestando, hasta en cinco idiomas distintos (inglés, francés, castellano, catalán y alemán en el título) lo siguiente: <<Te odio, hoy te odio más y más Te odio, te odio más que ayer Te odio más y más cada día Pero te sigo amando Isabel>>. Esa base de percusión cadenciosa, esos arpegios, riffs de violines, la misteriosa paradiña rondando el cuarto minuto y la sugestiva voz de Fabio conformando un inicio de trabajo incontestable.

¿Bailas? Puedes hacerlo con "Long Ago", eso sí, con lágrimas en los ojos. Su omnipresente y adictivo loop de sintes, las escuetas pero sentenciadoras notas al piano y su electrónico desarrollo completan otro espléndido corte. 

Foto de Erica Puigcerver

La intensa y redentora "Blame On Me", al menos en apariencia ya que al final hay un giro inesperado de los acontecimientos: <<...Blame on me And I blame on you (Mi culpa y te culpo a ti) >>. Hasta que llega "Hold Me Tight" y entonces no queda otra que dejar que hable tu piel. Maravillosamente desgarradora, épica, uno de los momentos cumbres en la carrera de A QUIET MAN hecho canción. Con su primoroso despliegue vocal, melódica estrofa, estremecedor estribillo y unos coros fantasmales como guinda a un pastel más que delicioso.

La sugerente "Travelling" está hecha para contornearse, quizás junto al motivo de la búsqueda descrita en su lírica. Sus hechizantes siete minutos dan para mucho, la mayoría instrumentales, todos absolutamente disfrutables.

Si el anterior corte lo pasábamos viajando quizás nuestro destino fuera China, o al menos eso parece indicar el halo oriental que desprende la conciliadora "Excuse Me". Seis minutos y medio de absoluta placidez, muy jazzística, con ese bajo bien protagonista como bandera. 

La súplica en forma de hit dance "Come Closer" te hará, si o si, mover tus caderas, en otro de los momentos top encantadores de un Staring at the Dark que gana, aún más si cabe, con cada escucha.

sábado, 3 de julio de 2021

Entrevista a CUCHILLAS, noise pop de altos vuelos desde Zaragoza

CUCHILLAS son un cuarteto noise pop proveniente de Zaragoza que nos ha encandilado con su nuevo EP Pasión de Sábado (Intromúsica 2021). Queríamos saber más de ellos:

¿Cómo os presentaríais en un par de frases?

Somos una banda radicada en Zaragoza con raíces españolas, argentinas y colombianas formada por cuatro personas que escucharon mucho grunge y noise noventero.

¿Cuál es vuestro método compositivo?

Componemos en la comodidad del hogar para después darle forma a los temas en el local de ensayo. Cuando ya tenemos una base sólida, maquetamos los temas y trabajamos sobre esas maquetas a las que se van sumando nuevas pistas para enriquecer la base inicial. Así, los temas evolucionan y conseguimos que cada uno tenga su propia personalidad.

¿Qué bandas o artistas os influyen con más intensidad?

Escuchamos infinidad de géneros musicales y siempre hay un poco de ello en nuestras canciones, de manera más o menos depurada. Últimamente estamos escuchando mucho a artistas y bandas como las Fin del Mundo, Ed Maverick o Rata Negra mientras revisitamos temas de bandas como Mercromina o Modest Mouse.

En el último single que habéis publicado, la versión del “Maldito” de la Jessy Bulbo, notamos un cambio del noise-pop melódico al que nos teníais acostumbrados hacia un enérgico punk-rock. ¿Vais a seguir explorando en esa dirección estilística?

El punk es algo que siempre está presente en nuestros temas con mayor o menor intensidad, desde la misma filosofía del DIY de la que tanto se habla como eufemismo de la falta de medios hasta pequeños riffs o referencias en lo instrumental en ocasiones muy sutiles.

Vuestro nombre resulta de entrada inquietante aunque luego vemos que vuestros ritmos no son tan fieros como podría transmitir. ¿Jugáis un poco al despiste? ¿Cómo surgió el llamarse Cuchillas?

Más que jugar al despiste nos gusta llenarlo todo de referencias muy personales que no siempre tienen que entenderse al 100%. Por ejemplo, títulos como "Buenas Tardes Salud!" o "Pasión de Sábado" tienen su origen en programas de la televisión argentina. Al final lo más bonito de expresarte en el ámbito artístico es que tus propias referencias y la lectura que hace el oyente se fusionen para que la obra cambie constantemente y adquiera nuevos significados.

Nos encanta el arte de vuestros trabajos a cargo de Mapi Pérez. ¿Cómo vino esta colaboración y la orientación hacia el western de todos los lanzamientos relacionados con el EP “Pasión de Sábado”?

Mapi (@mapifys) es una muy buena amiga de la banda a la que admiramos un montón. Ella ya había participado en este tipo de proyectos artísticos con anterioridad e incluso ganó un merecidísimo MIN por su trabajo para el "Tú Siempre Ganas" de Hazte Lapón. En cuanto a la estética western, todo surgió a raíz de "Colorado", el primer tema que compusimos para este segundo EP. Quisimos expresar muchas cosas con el arte de este lanzamiento y fue un placer poder contar con Mapi, quien lo entendió de maravilla desde el inicio del proyecto. Como siempre, la lectura final del mensaje queda en manos del oyente.

En una época en la que está tan de moda las colaboraciones con otros artistas ¿con qué banda o solista os gustaría compartir alguna de vuestras canciones.

Respetamos cualquier postura al respecto del tema, aunque como banda nos sentiríamos más cómodos a la hora de hacer una colaboración con artistas o bandas a las que admiramos y/o con las que compartamos un punto de vista en lo ideológico, que trasciende a muchos niveles en la industria musical. De por sí nuestro estilo no es lo que mayoritariamente prima en este submundo de las colaboraciones, por lo que preferiríamos colaborar con alguien desde esa admiración artística y personal antes que forzar una colaboración para darle el gusto al algoritmo.

Después de 2 EP’s en el mercado ¿habéis adoptado este formato como estrategia de lanzamiento o pensáis publicar algun LP en un futuro? ¿Cuales son vuestros planes a medio plazo?

Somos muy fans del formato del EP, aunque estamos trabajando en tantos temas nuevos que quizás optemos por editar un LP en nuestro próximo lanzamiento. Por el momento nos encontramos a mitad de camino entre la fase compositiva y la depuración final de, como decimos, un buen puñado de temas. Podríamos decir que será un problema que tendrán que resolver los Cuchillas del futuro.

Muchas gracias, CUCHILLAS.

Disfruta con la escucha de su nuevo EP Pasión de Sábado >

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martes, 29 de junio de 2021

CUCHILLAS - "Pasión de Sábado" EP (Intromúsica, 2021)

Cuchillas son Sara Cortés (voz y guitarra), Emiliano Montani Emont (guitarra solista y sintes), Jorge Martínez (bajo) y Rafael Charry (batería). Cuatro amigos procedentes de Zaragoza con raíces españolas, argentinas y colombianas. Un popurri multicultural que confluye en una maquina bien engrasada rebosante de distorsión noise pop, con gran apego a las melodías y fuerte regusto noventero. Aunque formados en 2019 como banda sus miembros no son unos pipiolos en esto de la música, todos han tenido sobradas experiencias, algunos con vinculación actual con otros proyectos o incluso alternándolo con carreras en solitario.

Pasión de Sábado (Intromúsica 2021) es su segundo EP, un trabajo que abre las puestas con "La Habitación". Un bajo demoledor, que será muy protagonista durante su metraje, junto a unas guitarras afiladas en un canto a la superación de las relaciones o costumbres tóxicas. El cambio de ritmo en su estribillo, desdoblado a través de un solo de guitarra y así hasta el final, culminando un espléndido corte.

Chocan frontalmente los ritmos dulzones de la estrofa de "Unidad de Víctimas Especiales" con su abatida lírica, la sedosa voz de Sara también contribuye a generar tal dicotomía. Eso sí, hacia el minuto y veinticinco segundos del tema CUCHILLAS sacan su lado gamberro a pasear. Un corte tan lleno de contrastes como efectivo en el resultado.

"Colorado" es el himno del conjunto, a medio camino entre la nostalgia y el hedonismo con gran poso sentimental de por medio. Muy Weezer, es la típica canción que parece que hayas oído cien veces y aún así la disfrutas igual que en la primera. La letra, incontestable: <<En esta fiesta donde todos van al baño, brindaremos por la fuerza que nos damos. Las veces que nos odiamos en verano, no importan ahora que follamos todo el rato.>>

"Vos y yo" es la que contiene más esencia punk del trabajo. Efímera, con su minuto y cuarenta segundos de rasgueos guitarreros, riffs de bajo y animosa batería.   

Finiquita Pasión de Sábado en su edición digital con "El Mundo de Jorge" (videoclip insertado cerrando la página). Precisamente es eso, la exposición del universo de Jorge Martínez, el bajista de CUCHILLAS. Un medio tiempo que surfea entre lo azucarado y lo inquietante.

lunes, 14 de junio de 2021

Joan Colomo - "Disc Trist" (BCore Disc, 2021)

JOAN COLOMO ya tiene séptimo álbum publicado con Disc Trist (BCore Disc, 2021). Su título lo dice todo, bueno, o no tanto. ¿Cómo es posible que un trabajo que se autodenomina de entrada "triste" puede dejarnos una media sonrisa de satisfacción rehabilitadora tras su escucha? Joan sigue con ese humor negro marca de la casa, una irreverencia rozando en ocasiones el surrealismo y evidente habilidad para vestirlo con certeras melodías. Este último aspecto alcanza la cima en su carrera con Disc Trist, un prólogo más diez canciones rebosantes de una exquisitez pop inusitada.

JOAN COLOMO nos muestra la realidad del mundo que nos ha tocado vivir con toda su crudeza, sin paños calientes, pero a la vez su agudeza e ingenio provoca que encontremos suficientes argumentos como para agarrarnos a la esperanza, o al menos sobrellevarlo dignamente. 

"Proleg" abre el álbum de manera lánguida, con un trio vaporoso formado por sintes, voz y coros. Sedosamente nos da paso a "Cançó animada" (videoclip a pie de página), samplers de sus hijas cantando incluidos. Con ella nos viene la presentación del contenido del álbum: <<Volia escriure una cançó animada / que transmetés una visió optimista / Però en comptes de tot això, aprofito aquesta ocasió per dir-vos de manera insistent: que tot va una mica malament / Volia aprofitar aquest incís per donar un missatge clar i concís: potser el futur serà millor, però a curt termini sembla que no.>> (Quería escribir una canción animada / que transmitiera una visión optimista / Pero en lugar de eso, aprovecho esta ocasión para deciros de manera insistente: que todo va un poco mal / Quería aprovechar este inciso para dar un mensaje claro y conciso: tal el futuro será mejor, pero a corto plazo parece que no).


En este trabajo estilísticamente nos encontramos ante un p
op globalmente de sintetizadores y con fuerte carga melódica, como demuestra claramente "En un món paral.lel". Tambien esa ironía que lleva de serie Joan con versos como: <<El món que ens ha tocat viure està molt bé, és com un viatge d'LSD. Una distòpia en temps real, una anada d’olla d’un fals documental. És molt engrescador sentir els analistes al teu televisor. I jo només vull marxar si és que puc parar de vomitar.>> (El mundo que nos ha tocado vivir está muy bien, es como un viaje de LSD. Una distopía en tiempo real, una ida de olla de un falso documental. Es muy estimulante sentir los analistas a tu televisor. Y yo sólo quiero marchar si es que puedo parar de vomitar). Tras la segunda aparición de su etéreo estribillo, hacia el ecuador del tema, aparece un puente bien revelador del desbordante talento compositivo de JOAN COLOMO y de la cuidada producción de este trabajo. 

Una pandilla de Oompa Loompas parece haberse colado en el disco con "Salvem el planeta!". La autodestrucción de la humanidad resulta menos traumática con estos ritmos trepidantes y aureola a videojuego 8 bits. No puedo dejar de compartir un pellizco de su delirante lírica: <<Salvem l’arròs negre i el mar. Salvem les festes de saló. Salvem tots els balls regionals. Salvem la crema de contenidors.>> (Salvemos el arroz negro y el mar. Salvemos las fiestas de salón. Salvemos todos los bailes regionales. Salvemos la quema de contenedores).

La sugestiva "Himne de la melangia" ahonda en el apocalipsis pero esta vez a modo de morfina de efectos instantáneos. Su dulce desarrollo resulta balsámico, con efectos consoladores, también en su alegato final: <<Dubtes i no trobes cap resposta, quin és el sentit d’aquesta vida quan tot l’aire que respires és extremadament efímer. Mai no perdis l’esperança, malgrat aquesta malastrugança. Per sentir una mica d’alegria canta l’himne de la melangia.>> (Dudas y no encuentras ninguna respuesta, cuál es el sentido de esta vida cuando todo el aire que respiras es extremadamente efímero. Nunca pierdas la esperanza, a pesar de esta mala suerte. Para sentir un poco de alegría canta el himno de la melancolía).


Hay dos cortes en el trabajo en los que JOAN COLOMO habla en primera persona mostrando sin tapujos sus imperfecciones y fobias, son respectivamente "Currículum" y "Cançó de la por". En la primera, la más breve sin contar el prólogo, confesándose un desastre absoluto. Un loser que, a pesar de ello, es capaz de dejarnos la boca abierta con su brutal clarividencia, como con ese cambio hacia el minuto y veinte segundos, pura magia. En la segunda, con esos sugerentes coros a modo de eco o reafirmación de sus sentencias y unos gruesos sintes que se van intercalando con otros más livianos, adornando una cadenciosa base electrónica que convierte al corte incluso en bailable.

lunes, 7 de junio de 2021

Maren - “Margaritas y Lavanda” (Hook Ediciones Musicales, 2021)

Dieciocho años de edad, pero es que a los 14 ya lanzó su primer EP, Alguien sin vergüenza (La Produktiva Records), presentándolo en salas estatales y conciertos por Euskadi. En 2019 abrió la gira del americano Tyler Ramsey en sus conciertos de Barcelona, Madrid, Zaragoza y Valencia, participando también en el festival Wave Rave junto a artistas como Crystal Fighters, Belako o Hinds. MAREN vive deprisa y debuta en 2021 en formato largo con “Margaritas y Lavanda” (Hook Ediciones Musicales).

La vizcaína utiliza su alter ego Margarette para contar sus vicisitudes y plasmarlos en un álbum que es todo él una delicatessen pop.

"Margarette, todos lloran por ti" abre el trabajo a dúo con Anni B Sweet y exquisita instrumentación abrazando unas voces que empastan a la perfección, incluso diría que se funden por momentos. Hay un desborde de elegancia y frescura, tanto sonora como lírica, lo que será una constante durante la media hora de duración del álbum.

"Cualquier cosa que diga yo" contiene un sugestivo contraste entre estrofa y puente. En primer lugar con cierta neblina flotando en el ambiente respecto a un estribillo donde parece que definitivamente salga el sol. "Debería ser normal" (videoclip insertado a pie de página) con unos cautivadores riffs de cuerdas omnipresentes junto a unos percutores y gruesos sintes de base, sumando flashes funky de la guitarra culminando el estribillo, enmarcando otro corte espléndido.

Foto de Beatriz Berzosa

"Fotosíntesis" fue el primer avance del álbum, una perla dream pop con esos encantadores punteos de guitarra acústica, un bajo pulsómetro, guitarra eléctrica que se hace visible en el estribillo y que se quita la careta definitivamente durante la sorprendente explosión psicodélica del minuto 2:50", prodigiosa.

No había hecho hincapié aún en un detallito de nada, una minucia, nótese la ironía. Me refiero a la maravillosa y personal voz de Maren, con esa especie de reverb natural que le viene de serie, incrementando el abanico de matices a la hora de verter su canto. Como se hace bien apreciable en la delicada "Un sitio que tenga sol". Las notas más bajas se muestran extremadamente bellas, las demás sólo hermosas 😉.

lunes, 31 de mayo de 2021

Escuelas Pías - "Plantas Venenosas" EP (El Genio Equivocado 2021)

Escuelas Pías siguen presentando sus novedades por entregas trimestrales, en su caso en forma de EP, hasta completar todo el material que verá su culminación en un nuevo álbum. Tras la publicación de Plantas de exterior en noviembre de 2020 y Plantas carnívoras en febrero de 2021, llega ahora Plantas venenosas (El Genio Equivocado, 2021), con otros cuatro pelotazos pop manufacturados por Cristian Bohórquez (sintetizadores, guitarra, bajo y programaciones) y Davis Rodríguez (voz, sintes y programaciones).

Arranca el trabajo con la encantadora "Pasatiempos" (videoclip insertado a pie de página), lo tiene todo: sintes deslumbrantes, bajo cadencioso, riffs guitarreros y precisa caja de ritmos con ese espléndido redoble culminando el estribillo. La lírica, otro aspecto fundamental  de los sevillanos, va dando bandazos de lo kitsch a lo poético, sin despeinarse o simplemente siendo caras de una misma moneda: <<Carlos huele gato cuando está enfadado, mejor no decirle nada, un día de estos de le pasa /  Si solo soy un grito al viento que al menos sea legendario. Yo me perderé en el tiempo, dando vueltas a tu lado.>>

Foto de Amaya Granell

Las resplandecientes guitarras vuelven a tener protagonismo en la nostálgica "Exvotos", enmarcando la estrofa y escoltando el estribillo, de paso recuperando las reminiscencias a Suede que ya mostraron en algún que otro momento del anterior EP. Sus últimos treinta segundos, sólo con la percusión y la voz de Davis, son la guinda para otra golosina sonora del dúo.

Unos gruesos sintes nos abren la puerta a "Eclipse" para que enseguida otros más ensoñadores nos den la vez en la estrofa. No sé si consiguen rebajar la amargura que desprende su lírica, pero lo que si que es seguro es que nos hacen pasar cuatro minutos maravillosos: <<Porque tú eres el planeta que me hace oscurecer y hoy se alinearán los astros para no volverte a ver.>>

La melancólica e ingrávida "Miss del 69" pone el punto y final a Plantas Venenosas. Una sutil base tropical parece querer animar a los protagonistas de la historia a bailar un lento, para ver si así se atenuaba su pena y quien sabe. Ya se dice, que el roce hace el cariño.

lunes, 24 de mayo de 2021

Zoé - "Sonidos de Karmática Resonancia" (Universal Music, 2021)

Hablar de Zoé es hacerlo de una de las bandas latinoamericanas más grandes de todos los tiempos. En activo desde 1997, con cuatro premios Grammy, millones de discos vendidos y unas cuantas giras mundiales en su haber, los mexicanos ya tienen séptimo álbum de estudio, Sonidos de Karmática Resonancia (Universal Music, 2021).

León Larregui (voz, compositor y realizador de videoclips para la banda), Sergio Acosta (guitarra), Jesús Báez (teclados), Ángel Mosqueda (bajo) y Rodrigo Guardiola (batería) son los componentes del grupo. Larregi y Acosta están residiendo actualmente en Barcelona, su centro de operaciones desde donde propagar al mundo este portentoso álbum. Para la ocasión han cambiado a su productor de cabecera Phil Vinall por Craig Silvey (Arcade Fire, The National y Arctic Monkeys). Ya intervino en algunos temas de su anterior trabajo Aztlán (2018) pero en este ha trabajado a jornada completa.

Van a por los 25 años de trayectoria por lo que de madurez y experiencia van sobrados, todo y con ello estamos ante el disco más equilibrado, más rebosante de pegada en el haber del grupo. Voy a tirarme a la piscina, seguramente se trate de uno los álbumes en castellano más estimulantes de lo que llevamos de siglo XXI.

"Popular" (videoclip insertado a pie de página) es la pieza con la que arranca el trabajo, una golosina de medio tiempo pop plagada de sintes ochenteros, acentuados en el puente instrumental entre el desdoble del estribillo. La guitarra y el bajo al servicio de los teclados, sutiles pero a la vez determinantes, coronando un inicio incontestable. Su lírica nos confirma que la música siempre está ahí cuando se la necesita.

El synth-pop de quilates de "Karmadame" demuestra que estamos ante un álbum que también se puede bailar aunque sea con lágrimas en los ojos. Adictiva, sombría, con un puntillo funky para aumentar su halo irresistible. El falsete de Larregui pone el resto. Sus segundos finales son de aquellos detalles de sofisticación que confirman que estamos ante un trabajo inmenso.

Un fuerte aroma a The Cure, una de las influencias confesas de la banda, entra en escena en la intro de la estrofa de "Velur" con ese bajo a lo Simon Gallup como gran protagonista durante todo su metraje. Secundado por un preciso riff de guitarra, batería pulsómetro, sintes ingrávidos... en definitiva, Zoé como banda al completo al servicio de tus sentidos. 

Unos teclados muy blues abren la puerta a "El Duelo" y esa esencia rítmica perdurará, incluso se incrementará con la aparición de ese solo de guitarra hacia el minuto 1:40". Un final con sintes psicodélicos le colocarán la guinda. Le sigue la sentimental "SKR", con un marcado contraste entre su estrofa neo-psicodélica a lo Tame Impala y el estribillo ultra melódico, encuadrando un corte tan progresivo como adictivo. El último minuto y medio es un festival espacial.

jueves, 13 de mayo de 2021

Twin (EP Hidden Track Records, 2021)

Ana López alias Twin, en su EP debut en solitario que acaba de publicar con el sello barcelonés Hidden Track Records, canjea el elegante pop electrónico de su banda Her Little Donkey por una electrónica, también selecta, acopio de destellos trip-hop, R&B y downtempo.

El primer trabajo de la artista arranca con "Benasque" (videoclip insertado al final del artículo), un corte con caja de ritmos como base pulsómetro, loops centelleantes y programaciones embriagadoras. Una maquinaria bien engrasada al servicio de la dulce voz de Ana y una inquietante lírica, completando una carta de presentación incontestable.

"Escapar" y ese embrujo añadido por el trabajo de voces autotuneadas mutando en nuevo instrumento a sumarse a este absoluto festín para los sentidos. El desamor está muy presente en el trabajo de Twin y en el presente corte su estribillo no lo puede mostrar más evidente: <<No pretendía que pensara que esto era el final. Cada segundo lo ocultaba, ya no quieres jugar, no hay que disimular.>>

Foto de Carles Rodrigo

Los vaporosos sintes junto a ese tan cadencioso como sugestivo groove enmarcan a "Cristal", a modo de bondadosas sílfides intentando rescatarte de una relación a todas luces tóxica.

Llega el final del trabajo con "Instinto", la más lánguida rítmicamente del conjunto aunque para lo cual no se hayan tenido que rebajar demasiado los bpm, durante todo el EP el ambiente reinante es de naturaleza sosegada. Un tema tan hipnótico como arrebatador; con ese riff de afligidas notas al piano como intro y que seguirá intermitentemente durante su metraje; las vocecillas autotuneadas ahora incluso a modo de coro; una base cavernosa y el tramo final con resplandecientes sintes que parecen rebelarse ante tanta melancolía reinante.

lunes, 10 de mayo de 2021

Calavera - "Espejismos" (Lago Cráter / TBC Produccions, 2021)

Tras siete años de vida como banda, Calavera, el ahora proyecto personal del maño Álex Ortega, se enfrenta a su segundo trabajo en formato largo con Espejismos (Lago Cráter / TBC Produccions, 2021). El resultado han sido ocho canciones redondas, rebosantes de elegancia y exquisitez pop, sobradamente preparadas para inyectarte placidez y bienestar durante su algo más de media hora de duración. 

"Sayonara" (videoclip insertado a pie de página) abre el melón con un desamor a ritmo de dulces guitarras, bajo pulsómetro, sintes evocadores... y paro porque voy sin freno. Pero es que Calavera da para mucho, con Álex cada detalle cuenta y lo demuestra marcando terreno desde el minuto 0 con un corte espléndido. Destacar que en la producción ha tenido la compañía de Javi Vicente AKA  Carasueño, lo cual siempre es garantía de alto rendimiento.

Con "Ámbar" se une a la fiesta Eva Amaral, en un tema más oscurillo que la media, aunque se vaya despejando la neblina durante su segunda mitad. Su colaboración se antoja perfecta, primero en esos coros del puente hacia el estribillo y luego ya en el resto de otra canción sobresaliente. Sigue en plena forma la historia de amor entre las guitarras eléctricas y los sintes ochenteros, un romance de los de antes, con ramos de flores y piropos sin fin. 

"En una isla" es un bombón de canción, seguro duraría bien poco bajo el sol abrasador que se manifiesta durante su escucha. Ese poso de melancolía que contiene resulta el contrapunto perfecto a sus deliciosas notas. 

Una batería disonante, sintes siempre centelleantes y convincentes, riffs guitarreros... todo conjurándose en un refinado desarrollo pop. Todo esto y mucho más es "Huyendo", prepárate, te va a encantar.

La maravillosa "No te das cuenta", un vaporoso clamor del que se encuentra en la zona de amigos, padeciendo en silencio sus sentimientos encontrados. Delicado medio tiempo, muy melódico, que se abre con unos sintes centelleantes presentando una estrofa que se desdobla para dar paso al lapidario estribillo, luego un puente en su ecuador para coger carrerilla y encarar su segunda mitad repitiendo el estribillo hasta llegar a otro flirteo sonado entre guitarras y sintes. Encaramos el tramo final con un alto en el camino cogiendo definitiva carrerilla y derivando en unos intensos rasgueos de guitarra a modo de empujón al protagonista de la historia, en pro de un desenlace más favorable.