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martes, 29 de abril de 2025

RINÔÇÉRÔSE - "Psychôanalysis" (YEEESS, 2024)


La experimentada dupla francesa formada por Patou Carrié y Jean-Philippe Freu vuelven tras siete años desde su anterior publicación en formato largo con, precisamente, séptimo álbum de estudio: "Psychôanalysis" (YEEESS, 2024). RINÔÇÉRÔSE se han agenciado nuevo productor con Vincent Leibovitz y vienen dispuestos a seguirnos hacernos bailar con su fórmula electro-pop bien hospitalaria a sonoridades como el funk, house, rock o disco. Es lo que vienen haciendo desde hace casi 30 años y ya parece que no van a cambiar.
 
El álbum contiene cuatro cortes cantados y ocho instrumentales arrancando con la rompepistas "Awake" y la intervención vocal del francés Benjamin Diamond asociándose con unos riffs guitarreros irresistibles. Le sigue "Teenage hormonal revolution" resultando adictiva a más no poder con esa crudeza eléctrica entrelazada a su naturaleza menea caderas.
  
El corte titular 
"Psychôanalysis" (videoclip insertado a pie de página) cuenta con la colaboración de la cantante sueca Izzy Lindqwister desplegando todo su poder de sugestión en una especie de electro-kraut que me vuelve loco. En "Metamorphism" asoma la cabeza un house respaldado por loops imposibles, rasgueos guitarreros y un bajo que se gusta y mucho, nada puede salir mal.


El bajo repite protagonismo en "My heroes and my ego" con un riff oscurillo que se marca a fuego mientras la envoltura rebosante de sugerente electrónica pone el resto a otro corte arrebatador.

"Sunny disposition" contiene la tercera intervención externa del conjunto con el inglés Bnann Watts al micro. Su melódico desarrollo se desmelena en el tramo final con un inesperado subidón. Nos sobreviene el último artista invitado de Psychôanalysis en "Addiction" con el galo Jessie Chaton y su falsete exterminador ligando a las mil maravillas con el alma funk del tema.

sábado, 29 de octubre de 2022

Javiera Mena - "Nocturna" (Meni / Sonido Muchacho, 2022)


JAVIERA MENA es la representante de Eros en la tierra, según la mitología griega el dios responsable de la atracción sexual. Al menos podría opositar con garantías para ello porque no vas a encontrar un álbum que desprenda tantas feromonas por surco como Nocturna (Meni / Sonido Muchacho 2022), quinto trabajo de estudio de la chilena.

El proceso de composición del disco arranca en 2020, junto al contexto social de la pandemia y el Estallido Social de Chile, yendo desarrollándose hasta llegar a la presunta nueva normalidad. El poder de la resiliencia a partir del hedonismo y sobre todo del deseo carnal parece haber ganado el partido por goleada, desde un enfoque sonoro y lírico extremadamente elegante. Acicalado por una exquisita producción electro-pop, aspecto recurrente en la artista pero que en el presente trabajo alcanza niveles de sugestión supremos.

Javiera ejerce como la mejor relación publicas del archipiélago griego con "La Isla de Lesbos", arranque de Nocturna y a la vez contenedor del dogma del disco: baile, sugestión, pasión y playa. Combinación victoriosa con la expresión más liberadora de la condición homosexual como guinda para un tema irresistible.

Foto de Jesús Leonardo

Ecos 80's se hacen recurrentes durante la escucha del álbum y en "Debilidad" despliegan su alfombra roja. Unos sintes centelleantes, bajo dominatrix y ese sólo de saxo consumando el hipnótico ambiente pseudo-funky reinante.

Ya es definitivo, nos mudamos a la pista de baile con el tridente siguiente de cortes. El house de "Peligrosa" es una locura, con ese saxo suicida, disparos de metralleta ejerciendo de loops, rapeo evocador de Javiera y un arrollador groove que invita a sudar mientras se entrelazan los cuerpos. "Sombra" es inclasificable, todo un festival sensorial con efectos a tutiplén y rugidos de león como colofón. Llega la vigorosa "Diva", inspirada en las noches de verbena en Santiago de Chile, con ese ritmo in crescendo en la estrofa hasta desbocarse con un vertiginoso cambio en el estribillo y el remate del artista andaluz Chico Blanco. ¡Danzad, danzad, malditos!    

Después del fiestón trasnochador abrimos las ventanas para que entre una gratificante brisa balearic que nos irá envolviendo durante los siguientes instantes del álbum. Lo notamos sutilmente en "Dunas", sobre todo en su fogoso tramo final, con la colaboración de la también chilena Myriam Hernández. Certificamos la influencia de la brisa marina mediterránea en la amorosa "Me Gustas Tú" (videoclip insertado a pie de publicación), con la calidez de esa guitarra acústica en la intro y el embrujo de la flauta travesera ejerciendo de gran protagonista, inyectando además un potente sabor retro en el maravilloso conjunto; y la sensualísima "Eclipse Total", con ese dueto mágico de violines/bajo presentando ramillete de jadeos culminados por un saxo a modo del cigarrito de después.

Foto de Jesús Leonardo

Seguimos alojados en un ambiente rozando lo tórrido con "Corazón Astral", una incitación al logro del placer sexual mientras contorneas el cuerpo, si quieres también bailando, o ambas cosas a la vez, a tu elección.

sábado, 22 de octubre de 2022

Hot Chip - "Freakout/Release" (Domino Recording, 2022)


Alexis Taylor (voz, sintes, guitarra) Owen Clarke (bajo), Al Doyle (guitarra), Joe Goddard (sintes, percusión) y Felix Martin (sintes, programación) forman HOT CHIP y Freakout/Release (Domino Recording, 2022) es su octavo trabajo de estudio.

El nuevo álbum de los londinenses es un festival de melodrama disco, funky y electro-pop. Un cóctel emocional agitado, no revuelto, con experiencias personales, secuelas pandémicas, problemáticas sociales i medioambientales, todo sobre lo que poder desfogarse uno dejándose la piel encima de la pista de baile.

Freakout/Release contiene el quinteto de cortes inicial que conforman una de las primeras mitades de discos internacionales más incontestables de los últimos tiempos. La sugestiva "Down" arranca con todo, cimentada sobre un sample de "More Than Enough" de Universal Togetherness Band, provocando seguro el contoneo de caderas gracias a su elegancia funky.

Foto de Pooneh Ghana

"Eleanor" (videoclip insertado a pie de página) es el hit más reconocible del álbum, inmediato, adictivo, irresistible. Si la anterior podías bailarla esta ya viene con el decreto de obligatoriedad incorporado.

Se desata la locura con el inquietante tema titular "Freakout/Release", una hipnótica combinación entre el "Killer" de Adamski con los LFO y su "Freak". La banda explica que esta canción fue el punto de partida de la composición del álbum al encontrarse próxima a su versión del "Sabotage" de los Beastie Boys.
 
Llegamos a terrenos emocionales estratosféricos con "Broken" y "Not Alone", coincide que son mis dos preferidas del disco. La primera un synth-pop tan preciosista en su melodía como desgarrador en su naturaleza, para bailarla con lágrimas en los ojos. La segunda, agridulce como ella sola, nos muestra una luz al final del túnel a través de unos balsámicos sintes y la voz de Alexis, más pulida que nunca, a modo de apósitos cicatrizantes para miedos y angustias.

Foto de Pooneh Ghana

El sugestivo medio tiempo "Hard to be Funky", con la intervención de la artista Lou Hayter, nos teletransporta a los 80's sin menearnos de nuestra base de escucha. Mientras "Time" si que reclama movimiento por nuestra parte, como el de desplazarnos a la pista de baile más cercana siguiendo la estela de su arrebatador estribillo. ¡Danzad, danzad, malditos! Parece que nos griten HOT CHIP con este corte o el siguiente "Miss the Bliss", un adictivo house con inesperado break gospeliano en su ecuador, refugio privilegiado donde coger aire para seguir dándolo todo hasta el final.

miércoles, 3 de agosto de 2022

ELECTRONIC - "Electronic" (Factory Records, 1991)

 

Imagínate por un momento que se junta JOHNNY MARR, guitarrista y compositor de la banda indie-rock más influyente de la historia, con BERNARD SUMNER; también guitarrista, con experiencia en los sintetizadores y cantante de uno de los grupos más inspiradores y legendarios, al atreverse a evolucionar su post-punk inicial hacia terrenos electrónicos. Esto pasó en realidad y de ello surgió ELECTRONIC, un supergrupo de Manchester, enfocado a la pista de baile, donde este dúo de ensueño coescribieron la mayor parte de su producción entre 1989 y 1999, con 3 discos y varios singles, colaborando con Neil Tennant y Chris Lowe (PET SHOP BOYS) en 3 pistas en sus primeros años, y con el ex-miembro de KRAFTWERK, Karl Bartos, en 9 canciones durante 1995.

Los dos ingleses se conocieron en 1984 cuando el guitarrista de los THE SMITHS contribuyó a una canción de la banda también británica QUANDO QUANGO, a la que estaba produciendo Sumner. Más tarde, en 1988, Bernard, sintiéndose frustrado porque sus compañeros en NEW ORDER no eran del todo receptivos a su deseo de añadir más programaciones de sintes, decidió lanzar un álbum en solitario. Pero descubrió que no le gustaba trabajar solo, por lo que llamó a Marr y le pidió ayuda. 

Por otra parte es importante recordar que una de las razones de la disolución de los Smiths fue que su guitarrista quería evolucionar hacia otros sonidos mientras MORRISSEY se quedaba anclado con la estética años 60's vestida musicalmente con el jangle-pop que tan célebres les hizo. Todo sumado completan los motivos de la gestación de ELECTRONIC.


Dicho sea de paso al final de la corrida Bernard Sumner ganó la batalla estilística en su banda principal y como fruto sacaron en 1989 uno de los discos más bailables y alucinantes de su trayectoria, el Technique.

Inspirados por la música dance contemporánea como el Italo disco, el techno o el acid-house, el concepto inicial de ELECTRONIC era lanzar discos de marca blanca en Factory Records y seguir siendo una entidad anónima, en contraste con su considerable reputación con The Smiths y New Order. En 1989, el cantante de PET SHOP BOYS, Neil Tennant, sugirió una colaboración cuando se enteró de la asociación. Los frutos de esta unión se convirtieron en “Getting Away with It”, el primer single de ELECTRONIC que fue lanzado en diciembre de 1989 y vendió alrededor de un cuarto de millón de copias. Fue un éxito Top 40 en Estados Unidos la primavera siguiente y realizaron una gira acompañando a los DEPECHE MODE en agosto de 1990. 

Tras el éxito inicial, Sumner y Marr decidieron tomar un atajo más comercial, combinando a saco sintetizadores, guitarras y tecnología analógica.

ELECTRONIC debutaron discográficamente con un álbum homónimo lanzado en 1991 por el sello Factory Records y que arranca con “Idiot Country” y la guitarra de Marr haciendo de las suyas junto con unas melodías y programaciones para a deshacerse del gusto en un tema que denuncia la presión policial de la que era objeto la cultura rave en aquellos momentos en Gran Bretaña. Le sigue la muy New Order “Reality” y "Tighten Up", donde flashes de la guitarra de Marr nos teletransportan a su época con los The Smiths.


Continuamos con el repaso al disco debut de ELECTRONIC con dos canciones que cuentan con la colaboración de los Pet Shop Boys: la sugestiva y elegante “The Patiente of a Saint” y la ya mencionada anteriormente “Getting Away with It” (videoclip insertado a pie de página), cantada a dúo por Sumner y Tennant. Su precisa producción incluye una orquesta completa conducida por Anne Dudley de THE ART OF NOISE además de la aparición en su ecuador de un solo de guitarra española a cargo de Marr a modo de guinda del pastel.

Seguimos con el corte "Gangster" y lo haremos bailando hasta que llega la pieza instrumental del conjunto, "Soviet". Después nos encontramos con el adictivo medio tiempo "Get the Message", con unos encantadores riffs de guitarra acústica y coros femeninos incorporados.

miércoles, 15 de enero de 2020

RAYOTASER - "Robocops" (La Melona / Ataque!, 19)

RAYOTASER es el proyecto personal del músico pontevedrés Álex Mera. Antes pasó por COLECTIVO ORUGA, una banda con un par de álbumes más que notables en su haber, como lo fuera Paraíso Caníbal (Matapadre), uno de nuestros destacados del 2013. En esta nueva aventura musical lo acompaña Pablo Rodríguez (ex de IGLOO).

Los gallegos evolucionan en la actualidad hacia un techno-house bailable y complaciente. Acentuándose esta deriva en el espléndido Robocops (La Melona / Ataque!, 19) ya que en su EP debut Tengo que pedir perdón (2016) habitaban sonoridades más densas y oscuras.

¿Te acuerdas de las versiones maxi-single? No me refiero al maxi-single como formato físico sino como reinvención extendida de una misma canción, por lo general un hit. Lo menciono en pasado porque parece un formato prácticamente extinguido en la actualidad. Pues bien, Robocops contiene ademanes de recopilación de maxi-singles. Tanto la duración de la mayoría de sus cortes como el desarrollo de los mismos dan buena muestra de ello. Es parte de la grandeza y de la peculiaridad de este enorme trabajo.

El acogedor medio tiempo electrónico "San Junipero" fue el primer avance del álbum y su actual arranque. Con él enseguida nos impregnamos de esos ecos retrofuturistas que desprenden las sonoridades de RAYOTASER. 

Aparece "Todo lo que pido" y con ella no se nos cae la baba, se nos desborda la saliva de todo el mes. Una locura synth-wave con cierto aroma kraut purulando por ahí. Además aquí se nos presenta con la versión de ocho minutos y medio para aún más gozo y disfrute. Cuidado con sus dos últimos minutos, son dignos de la rave más depravada. Puedes escuchar la versión single mientras visionas su videoclip al final del post.


Cogemos aire con la agridulce "Si tú lo ves", delicada en apariencia pero con intermitentes loops desbocados que desenmascaran su espíritu bailable. A que, para bailable "Mientras tanto", esta si que no esconde nada, cinco minutos y medio del trance más salvaje. 

Con "Lo he oído" seguimos con la fórmula de un corte más reposado tras otro de enérgico. Melancolía, elegancia, muy 80's, bueno, de hecho las reminiscencias a esa década son continuas en todo el álbum, empezando por su título.

sábado, 23 de marzo de 2019

MUCHO - ¿Hay alguien en casa? (Kartoffel Kollektiv, 19)

MUCHO es el proyecto, ahora ya sí personal e intransferible, de Martí Perarnau IV. Entre 2016 y 2018 arrincona los instrumentos musicales convencionales recluyéndose en su casa con ordenadores varios y liberando al artista electrónico que habitaba en su fuero interno. Con la complicidad de Emilio Saiz (Iván Ferreiro, Nothing Places, Oso Leone) empieza a dar forma a esta barbaridad de trabajo que es ¿Hay alguien en casa? (Kartoffel Kollektiv, 19).

Posteriormente se añaden diferentes sintes, piano, vocoder, alguna guitarra, bajo, batería y voces de la mano de Ricky Falkner (Egon Soda, Standstill, Love of lesbian), Xavi Molero (Egon Soda, Iván Ferreiro) y Emilio Saiz. La producción corre a cargo de Ricky Falkner, Santos Berrocal, Fluren Ferrer y el propio Perarnau IV.

Es un álbum cuyo devenir evoluciona desde el atardecer hasta el amanecer de una noche urbanita. Momentos perfectos para dar rienda suelta a los sentimientos de frustración, soledad, rebeldía e inconformismo del artista.

¿Hay alguien en casa? nace con el mismo año que el artista manresano, "1985", un corte muy bailable, una de las características de este trabajo, propenso a la pista de baile. Otra particularidad del álbum sería que, por su duración y desarrollo, los cortes parecen auto-versiones maxi-singles, así como los sutiles enganches entre ellos que facilitan que podamos escuchar el disco del tirón a modo de DJ sesion.

Cambiamos el house-trance del arranque por el elegante synth-pop de "El enemigo ahora vive en todos nosotros" (clip a pie de reseña), uno de los que fueran cortes avances del trabajo junto a la desangelada y melancólica "Ahí te quedas, Perarnau" y el contestatario rave "Putochinomaricón", donde MUCHO va repartiendo estopa a diestro y siniestro con una lírica donde toparse con perlas como: <<Azúcar, calorías vacías, aceite de palma, grasas saturadas, pagar el gimnasio para quedar bien en el trabajo... Cárcel, todos terroristas independentistas enemigos del estado cuadriculado, vas a estar encerrado tres años por hacer canciones, pero libre toda la vida con la brisa marina meciendo tus mejillas aunque te hayas llevado más de lo que vamos a ganar en toda la vida... los delirios de grandeza están patrocinados por Endesa... Rojo, ateo, Putochinomaricón, no vengas por esta iglesia a pedir confesión porque ahora y de siempre Dios es sólo español...>>




Las hipnóticas y reflexivas "Nunca pegarías a un hombre con gafas" y "Se que soy una anomalía"; mellizas tanto en temática como rítmicamente, con unos beats marciales que seguro provocarán sutiles oscilaciones en tus caderas.

El baladón del conjunto, "Soy un aeropuerto". Da la sensación como si Perarnau haya recogido las 9 canciones restantes de ¿Hay alguien en casa? y después de pasarlas por un turmix hubiera rebajado al mínimo sus beats por minuto, obteniendo como resultado esta delicia.

lunes, 21 de mayo de 2018

DARLYN VLYS - “Prince in the Rain” (Sincopat, 18)

El sello valenciano Sincopat publica este 2018 el debut en formato largo del artista electrónico galo DARLYN VLYS, Prince in the Rain. Sylvain Soulier, aunque originario de Nimes, está afincado en Valencia desde hace ya unos años, base de operaciones desde dónde expande sus ritmos techno-house por todo el mundo.

Pero no fue siempre así, Sylvain de jovencito le pegaba más al rock, siendo partícipe de varias bandas donde llegó a tocar la guitarra, el bajo, los teclados y la batería.

Ha publicado en sellos tan importantes de la escena de electrónica de club como: Get Physical, Upon You, Suara, My Favorite Robot o el mismo Sincopat, donde se estrenó en 2010 con el EP Soleil Levant.

En Prince in the Rain da rienda suelta a su admiración por los compositores de bandas sonoras como Giorgio MoroderEric Serra o el más evidente, Vangelis. De hecho el arranque de álbum "They are coming" parece un bonus tracks de la B.S.O. de Blade Runner y nos sirve de perfecta pasarela por la que adentrarnos en esta majestuosa nave nodriza de la electrónica que es Prince in the Rain.



Alternando galácticas instrumentales como "Retrograde", "They are coming", "Decadencia", "Midnight" o "Map to the stars"; con otras más propensas al baile como los chupinazos technos "Mellizos", "Paradoxal" o "Tears in rain". También cortes con acompañamiento vocal más evidente como la bucólica "Learned to hide" (clip al final del post) o la sorpresa dark-wave "Sun in hell". Como cierre, la conmovedora "Surface", poniento un punto y final solemne al conjunto.

jueves, 9 de noviembre de 2017

NULL + VOID - "Cryosleep" (hfn music, 17)

El productor musical Kurt Uenala (Moby, Sara Bareilles, Soulsavers, Black Ryder, Depeche Mode) debuta con el alias NULL + VOID y un discarro bajo el brazo, Cryosleep (hfn music, 17).

El suizo afincado en Nueva York no está solo en este trabajo ya que cuenta con la colaboración vocal de Dave Gahan en "Where I Whait" (clip al final del post), sin duda el hit más inmediato del conjunto, fácilmente podría pasar por un medio tiempo y de los buenos, de los mismos Depeche Mode.

También le acompañan Black Rebel Motorcycle Club en "Falling Down", etéreo y envolvente arranque del álbum; de The Big Pink en "Take It Easy", uno de los cortes más amables del conjunto, recordándonos a los New Order más melódicos; y de Light Asylum en la trepidante y enigmática "Hands Bound".

Entre las instrumentales encontraremos momentos para el baile con las technos "Asphalt Kiss" y "Come to me", y la más house "Paragon". Otros para el disfrute tal cual banda sonora espacial, como con la rítmica "Into the Void"; la gélida y a la vez dulce "Foreverness"; y la muy Vangelis "Lost and Blind", confirmando con su sonido la tendencia de Kurt por una electrónica ligada a conceptos entre cósmicos y místicos.


Brillante primer álbum de NULL + VOID, un disco variado, tanto en las sensaciones que transmite como en los ritmos que presenta. Cryosleep es toda una exquisitez electrónica lista para tu disfrute.

martes, 27 de octubre de 2015

THE WARDENCLYFFE - “Electricity” (2015)

WARDENCLYFFE son Iván Oechsle y Valen Haralam, dos amigos residentes en Tarragona que se lo pasan pipa jugueteando con la electrónica más bailable. Sintes y secuenciadores cogidos de la mano concibiendo a su paso los ocho temas originales más tres remixes recopilados en Electricity (2015), su primer largo.

El nombre de la banda no fue escogido al azar, hace referencia al inventor croata de finales siglo IX principios del XX Nikola Tesla. Su proyecto más ambicioso fue la construcción de una torre (Wardenclyffe) con la que se pudiera enviar electricidad inalámbricamente a todo el planeta. A partir de ahí solo falta ligar cabos y comprobar la evidente relación catódica con el dueto.

Cómo somos más que curiosos, cotillas; pedimos a Iván, bajo secreto de confesión, que nos detallara los "samplers" más sustanciosos que habían utilizado para completar este disco rompepistas, así como alguna que otra curiosidad destacada. Avisamos que hay otros más escondidos que os invitamos a destapar en forma de juego:

miércoles, 1 de mayo de 2013

Místicos de Cafetería - Sólo Somos los Payasos (2012)

Místicos de Cafetería es una prolífica banda que, desde su fundación en 2011 por el oscense Luis Feel, van prácticamente a disco por año. Tras debutar con Para Aprender a Bailar en octubre de 2011, en octubre de 2012 ve la luz Sólo Somos los Payasos grabado en Antipop, mezclado y masterizado por Antonio Escobar, cuya portada es una instantánea de la fotógrafa Alba Escuer (igual que en su primer disco).

És el con esos sintes setenteros y ritmos envolventes empieza nuestro tránsito por este ecléctico álbum. La Balada de Dj Bollywood con ese riff de guitarra, los violines sintéticos,  las trompetas, el rapeo, cambios de ritmos... al final como resultado se manufactura un pedazo de pieza dance con espíritu maxi-single. La apocalíptica Harum Scarum al estilo BSO de Miami Vice, nos abre la puerta hacia una de las perlas del disco, la preciosista balada  Demasiado Amor. Por si no quedara bien claro la pasión que emanan sus notas, el rapeo lo acaba sellando y ese solo de guitarra eléctrica... bueno, bueno, we love it!


Se trasvisten de Fangoria en Nadando en Círculos con ese electro-house que engancha, y de que manera, mientras se relatan los tejes y manejes de una relación metropolitana. Entre Sepias, Pulpos y Calamares y esa voz distorsionada que nos susurra casi al oído envolviendo una gran evidencia: cuando el amor se convierte en rutina, quizás habría que llamarlo de otra manera. La vitalista Malditos Pegamoides da paso a una parte más ligera del álbum con los medios tiempos electrónicos Frágil Tela de Araña y En la Estación (vídeo concluyendo el post), la primera de temática amorosa y la segunda de protesta social.


Sólo somos los Payasos nos hace bailar por entre su trama decadente acompañados de esa combinación tan molona entre violines ilusorios, silbidos, trompetas y guitarra española. En Tragedia en la Biblioteca se pone de manifiesto una vez más lo aglutinador de Místicos de Cafetería ya que encontramos carácter cabareteroletras inclasificables y ritmos funky-electro-house. Termina el disco con una versión extendida de És el, aportando simetría a todo el conjunto.

Electrónica-fusión al estilo de los ochenteros Art of Noise, a veces irreverentes, en ocasiones rozando lo experimental y en esencia muy bailables. Nos han conquistado irremediablemente.