Entrevista con Kiko Lagos de los "Más Allá"

Más Allá es una banda de new post-punk compuesto por dos veteranos músicos; el cantante, guitarrista y compositor Kiko Lagos, y su primo Ignacio Gomis, que le acompaña a la batería y al bajo.

La semilla de esta formación se planta con los Enigmas Pendientes, un grupo creado en 1982 y que estuvieron a punto de saborear las mieles del éxito al tener como proyecto lanzar un EP con la discográfica Wea por medio de Gustavo Montesano, primer productor de Héroes del Silencio. Al final no pudo grabarse por los conflictos que se desencadenaron a la hora de la disolución de Olé Olé, su banda en esa época, y el mal ambiente que trajo consigo dicha situación.

Enigmas Pendientes sigue como banda hasta 1992 dónde, por obligaciones personales de dos de sus miembros, Ignacio (batería) y Javier (bajo), éstos se ven obligados a abandonar la banda provocando la disolución de la misma. En el año 2005, Kiko decide volver en solitario con el nombre de Kiko Lakkes, un proyecto que dura hasta el 2012. La crisis y la falta de trabajo, facilita que Ignacio y Kiko se vuelvan a reunir y decidan crear Más Allá. En la actualidad se encuentran a punto de presentar en directo su primer álbum (clicar encima para escucharlo mientras leéis nuestra reseña).

Tras esta lección de perseverancia, de confianza en lo que uno propone, en definitiva de amor por la música, no podía dejar de hablar largo y tendido con el 50% de la banda y máximo responsable, Kiko Lagos. He de decir que he tenido la suerte de poder compartir con él conversaciones muy gratificantes que, aparte de hacerme comprobar que me encontraba delante de un gran tipo, me han convencido de que lo que hemos visto y oído de ellos hasta ahora es una pequeñísima porción de lo que aún les queda por aportar al panorama musical. 

  -¿Qué ocurrió con Enigmas Pendientes para que no acabara de cuajar, a parte del asunto del EP fustrado en el último momento? 

[Kiko] El tema enigmas pendientes solo tenia la "contra" de que eramos de Alicante y por aquel entonces, al igual que ahora, no es una ciudad de mucho apoyo a las bandas locales. Es una ciudad turistica que al igual que otras enfoca casi todo su poder cultural hacia el ocio mas comercial y mediático. Nosotros encontramos la oportunidad con  Gustavo Montesano pero el mismo destino que lo trajo a nuestro lado nos lo quito del camino, junto a otras 5 bandas españolas que ibamos a ser producidos por el para la discográfica Wea  publicando un EP a cada banda que al final quedo en borrajas.

   -¿Si el grupo hubiera funcionado, como seguro esperabais, con que bandas o en que ola os hubiera gustado que os hubieran emparentado en esos apasionantes 80’s? 

[Kiko] Bueno, antes al igual que ahora con los únicos que nos "emparejaban" era con Héroes del Silencio que por aquel entonces no nos desagradaban mucho. Ya desentonábamos mucho en aquella época pero bueno...quizás La Dama se Esconde, La Mode... serian bandas que hubieran estado bien "amiguearse". 

   -¿Lo del proyecto Kiko Lakkes en solitario fue para desentumecer los músculos ante el gran combate que se avecinaba con Más Allá, un poco como de precalentamiento?

[Kiko] El proyecto Kiko Lakkes fue mas o menos como dices para desentumecer los músculos pero no pensando en Más Allá pues esto seria posterior y fruto del destino que nos hizo estar más en contacto a Ignacio y a mi. Quizás fue clave porque en ese momento estuve en constante aprendizaje de los nuevos medios digitales que ofrecía la computación y con los cuales ahora estamos desarrollando tanto sus trabajos de composición como el apoyo en las bases de los directos además de alimentar mi insaciable hambre creativa parada después de una pequeña etapa tras los Enigmas Pendientes. 

  -Y llega Más Allá, ¿cuales son las motivaciones que te llevan a montar una nueva banda después de tantos años?

[Kiko] La motivación de crear una nueva banda o proyecto nace después de que la vida nos pone a mi y a Ignacio en las filas del INEM y tras mis pasos con Kiko Lakkes decidimos crear un repertorio de canciones para que luego pudiese nacer Más Allá. No había nada claro, solo ganas de crear, no había equipo para ensayar, todo lo trajo luego el destino y la buena aceptación que fue teniendo el proyecto en Internet. La verdad es que tanto para Ignacio como para mi esto esta siendo un bonito reto y una segunda oportunidad en la cual estamos volcados y mas ahora con la experiencia vivida en etapas anteriores. 

  -¿El proceso creativo es totalmente tuyo o también colabora Ignacio en las composiciones de los temas?

[Kiko] El proceso creativo en Más Allá es algo aleatorio pues cada uno aporta sus ideas y se intentan llevar a cabo si al ponerlas en practica las sentimos. En este trabajo o "disco" realmente hay un 80% de composición mía. Son cosas de las circunstancias, poco a poco y al ir integrándose más la banda de dos que somos ese porcentaje se va igualando o incluso balanceándose hacia el lado de Ignacio, pues también tiene una gran "despensa musical" en su cabeza. 

   -¿Cómo ves el panorama musical actual en comparación a hace 30 años? No me refiero a temas por ejemplo como la subida del IVA, sino más bien a lo que ha llevado consigo la democratización de Internet con sus pros y contras de cara a encarar una carrera musical en nuestros días.

[Kiko] Personalmente veo correcto el tema Internet y el cambio que ha supuesto para el mundo de la música pues hace que los músicos deban demostrar en directo su valía para poder llegar a algo. Así se elimina mucho ese tipo de producción "basura" que vivían de sacar una canción y aprovecharse de su venta, ahora y tal cual están las cosas casi nadie compra música pues enseguida está en la red, así que cada palo aguante su vela. La música se crea para tocarla en directo, al menos así pensamos Más Allá. La gente ya tiene bastantes problemas como para ir a comprarse un disco, que al fin y al cabo de una manera u otra va a acabar en la red por eso la idea de sacar un disco "físico" nos queda como muy surrealista.

Estamos del lado de ofrecer nuestra música gratis por medio de descargas del álbum digital en Bandcamp, en nuestro Soundcloud y los vídeos en el canal YouTube. Así pretendemos que llegue lo mas lejos posible y así crear demanda para que la gente acuda a los conciertos en directo que es realmente donde nos ofrecemos en cuerpo y alma y lo que como músicos mas nos gusta hacer. Te diré sinceramente que nos gusta la idea romántica de sacar un disco en vinilo aunque sea para gente que nos aprecie de verdad y quisiera tener un recuerdo nuestro algo mas "especial".

   -¿Qué significado tiene vuestro "logo" con esa cara y esas manos junto a unas letras en japonés? 

[Kiko] El logo esta sacado de un concierto de los Joy Division en Holanda, banda que pesa mucho tambien nosotros. Vimos esa cabeza expandiendo sus manos, muy identificable con la música que se pretendía hacer en Más Allá, música para abrir la mente y dejar que cada cual le diese su sentido ya que la mayoría de las canciones son instrumentales. Lo de las letras japonesas fue un detalle por si un día llegaban a escucharnos por el lejano oriente (risas)... un guiño a nuestra idea de internacionalizar nuestra propuesta. De cualquier modo el tema logo imagino ira evolucionando junto a nosotros, hay muchos cambios aún por venir.

   -¿Qué esperas en esta nueva etapa musical que acabas de emprender? ¿Y de vuestra presentación como banda el día 4 de mayo en Valencia?

[Kiko] Tanto Ignacio como yo esperamos que Más Allá llegue lo más lejos posible, pero más que nada por que lo que creamos y sentimos nos gustaría que lo sintiese más gente y disfrutara de ello igual que nosotros. El tema económico, aunque nos atañe pues somos gente humilde y con los mismos problemas puede tener cualquier españolito de la calle, no es lo que nos mueve. Queremos que la gente sienta y nos haga actuar y mucho por los caminos de la vida. Lo de Valencia es la primera bala y la estamos tomando muy en serio, aunque tan en serio como todas las que vengan después. Tiene lo bonito y mágico de ser la primera de Más Allá y nuestra vuelta a un escenario después de veintitantos años sin pisar uno.

Ganazas de verlos en directo este día 4 de mayo en la sala La Edad de Oro de Valencia  y de escuchar todo su repertorio entre el que se encuentra este Viento de Ángel del cual os dejamos su inquietante vídeo.

SURFIN' BICHOS - "Más Allá" (Sonido Muchacho, 2023)

SURFIN' BICHOS junto a los granadinos 091 podemos considerarles decanos del indie-rock estatal. Con ellos empezó todo y desde 1988 hasta 1994 revolucionaron la escena patria tras la resaca de La Movida. Después de publicar 4 discos cesaron actividad, nunca hubo separación anunciada como tal, y al tiempo sus componentes se fueron repartiendo por otros grupos referentes como CHUCHO, MERCROMINA y BURRITO PANZA o emprendiendo carreras paralelas en solitario en el caso de FERNANDO ALFARO y JOAQUÍN PASCUAL.

Treinta años después SURFIN' BICHOS vuelven con el mayúsculo Más Allá (Sonido Muchacho, 2023), una larga espera que al menos valió la pena y mucho.

Los albaceteños presentan un álbum conceptual co-producido junto a Fino Oyonarte, marcado a fuego por el ambiente reinante durante su gestación: pandemia y confinamientos de 2020 y 2021. A estas alturas de la película habríamos de tener cristalino que en cualquier momento podemos irnos al "Más Allá" o dónde sea nuestro destino al palmarla. Ante tal evidencia, ¿por qué no aprovechamos el tiempo que nos quede de juego?

El disco es sobresaliente de pe a pa, empezando por su artwork, a cargo de otro manchego destacado, Joaquín Reyes.

 

Fernando Alfaro (voz y guitarras), Joaquín Pascual (guitarras, coros y teclados), José Manuel Mora (bajo) y Carlos Cuevas (batería) arrancan Más Allá con "Máquina que no para", primer single avance del trabajo. Bajo percutor, batería marcial, guitarras in crescendo en su intensidad, energía rebosante que brota de unos engranajes bien engrasados desde el minuto 1. Por ellos no pasa el tiempo, un clásico instantáneo para desenvolver este regalo de álbum que es Más Allá.

Rebajamos considerablemente la energía inicial con notas al piano y esas guitarras acústicas de "El caballo del mar". Maravillosa, en su compañía ya puede llegar el fin del mundo que te pillará con una media sonrisa de satisfacción en el jeto: <<Que no es ya sólo nuestro final, que el puto mundo se va a acabar, y yo tan solo entonces veo galopar por la playa al caballo del mar>>.

Unos vientos piden paso en "El baile del más allá", vistiendo una especie de chachachá amenizando el Día de Muertos mexicano. Su lírica resulta igual de balsámica que su melodía: <<Al borde del colapso un paso, al borde del cadalso otro paso, y dame el aliento de tu abrazo, el aire cálido de tus mano, el suave murmullo de tus labios será mi refugio>>.

En "Lotus Europa" nos topamos con los momentos más lúgrubes del disco, un corte que arranca plácido para ir virando hacia "campanadas a muerto". Pero enseguida nos rescata de la oscuridad más absoluta la "Luz del Mediterráneo", nunca mejor dicho. Un Sirtaki griego pasado por el filtro del cuarteto moldando un tema tan nostálgico como encantador.

"Alumbrando el fin" es un tierno medio tiempo que canta a la amistad a partir de su trotona evolución, con la guinda de unos vientos que inyectan solemnidad a otra muesca de excelencia de la banda. 

"Señales" (videoclip insertado a pie de página) nos sigue preparando de manera dulzona para el "colapso final" con unas guitarras muy protagonistas y versos como: <<Y cuando vengan los vientos con el colapso final, pienso detener el tiempo con el abrazo total. Y cuando lleguen los tiempos de apocalipsis mortal, en mi cabaña yo quiero darte el abrazo final.>>

En la agridulce "Mortal" el piano vuelve a asomar la cabeza con fuerza en un corte que refleja, con poesia de alto calado, los momentos más duros de la pandemia, aquellos en los que no podías dar ni el último abrazo a un ser querido sentenciado a una muerte irracional: <<Más que mortal eres mortífera, un peligro mortal, triple salto mortal en este tiempo fatal>>.

Vuelve el poderío guitarrero de SURFIN' BICHOS en la nerviosa estrofa de "Yo que te he visto", luego muta de sopetón a lánguida en el estribillo, completando un corte en el que la batería se reivindica y de qué manera.

Ya tenemos candidata a villancico alternativo de 2023: "Tu propia Navidad". Su lírica final bien la firmaríamos: <<Cómo molaría que el Cambio Climático fuera, fuera para bien. Cómo molaría que el Cambio Climático fuera un cambio para bien. Dios riéndose de todos nosotros>>.

Más Allá y su revolución ochentera en pleno siglo XXI

Prepárate para realizar un viaje en el tiempo, nada, con unos 30 años más o menos será suficiente. Te encuentras en plenos años ochenta, oyes tu emisora de radio y suenan Golpes Bajos, La Mode o Radio Futura, en Tocata están los Depeche Mode presentando su disco Black Celebration... Mientras, algo se cuece en Alicante, ellos son Más Allá y aunque en esa década responden al nombre de Enigmas Pendientes (más info sobre el grupo y sus orígenes clicando encima), no es hasta ahora, en 2013, cuando dos de sus miembros regresan con aires renovados y nuevo disco de título homónimo debajo del brazo.

Este dueto veterano e incombustible, formado por los primos Kiko Lagos (guitarras) y Ignacio Gomis (bajo y batería) han cogido el new post-punk que les corre por las venas y le han dado una vuelta de tuerca actualizándolo al siglo XXI.

Hablando con Kiko (entrevista pulsando encima) me confesó que su banda fetiche sigue siendo The Chameleons y que lo que ellos hacen bebe directamente de las influencias que bandas de la época como ésta o The Cure, Simple Minds u otras pertenecientes a la ola de la revolución ochentera británica.

Más Allá han optado por el camino instrumental en la mayoría de sus composiciones y la explicación... mejor que sea el mismo Kiko quién nos la dé:

[Kiko] El tema de ser instrumentales es una decisión que tomamos al darnos cuenta que podíamos llenar de sensaciones ese hueco con las guitarras y teclado, a la vez que nos abriría mas el mercado internacional. Llegando al corazón, se llega a todas partes en cualquier tipo de arte y esa es nuestra lucha, los instrumentos son nuestras armas, Internet el medio y los conciertos el acto. Hemos cantado un par de temas en español como experiencia pero el camino de la banda va hacia lo instrumental.

Su flamante primer álbum empieza con No sin el Mar (vídeo a final de post), la "niña bonita" de Kiko y también una de mis preferidas. Aquí empezamos a comprender lo que quiere decir su compositor cuando sentencia que su "guitarra no sabe hablar sin delays", conformando un hermoso himno instrumental new-wave.

Señales empieza con una especie de psicofonía que enseguida desemboca en otra exhibición de guitarra marca de la casa, junto al bajo rotundo de Ignacio, por momentos casi hipnotizante. ¡Caramba!, llevamos dos canciones y ya nos han puesto la carne de gallina estos alicantinos. Seguimos con Querida Luna y uno de los escasos momentos vocales que encontramos en el disco. Esos sintes iniciales aterrizan sobre la voz filtrada de Kiko, que va inyectando al tema un ambiente rozando lo mitológico.

¿Que vamos a decir de Karma Karamelo?, pues que nos encanta, con esos cambios de ritmo; redobles de tambores, guitarras hiperactivas, sintes pidiendo paso... uf, ¡glorioso! Una canción que transpira amor sincero por los cuatro costados.

Nos relajamos un poco con la llegada de Caballo de Fuego, melódica y animosa a la vez, que incluye hasta unos coros benedictinos de fondo. En Las Ballenas vuelve a ver aparición vocal, tema retomado de los Enigmas Pendientes del año 89 en contra de su aniquilación y que incluye unos cantos de cetáceo, como queriendo así certificar aún más su mensaje.

Una conversación mantenida por Neil Armstrong con la torre de control introduce las primeras notas de la etérea Viento de Ángel envolviéndonos en su halo ingrávido. Revox, la "mimada" de Ignacio y en donde su presencia tiene un plus de visibilidad ya que el bajo suena poderoso y referente durante todo su metraje. Vigoroso tema, que te impregna hasta el punto de no poder resistirte a mover algún que otro músculo de tu cuerpo al son de sus ritmos atmosféricos.

Seguimos briosos con Vendetta, la más electrónica de todas, sin poder... ni querer dejar de bailotear rendidos desde hace ya un buen rato a los compases de esta banda maravillosa. Y nos queda para el final una perla sinfónica como pocas, El Alma en Mano, con esos bellísimos acordes al piano y unos sintes que se van deshaciendo una y otra vez a cada paso que dan para llegar al crepúsculo del tema... emocionante, ¡que maravilla!

Cuidado con esta banda ya que si la escuchas te atrapará, no hace falta que opongas resistencia, sus notas os acompañarán, si fuera necesario, hasta el Más Allá.

JOSEP XORTÓ + THE CONGOSOUND - "Ocells com tu" (Austrohúngaro / Maletas Violentas, 2023)

El tándem JOSEP XORTÓ + THE CONGOSOUND (Carles Congost), cómplices musicales desde que se conocieran en 2015, ya tienen álbum debut con Ocells com tu (Austrohúngaro / Maletas Violentas, 2023) donde podrás encontrar la mejor propuesta retro bailable 80's del mercado. Un ramillete de ritmos italodisco y synthpop teletransportados con maestría al siglo XXI, conformando una colección de 11 cortes a cual más estimulante.

Pese a que estemos ante el primer disco del dúo estos no son ni mucho menos unos recién llegados. El carismático y camaleónico Josep Xortó ya nos tenía ganados hacia finales de la primera década de los 2000 con su primera banda Stand up Against Heart Crime , luego con Critters y siempre culo inquieto como agitador cultural y Dj animando la noche barcelonesa. Por su parte el reputado artista visual y productor musical Carles Congost arrancó a finales de los 90's el proyecto The Congosound junto a Vicent Fibla. 

"Ocells com tu" presenta tanto nuevas composiciones del grupo como cinco singles lanzados durante el último lustro: "Això Que Sona És Nostre", "Port De La Selva", "Nova Esplendor", "Els Hits" y "Bill Viola", todos remezclados y remasterizados para la ocasión.

Once canciones en total que nos permiten bailar la melancolía, el hedonismo, la sátira, la crítica social, todo maridado con un refinado sentido del humor. 

El trabajo arranca con el medio tiempo "Pedres i ocells" armados de unos sintes y cajas de ritmos con los que te los puedes imaginar perfectamente tocando en el programa musical de TVE Tocata (1983-1987) y distinguirse de entre lo más molón del momento. Será una sensación recurrente durante la escucha del disco.

"Les xarxes" es una crítica velada al sistema de relación digital actual que parece ir desintegrando los fundamentos comunitarios de toda la vida, intercambiando las distancias cortas por el más aséptico de las redes sociales. Con ellos llegamos a la conclusión de que las mejores "redes" son las de pescar. Ese soniquete funky que la envuelve no hace más que aumentar su poder de sugestión, a ver si además consigue que nos replanteemos volver, en este y otros muchos sentidos, al analógico siglo XX.

Un synth-pop de quilates entra en escena con "Equivalència" mientras se despliega la historia de amistad de dos compañeros de juergas juveniles entre Seats Pandas, gafas Ray-Ban y Ruta del Bakalao. La muerte de uno de ellos no es obstáculo para que la nostalgia te persiga más allá del mundo de los vivos.

Con la melancólica "Nova esplendor" (videoclip insertado a pie de página) alcanzamos el summum emotivo del disco. Una melódica estrofa sinfín con el saxo como la guinda para otro tema imbatible de JOSEP XORTÓ + THE CONGOSOUND. Ideal para ser bailada, aunque sea con lágrimas en los ojos, en una discoteque de aquellas donde la laca y el humo del tabaco eran pareja de moda.

"Els hits" es uno de los cortes de Ocells com tu más idem, oseasé "hit" absoluto. Una canción 360º, igual de adictiva que aquellos estribillos de las que se mencionan en su letra y que no cesan de resonar en nuestra cabeza. Nos adherimos a reivindicar el disfrute de la escucha entera de un álbum más allá de sus "reclamos".

Unos arreglos de cuerdas se apuntan a la fiesta con "Les cançons romàntiques", visión particular del amor a partir de las canciones que lo tratan que te hará mover las caderas como si no hubiera un mañana. No nos bajamos de la pista de baile que llega otro de los temas más inmediatos del disco y de lo que llevan de carrera JOSEP XORTÓ + THE CONGOSOUND: "El diable". Aquí el maligno nos tienta con aquellos discos de los que nos avergonzamos reconocer que, por una razón u otra, nos han volado la cabeza.

  

"Les marques" es una especie de homenaje a los pijos de toda la vida, aquellos que preferirían la muerte antes que vestir de mercadillo. Sensualidad al cuadrado para emmarcar lo que podría ser un idilio entre el cocodrilo y el jugador de polo, logos de algunas de esas "marcas" que inspiran el corte.

El videoartista américano "Bill Viola" cede su nombre a un tema que nos anima a tomarnos menos en serio, alejarnos de postureos y pomposidades de cartón piedra. Los coros femeninos, la trompeta y la guitarra eléctrica completan otro centelleante corte.

La adictiva "Port de la Selva" cuenta los veranos de mediados de los ochenta en La Costa Brava, aquellos en el que la gomina permitia ir en Vespino sin despeinarte. Otro de los hits insertados en Ocells com tu, para bailarlo gustándote, con media sonrisa chulesca pintada en la cara.

MÁS ALLÁ - "Revox" (2015)

La experimentada y muy querida en esta casa formación alicantina post-punk MÁS ALLÁ, integrada por los primos Kiko Lagos (guitarras) y Ignacio Gomis (bajo y batería), han decidido reunir toda su creación hasta la fecha como banda en un disco, el sobresaliente Revox (2015).

Dieciséis temas, la mayoría instrumentales, de los cuales ocho ya figuraban en el álbum digital publicado en el 2013 con el mismo nombre que el dueto (acceder al post que le dedicamos a tal motivo clicando encima).

La rítmica "Spacer Yonkis" abre el trabajo y los 8 temas más recientes o digamos nuevos, que incluye Revox junto al pura sangre desbocado "Electroareas";  "Benelux Mon Amour" (versión vocal, la instrumental nos la regalaron para el disco solidario MUSICRONÍ2ATE!); la sombría "Lubna"; "Como una flor a dos de mayo", entre nuestras preferidas; la melódica "Espíritu vencedor", "Culebras" y la hiperactiva "Stella".

MADEE - "Eternity Mingled With The Sea" (BCore Disc 2021)

Quitando el cambio a la batería del joven Antonio Postius (ex-Mourn) por Lluís Cots el resto de MADEE sigue con la formación original, el mismo grupo de amigos que empezaron con este proyecto hará unos 20 años y que no publicaban álbum desde L'Antarctica (2007). Pep Masiques (bajo) Ramón Rodríguez (voz, guitarra) Adam Vives y Capi a las guitarras y Marc Prats a los teclados completan la formación. Una banda, pienso, infravalorada durante su primera etapa de vida. Como suele pasar en estos casos, una vez disueltos su aureola se agrandó considerablemente, el talento era incontestable y era cuestión de tiempo, demasiado en su caso. Ahora con los argumentos que presentan parecen abocados a subir al pedestal que merecen, porque de lo que vamos a hablar es muy, pero que muy grande.

En 2014 asomaron la cabeza con la publicación del doble single Age Of Ruin (BCore Disc) para conmemorar el décimo aniversario del Orion's Belt (2004). Allí empezó la colaboración en las letras del ya considerado séptimo integrante de MADEE Mark Swanson, un poeta y fotógrafo de Seattle que conocieron a través de Jeremy Enigk (vocalista de Sunny Day Real Estate).

La sonoridad de MADEE ha ido forjándose entre el emo y post-hardcore americano de principios de los 90's de bandas como Fugazi o los mismos Sunny Day Real Estate y el post-punk británico 80's de gente como Echo and the Bunnymen y los The Cure. Ahora se impone otra potente reminiscencia, la de los U2 en sus primeras referencias. El flamante álbum de regreso de los de Cabrils (Barcelona) Eternity Mingled With The Sea (BCore Disc, 2021) podría ser el trabajo definitivo que los irlandeses hubieran firmado publicar durante lo que llevamos de siglo XXI.

Es curioso como cambia aquí el registro vocal de Ramón Rodríguez en relación a su proyecto personal The New Raemon. Incluso y siguiendo el cotejo con el cuarteto de Dublín, sobre todo en las notas más agudas, su voz se da un aire importante a la de Bono. 

MADEE consiguen en su nuevo álbum, más allá de comparaciones o evocaciones, el manifestarse como una banda madura, más allá de lo evidente por la trayectoria y edad de sus miembros, alcanzando la plenitud sonora durante los 12 cortes de Eternity Mingled With The Sea.

Arrancamos fuertes con "Caldera" y con ella llega ya de entrada el momento más enérgico del disco con una banda que parece querer anunciar con paso firme y decidido su retorno. Con unas guitarras debatiéndose entre el riff y el rasgueo desatado, un bajo percutor, una rotunda batería y unos sintes que, aunque sutiles, son bien determinantes. Es además la más breve del conjunto, un puñetazo encima de la mesa envuelto en poco más de dos minutos. Con la espléndida "Like Spider Bites in Spring" nos empezamos a poner intensos, sobretodo en su estribillo, con esos vaporosos sintes intentando apaciguar unas guitarras que siguen a un nivel muy alto de protagonismo.

"Metamorphosis" es sosiego, conciliación, en este caso con uno mismo tal como reza la letra. Con su estrofa y su estribillo, bien marcados, hasta aquí todo elemental pero en manos de estos MADEE más que suficiente como para hacerte tocar el cielo. Además con un Ramón cantando como los ángeles, nunca mejor dicho, y un remate del segundo estribillo y hasta el final que es de gallina de piel.

La inquietud se apodera de la escucha con "Night Of The New Moon" y sus recovecos, con un tratamiento de la batería que resulta crucial en un corte con resultado arrebatador. Vuelve el brío con las mordaces guitarras del medio tiempo "Under the Sun" y una cautivadora evolución tanto en la estrofa como en el estribillo; partiéndolos en dos a ambos, confirmando, es una constante, el estado de gracia de la banda.

La culminación de este regusto a los U2 de principios de los 80's nos llega con el eléctrico "Hunting Party" y unas guitarras que tanto acompañan como definen; un bajo incendiario y una batería limpia a la par que categórica, con unos teclados que más que aparecer se intuyen. Intro, cambio de ritmo delimitado entre estrofa y estribillo con un solo de guitarra al inicio de la segunda estrofa, todo ello en apenas dos minutos y medio impecables. 

"The Way Home" sería la balada del álbum sino fuera por su reavive en el estribillo. Aún con eso se erige en una canción transmisora de placidez pese a su turbadora lírica. Se inicia con ella la segunda mitad del Eternity Mingled With The Sea y con ella su vertiente más reposada.  

La nostálgica "Blanchard Avenue Blues", una avenida de Seattle que inspiró a Swanson para enmarcar el devenir del tiempo y sus consecuencias a través de un apetecible medio tiempo, valga la redundancia. Tiene su reflejo audiovisual en el videoclip que insertamos a pie de página. Seguimos con cadencia semejante en "Feelings Of Inadequacy", además su letra parece una culminación de la del anterior corte con ese <<...Through the streets of time...>> que se graba a fuego en la memoria.

1994-2014 “20 Aniversario” MONDO SONORO – Entrevista a Joan Luna

Probablemente fuera un embarazo tan deseado como espontáneo y tan prudente como inconsciente de la magnitud que comportaría. Germinó hace ya 20 años y el próximo 10 de octubre ha preparado una fiesta de lo más especial con unos cuantos amigos prácticamente compañeros de lactancia, en la Sala Razzmatazz de Barcelona, ciudad donde vio la luz.

La criatura, bautizada bajo el nombre de Mondo Sonoro se ha convertido en una referencia de la prensa musical de este país y reúne para su 20 Aniversario a cuatro de los grandes del panorama Indie Patrio. Ojo, poca broma. Sidonie, Love of Lesbian, Dorian y Standstill se involucran en una celebración que a buen seguro será memorable.

Hemos tenido el placer de charlar con Joan Luna, Jefe de Redacción de Mondo Sonoro y aquí va el resultado:

Entrevista a ADRIAN LEVI, hurgando en sus "Bolsillos Ocultos"

ADRIAN LEVI es el alias de Jordi Llopis, ex-cantante de la extinta formación CROW JANE y activista cultural valenciano. Ahora en solitario quiere ir un paso más allá de lo estrictamente musical a través de su álbum debut My Hidden Pockets (2015).

Jordi, muy amablemente, nos explica con más detalle los entresijos de este ilusionante proyecto del cual te aconsejo encarecidamente que no le pierdas la pista:

-¿Por qué elegir un alias como ADRIAN LEVI i no presentarte como Jordi Llopis, tal cual?

Primero, por una cuestión, digamos, “estética”. Me siento muy identificado con el inglés como idioma músical, y veía mayor coherencia sonora en un nombre buscado en consonancia. En segundo lugar, el nombre “Adrian” tiene cierta raíz anglosajona relacionado con lo oscuro, con lo oculto…Levi, en homenaje a Primo Levi, filósofo que sobrevivió al Holocausto y cuyos textos me marcaron profundamente hace ya bastantes años, y que forma parte del discurso de este proyecto.

JOE CREPÚSCULO - "Museo de las Desilusiones" (El Volcán Música, 2025)

Joël Iriarte alias JOE CREPÚSCULO con 17 años de carrera y once álbumes de estudio en su haber, más un recopilatorio, se rebela más certero e ingenioso que nunca con el presente Museo de las Desilusiones (El Volcán Música, 2025). Y cuidado porque viene incorporando un plus de vulnerabilidad y melancolía, lo cual le hace tremendamente peligroso.

El electropop con tendencia al petardeo del catalán se ha ido refinando con los años aunque solo lo justo como para no perder su fresca pegada. La misma que demuestra ya desde el inicio de su nuevo disco con "Bailar y llorar" (videoclip a pie de página). Un corte in crescendo que nace de la vigilia para ir a parar directamente a la pista de baile, demostrando que el contorneo es perfectamente compatible con el sollozo. Enseguida llegamos a otro clásico inmediato de la discografía de JOE CREPÚSCULO, "Enamorado de tu reverb". Aquí demuestra una vez más su majestría a la pluma con versos como los iniciales: <<Lo que te envuelve es una especie de resplandor, una aurora que ilumina y me da calor. Ese poso que tú dejas cuando ya no estás, flota en el aire y no me deja respirar>>. Enorme corte con un estribillo tan evidente como pegadizo. Los violines en el tramo final son la guinda del pastel.

La locura de "Infierno de dulce", solo de saxo incluido, te puede colocar tanto en un  humeante cabaret como en un sudoroso garito disco-funk. Llega "Jessica" y con ella se despliega el lado más romanticón de Joël. Ultra melódica, con unos centelleantes sintes ochenteros jugueteando con el bajo hasta la aparición del título del disco y más allá. 

Foto de Alexander Gross

La conmovedora "Kamikaze" es la única canción del trabajo que no firma JOE CREPÚSCULO. Compuesta por su socio Aaron Rux resulta la más lánguida de las doce, con piano y voz al servicio de una lírica lapidaria: <<Y después de este baile ya no hay más, me quedo aquí contigo hasta el final>>. 

Recuperamos sensaciones más festivas con el flow retro de "Pequeño niño peluquero", con otra de las frases marcas de la casa que se grabarán a fuego en tu subconsciente: <<La vida es un trasquilón que hay entre mi pelo y yo. No sé salir, el medio se ha vuelto un fin>>.

Arranca la cara B del vinilo con el embrujo dance de "Karaoke español". Otra chaladura genial del barcelonés. Ni sus paradiñas en el estribillo pueden alejarnos de los flasheantes focos de la discoteque. 

"Hey" es la nostalgia elevada al máximo exponente envuelta en un duduá synth-pop. Unos violines son los invitados de última hora en otro corte desarmante de JOE CREPÚSCULO. Seguimos en la zona más apesadumbrada del trabajo con "Dejadme en paz". Con espíritu bipolar evoluciona des del intimismo más minimalista hasta la épica, mutando tras el break de su ecuador hacia un atmosférico synthwave.

Apache en Disco QPedralbes, Barcelona. Un paseo por la Historia de la Música Rock

El pasado viernes asistimos a la Sala QPedralbes de Barcelona, no por casualidad. Tocaban unos andaluces con alguna influencia aragonesa y medio arraigados en Barcelona, un poco de todo vamos. Hablamos de Apache y cuando ellos tocan, no hay plan B.

Tras un concierto de Apache, lo más probable es que tu memoria quede tatuada con tinta de acordes extraída de las mejores canciones de la historia de la música, y que tu cuerpo te pida más y más y más...

Su actuación en QPedralbes, quizás la número 3.455, 2.976 o justamente la 3.000 en su carrera, no lo sé ni tampoco importa demasiado, porque su entrega es como el primer día, su directo es un paseo en limousine por los años 70, 80 y 90. Si alguna vez inventan una máquina del tiempo, deberían bautizarla bajo el nombre de “Apache II”.

Estuvieron The Who, The Police, Queen, Creedence Clearwater Revival, REM, Pink Floyd, Led Zeppelin, Eric Clapton, no faltó un homenaje a The Doors y a la desgraciada y reciente perdida de Ray Manzarek, también del más allá llegó incluso Michael Jackson, siguiendo con un largo etc de clásicos que serán siempre eternos.  

De las cerca de dos horas de actuación, muy a título personal, destacaré tres canciones, sin quitar ni mucho menos mérito a las demás. La primera Black Dog de Led Zeppelin, porque son la banda sonora de mi adolescencia, porque una vez vi a Robert Plant y Jimmy Page en directo y los escalofríos que sufrí aquel día se repitieron este viernes. La segunda Confortably Numb de Pink Floyd porque es uno de los momentos clave en todos sus conciertos, lo que hacen todos pero especialmente la guitarra de Juan Carlos González en este tema es puramente orgásmico. Y la tercera, la que cerró la noche, ese genial Proud Mary de los Creedence Clearwater Revival al más puro estilo Tina Turner, con el que todos los asistentes nos sentimos muy Orgullosos de esa tal María, aún sin conocerla.

En homenaje a su magistral autobiografía, publicada en su página me hace especial ilusión mencionar a cada uno de los componentes del grupo, porque detrás de unos grandes músicos, hay unas mejores personas. Apoderándome de sus propias palabras, añadiendo otras de mi cosecha, y mezclando ironía, complicidad y admiración, esto es Apache:

Ellos son viagra musical, con esta variedad, a diferencia de otras… lo que se mantiene erecto son los brazos, más de dos horas pueden estar en posición vertical siguiendo el tempo del maestro Diego Contreras del Río, del que dicen ser un fantasma atrapado entre los vivos, ya que el original pudo ser asesinado por sus vecinos durante su niñez, una batería de juguete tuvo la culpa. Endorser oficial de primeras marcas como Yamaha o Paiste, un virtuoso. Pulsando aquí accedéis a su web personal.

Otro efecto secundario del citrato de sildenafilo es el quedarse totalmente inmóvil ante el dominio insultante de Juan Carlos González a la guitarra, que hace con ella lo que le sale de la punta de la…púa. Las malas lenguas cuentan que llegó al mundo con una guitarra incrustada. Al nacer, su padre preguntó que había sido y le contestaron “váyase a casa, ya le diremos algo”. Posiblemente el mejor de España, desde luego para mí, lo mejor que he visto.

A la percusión y samples, Antonio Molinero “El Pollo”. Es blanco, pero detrás de su milenario bigote hay un alma negra.  Una vez estuvo en África, tocó los bongos y ahora es hijo predilecto de los Watusi, los Toareg, los Turkana y los Zulú. Si Apache suena como suena, en gran parte es gracias a su perfeccionismo. Enorme.

Isaac Aguilera es el Roger Nelson (Prince) español. Teclados, guitarra, voces, pendientes y sombreros. Hiperactivo según sus compañeros de grupo, se mueve tanto por el escenario hasta tal punto que parecen dos, incluso quiere cobrar el doble, pero eso es algo que aún está en proceso. Las manos de Isaac son parte fundamental de la banda. Un enorme talento fluye por sus venas de forma natural.

Pedro Bría, Perico y Peri. ¿Tres en uno? No. Lo veo y subo la apuesta, añado Axl Rose y Nicolas Cage, y ya es un “cinco en uno”, un repoker. Maño y toca el bajo, pero esta observación no nos lleva a nada. Ex cantante de cruceros es capaz de decir “el baño está al fondo” en más de 50 idiomas distintos. Su interpretación a la voz con Sweet Child O’Mine de Guns N’ Roses nos deja boquiabiertos. Un gran músico a la altura de un gran grupo.

Bueno, pues esto es todo. Muchas gracias y hasta la próxima. 

(alguien)   -¡eeehh nooo que falta Luismi!

(yo)           -¿eh? ¿Cómo? ¿Luismi?

(otro)        -¡si tío! ¡el feo que canta!

(yo)           -¿pero ese es importante?

(Apache)  -no, pero si no hablas de él, se cabrea y puede aporrearte con su taparrabos.

(yo)           -venga va…que no se diga.

Luis Miguel Peláez “Luismi”. La voz, las voces, las escalas, el feeling, el karateca, una máquina. El hombre de la sonrisa inmortal y fundador del grupo junto “El Pollo” allá por el 79. Sabemos que la energía ni se crea ni se destruye, se transforma. Lo que no sabemos aún, es de qué energía procede Luismi, se dice que de la propia Energía Apache, pero en cualquier caso, su fuente es inagotable, y eso que cuando nació, el Mar Muerto estaba aún enfermo. Insustituible, único, como dicen sus compañeros, se hace de querer.

Insistiré, ahora y siempre, y aparcando la ironía, estos tíos son unos genios, unos profesionales como pocos pueden verse a nivel nacional y hasta me atrevo a decir internacional, al menos juntos en un mismo grupo. Consultar su agenda de conciertos, elegir un día, marcar una X en el calendario y poneros el cinturón para viajar unas horas por el tiempo, un viaje del que quizás...no querréis regresar.

No es de extrañar que La Gran Familia de Grupo Apache (Barcelona), de la cual ya me siento parte, y otros fieles seguidores, les sigan allá por donde van, saludos para todos ellos y un millón de gracias a Apache por el trato que recibí este pasado viernes, fue de aquellas noches que con toda seguridad, contaré a mis nietos.

¡Larga vida a Apache!

Algunas fotos tomadas por Bárbara Lo Ma Chikynicky, gracias de nuevo!

Las hadas bailan techno en el SONAR REIKIAVIK 2015 (12-13-14FEB)

En la tarde del 12 de Febrero aterrizábamos en Reikiavik, la capital islandesa en donde se dio cita la tercera edición del festival de música SONAR, y como no, Música Crónica no podía faltar.

En el avión era impresionante lo que se alcanzaba a ver por la ventanilla, se estaba haciendo de noche y en el horizonte solo había hielo y unas luces azul-verdosas que trazaban la linea de unión entre el cielo y el mar.

A pesar del frío que te abofeteaba en la cara nada más salir del aeropuerto, era curioso observar las cálidas y pícaras sonrisas con las que eramos recibidos. Nos daban un calor y una bienvenida que ya provocaba excitación de la que hay más allá de los muros del aeropuerto de Reikiavik. Islandia, un país joven con una gran tradición en música experimental, conserva las raíces que caracterizan la música islandesa, dando ese toque minimista que crea un explosión de emociones y sentimientos al escucharla, como si de una combinación de música ambiental, sonidos techno, house y dance se tratase.

NEON LIGHTS - The Blue Rider (EP 2015)

Con cinco años de trayectoria como banda los murcianos NEON LIGHTS prosiguen su andadura navegando entre el post-punk y el dream-pop, regalándonos cachitos de reminiscencias 80's cribados sobre un tamiz contemporáneo.

Después del excelente LP Late (2013) vuelven al formato EP con Blue Rider (ACNL Recordings 2015), producido por la misma banda junto a Antonio Illán (ha trabajado con gente como Neuman, Second, Klaus & Kinski etc.). Cuatro temas como cuatro soles, valga la comparación ya que creo que la oscuridad va más con su rollo. 

La deliciosa minimalista "Blurred Ink-Stained Fingers" sirve para coger aire de cara al maravilloso cierre "As Long as we can keep the fear from our minds", tremenda, que fácilmente podría haber sido himno de gente del calado de Cocteau Twins o Peter Murphy.

Entrevista a CONMUTADORES, ¡al "Contraataque"!

CONMUTADORES están en plena promoción de su 4º disco Counterattack (LumièreNoire Musique 2015), reseñado ya en esta casa (clica aquí para verlo). Teníamos ganas de charlar un ratillo con ellos y así lo hicimos con dos de sus componentes: Víctor M. (voz) y Misterfly (programaciones, guitarras y bajo).

BIGOTT - "Spiders Sing" (2021)

Borja Laudo, oseasé BIGOTT, sigue la senda de vorágine reciente a publicar disco por año con este Spiders Sing (2021). al igual que hiciera con This is All Wrong (2020), Friendly Monster's (Drácula Records, 19) y Candy Valley (Grabaciones en el mar, 18).

Borja es insaciable y es que además de su desbordante capacidad de creación el resultado nunca defrauda, un monstruo el tío. No nos cansamos de reivindicar su genio y figura, que lo es, y merecedor de más repercusión popular, aquí estamos para poner nuestro granito de arena en aras de revertir dicha situación.

Acompañan al artista maño en su nuevo trabajo el californiano Izak Arida repitiendo a la producción, Cristian Barros (guitarra y teclados), Clara Carnicer (bajo y coros) y Juan Gracia (batería).

La distorsión guitarrera nos da la bienvenida a Spiders Sing con "Local Meditation" y el noise-pop marca de la casa, enérgico en su estrofa y melódico en su estribillo. El que fuera primer single avance del álbum lleva consigo la mejor justificación para tal honor, un corte bien redondo. Su letra es toda una invitación y nosotros le cogemos el guante a Borja, nos vamos contigo él el infinito y más allá: <<if we come together if you really want to get away (si nos juntamos, si de verdad quieres escapar...>>

Lo que parece una oda al individualidad se presenta bajo un envoltorio en principio muy pop, con unos coros y un órgano hammond que a medida que va avanzando "Be Alone" van delegando protagonismo a la guitarra e incluso dejando asomar un pellizco de psicodelia por ahí.

La ensoñadora canción titular "Spiders Sing" muestra la primera de las sorpresas del conjunto, como es su interpretación vocal íntegra por parte del bajo de la banda Clarín (Clara Carnicer).

Con la trepidante "If I Do" vuelve el noise-pop 90's de manual del maño, chocando de frente rítmicamente con el siguiente corte, la primera de las dos instrumentales del trabajo, "Interstellar Radio Transmission". Otra de las peculiaridades del álbum son estos sendos temas rebosantes de sintetizadores que parecen sacados de la banda sonora de una peli de los ochenta. En esta ocasión seria indicada para una de cine slasher y la que cierra el álbum, "À Tout À L'heure", más bien para una de aventuras, de ambiente familiar.

JUANMA CARRILLO: "El peligro está ahí como un precipicio, pero al final el amor puede sobre todo"

Como ya resaltamos en su reseña correspondiente, el disco Premeditación, Nocturnidad y Alevosía (Elefant Records 2015) de LA BIEN QUERIDA va mucho más allá de lo puramente sonoro. Parte de culpa la tiene la trilogía de videoclips realizados para la ocasión por el "realizador, fotógrafo y músico ocasional", como se le define en su web, JUANMA CARRILLO. 

Ante tal despliegue de talento cinematográfico puesto al servicio de una obra conceptual fascinante, no podíamos dejar pasar la ocasión de entrevistar a este riojano de nacimiento, madrileño de adopción y parisino de vocación.

Antes de empezar sólo un consejo a "modo de uso": primero visualiza, en el caso de que aún no lo hayas hecho, los 3 clips insertados a pie de artículo o clicando aquí; después lee la entrevista y finalmente vuelve a ver los vídeos, creo que así la experiencia puede resultar aún más satisfactoria.

¿Con qué faceta disfrutas más profesionalmente?

Lo que más disfruto actualmente es como realizador, porque es realmente cómo me siento y es lo que engloba muchas de las cosas que me gusta hacer. Eso sí, como realizador de autor, yo no me limito solo a realizar, generalmente escribo los guiones, además dirijo, aunque odio los rodajes, realmente me encanta la dirección de actores, trabajar con ellos. También soy director de fotografía por lo que mi experiencia de más de 15 años como fotógrafo tiene mucho peso y luego soy editor, todo lo que es la música también es muy importante. Podemos decir que disfruto de las tres cosas ya que en mi trabajo las desarrollo todas.