CLARA PEYA - "Nuca" (Hidden Track Records, 2026)

CLARA PEYA viene desde 2007 dando sobradas muestras de virtuosismo, innovación y compromiso social, con la música y el teatro como sus motores artísticos. Junto al piano forma un único ente con el que nos regala más que canciones, experiencias. Como las contenidas en su nuevo álbum Nuca (Hidden Track Records, 2026), pura maravilla. 

En su ADN viene impreso el sentido colaboracionista y esta vez no ha podido ser menos. Dieciséis canciones con fuerte carga poética entonada por otras tantas voces, una la suya, traspasando el mensaje de fraternidad que transmite el álbum hasta el ámbito más físico y tangible. Su título del trabajo encierra en sí mismo el concepto: girar la cabeza en busca del contacto humano para combatir el desasosiego reinante.

El trabajo se abre con "Hi ha un moment que som immenses" y la calidez de Mar Pujol como perfecta compañera de viaje. Desde el minuto uno Clara nos eriza el vello culminando en un estribillo para emmarcar: <<I ara penso que en la vida hi ha un moment que som immenses. Quan s’esgoten les creences i del dolor en neix una flor>>. La fortaleza de la vulnerabilidad hecha canción. Seguimos en modo minimalista, subiendo un pelín si cabe el nivel de desnudez, con "Cambiar la danza" (videoclip insertado a pie de página). La tremenda voz de El Niño de Elche abraza el piano con una ternura que traspasa la piel invitándonos a modificar hábitos, romper costumbres, en pro de un cambio sanador.

La cantante argentina Carmen Aciar pone sus cuerdas vocales al servicio de la conmovedora "Veo incendios". Corte in crescendo con una segunda parte regada con arrebatadora electrónica alentando dos interrogantes en medio de la desesperación: <<¿Quién me va a quitar ese mal humor? ¿Quién me va a quitar ese mal de amor?>>.

Foto de Roc Pont

Apenas podemos coger algo de aire en medio de tanta intensidad sensorial con la no menos emotiva "En boca del vent". Henrio, alter ego del cantautor y productor Enric Verdaguer, pone voz a la dulzura hecha canción. Le sigue "La vanidad" con Rita Payés y esas pinceladas electrónicas rematando el lienzo que forman el piano y la lánguida percusión como base de otro sobrecogedor corte de la catalana. 

"La palabra justa" junto a SOCA demuestra lo que avisamos al inicio de estas líneas. Si musicalmente este trabajo es exquisito, la lírica no le va a la zaga con versos como los iniciales: <<No es pecado equivocarse, solo quiero que lo entiendas. No hay cabaña ni tormenta, la electricidad ya es vela. Vela que se nos derrite, que se apaga por momentos. Queda la palabra justa y no la digo por despecho>>.

Anna Andreu es la pareja de baile de Clara en "La pedra i el camí". Además de con la voz, también involucrada en la letra. Ese cambio en su ocaso pone el broche de oro a dos minutos y medio embelesantes.

El artista palestino Ahmed Eid interviene en "Porvenir" cantando, mitad en árabe mitad en castellano, un corte que interpela entre imponentes notas al piano, bateria i beats electrónicos. 

La delicadeza de "Solo existe una verdad" junto a Nora Navarro no nos da respiro en lo que respecta a tocarnos la patata. Es una constante en lo que dura Nuca. Si te preguntas a qué "verdad" se refiere Clara en el título aquí viene un spoiler: <<Solo existe una verdad, la soledad>>.

"L'espiga del dol (Que creix quan no vol)" con Xarim Aresté es un sereno e ingrávido blues que consuela y reconforta mientras despliega sus alas sanadoras. Llegamos a "Me olvidé del mar" de la mano de la mallorquina Aina Zanoguera. Aprovechando la referencia al "mar" cabe destacar la brisa Mediterránea que desprenden las composiciones de CLARA PEYA.

El afro-americano Alan Da Silva pone su garganta al servicio de "Las voces" con el drama de la inmigración bien presente. El estribillo coral resulta empoderador. Nos sobreviene "Llum blanca" y la impecable voz de Judit Neddermann conjurándose con el piano, guitarra y un halo de electrónica para hacernos un poco más felices.

JOAN VILLALONGA - "Un instante en la vida" (Astronomy Recording Music, 2025)

JOAN VILLALONGA (Four on Six y TanStuPids) desde que debutará en solitario en 2017 con el EP Un día en Aberdeen (Flor y Nata Records, 17) ha completado una trilogía con los posteriores álbumes Una noche en Shinjuku (Ànima Records, 19) y ahora con el reflexivo Un instante en la vida (Astronomy Recording Music, 2025). Se cierra pues esta etapa en la carrera del músico castellonense donde la "unidad" que abría los títulos de sus trabajos era inversamente proporcional a la del contenido estilístico, alcanzando el máximo de diversidad en la presente referencia.

 

El castellonense repite tándem con otro paisano, el productor Alberto Lucendo, en un disco que arranca con la inquietante "Los perros ya no ladran" y versos como: <<Suena mal, no hay razón. Todo vuelve a empezar y la cosa puede ir a peor>>. Un marcial blues que solo ve amenazada su hipnótica naturaleza por la aparición clave de la sugestiva trompeta.

Foto de Manuel Peris

La balada "Jenni" suaviza la escucha y de qué manera, nos irá bien para coger aire de cara a otro de los momentos más estimulantes del trabajo. Joan muta en el PHIL COLLINS del "In the air tonight" (1981) para regalarnos "Nosotros", la perla del álbum. Emotiva al cuadrado, con una guitarra eléctrica que penetra la piel, bajo conciliador, percusión ingrávida y la personal voz del artista como guinda para una canción maravillosa.

Sutiles aires reggae se cuelan en la escucha con "Qué más da". Nos apuntamos su mensaje: <<El lado alegre de la vida es todo un sitio donde estar. Hacer pensar lo que te digan si es blanco o negro que más da>>.

Que no te engañe la languidez de "Reiniciando en femenino", la fuerza interior que desprende se cuela por entre las rendijas de la conciencia. Le sigue la cadenciosa "En el otro lado" con la frase lapidaria por montera: <<Si te da miedo pensar mejor que no te atrevas a hablar>>. Los teclados añejos presentando a un siempre mágico theremin culminan otro estimulante corte.

Enfilamos el tramo final de Un instante en la vida con la melancólica "Todo es pasado" y ese solo guitarrero final rematando la conmovedora pieza. Mención aparte para la intervención de las cuerdas de un baglamá partiendo el corte, una muestra más de la riqueza instrumental de este trabajo.

MAGALÍ DATZIRA - "La salut i la bellesa" (Bankrobber, 2024)

La contrabajista, cantante y compositora MAGALÍ DATZIRA nos viene con un segundo largo bajo el brazo con La salut i la bellesa (Bankrobber, 2024). La barcelonesa sigue ahondando en su fórmula revestida de sonoridades jazz abiertas a pinceladas de funk y pop.

A la artista se le adivina una mayor tendencia hacia la experimentación en este nuevo trabajo, lo que no le resta ni un ápice de hechizo, un acto mágico que es constante en su aún bisoña aunque ya ilusionante carrera en solitario. Además está grabado prácticamente en directo lo que le inyecta un plus de sugestiva frescura .

Con su calidez característica en La salut i la bellesa Magalí va desvelando vivencias y preocupaciones cotidianas a modo de terapia depurativa. Una que arranca con "Hi ha un abisme" (videoclip insertado a pie de página) desperezándose a través de las leves notas del piano, después llegarán unos vientos inyectando elegancia a un corte que ya venía apuntando distinción.

Foto de Clara Ruiz

"He sortit a córrer" evidencia, será bastante recurrente en todo el metraje, el apego de la artista por las atmósferas jazz. Mención aparte para el sugestivo diálogo entre voz y el saxo, tocado precisamente por su hermano Iscle Datzira. 

Entramos en un bosque de cinco canciones seguidas de menos de 2 minutos de duración cada una encabezadas por la bucólica "1 o 1000". Le sigue "Pedaços" con juguetona intro electrónica incorporada. Aquí Magalí frasea incisivamente una inquietante lírica a modo de desahogo personal. A la acústica con aires minimalistas "Int-don't" le sigue la placidez de "Gerani" recordándonos aquellas cosas mundanas que nos reconfortan: <<La vida, sushi, cervesa i matí, gerani verd imprès>>.

La delicadeza de "fffff" acompañando el mantra <<seria ideal voler ser normal>> puede incluso hacerte levitar. Seguimos apostando por títulos particulares con "2h32'" y un desamor que parece no merecer ni un minuto más de lamentos. Llegan los 50 segundos de "Int - Em porto bé" y esas lánguidas notas de piano recogiendo una voz que se debate entre el bien y el mal.

El arranque de la cara B del vinilo por el tema titular empieza fuerte de encanto con el flow de la primera de las dos colaboraciones vocales que cuenta el álbum, el rapero norteamericano Mr. J. Medeiros. Una cadenciosa guitarra acústica demanda protagonismo en "Goddess", de los cortes con más tendencia pop del conjunto. El empoderador <<I am a goddess, I am a goddess>> se marca a fuego en el subconsciente.

La contestataria "Long life to the newborn" va difuminando su crudo mensaje con su amable desarrollo hasta que llega el minuto con treinta y cinco segundos golpeando hasta su ocaso con el insistente: <<I'm sorry my government is so incompetent you shouldn't be drowning>>.

FABIO VEGA AND THE QUIET MEN - "Burning" (autoeditado, 2024)

 

Fabio Vega lleva obsequiándonos con discazos como A QUIET MAN desde el 2009. Claro exponente del DIY (do it yourself) ya venía experimentando en su casa desde 2001 partiendo de caja de ritmos, una mini pedalera y una guitarra acústica mientras iba montando su propio estudio y adquiriendo más instrumentos. Con nueve álbumes en su haber el último, Staring at the Dark (2021), era la confirmación de una deriva hacia la electrónica de sus paisajes característicos soft rock, con poso jazzístico y aura de crooner incorporados. 

Fabio ha querido recuperar sonoridades primigenias, volver a la calidez analógica de antaño. Para hacerlo se presenta ahora como FABIO VEGA AND THE QUIET MEN y este nuevo trabajo, Burning (2024). Completan la formación Kike Pellicer (bajo), Pedro Jiménez (guitarra eléctrica) y Chiri (batería).

La temática romántica sigue siendo el leitmotiv lírico principal de sus composiciones como queda bien patente en el arranque de disco "River of love". Una especie de bolero con guitarra blusera como guinda para un elegante y sensual corte, lo que viene a ser Fabio Vega en todo su esplendor. 

"Déja vú" con ese viaje guitarrero acompañado de un aterciopelado bajo, batería ingrávida, distinguido saxo y coros reparadores abrazando la voz de un Fabio que parece querer dejar atrás los restos de una relación agotada.

El amor a veces también triunfa, como parece que pasará en "Let's pick the night, together", al menos durante una noche. El acordeón incorpora un plus de lujuria a otro tema arrebatador.

"Far from myself" es el corte más extenso del conjunto gracias a sus seis minutos con cuarenta y seis segundos de puro cortejo entre saxo y guitarra eléctrica. Le sigue la melancólica "High-heeled shoes". El certero riff guitarrero junto a las notas del acordeón intentan atenuar los efectos devastadores de un corazón roto: <<Every hour feels like days, time cannot heal my pain, it's worst every day, my love / Cada hora se siente como días, el tiempo no puede curar mi dolor, es peor cada día, mi amor >>.

"We've got to know" con ese preciso a la vez que sorprendente break rondando su ecuador y el desboque final coronando una nueva perla del artista rapitense de adopción (Terres de l'Ebre). Llega "The keeper of your heart" con Fabio en modo seductor, le sale de natural pero aquí lo borda, susurrando deseo y pasión. 

JOAN VILLALONGA - "Mil anys en un segon" (Bureo Músiques, 2023)

 

JOAN VILLALONGA, tras su paso por las bandas Four on Six y TanStuPids, debutó en solitario en 2017 con el EP Un día en Aberdeen (Flor y Nata Records, 17) para después seguir alimentando el proyecto con el álbum Una noche en Shinjuku (Ànima Records, 19), en ambos casos con sus experiencias viajeras como leitmotiv y un pop-folk como vestido hecho a medida para transmitir su obra.

El castellonense con su nuevo disco Mil anys en un segon (Bureo Músiques, 2023) recupera el piano como vehículo de transmisión para diez canciones compuestas durante los últimos veinticinco años y que, tanto estilísticamente como por su carácter más personal, no encajaban en ninguno de sus proyectos.

La nostálgica balada "Deixo la ciutat" nos da la bienvenida al trabajo con el piano como guía por unas calles que ya no serán las nuestras. La sección de cuerda orquestal se manifiesta como perfecta escudera y volverá a ejercer como tal en muchos momentos del disco. 

Un fuerte aroma a jazz entra pisando fuerte con "Si et torno a veure" teletransportándonos a un bar musical añejo de aquellos donde el humo del tabaco y el licor de alta graduación campaban a sus anchas mientras el piano, bajo, guitarra y batería ponían la nota de glamour en forma de virtuosismo rítmico. La guitarra eléctrica se luce y de qué manera hacia su ecuador, quizás todo tenga lugar en el mismo bar que se menciona en el corte.

Vuelve la balada a escena, habrá más, con la melancólica "Aquesta nit" y versos tan desarmantes como: <<Em posaré pedres als peus, em tallaré amb fulles amb rovell i deixaré que em faça mal el cor si algú em vol amar / Me pondré piedras en los pies, me cortaré con hojas oxidadas y dejaré que me duela el corazón si alguien quiere amarme>>.

¿Te hace un paseito por New Orleans? Durante los tres minutos de "Ja estic a dalt de tot" esos trotones banjo, clarinete y trombón parecen una carta de invitación velada a la cuna del dixieland. Además quizás podamos ir de gorra, teniendo en cuenta el dinero que parece que le sobre al protagonista del corte. 

La agridulce "Vull saber" nos expone el inexorable paso del tiempo a modo de balance de las experiencias vividas, con una lírica demoledora: <<Vull saber si avui treballes cada dia de vuit a tres, si la teua vida és un dilluns que no s'acaba mai, si el teu cor batega sempre com la pluja al mateix temps, si ja no tens calor i ja no tens ni fred / Quiero saber si hoy trabajas cada día de ocho a tres, si tu vida es un lunes que nunca se acaba, si tu corazón late siempre como la lluvia al mismo tiempo, si ya no tienes calor y ya no tienes ni frío>>.

El blues crápula de "Mil anys en un segon (blues nº 6)" añora aventuras nocturnas sobrevividas a base de juventud y ibuprofeno. Se nos va a pasar la resaca de golpe con el swing vitalista de "Tornarem a casa", además su delicada intro nos sirve de balsámico puente hacia la recuperación.

Entramos en terrenos bien motivadores con la reconfortante "Recordes" y ese binomio recurrente piano/sección de cuerda con el timbre particular de voz de Joan como ensamblaje perfecto, resultando combinación ganadora para otro corte delicioso. Seguimos convencidos de que saldremos de esta con la luz al final del túnel que brilla en "Quan tot és fosc". Este guiño a la música ligera es otra muestra evidente del generoso abanico estilístico, dentro de su vocación intimista, que abarca Mil anys en un segon.

MAGALÍ DATZIRA - "Des de la cuina" (Bankrobber, 2023)

MAGALÍ DATZIRA es una contrabajista, cantante y compositora barcelonesa que había ido dejando durante los últimos dos años migas de pan de baguette del bueno por el camino en forma de singles y un EP para que la siguiéramos espectantes hasta su debut en largo, el estimulante Des de la cuina (Bankrobber, 2023).

Su carrera comenzó en la Sant Andreu Jazz Band, donde trabajó con Joan Chamorro, participando durante 2014 y 2015 en producciones como La màgia de la veu con Andrea Motis, Rita Payés y Eva Fernández y el álbum Joan Chamorro presenta Magalí Datzira. Luego continuó su formación en el Conservatorio del Liceu, la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC) y el Conservatorio de Ámsterdam. Magalí ha actuado en numerosos lugares de España y en otros países como México y Suiza.

Foto de Clara Ruiz

Des de la cuina debe su título a que "la cocina" és el espacio de donde salieron la mayoría de canciones que componen un álbum que, a partir de su esencia acústica, va desprendiendo calida intimidad entre las notas de sus doce cortes. Una cuidada lírica en varios idiomas (catalán, español, inglés, italiano, portugués) inspirada en las vivencias acumuladas durante los últimos años, acompaña sonoridades que orbitan alrededor del jazz.

"Riu (intro)" nos da la bienvenida de manera instrumental, con el contrabajo escoltando el hipnótico suspiro de Magalí a modo de vaporosa puerta de acceso al disco.

El sentimental tema titular, con videoclip insertado a pie de página, transmite dulzura extrema a través de la voz, contrabajo y piano, un tridente bien engrasado al servicio de tus sentidos.

En "Move out" se unen a esta fiesta de la sensibilidad que es Des de la cuina las tres "V" de la sección de cuerda: violín violonchelo y viola. Vienen para quedarse, resultando decisivos sobre todo abrazando esos "i love you" finales, pura delicatessen sonora.

MAGALÍ DATZIRA musica "Quien alumbra" de la poeta argentina Alejandra Pizarnik (1936-1972) para luego marcarse un tema a cuatro manos con la cantante mexicana Fuensanta Méndez, el desgarrador "Devorando bofetadas", delatando su estrecha conexión con el universo artístico latinoamericano.  

La bucólica "A tot arreu", con la naturaleza floreciendo salvaje entre sus notas, nos acompaña hasta "Ciao Toscana", que forma parte de la banda sonora de la película Toscana del director alcoyano Pau Durà.

"The cutest boy" con su dulce devenir abre las cortinas para que nos ilumine ese "Sol" hecho canción, que nos intenta levantar de la cama a base de envolver la estancia con su vitamina D. Un cambio de rumbo en su último minuto ejerce de nubarrón inesperado.  

Encaramos el tramo final de este coqueto Des de la cuina con dos nanas instrumentales y la voz de Magalí susurrando a modo de reclamo que encamine hacia el sueño más reparador: "Nana per la Iona" y "Cançó de bressol".

Nacho Casado - "Disco Bleu" (Hidden Track Records, 2022)

Disco Bleu (Hidden Track Records, 2022) es el tercer álbum en solitario de Nacho Casado. Co-producido junto a Jaime Beltrán, es el trabajo más personal del artista ilicitano, tanto a nivel de lo que se cuenta como de cómo se cuenta. Confirmación de que ha encontrado su sitio dentro del panorama musical estatal, puliendo hasta descamarse un personal estilo amalgama de ritmos bossa nova y jazz, con toquecitos souleros y marcado carácter retro 60's.

El amor, tanto sentimental como fraternal, es el tema predominante en los trabajos de Nacho y Disco Bleu vuelve a ratificarlo. Arranca con "El Nadador" y enseguida se libera uno de los aspectos diferenciales de este álbum respecto a los dos anteriores, la melancolía sigue activa pero tiende a difuminarse con un velo de luminosidad y dinamismo, aquí acentuado por un bajo juguetón y una percusión desmelenada. El trio de cuerda Cosmotrio (violín, viola y violonchelo) sella el toque de elegancia característica en las composiciones del artista.

Foto de Silvia Poch

Tras "(Bleu"), el primero de los dos breves interludios del álbum, aparece "No-Yo (Es Preciso Perdonar)" y con ella la otra cuestión que se aborda en Disco Bleu, su título es delator: el perdón. Cálida bossa nova con el contrabajo como uno de los impulsores de la reconfortante atmósfera reinante.

  

La nostálgica "Venganza en la Pista de Baile" contiene en su rótulo indicios de su naturaleza cadenciosa. Sí, puedes contornear tus caderas con ella, todo un hito tratándose de un trabajo de Nacho Casado y una agradable sorpresa que, visto el favorable resultado, quizás sea un terreno a seguir explorando en nuevas canciones.

  

"¡Qué Maravilla!" se situaría en el pódium de los temas más azucarados y radiantes de la carrera de Nacho, rozando la euforia contenida. Y eso que sólo acompañan a su voz unos precisos rasgueos de guitarra acústica, incorporándose en su ecuador la sección de cuerda. No hace falta más para embelesarnos, ya lo dice la letra: <<No hace, no hace falta, no hace falta que te diga que eres toda mi vida>>.

Llegamos a la pista más inmediata del conjunto, "Mediterralia" (clip insertado a pie de página). Algo así como el hit del álbum, bombón sonoro que seguro se auto derretirá por su acogedor desarrollo. El <<No, nada, cambia>> del falso estribillo quedará pegado en tu subconsciente como chicle en un zapato, avisad@ quedas.

La bossa nova de "Flores y Almohada" ejerce de declaración amorosa en mayúsculas, sin filtros ni contención. Y es que esta armonía tropical que se gasta Nacho tiene un poder de sugestión inusitada.    

Con "La Fine Dell'amore" nos sobreviene el lado más amargo de las relaciones sentimentales, ese momento en el que todo se acaba. Sabes que no hay nada que hacer pero te aferras a un último indicio de condescendencia. Venga, ánimo, gracias a las placenteras notas de la canción que nos ocupa seguro que se supera, antes incluso de que ésta termine.

NACHO CASADO - "Amor, Música y Lágrimas" (Hidden Track Records, 2020)

Elegancia, calidez y sensibilidad vestidas con ritmos bossa-nova y jazz, es el preciado contenido de Amor, Música & Lágrimas (Hidden Track Records, 2020), segundo álbum en solitario del ilicitano Nacho Casado. En el acústico debut Verão (2018), con voz, guitarra y contrabajo, ya se perfilaba un cambio de rumbo estilístico dejando atrás el pop-folk de su anterior proyecto La Familia del Árbol, junto a su pareja Pilar Guillén. En el presente trabajo se rodea además de minuciosa instrumentación para enriquecer el resultado. A su voz y guitarra clásica se le une la batería y percusión de Zeke Olmo, el contrabajo y el piano a cargo de Alejandro Tamayo y la colaboración decisiva de la sección de cuerda del grupo Cosmotrio, con Marta Iglesias (violín), Lorena García (viola) y Clara Molina (violonchelo). El conjunto se conjura durante la escucha para incrementar el regusto a lo que podría ser banda sonora perfecta para una película romántica de los años 50's, una época que a Nacho le fascina sobremanera.       

La mayor parte de los ingredientes de Amor, Música & Lágrimas te los tropiezas ya de entrada con el primer corte "Alta Sociedad". Una acogedora bossa-nova que te envuelve e incluso incita a un leve contorneo corporal. Su lírica incluye cuatro de los pilares que sostienen la esencia del álbum: <<Ey amor, vacaciones en el mar, me han chivado que, no te va mucho el jazz... Uh, si desafino amor, dame esa nota que yo, esa que abre tu corazón>>.

"Directo a la cima", la más breve del conjunto y aún así con tres bloques bien marcados; su intro soulera, estrofa canicular y adorable estribillo. Todo en sólo dos minutos que es lo que dura este hito de concreción sonora. 

Llega la maravillosa "Cantando bajo el sol" (videoclip insertado a pie de página). Un clásico fabricado en 2020, nostálgico himno retro-pop que huele a salitre y, como apunta Nacho en su letra, a <<...brisa marina y agua de mar>>. Seguiremos un buen rato en terrenos exquisitos y melancólicos como con "Bienvenido a L.A." y ese remate con el trío de cuerda que es pura delicia. Aprovechamos para ahondar en el gran protagonismo que adquiere en todo el álbum el tándem violín, viola y violonchelo, rúbrica perfecta para constatar el alto grado de elegancia reinante. 

"Lady Day" y "Los Apóstoles del amor eterno" contienen quizás el poso más jazzístico del trabajo. La primera, delicada y lánguida, una preciosidad de bolero que invita al baile de "agarrao", piel con piel. La segunda, otro portento, más rítmica, con estrofa, puente y estribillo bien delimitados conjurándose para marcarse a fuego en tu retentiva. 

Con "Acapulco" regresa con fuerza la evocación tropical, su título le delata, además contiene una palabra clave en el hacer y sentir de NACHO CASADO, "saudade". Una transmisión de melancolía crónica, presente en gran parte de su obra.

3SPADA - "Cuaderno d3 bitácora" (2020)

3SPADA es el proyecto en solitario de Paco Espada, bajista que ha participado en numerosos proyectos de estilos dispares que abarcan desde el metal, pop rock, acoustic, funkfusion, mestizaje hasta la música tradicional cubana.

El murciano acaba de lanzar su primer trabajo en solitario Cuaderno d3 bitácora  (2020) en donde plantea un recorrido a través del tiempo, diferentes culturas, atmósferas y estilos.

Después de escuchar el álbum y ante tal despliegue de abanico sonoro no pudimos resistirnos a hablar con el músico para que nos diera las líneas maestras de su propuesta.

¿Qué motivaciones te han movido a la hora de lanzar tu primer trabajo en solitario?

La motivación esencial de decidirme a lanzar un trabajo en solitario es la simple necesidad de crear y expresarme. Llevo una temporada dedicándome a la música de manera profesional pero por desgracia en este país, la mayoría de músicos que deciden hacerlo tienen que tocar en orquestas, grupos de versiones y/o tributos. Me encanta tocar música pero la verdad es que desde el principio he estado en esto para crear y compartir música y sentía un vacío que sabía perfectamente cómo llenarlo.

¿Cómo se puede gestar un disco tan heterogéneo como el que nos ocupa, dónde tanto nos podemos encontrar con rock progresivo, hard-rock, ambient, jazz, funk, música étnica..?

“Cuaderno d3 bitácora” es el resultado de rescatar temas de diferentes épocas de mi vida, diferentes estilos y bajo este nombre, darle un poco de sentido a la “locura” estilística que hay en el mismo. En cierta manera mi día a día es así. Lo mismo puedo escuchar SLAYER que por la tarde escuchar música tradicional de Turquía y lo veo como algo completamente natural.

Explícanos un poco el proceso compositivo del álbum.

Todos la música es mía a excepción de "The wizard" que es una versión del primer disco de BLACK SABBATH y "Epitafio de Seikilos" que es la primera pieza escrita musical que se haya encontrado hasta la fecha. En este tema también cree una melodía mía para darle desarrollo. Las letras son mías a excepción de "Greygarden" (Johnny Blood) y "Lilis Voyage" (Ingrid Mathieu Robles) que son las personas que cantan dichas canciones, dicho sea de paso.

BOMBAY BICYCLE CLUB - "Everything Else Has Gone Wrong" (Caroline International, 20)

Después de lanzar el aclamado So Long, See You Tomorrow (2014) BOMBAY BICYCLE CLUB se replantearon su carrera planeando incluso el fantasma de su desaparición. Coincidían en el tiempo además los proyectos paralelos de su líder Jack Steadman y el bajista Ed Nash. Prácticamente in extremis decidieron que no había llegado su hora, que aún tenían algo que decir. No pudieron tomar mejor decisión, Everything Else Has Gone Wrong (Caroline International, 20) es su mejor álbum hasta la fecha y uno de nuestros favoritos internacionales de 2020.

El inicio del álbum denota el creciente interés de Steadman por el jazz. "Get Up" con ese sample omnipresente, poso psicodélico, riff de guitarra adictivo, batería in crescendo hasta el desboque... El cuarteto deslumbrando desde el arranque, seguirán cómodos en esa línea. La nostálgica "Is it Real" luminosa, transmitiendo buen rollito con detalles como el recurso del redoble de batería en la estrofa confirmando que estamos ante una banda en estado de gracia. Rebajamos el primer momento de subidón del álbum de golpe con el agrio tema titular. Los hipnóticos sintes junto a una línea de bajo turbador completan un corte que refleja la bajada a los infiernos del cuarteto y su resistencia ante lo que se presumía su final.

Con "I Can Hardly Speak" retorna el vitalismo sonoro de los londinenses, incluso podemos bailarla, claro que si. El falsete en el puente, la explosión del sintético estribillo, el alto en el camino hacia el minuto 2:15"... toda una maravilla.

"Good Day" es perfecta. Una desesperada petición de ayuda ante lo desconcertante que puede suponer alcanzar la madurez. Tan delicada como agridulce, con esos sutiles coros y ese mágico ocaso en forma de arpegios guirarreros que agonizan hasta su extinción.

La adictiva "Eat, Sleep, Wake..." con esos sintes intermitentes a lo 8 bits, bajo percutor, guitarra juguetona... ¡Chicos, seguís en racha! Y esto no para, como demuestra "I Worry Bout You". Partiendo de la electrónica enseguida hace su aparición una sección rítmica muy jazzística armando un espléndido corte pop. La aparición de la trompa es el lazo de regalo para el conjunto.

El medio tiempo "People People" con la colaboración vocal de Liz Lawrence y un cierto aire oriental flotando por ahí. Dulce excepto en el embriagador cambio de su último minuto que aumenta si cabe, valga la redundancia, su enormidad. Seguimos en terrenos sonoros exóticos con "Do You Feel Loved?" y su magnético sample tribal junto a esos redobles percutores y unos balsámicos vientos. El cambio de rumbo hacia el minuto 2:40" no hace más que volver a darnos la razón a la hora de adorar el último trabajo de los londinenses.

A QUIET MAN - "From the Sea" (2018)

From the Sea (autoeditado, 2018) es el octavo álbum de estudio de A QUIET MAN (Fabio Vega), artista residente en Sant Carles de la Ràpita (Terres de l'Ebre -Tarragona-). Ciudad costera bañada por el Mediterráneo, compañero en su vida diaria y ahora también cómplice descarado a la hora de la gestación de su nuevo trabajo. Desde su título, su portada, las continuas referencias en su contenido... todo respira a brisa marina. 

Esta vez Fabio parece haber recogido la experiencia acumulada con los flashes electrónicos contenidos en sus anteriores álbumes y decididamente optar por darles mayor protagonismo. La evidencia la tenemos desde el imperial arranque "Drowned", nos atrevemos a calificarlo como uno de los momentos cumbres en la carrera del  músico. Desgarradora y embriagadora a partes iguales; sorprendente para el seguidor del hasta ahora descrito como "crooner del siglo XXI", y que muta, como por arte de magia, a virtuoso artista electrónico. Sus más de siete minutos de duración, también mostrando un cambio en la rutina compositiva del artista, contienen como plus una majestuosa orquestración que acentua la épica hasta convertirla en una pieza sublime.

En la playa se pueden hacer muchas cosas pero si nos fijamos en la portada del álbum, con ese mensaje evidente gracias a la "A" invertida, encontramos el motivo de la lírica contenida en "The Beach". El segundo corte del trabajo nos recupera de las emociones iniciales vividas, de la mano de sonidos amables y sexo desenfrenado en la arena, un planazo en toda regla.

Seguimos subiditos de tono con los dos siguientes temas; "The Hooker" y la languidez de su melodía habitando entre flujos y sudores; "Waves", un inesperado y adictivo synth-pop, con grandes posibilidades para el baile en su interior.

Nos ponemos menos carnales a la vez que nos sobreviene la dulzura a ritmo de bossa-nova con "I Want You", una preciosa plegaria por la supervivencia de un amor que parece herido de muerte. Permanecemos nostálgicos con "Empty Boat (in an empty room)", con unos ensoñadores giros arabescos y una arrebatadora deriva instrumental en su segunda mitad que provoca que no queramos que el corte acabe nunca jamás.

A QUIET MAN - "Love is Gone" (2017)

A QUIET MAN sigue fiel a su reto de álbum por año con la publicación de "Love is Gone" (2017). El séptimo largo de Fabio Vega ahonda en su temática favorita, el amor, esta vez desde su vertiente más infeliz, la ruptura. 

El título del álbum no deja lugar a dudas; además letras como la de su maravilloso corte synth-popero "Love and pain", hablan por si solas de la intensidad emotiva reinante: "Love and pain is what I feel for you/Love and pain every day/You were all my dreams/All the shadows in my room/All the promises, disappeared".

Love is Gone contiene entre sus trece cortes perlas como la mencionada "Love and Pain"; el dueto inicial con la majestuosa jamesbondiana "That Kind of Girl" y la desgarradora "Empty Room", con giros arabescos rematando lo que ya era de por si un corte memorable.

De crema, mucho más; como la conmovedora "Stay Away", te desarmará completamente, además con unos arreglos de cuerda celestiales; la electro-pop "Into the Fire", una de las sorpresas del álbum junto a su electrónico cierre "Flowers", ambos te harán bailar, palabrita de niño Jesús; las marcas de la casa "The Night" y "Call Me a Fool", donde Fabio demuestra una vez más que en su hábitat natural es imbatible; "The Slave", rematando con aires asiáticos un inquietante corte que va evolucionando de manera hipnótica de la mano de unos angelicales coros femeninos; y la agridulce "Night and Day", con la que no nos resignamos a ver extinguir la llama del amor, y menos aún acompañados de estos ritmos tan seductores.

Voz cálida, preciosas melodías, ritmos entre el pop, el jazz y el soul con sorbitos de electrónica incluidos... A QUIET MAN nunca defrauda.

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DAVID BOWIE - "No Plan" (EP Columbia Records, 2017)

Hoy se cumple un año del fallecimiento de DAVID BOWIE, uno de los más grandes genios de la historia de la música moderna. Su desaparición abrió un año, el 2016, nefasto para la cultura y la música en especial, con un ensañamiento especialmente cruel e innecesario en estos tiempos tan necesitados de ARTE. 

Lazarus Cast Album (Columbia Records, 2016), BSO del musical "Lazarus", contenía un doble disco; el primero con temas de BOWIE cantados por el elenco de intérpretes y un segundo con el corte "Lazarus" más los tres inéditos "No Plan", "Killing a Little Time" y "When I Meet You".

Coincidiendo con el que sería el 70 cumpleaños del Duque Blanco se acaba de reeditar ese segundo CD, esta vez en formato EP digital bajo el nombre de No Plan (Columbia Records, 2017).

Foto: Jimmy King

Reseñamos este trabajo en su lanzamiento inicial, noviembre del año pasado y dentro del conjunto original. Recordamos nuestras impresiones de ese momento, tal cual:

ANAUT - "Time goes on" (2016)

ANAUT está formada por Alberto Anaut (voz y guitarras), Gabri Casanova (teclados), Javier Geras (bajo, contrabajo y coros), Javier Skunk (batería), Alberto Arteta (saxo tenor) y Javier Martínez (trompeta).

Después de habernos encandilado con su anterior trabajo 140 (2013) ANAUT ja tiene nuevo LP Time goes on (2016). Grabado en analógico en los estudios Brazil y Funkameba de Madrid, el diseño gráfico de la portada corre a cargo de Fernando Gutierrez, encargado de diseños tan insignes como El País de las Tentaciones, la revista COLORS, el Museo del Diseño de Londres, el Centro de Arte Reina Sofía o el Museo Nacional del Prado, entre otros. 

Un álbum en el que te puedes tropezar con trallazos soul como el majestuoso tema inicial "You got me in heat", "Stab" o "I love the way you lie"; momentos para calidez extrema con "Little by little", "I ain't gonna be with you"; baladones como "Far, not fast" o el cierre "This too shall pass"; sabores countries azucarados con "Guilt" o "The maze" ; reminiscencias al "Don't worry be happy" de Bobby McFerrin incluso en el mensaje con "When you take it slow" junto al cantante, pianista y compositor británico afincado en Nueva Orleans Jon Cleary; y el rythm and blues hiperactivo de "Doesn't really really matter".

Alberto demuestra una vez más que es en su campo es punta de lanza a nivel estatal y con gran proyección internacional, además sus directos son majestuosos como demuestra el clip que acompañamos. ¿Qué más podemos pedirle a un artista? Imperdible.

Escúcha Time goes on>

A QUIET MAN - "Hypnotized" (2016)

Hypnotized (autoeditado 2016) es el sexto álbum de A QUIET MAN, un artista de les Terres de l'Ebre (tierras del sur de Cataluña bañadas por dicho río con el Delta del Ebro como desembocadura) que nos tiene acostumbrados a trabajos degustados a fuego lento, tal que delicatessen preparado para paladares exquisitos.

En esta ocasión opta por inyectar electrónica a la mayoría de sus temas, agrandando con ello el abanico de sonoridades pop melódico, soul y jazz, marca de la casa. Algo que ya había testado en anteriores trabajos, como en Into the Night (2014), pero que ahora se hace más palpable.

Si buscáramos la definición del término "indie" encontraríamos a A QUIET MAN (Fabio Vega) ya que compone, lo graba en su propio estudio, lo produce, realiza las mezclas... Todo menos la masterización que corre a cargo de Erik Veach at Crazy Daisy Studios en Portland (Oregon); y el diseño del arte, a cargo del artista Miquel Serratosa, colaborador habitual en los últimos tiempos, con un cuadro suyo ilustrando la cover del álbum.

Nos adentramos en esa carretera sinuosa que aparece en la portada con "Criminal", que a modo de mantra nos advierte: "I'm a criminal/You know I kill for lust/I'm a criminal, under the spell of a blue moon". Es que realmente Fabio es algo parecido, una especie de criminal sonoro que va dejando víctimas en forma de seguidores mientras los hipnotiza, nunca mejor dicho, con su voz grave y seductora.

La electrónica se hace más evidente con la llegada de "She Wants (Me)" dándole un toque dance acompañando a una guitarra shoegaze y creando una fusión cautivadora. A partir de aquí se abre la veda y penetran aires trip-hoperos con "Dumb" y "Tell me why". En ambas, sobretodo en la segunda, aliándose con unos mordaces sintes y creando una sombría atmósfera.

"Every Day, Every Night", con esas cajas de ritmos inyectando groove a un tema aparentemente plácido, y las enormes "How Can I Say I'm Sorry?" y "Memory", quizás el tridente de cortes donde el sello clásico e inconfundible de A QUIET MAN se hace más obvio. Aunque con sintes y samplers por lo bajini, sobre todo en el final de esta última con protagonismo de la peli Lost Highway (1997) de David Lynch, acompañando a esas infinitas y sobrecogedoras notas guitarreras, retorciendo la épica hasta llegar al sumum emocional.

¿Quién dice que no podemos bailar con A QUIET MAN? El rompepistas soulero "I don't wanna lose you" lo demuestra y de qué manera.

Presentació 12es JORNADES MUSICALS A L'ERMITA DE LA PIETAT D'ULLDECONA

Al Palau Oliver de Boteller de Tortosa ha tingut lloc aquest matí la roda de premsa presentació d'un dels esdeveniments musicals capdals de les Terres de l'Ebre, les 12es JORNADES MUSICALS A L'ERMITA DE LA PIETAT d'Ulldecona.

Comencen aquest pròxim diumenge 5 de juny i fins el 28 d'agost a la mateixa Ermita, a més d'un taller infantil dins del mateix Festival a celebrar al Centre d'Art Lo Pati (Amposta) el 26 de juny. L'acte ha comptat amb la participació de Nete Vericat (coordinador de les JMEP) i la presencia de l'actor Jordi Reverté fent una performance telequinètica. 

Escoltar parlar al Nete sempre resulta enriquidor, amb aquell entusiasme i sapiència musical que el caracteritza. Si a la vegada s'hi combina la inquietant presència d'una espècie de mag amb temptatives d'intercomunicacions mentals i levitacions incloses, la cosa agafa un caliu difícilment superable.

Cada any hi ha una temàtica inherent al Festival, en aquest cas la Telepatia i la Telequinesi que tanta relació tenen amb el aura màgica que es crea entre el paratge seu dels concerts i el públic assistent, un públic fidel i expert com pocs. El mateix que ha fet possible amb la seva col.laboració que s'hagi assolit el projecte Verkami creat per a l'ocasió. I no és estrany, de fet estem davant de l'entitat catalana amb rècord de projectes de micromecenatge amb èxit, una dada que diu molt de la brutal comunió existent entre el Festival i els seus seguidors.

Aquest any, com ja ens tenen acostumats, el cartell és eclèctic a més no poder, amb estils que van des de l'electrònica, reggae, jazz, afrobeat, garatge, rock&roll, cumbia, rumba... i de vegades inclús fusionant-se entre ells. A més hi ha un homenatge encobert al mestre David Bowie amb els raigs continguts als cartells (Aladdin Sane), així com dins del vídeo promocional que insertem al final de l'article (Blackstar). Nete ens ha avançat que en properes edicions segur que hi haurà un homenatge musical a n'aquesta figura cabdal de la història de la música.

No deixeu de gaudir d'aquestes fantàstiques actuacions:

Per si vols fer-te una idea del que et pots trobar aquí tens una playlist amb una mostra de tots els artistes participants:

Podràs trobar puntualment tota la info de les 12es JORNADES MUSICALS A L'ERMITA DE LA PIETAT aquí.

12es JORNADES MUSICALS A L'ERMITA DE LA PIETAT D'ULLDECONA

Sempre va bé recordar que a les Terres de l'Ebre també tenen lloc iniciatives il.lusionants en pro de la cultura com són les JMEP, un esdeveniment ja consolidat i que s'ha tornat imprescindible dins del calendari musical estiuenc.

Entrem a l'equador del projecte de finançament d'aquesta nova edició d'uns dels festivals més especials que es fan i desfan, les 12es JORNADES MUSICALS A L'ERMITA DE LA PIETAT d'Ulldecona (Terres de l'Ebre-Tarragona). Encara tens 20 dies per a convertir-te en mecenes a canvi de sucoses i variades recompenses per a fer possible un dels esdeveniments més especials del territori: http://vkm.is/telequinesiverkamista.

Si altres anys havien estat les vibracions, les diferents dimensions, la hipnosi col·lectiva, aquesta any l'evolució natural de la temàtica és la TELEPATIA i la TELEQUINESIS. O sigue, intercanviar pensaments i moure objectes i coses amb el poder de la ment. Pots veure l'espectacular video promocional que s'ha creat per a l'ocasió al final del post.

A l'igual que l'any passat, s'ha elaborat un senzill manual per a gaudir dels beneficis proporcionats per la pràctica telepàtica i telequinètica. Només cal seguir unes senzilles instruccions d'ús i interconnectar-les entre la comunitat per a amplificar els efectes del moment i convertir-la en una experiència inoblidablement mística: 

El poder de les interconnexions mentals és inescrutable. 

Esteu a punt de d'accedir a un Món a l'abast de molt poca gent. 

Participeu i estimuleu la vostra curiositat. Trieu l'opció adequada i sentiu-vos veritablement transcendents. 

Altereu el curs de la normalitat. Sentiu el poder proporcionat per l'experiència única de la música en directe...el lloc, l'energia...els nexes. 

La vostra capacitat telepàtica ha començat: deixeu fluir l'intercanvi... 

La realitat es mou, desplaça els objectes. 

TELEQUINESIS VERKAMISTA!!!!

Concentreu-vos. Entreu en el trànsit vibracional....sensorial.....musical....
La realitat muta...es relativitza...
El vostre/nostre poder mou la realitat, mou el present...mou el futur...ens fa millors.
L'Ermita...els ancestres, la ritualitat, la singularitat compartida de la música en directe.
El poder telequinètic de moure la realitat....
El poder únic de la 12a edició de les Jornades Musicals a l”Ermita de la Pietat!!!!
Ajuda'ns a fer-ho possible convertint-vos en micromecenes amb VERKAMI.