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domingo, 18 de abril de 2021

AXOLOTES MEXICANOS - :3 (DOS PUNTOS, TRES) -Elefant Records 2021-

:3 (dos puntos, tres) -Elefant Records 2021- es el tercer álbum en formato largo del supergrupo AXOLOTES MEXICANOS. Olaya Pedrayes (voz y teclados), Juan Pedrayes (batería), Lucas de la Iglesia (guitarra), Mario del Valle (guitarra) Stephen J. Lyne (bajo), miembros a la vez de formaciones como CAROLINA DURANTE, CONFETI DE ODIO, TEMERARIO MARIO, STEPHEN PLEASE y NO FUCKS, nos extasían con su cóctel de autor repleto de gominola pop, fogonazos punk y barniz j-pop.

Siempre tenemos que buscar el lado positivo de las cosas, aunque a veces cueste y mucho. Uno de los efectos colaterales de la pandemia que podemos clasificar como provechosos ha sido que, pese a pararse en seco los conciertos o quizás por ello, las bandas en muchos casos han podido concentrarse al 100% en el proceso creativo. Este es el caso de AXOLOTES  MEXICANOS que durante el confinamiento pudieron, a través de los hermanos Pedrayes junto a Stephen, poder ir confeccionando las trece canciones que componen :3 (dos puntos, tres).

"Opening" nos abre las puertas a esta especie de salón recreativo sonoro que resulta el nuevo trabajo del quinteto. Esta vez con regusto a videojuegos 8 bits 80's y espíritu de banda de High School americana. Su lírica es bien explícita y muestra ya de entrada un sentimiento de rechazo fraternal que será bastante recurrente durante todo el metraje: <<La chapa que me das Cuando empiezas a hablar no la puedo soportar, me voy a mi casa, me tomo un Orfidal y pienso en mil maneras para poderte evitar...>>

"Cara de idiota" muestra el lado más dulzón de AXOLOTES. El amor es lo que tiene y más aún si se envuelve en un pop aterciopelado como el que nos ocupa. Llega "Vergüenza" y nos relajamos con la tranquilidad que nos da una relación cuando se despoja de su vertiente sentimental, todo acicalado con encantadores notas j-pop.

La nostálgica y adictiva noise-pop "Verano en espiral", con su videoclip cerrando la página, nos conduce de manera encantadora a la inapelable "Que te pires". Un puñetazo en la boca, asomando la cabeza la cresta punk de la banda. Cóctel embriagador de guitarras metaleras, bajo percutor, batería desbocada, sintes dementes y una letra que es vehemencia pura y dura.

Nos tomamos un respiro en el remanso de paz que es "Cuando_estoy_contigo.mp3". Cuqui como ella sola, la más breve del conjunto con diferencia con su minuto y cuarenta segundos de pop en letras mayúsculas.

"Oshare Kei" transpira las reminiscencias de la subcultura musical japonesa más reciente que tanto agrada al quinteto. Nos pasa por encima el arrebatador medio tiempo "No sé si llamarte". Desgarradora pese a unos sintes que parecen querer aliviar con sus notas dicharacheras tanta amargura reinante.

Con la bipolar "Te quiero (...)" vuelve a escena el pop azucarado aunque sin abandonar el poso punk tan marca de la casa, como exhiben en el estribillo. "Gotelé" es la primera balada del álbum, melancolía al cuadrado, acústica en su primera mitad para luego entrar sintes y sección rítmica como queriendo ayudarte entre todos a asumir de que: <<...esos días ya no volverán.>>

"Quiero que vengas" es esa ventana abierta que hace que te de todo el solano en la cara al despertar tras una noche de borrachera. Eso sí, su cadencioso ritmo y exquisita producción actúa a modo del mejor Ibuprofeno posible.

"De aquí a un año" es la gran balada del disco. Tan preciosa como agridulce, con unos arreglos gourmet acentuando, aún más si cabe, su poderío emocional. Al estribillo hay que darle de comer aparte, maravillosa.

lunes, 12 de abril de 2021

THE NEW RAEMON, DAVID CORDERO y MARC CLOS - A los Que Nazcan Más Tarde (BMG Spain 2021)

La prolífica carrera de Ramón Rodríguez alias THE NEW RAEMON tras Madee ha ido marcada en parte por continuas colaboraciones, tanto dentro de su propio trabajo como alternándose con proyectos comunitarios. En el segundo caso buenos ejemplos serían El Problema De Los Tres Cuerpos (Cydonia/Playas De Normandía 2011) álbum junto a Francisco Nixon & Ricardo Vicente; Convergència i Unió (BCore 2013) con María Rodés y Martí Sales; y Lluvia y Truenos (Subterfuge, 2016) escrito a cuatro manos con Ricardo Lezón, líder de McEnroe. Este modus operandi ha generado A los Que Nazcan Más Tarde (BMG Spain 2021), compuesto junto al genio del ambient estatal con gran presencia internacional DAVID CORDERO y el multiinstrumentista y productor MARC CLOS.

Los tres artistas se conocían de años, habían intercalado colaboraciones cruzadas e incluso habían coincidido juntos durante las sesiones de grabación del mencionado Lluvia y truenos (2016). Era cuestión de tiempo que confluyeran en un trabajo conjunto.

Llegó la pandemia, con ella el confinamiento y enseguida se puso en marcha la maquinaria. El contexto era distópico, angustioso, buen caldo de cultivo para posibles composiciones arrebatadoras. Para que el proyecto no sonara a ninguno de los tres componentes en especial, sino que imperará la homogeneidad, se impusieron el salir de su zona de confort; Ramón aparcando las guitarras y cogiendo el piano, Marc abrazando la electrónica y David dejándola a un lado para trabajar con instrumentos de índole más acústico.

Cada uno aportando desde sus respectivas casas/estudio, intercambiando archivos sonoros y con ellos ideas, notas, texturas... Así, durante tres semanas intensas de fluidez compositiva y compenetración al cuadrado, se fue forjando el trabajo.

A los Que Nazcan Más Tarde despierta con el romanticismo de "La Peor Parte" y ese loop de notas al aire del piano junto a unas balsámicas cuerdas y la voz de Ramón enmarcando ese <<...quiero morir sin tu perdón>> que se apalanca en tu memoria, a modo de monumento a la adoración y la ternura.

<<Hubo un tiempo en que fui un saco de boxeo, hubo un tiempo en que no quise amar. Contigo todo se detiene, despierto y me hago más grande. Te amo de la cabeza a los pies. Algunos quieren destruirnos, son bloques de cemento. Bailaremos a cámara lenta para escapar de los lobos>> Ante esta lírica qué difícil es poder aportar algo que resultará seguro prosaico ante tal belleza. Esa belleza complementada a la perfección con el sonido que envuelve "Cámara Lenta", el segundo de los cortes del álbum y uno de los momentos más experimentales y a la vez más sugestivos del conjunto. La intervención del violonchelo de Antonio Fernández Escobar resulta la guinda de este suculento pastel sonoro.

"Plata Verdadera" y su lapidaria frase <<.. eres plata, verdadera plata...>> como bandera de una oda que enarbola un tema electrónico minimalista hasta catapultarlo hacia lo más profundo de tus sentidos.

Cogemos aire con "Desnudo Frente a la Máquina de Escribir", al menos en lo que se refiere a su sonoridad ya que su mensaje transmite más incertidumbre que otra cosa. Es un espejismo porque con "Corre, Caballo Viejo" recuperamos enseguida niveles de emotividad desde la sencillez, rara vez logrados en los últimos tiempos dentro del panorama musical estatal, quitando precisamente algún que otro trabajo que lleva la firma de los culpables de lo que estamos escuchando. El camino de la vida, con tropiezos, aciertos, dudas, decisiones... Todo suma y hace bagaje, pero hay que seguir, no queda otra y lo que nos queda.

"Una Infancia" saca a la luz una de las diversas influencias que han ayudado a la gestación de A los Que Nazcan Más Tarde. Nos referimos a los THE CURE más turbadores y reflexivos, con un bajo que parece tocado por el mismísimo Simon Gallup. Para completar el halo de reminiscencias del disco nada mejor que pasarse por la playlist que David Cordero ha querido confeccionar a tal efecto.

Con las delicadas notas de "Todos Quieren un Final Tranquilo" entramos en bucle con ese etéreo arpegio de guitarra por lo bajini, que nos conduce, junto a un acompañamiento instrumental sutilmente embriagador, a su desenlace en forma de dolorosa invitación: <<...llóralas las cosas, llóralas>>

"No Haces de Mí lo que No Soy" es la excepción que confirma la regla o lo que viene a ser el corte más inmediato del trabajo y además uno de los de mensaje más esperanzador u optimista. Ese solemne piano presentando una base y evolución cercana a un elegante house con sabor étnico. Además puedes incluso bailarla. 

<<Lo peor pasó.>>, así queremos pensar, como se cierra "Orión Brillando a lo Alto". Un conmovedor homenaje ambient electrónico a la fe en la humanidad, porque aunque <<...sufrir es horrible...>>, siempre se atenúa abrazando la bondad y la honradez.

lunes, 5 de abril de 2021

SAÏM - "Fràgil" (BCore Disc 2021)

Joan Roig (guitarra, voz) junto a los hermanos Natalia (bajista) y Daniel Gómez (batería) forman SAÏM y ya tienen segundo álbum con Fràgil (BCore Disc 2021). 

Los mallorquines siguen con la energía propia de una banda en esencia punk-rock pero en esta ocasión potenciando su vertiente más melódica, acercándolos a sonoridades emo-rock y grunge norteamericano de principios de los 90's.

El título del álbum resulta bien explícito, SAÏM muestran sin tapujos sus preocupaciones, debilidades y melodramas, intentando salir del agujero lo más enteros posible. Todo aliñado por los fogonazos de una poderosa base rítmica avivando, aún más si cabe, su fuego guitarrero.

El convincente arranque "Contratemps" pone de inicio toda la carne en el asador. Power-pop en su estrofa, enrabietándose en su estribillo y una espléndida culminación armoniosa que se desdobla en un tramo final arrebatador.

Un bajo percutor saca sus bíceps a relucir en la melancólica "Intempèrie", un corte tan trepidante como redondo. La desbocada batería y la incisiva guitarra completan un equipo que se sabe ganador.

Foto de Albert Capó

"Autumne" es el que fuera primer single del álbum con videoclip que dejamos insertado a pie de página. Su lírica puede encerrar la esencia temática de Fràgil con versos como: <<Urgències, absències, no aprens mai a dir que no. Distàncies, fragàncies, seguiràs sumant errors. Cant victòria, me derrotes. No és com abans: desitjos perennes. Indemnes. Tothom se mor.>>

"Desordre" es puro nervio, con un trio que se muestra perfectamente engrasado y una guitarra que literalmente se sale con esos embriagadores cambios de ritmo hasta descubrir la soledad en sus segundos finales. ¡Enormes, SAÏM!

"Febrer" empieza como acaba el anterior corte, con la guitarra en solitario, pero enseguida se unen a la comitiva sus dos incansables compañeros de fatigas, bajo y batería. Un canto de desesperación y angustia que coge carrerilla en el puente para explotar en su estribillo.

Ritmos jangle-pop hacen su aparición durante la estrofa de "La mar gran", placentera al oído aunque su lírica siga siendo del modo apesadumbrado. Con "Tristesa" parece que hayamos tocado fondo en la vida y solo nos quede remontar. Y vaya si lo hacemos, con ese brillante cambio de la segunda aparición del estribillo por una enorme culminación instrumental. En un tema que hace honor a su letra cuando reza: <<Tristesa, m’alegra disfrutar-la. Tristesa, valdrà la pena sentir-la un pic i un altre.>>

Foto de Josep Castejón

Vuelve un cadencioso power-pop con "Segona persona" y con ella un empujón para salir de tu zona de confort, para arriesgar a no ser que quieras sucumbir ante lo frustrante de no haberlo intentado.

lunes, 22 de marzo de 2021

VALENTINA & THE ELECTRIC POST - "The Line" (Hidden Track Records 2021)

VALENTINA & THE ELECTRIC POST, oseasé  Valentina Risi  (voz, guitarra, piano y sintes) y Ildefons Alonso (percusión y programaciones, también miembro de formaciones como El Petit de Cal Eril) debutaron en 2019 con el EP Before the Universe (Hidden Track Records) y un folk ensoñador aderezado con poso electrónico. En este 2021 nos traen The Line (Hidden Track Records), profundizando en su vertiente más ingrávida y sugestiva trip-hopera.

La evocadora e inquietante "I've got to go" abre un melón que está todo el en su punto. Me encanta el poderoso contraste entre la guitarra acústica y esos gruesos sintes, con la exploradora base a modo de adhesivo para un encaje perfecto. Le sigue la sosegada "Turn", con unos gustosos arpegios de guitarra eléctrica adornando el progresivo desarrollo, culminado su encanto por la voz de terciopelo de Valentina.

A "Psycho(p)omb" (impactante videoclip insertado a pie de página) hay que darle de comer aparte. Turbadora, adictiva, in crescendo en su poder de embrujo, con una aparente estructura convencional estrofa/estribillo que va derivando hacia la psicodelia más abrumadora. Pura maravilla.

Foto de Anna Benet

En "The Decision" aparece "la línea" a la que se hace referencia en el título del álbum y se revela como el contrapunto entre la juventud y la vejez, la alborada y el crepúsculo, el inexorable paso del tiempo. Todo aderezado con una amalgama de incisivos sintes y estimulantes programaciones.

"October" arranca con un riff de arpegio guitarrero para abrazar el chill-wave con unos centelleantes teclados, tanto en los puentes como en el remate del estribillo. Otra perla.

lunes, 15 de marzo de 2021

ESCUELAS PÍAS - "Plantas Carnívoras" EP (El Genio Equivocado, 2021)

Tres meses después de la publicación del EP Plantas de Exterior (El Genio Equivocado, 2020) ESCUELAS PÍAS vuelven a la carga con otro, Plantas Carnívoras (El Genio Equivocado, 2021). Esto será así que completen los cuatro que formarán un nuevo álbum.

Cristian Bohórquez (ex-Sundae, ex-Blacanova y Martes Niebla) a los sintetizadores, guitarra, bajo y programaciones y Davis Rodríguez (ex-Sundae y Martes Niebla) a la voz, sintes y programaciones, vuelven a demostrar un estado de gracia que no es normal. Con Plantas Carnívoras confirman lo que se apuntaba en su anterior referencia; un mayor peso de las guitarras, una producción más majestuosa y una común temática vegetal, al menos en lo que concierne al título y arte del proyecto, obra del ilustrador Cristian Pineda.

"Lenguas Muertas" (videoclip cerrando la página) arranca el trabajo con un adictivo trallazo pop que nos invita a bajar de revoluciones vitales, revisar las convicciones de coexistencia establecidas, desaprender. La lírica como siempre incontestable: <<Quiero ser las prisas que te hacen parar, ser la sintonía de cualquier comercial. Quiero ser el chicle en tu pelo que se estira y se hace eterno. Hagámoslo más lento, sin tener que buscar el pretexto de correr...>>

Foto de Amaya Granell

El glam hace su aparición en escena con la maravillosa "La Proporción Celestial" y unas evidentes reminiscencias a los británicos Suede. Esa solemne batería omnipresente, una guitarra que tanto es compañía como gran protagonista, sintes contenidos hasta su desmelene en el estribillo, épica contenida... no queremos que acabe nunca. Su mensaje final huele a epitafio sentimental: <<Puedes hacer que el ritmo siga tus pies Que el sol no salga si no te viene bien Puedes ganar cualquier trofeo espacial Cualquier basura cualquier santo grial Qué harás esta vez Qué harás si no vuelve a sonar Qué harás si ya nadie te ve Qué haré>>.

Con "Nuevos Caminos Sin Salida" una base marcial junto a riffs guitarreros nos conducen por un trepidante viaje entre recovecos sonoros, mientras flashes de sintes parecen querer iluminarnos el paso. In crescendo, como con prisa para volver a la casilla de salida, "atreverse a parar" y es que un reseteo existencial nunca viene mal, mira por dónde me ha salido un pareado.

domingo, 7 de marzo de 2021

FERRAN PALAU - "Parc" (Hidden Track Records, 2021)

Parc (Hidden track Records, 2021) cierra, o no, ya veremos por qué derroteros va el siguiente trabajo de FERRAN PALAU, la trilogía que parece haber confeccionado junto a sus anteriores referencias Blanc (Halley Records, 18) y Kevin (Hidden Track Records, 19). Digo esto porque tanto a nivel musical como de concepto, e incluso de imagen, son trabajos con evidentes puntos en común. Cada vez más lejos estilísticamente se avistan sus dos primeros álbumes en relación a la propuesta actual . 

El combo familiar formado por FerranJordi Matas, productor y primo del artista, parecen haber anclado su sonido en una coqueta amalgama de R&B y neo-soul con permiso para el destello ocasional de flashes hip o triphoperos. Siempre con desarrollos a bajas revoluciones, como viendo el mundo en cámara lenta, su disfrute gradual se manifiesta más placentero. 

Como contraste a la naturaleza de su propuesta sosegada tenemos la vorágine compositiva en la que Ferran vive instalado durante los últimos tiempos. Sale prácticamente a disco por año, lo que no quita ni un ápice de frescura ni exquisitez al producto final.

La temática de sus discos siguen teniendo al amor como gran protagonista, aunque en gran parte de cortes sólo se intuya ya que, en esencia, sus letras son crípticas. Va arrojando frases al aire, con ello construye la canción y es una vez lanzada cuando el receptor la recoge haciéndola suya con el significado que mejor se adapte a lo que le transmita. Algo así como un lienzo sonoro sobre el que pintar las emociones propias de cada oyente.

Foto de Itsaso Arizkuren

A partir de que han ido avanzando sus lanzamientos se han ido desprendiendo capas, tanto a nivel de instrumentación como de lírica, desnudando su propuesta, llevándola al límite de la concreción. Perseguir irradiar lo máximo posible a partir de la fuerza descomunal de las pequeñas cosas, con un desenlace que no puede ser más eficiente.

Cada nueva referencia de FERRAN PALAU lleva consigo una puesta en escena a través del arte del disco, videoclips y merchandising, con temática conceptual que se pretende encajar con el contenido del álbum en si. El símbolo de Parc son unos globos y el motivo el cine de terror facturado en los años 80, chocando frontalmente con la refinada delicadeza que irradia. Una sorpresa a la que ya nos tiene acostumbrados el artista, tan dado a condimentar sus platos sonoros gourmet con salsa "agridulce". 

Parc arranca con "Reflexe", el que fuera avance del álbum con videoclip realizado por Òrbita y dirigido por Carles Pons (lo encontrarás al final de este artículo). En el reflejo, nunca mejor dicho en este caso, visual del corte se empieza a mostrar con fuerza la tesis/envoltorio de la obra completa. Un bosque, gente huyendo, un monstruo horrendo o al menos es lo que se intuye y el aparente triunfo del amor. Todo vistiendo un corte evocador hasta el extremo, con unas lánguidas guitarras, primero la acústica, luego rematando una tierna eléctrica. Esa batería quebradiza de fondo y una pareja de sintes determinantes, unos centelleantes otros señoriales. La guinda la ponen esos "uhs" vocales contenidos que van manifestándose y que seguirán haciéndolo en varios lances del disco.

"Lluny" es tan luminosa rítmicamente como afligida en su letra, el trabajo de la guitarra eléctrica sigue siendo definitivo con unos suculentos arpegios. En esta ocasión la base rítmica resulta más cadenciosa contribuyendo decisivamente a lo radiante que se propaga.

Foto de Silvia Poch

Con "Perdó" recuperamos la flojera armónica marca de la casa a través de un sensual R&B de alto copete. Un trio muy jazzístico formado por batería, bajo y teclados, trabajando como máquina bien engrasada lista para diseminar sugestión a mansalva.

"Amor" es esa vuelta de tuerca que siempre nos tienen preparados el binomio Ferran Palau/Jordi Matas en cada uno de sus trabajos, con ese filtro autotune con el que te podrías colar sin problema en la Aldea Pitufa. Cuentan en una reciente entrevista que fue la última canción compuesta del disco. Ferran se percató de que lo grabado no duraba lo suficiente para un álbum y le dijo a Jordi que en 24 horas tenían que sacar como fuera una canción más. Cumpliendo con lo que "de la necesidad se hace virtud" se sacaron de la manga el grabarla con ese plugin tan arriesgado y a la postre acertado. La letra, a modo lista de compra sentimental, también surge de la urgencia del momento.

Justo en el ecuador de Parc nos encontramos su joya más preciada, la gloriosa "Més Enllà". Nos sirve en bandeja la explicación a aquello de que el equipo Palau no busca la épica a la hora de componer, sino que dejan que sea ella misma, por si sola, la que emerja si le apetece. Aquí fluye de forma natural, sutil pero a la vez aplastante. Sólo voz y sintes, pero qué sintes, unos de monumentales muy ochenteros, al modo banda sonora de Stranger Things. Los susurros de fondo son el compañero ideal de esta fiesta para los sentidos.

lunes, 1 de marzo de 2021

THE PRUSSIANS - "Mantra" (autoeditado 2021)

THE PRUSSIANS llevan desde 2013 lanzando trabajos discográficos, con dos dos EPs, The Hills (2013) y Kerala (2016), más dos álbumes, Mul Mul (2014) y Karma (2018). Ahora llegan nos traen su tercer publicación en formato largo Mantra (2021) y con él la confirmación de su deriva hacia sonidos R&B y soul electrónico más refinados.

Dominic Massó, Tino Lucena, Ferchu Vallejos, Pau Enric Serra y Juan David Ayora son los componentes de una banda mallorquina que se autoproduce en su propio estudio Karmarecordspain. Pues de la producción quería hablar, porque resulta exquisita, logrando un sonido tan limpio como lleno de matices. Cada instrumento, loop, afinación y tono de la voz... todo está en el mejor lugar posible para sacar el máximo partido a cada una de sus composiciones.

Había un slogan publicitario de una conocida empresa de servicios de telefonía que rezaba, también a modo de "Mantra", aquello de "vienes por el ahorro y te quedas por nuestro servicio..."Con THE PRUSSIANS y Mantra también piqué el anzuelo por un reclamo, de más sustancia por cierto; por lo atractivo de su sonido, con la percepción de que bajo ese manto de producción impecable había más de una alhaja queriendo asomar su brillo. Finalmente me quedé con ellos al corroborar, escucha tras escucha, que iban emergiendo una tras otra. 

Arranca el trabajo con "Fragile Souls" y una base rítmica muy chillwave, muy autóctona, con suficiente groove como para no poder resistirte a bailarla, perderás. El riff de cuerdas omnipresente junto al trabajo de los sintes es esplendoroso.

"Make it better" con esa cálida guitarra, bajo pulsómetro, sintes concluyentes y bongos tribales asociándose a la voz de Dominic. La consecuencia es un regalo en forma de paisaje sonoro la mar de sugestivo, con videoclip insertado a pie de página.

Remarco que es un álbum muy bailable, al modo sosegado, incluso sensual, es lo que transmiten los acogedores ritmos de los medios tiempos que lo componen. Seguimos con buena prueba de ello con la sentimental "X song" y esa base trip-hopera pidiendo contorneo a gritos. El tratamiento de la guitarra, el cadencioso bajo, los flashes de sintes y sutiles coros ponen el resto.

"Mantra", la canción, y ese reluciente aire étnico ya desde su empiece con ese riff de cuerdas, parecen de sitar. Un viaje que Dominic Massó hizo a la India seguro tuvo mucho que ver, tanto en el proceso creativo de este corte en particular como del álbum en general. Luego su evolución sigue con un marcado groove electrónico enmarcando un corte altamente adictivo. La música puede cambiar tu vida igual como THE PRUSSIANS han cambiado su orientación rítmica hasta llegar donde parece su estado natural.

La elegancia cadenciosa de "Ride", una de las más inmediatas del álbum, impregna tus sentidos hasta no ser amo de ti mismo, tu cuerpo va a contornearse lo quieras o no. Tenemos incluso un alto en el camino en su ecuador con esos solemnes sintes 80's y vuelta a empezar hasta el final, consumando un corte maravilloso.

Con "Living Dream" volvemos a darle a los riffs raciales acompañados, entre otros elementos, de una fiesta en forma de percusión minimal, bajo percutor, sintes simulando vientos, batería nu jazz, con la certera aparición de la guitarra en los puentes... Lo que viene siendo otro tema embriagador.

lunes, 22 de febrero de 2021

Playlist "Música Crónica 2021" en Spotify


Durante el año vamos cazando al aire las canciones que van viendo la luz y que más nos tocan la fibra sensible. Este ramillete de perlas dan forma a la playlist Música Crónica 2021, habitando en nuestra cuenta Spotify. A medida que pasan las semanas y emergen novedades las adoptamos según el nivel de sugestión del que somos afortunados receptores.

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lunes, 15 de febrero de 2021

STEVEN MUNAR and THE MIRACLE BAND - "The Fish and the Net" (autoeditado, 2021)

STEVEN MUNAR ya tiene séptimo álbum de estudio en solitario, sexto junto a THE MIRACLE BAND, el coqueto y luminoso The Fish and the Net (2021). Steven se acompaña en esta ocasión de una banda compuesta por Patricia Serrano (guitarras), Sergio Mesa (bajo) junto a los colaboradores habituales Jordi Farreras (batería) y Marc Tena (teclados).

El álbum se inicia con "Trust" y lo hace de manera contestataria al criticar al modo Munar, con irónica elegancia, los totalitarismos a los que desgraciadamente demasiado acostumbrados estamos, incluso a través de democracias encubiertas. Todo envuelto en ritmos próximos a dos de los grandes referentes del británico/mallorquín afincado en Barcelona, los Deivids: David Byrne (Talking Heads) y David Bowie. No te pierdas su videoclip insertado a pie de página, una maravilla.

Después de un arranque tan certero, "Paint Your Truth" aguanta el tipo y de qué manera. Un medio tiempo donde las guitarras son determinantes de principio a fin, primero con pinceladas en forma de mini-riffs, luego como culminación de estribillo y finalmente a partir del segundo minuto desbocándose con un refinado solo.

"Tell Me Where I Belong" juega al despiste con su estrofa funky, pidiendo baile, en claro contraste con su melódico estribillo. Dos caras de una misma moneda que se reivindica como espléndido corte.

A la amorosa "Peach", navegando entre el pop y el soul, hay que quererla si o si, no hay plan B. La guinda la ponen los coros a cargo de Juliane Heinemann. Ella junto a Steven nos llevan cogidos de la mano hacia "She Talks about the Weather", la más extensa del conjunto con casi cinco minutos de duración. El clásico binomio estrofa y estribillo se tomará un respiro después de su segunda aparición, hacia el ecuador del corte. Con una especie de mandolina señalando, junto a los versos de Steven, la pausa necesaria para coger carrerilla. Encarando la segunda mitad de corte y así volver a abrazar la estructura inicial, pero esta vez derivando hacia la épica contenida. Una canción que es pura delicia.

Con "Creation" llega el momento más sombrío del álbum, aquí me recuerda especialmente a Bowie, bueno, ya señalamos al principio de estas líneas su gran influencia en el trabajo de Munar, como a tantos y tantos artistas, dicho sea de paso. Otro portento de tema y ya llevamos unos cuantos, demostrando que estamos ante el que quizás sea el álbum más completo de su carrera.

Si alguna canción puede sobresalir dentro un ramillete tan suculento como es The Fish and the Net esta es "The Sun and the Moon". Una balada pop maravillosa, con su estrofa y puente repetida dos veces, valga la redundancia, para dar paso al estribillo con la estelar aparición del violín y esos coros acariciando sus versos. Volvemos al puente pero esta vez para conducirnos de vuelta al estribillo, que en esta ocasión se expande y explota a modo de cañón de confeti con esos deliciosos solos de guitarra y violín, para concluir otra vez abrazando el estribillo.

La nostálgica "The  Fish Caught in the Net They Drown" con ese arpegio guitarrero omnipresente marcando el tempo. Esas mismas guitarras que se desprenderán de su timidez de golpe en el tramo final de la canción. Una batería jazzística y el acompañamiento vocal de la Lynne Martin culminan otro jugoso corte.

lunes, 8 de febrero de 2021

MARTIN GORE - EP "The Third Chimpanzee" (Mute Records, 2021)


Counterfeit e.p. (1989), Counterfeit 2 (2003), Sssss (2013) junto a Vince Clarke y MG (2015) eran el bagaje discográfico de MARTIN GORE más allá de los Depeche Mode. Ahora presenta el EP The Third Chimpanzee (Mute Records, 2021), un trabajo conceptual donde explora su lado más experimental y oscuro.

El mismo explica el proceso creativo de la obra:

“En este disco empecé trabajando en una parte instrumental de la primer canción, "Howler". Probé con una técnica de resintetizar vocales y sonaba muy bien. Después de que terminé ese track, estaba pensando en cómo llamarlo, y se me ocurrió que sonaba como algo humano pero a la vez sonaba como un mono. En el segundo track creí que sería buena idea volver a resintetizar las vocales y sonó nuevamente como algo deshumanizado. Ahí decidí nombrar a cada tema como un mono".

Para cerrar el círculo tituló el EP por el libro de 1991 The Rise and Fall of The Third Chimpanzee del geógrafo y escritor estadounidense de literatura ciéntifica Jared Diamond:

“Después de nombrar todos los tracks como monos, estaba leyendo ese libro y pensé que sería gracioso en un modo llamar al EP The Third Chimpanzee porque eso es un poco lo que somos. Y la manera que tuve de concretar esa idea que tenía fija en la mente fue encontrar a un mono capuchino que pintaba para que hiciera el arte del EP. Quedé fascinado al conocerlo, se llama Pockets Warhol, vive en Canadá y pinta para la caridad”.

Foto de Travis Shinn

Este ejercicio de convivencia, mimetismo o fusión entre el mundo animal y el humano lleva a MARTIN GORE al límite en lo creativo y a la vez consigue que, aunque en esencia sea su trabajo más arriesgado y comprometido, el resultado sea el más sugestivo y convincente de su carrera en solitario.

Grabado durante la cuarentena pandémica en los estudios Electric Ladyboy en Santa Barbara (California). Este trabajo enteramente instrumental, sino contamos como voz la suya propia resintetizada para la ocasión, arranca con "Howler" (videoclip insertado a pie de página). Un corte de esencia industrial y progresiva con un loop machacón que hace las veces de percusión como base, hasta que casi llegando a sus 3 minutos se lanza la melodía y con ella un cañón de luz invade la escucha. A medio camino entre reconfortante y abrumadora.

Llega "Mandril", la más inmediata del conjunto pese a su tendencia de oscura a directamente tenebrosa. Un sugerente y evocador big beat que bien podría etiquetarse como himno oficial de rave como erigirse en llamada de la selva de un Tarzán del siglo XXI. Tanto en un caso como en el otro invita al baile, ¿qué más se puede pedir?

Con "Capuchin" se reduce el nivel de nebulosidad aunque para nada el de inquietud y desasosiego. Un riff que se adivina extraído de sonidos animales tratados digitalmente; unas notas que tanto ascienden como de repente se desintegran. Una batería de combinación entre loops metálicos y orgánicos que se van incorporando a medida que va evolucionando el tema. Por último regresa el riff inicial al que hacíamos mención como preciso remate de corte. 

Foto de Travis Shinn

"Vervet" es la más extensa del trabajo con sus 8:30" y ese riff primo hermano al del anterior corte, emergiendo y desvaneciéndose. Debatiéndose entre el minimal techno y el dark ambient, erigiéndose en una experiencia hipnótica. Directamente entras en trance y sólo recuperas la noción del tiempo y del espacio con la aparición en escena de dos centelleantes avisos que actúan a modo de desfibrilador sonoro en los minutos 5:34'' y 7:38".

lunes, 1 de febrero de 2021

MADEE - "Eternity Mingled With The Sea" (BCore Disc 2021)

Quitando el cambio a la batería del joven Antonio Postius (ex-Mourn) por Lluís Cots el resto de MADEE sigue con la formación original, el mismo grupo de amigos que empezaron con este proyecto hará unos 20 años y que no publicaban álbum desde L'Antarctica (2007). Pep Masiques (bajo) Ramón Rodríguez (voz, guitarra) Adam Vives y Capi a las guitarras y Marc Prats a los teclados completan la formación. Una banda, pienso, infravalorada durante su primera etapa de vida. Como suele pasar en estos casos, una vez disueltos su aureola se agrandó considerablemente, el talento era incontestable y era cuestión de tiempo, demasiado en su caso. Ahora con los argumentos que presentan parecen abocados a subir al pedestal que merecen, porque de lo que vamos a hablar es muy, pero que muy grande.

En 2014 asomaron la cabeza con la publicación del doble single Age Of Ruin (BCore Disc) para conmemorar el décimo aniversario del Orion's Belt (2004). Allí empezó la colaboración en las letras del ya considerado séptimo integrante de MADEE Mark Swanson, un poeta y fotógrafo de Seattle que conocieron a través de Jeremy Enigk (vocalista de Sunny Day Real Estate).

La sonoridad de MADEE ha ido forjándose entre el emo y post-hardcore americano de principios de los 90's de bandas como Fugazi o los mismos Sunny Day Real Estate y el post-punk británico 80's de gente como Echo and the Bunnymen y los The Cure. Ahora se impone otra potente reminiscencia, la de los U2 en sus primeras referencias. El flamante álbum de regreso de los de Cabrils (Barcelona) Eternity Mingled With The Sea (BCore Disc, 2021) podría ser el trabajo definitivo que los irlandeses hubieran firmado publicar durante lo que llevamos de siglo XXI.

Es curioso como cambia aquí el registro vocal de Ramón Rodríguez en relación a su proyecto personal The New Raemon. Incluso y siguiendo el cotejo con el cuarteto de Dublín, sobre todo en las notas más agudas, su voz se da un aire importante a la de Bono

MADEE consiguen en su nuevo álbum, más allá de comparaciones o evocaciones, el manifestarse como una banda madura, más allá de lo evidente por la trayectoria y edad de sus miembros, alcanzando la plenitud sonora durante los 12 cortes de Eternity Mingled With The Sea.

Arrancamos fuertes con "Caldera" y con ella llega ya de entrada el momento más enérgico del disco con una banda que parece querer anunciar con paso firme y decidido su retorno. Con unas guitarras debatiéndose entre el riff y el rasgueo desatado, un bajo percutor, una rotunda batería y unos sintes que, aunque sutiles, son bien determinantes. Es además la más breve del conjunto, un puñetazo encima de la mesa envuelto en poco más de dos minutos. Con la espléndida "Like Spider Bites in Spring" nos empezamos a poner intensos, sobretodo en su estribillo, con esos vaporosos sintes intentando apaciguar unas guitarras que siguen a un nivel muy alto de protagonismo.

"Metamorphosis" es sosiego, conciliación, en este caso con uno mismo tal como reza la letra. Con su estrofa y su estribillo, bien marcados, hasta aquí todo elemental pero en manos de estos MADEE más que suficiente como para hacerte tocar el cielo. Además con un Ramón cantando como los ángeles, nunca mejor dicho, y un remate del segundo estribillo y hasta el final que es de gallina de piel.

La inquietud se apodera de la escucha con "Night Of The New Moon" y sus recovecos, con un tratamiento de la batería que resulta crucial en un corte con resultado arrebatador. Vuelve el brío con las mordaces guitarras del medio tiempo "Under the Sun" y una cautivadora evolución tanto en la estrofa como en el estribillo; partiéndolos en dos a ambos, confirmando, es una constante, el estado de gracia de la banda.

La culminación de este regusto a los U2 de principios de los 80's nos llega con el eléctrico "Hunting Party" y unas guitarras que tanto acompañan como definen; un bajo incendiario y una batería limpia a la par que categórica, con unos teclados que más que aparecer se intuyen. Intro, cambio de ritmo delimitado entre estrofa y estribillo con un solo de guitarra al inicio de la segunda estrofa, todo ello en apenas dos minutos y medio impecables. 

"The Way Home" sería la balada del álbum sino fuera por su reavive en el estribillo. Aún con eso se erige en una canción transmisora de placidez pese a su turbadora lírica. Se inicia con ella la segunda mitad del Eternity Mingled With The Sea y con ella su vertiente más reposada.  

La nostálgica "Blanchard Avenue Blues", una avenida de Seattle que inspiró a Swanson para enmarcar el devenir del tiempo y sus consecuencias a través de un apetecible medio tiempo, valga la redundancia. Tiene su reflejo audiovisual en el videoclip que insertamos a pie de página. Seguimos con cadencia semejante en "Feelings Of Inadequacy", además su letra parece una culminación de la del anterior corte con ese <<...Through the streets of time...>> que se graba a fuego en la memoria.

sábado, 30 de enero de 2021

PRESUMIDO se despiden con "Quiero Respirar"

Este viernes 29/01/21 Tarci Ávila y Nacho Dafonte (PRESUMIDO) sorprendían a propios y a extraños con esta comunicación a medios y también en sus redes, la reproduzco literal:

"No nos gustan las despedidas.

Por eso estas líneas no son para decir adiós sino para agradecer tanto cariño recibido durante estos años.

Sabemos que la situación actual de la música es inmensamente desafiante, al mismo tiempo debemos decir que nuestra decisión es 100% creativa. Hemos vivido varios años como queríamos y ahora queremos vivir de otra forma, explorar otros territorios usando todo lo aprendido para seguir creciendo como artistas y seres humanos.

Como las palabras desnudas no son nuestro fuerte, os dejamos una última canción a modo de banda sonora de este momento: “Quiero Respirar”. Agradecimiento especial a la gran artista mexicana Pau Sotomayor por poner su voz y corazón en estos últimos versos.

Si todo va bien, todavía nos veremos este verano en los festivales que ya nos han confirmado (Mad Cool, Gigante, MUWI) y algunos otros que todavía no han anunciado sus carteles 2021.

Gracias por habernos regalado un sueño, nos habéis hecho sentir muy afortunados."


Encaramos un 2021 lleno de esperanzas e ilusiones, la música nos salvó durante el pasado año con PRESUMIDO y sus maravillosos 3 singles incluidos. Con ella ya contábamos para sobrellevar lo que nos viniera. Pues bien, vamos a peor en todo y ahora además parece que en lo musical tampoco se nos da tregua con noticias como la que nos ocupa. La remontada seguro que va a llegar pero no se debería hacer tanto de rogar.

Como le dije personalmente ayer a Tarci una vez han decidido cerrar la etapa de PRESUMIDO seguro será lo mejor para ellos, no lo tengo tan claro que lo sea para sus seguidores, tiempo al tiempo, primero habrá que cicatrizar el disgusto.

lunes, 25 de enero de 2021

JÚLIA - "Casa" (Hidden Track Records 2021)

Siempre es un momento especial el de reseñar el primer álbum lanzado en el año en curso y en este 2021 le ha tocado al nuevo trabajo de JÚLIA. El nombre de la banda tiene connotaciones personales muy potentes para quien escribe por lo que además me hace especial ilusión que así haya coincidido. Casa (Hidden Track Records 2021) es el tercer álbum de Estela Tormo (voz, guitarra, bajo y sintetizadores) y Lídia Vila (voz y sintetizadores), media hora que transmite vitalismo y positivismo, lo cual se agradece y más en estos oscuros momentos que nos toca sobrellevar. La propuesta dream-pop sigue embriagadora y bien cimentada pero notamos que en muchos lances del trabajo la balanza entre el "dream" y el "pop" se decanta ligeramente hacia lo segundo. Incluso se atreven con una bossa-nova electrónica para su cierre "Ut". Mira por dónde en esta ocasión parece que arranque el repaso del álbum empezando la casa por el tejado, nunca mejor dicho.

Aunque el nombre del disco nos lleve a pensar en su vínculo con el momento forzadamente domiciliario que nos toca vivir, ellas aclaran que es un trabajo pre-pandemia, por lo que su connotación es puramente casual. En la nota de prensa lo explican como <<una reconexión, la de la vuelta después de un agitado viaje del que se han extraído lecciones que sólo pueden comprenderse lejos de casa>>. Después de visitar el espacio exterior en su anterior álbum, más concretamente un exoplaneta a cuatro años luz del Sistema Solar llamado Pròxima B (Malatesta Records / Hidden Track Records 2017), no me extraña que deseen reencontrarse con lo hogareño. Lo demostraron también con el proceso creativo del trabajo, cimentado durante una residencia artística de tres meses en Alcoi.

Foto de Jordi Arques

En los dos últimos álbumes JÚLIA han adoptado prácticamente un tercer miembro en el productor Javier Vicente, Carasueño (Tulsa, Alondra Bentley, Calavera). Acicate definitivo, junto a una mayor implicación si cabía de la banda en la producción, a la hora de justificar el nivel de riqueza instrumental y de detalles volcados en Casa. Lo curioso del caso es que en su álbum con regusto más mainstream quizás sea el más experimental en su gestación por la utilización de diversos objetos domésticos digitalizando los ruidos que podían emitir y mostrándolos en diversos lances del trabajo. Una suerte de fusión entre lo orgánico y lo sintético con espléndido resultado.

Un disco que empieza jugando al despiste, con un "Tradicional" de seis minutos de duración que durante su primera mitad hecha por tierra nuestro argumento de cuando decíamos lo de la inclinación hacia sonidos más inmediatos del grupo. Un piano y unas programaciones maravillosas junto a juguetones ecos vocales amenizan la velada hasta que llega la guitarra y empieza otro tema dentro del mismo. La dupla vocal junto a unos sintes 80's y bases electrónicas rematan la faena y con ella un inicio arrebatador de álbum.

"Voltors" podrás hasta bailarla y no será la única ocasión que te encontrarás en esa tesitura durante la escucha, otra de las evoluciones que encontrarás en Casa respecto a sus precedentes. No hagas caso a su inquietante título, "buitres" en castellano, su ritmo y evolución animosa te embrujará hasta tal punto que no podrás ser dueño de tu cuerpo, avisado/a quedas.

Foto de Jordi Arques

"L" fue su single avance (videoclip insertado cerrando la página), un delicioso synth-pop con cautivador desarrollo de estrofa, estribillo, puente con remate en forma de galimatías lírico como guinda y vuelta a empezar. Llega "Plom" y con ella un buen exponente de ese pop metafísico que tanto está calando últimamente en la escena mediterránea, jugando entre lo sugerente del sonido, lo encriptado de su letra y lo encantador de su resultado.

"Flash", dream-pop de altos vuelos, también por el poder levitante que irradia. Su placentero desarrollo hace que contemplemos el encare del tridente final de cortes desde la estancia más confortable de esta Casa.

sábado, 23 de enero de 2021

PAU VALLVÉ presenta el music film "Tot el que brilla'"


PAU VALLVÉ presenta Tot el que brilla, un music film con cuatro canciones de su último disco La vida és ara (auto-editado 2020). El vídeo está protagonizado por la actriz Ana Alarcón y la ha dirigido la Loida García.

La historia, co-escrita por PAU VALLVÉ y Loida García, trata de la lucha con uno mismo, con los propios traumas y heridas no curadas. Es un relato circular que termina tal y como empieza y así vuelve a empezar. Un bucle infinito. 

Las canciones que aparecen son: 'La vida és ara', 'Èpoques glorioses', 'Copiar/Pegar' y un fragmento de 'Tothom vol ser feliç'. Puedes ver el videoclip insertado a pie de página.

Próximos conciertos:

27/01 VALÈNCIA – La Rambleta > Entradas
30/01 BANYOLES – Auditori de L’Ateneu > SOLD OUT
06/02 CARDEDEU – Teatre Auditori (Festival Tastautors) +Jordi Serradell > Entradas
13/02 OLOT – Sala Torín > Entradas
26/02 VILAFRANCA DEL PENEDÈS – Auditori (Festival Hivernacle) > SOLD OUT
04/03 BARCELONA – Sala BARTS (GuitarBcn) > SOLD OUT
04/03 BARCELONA – Sala BARTS (GuitarBcn) > Entradas
13/03 VILANOVA I LA GELTRÚ – Auditori Eduard Toldrà > (Entradas a la venta el 23 de enero)

Sigue a PAU VALLVÉ en la red>

  




Fuente: nota de prensa de Bankrobber.

lunes, 18 de enero de 2021

NACHO CASADO - "Amor, Música y Lágrimas" (Hidden Track Records, 2020)


Elegancia, calidez y sensibilidad vestidas con ritmos bossa-nova y jazz, es el preciado contenido de Amor, Música & Lágrimas (Hidden Track Records, 2020), segundo álbum en solitario del ilicitano Nacho Casado. En el acústico debut Verão (2018), con voz, guitarra y contrabajo, ya se perfilaba un cambio de rumbo estilístico dejando atrás el pop-folk de su anterior proyecto La Familia del Árbol, junto a su pareja Pilar Guillén. En el presente trabajo se rodea además de minuciosa instrumentación para enriquecer el resultado. A su voz y guitarra clásica se le une la batería y percusión de Zeke Olmo, el contrabajo y el piano a cargo de Alejandro Tamayo y la colaboración decisiva de la sección de cuerda del grupo Cosmotrio, con Marta Iglesias (violín), Lorena García (viola) y Clara Molina (violonchelo). El conjunto se conjura durante la escucha para incrementar el regusto a lo que podría ser banda sonora perfecta para una película romántica de los años 50's, una época que a Nacho le fascina sobremanera.       

La mayor parte de los ingredientes de Amor, Música & Lágrimas te los tropiezas ya de entrada con el primer corte "Alta Sociedad". Una acogedora bossa-nova que te envuelve e incluso incita a un leve contorneo corporal. Su lírica incluye cuatro de los pilares que sostienen la esencia del álbum: <<Ey amor, vacaciones en el mar, me han chivado que, no te va mucho el jazz... Uh, si desafino amor, dame esa nota que yo, esa que abre tu corazón>>.

"Directo a la cima", la más breve del conjunto y aún así con tres bloques bien marcados; su intro soulera, estrofa canicular y adorable estribillo. Todo en sólo dos minutos que es lo que dura este hito de concreción sonora. 

Llega la maravillosa "Cantando bajo el sol" (videoclip insertado a pie de página). Un clásico fabricado en 2020, nostálgico himno retro-pop que huele a salitre y, como apunta Nacho en su letra, a <<...brisa marina y agua de mar>>. Seguiremos un buen rato en terrenos exquisitos y melancólicos como con "Bienvenido a L.A." y ese remate con el trío de cuerda que es pura delicia. Aprovechamos para ahondar en el gran protagonismo que adquiere en todo el álbum el tándem violín, viola y violonchelo, rúbrica perfecta para constatar el alto grado de elegancia reinante. 


"Lady Day" y "Los Apóstoles del amor eterno" contienen quizás el poso más jazzístico del trabajo. La primera, delicada y lánguida, una preciosidad de bolero que invita al baile de "agarrao", piel con piel. La segunda, otro portento, más rítmica, con estrofa, puente y estribillo bien delimitados conjurándose para marcarse a fuego en tu retentiva. 

Con "Acapulco" regresa con fuerza la evocación tropical, su título le delata, además contiene una palabra clave en el hacer y sentir de NACHO CASADO, "saudade". Una transmisión de melancolía crónica, presente en gran parte de su obra.