RAMONA FLORES - "Aquella luz que apenas recuerdo" (2026)

Maru Oliver (voz), Marcos Palancas (guitarra), Daniel Robles (batería), Ferran Estella (bajo) y Adrià Florido son RAMONA FLORES y presentan álbum debut con Aquella luz que apenas recuerdo (2026). Un trabajo que se ha ido cociendo desde su activación como banda a mediados del 2023.

El álbum esta producido, grabado y mezclado por Aleix Miquel Asuar y se manifiesta conceptual sobre el recorrido emocional de Eco, un personaje con problemas de salud mental transitando por los consecuentes altibajos del proceso. Musicalmente el cuarteto navega entre olas de shoegaze y noise-rock noventero, con un emo virado en la orilla a modo de latente influencia. 

La banda barcelonesa inicia Aquella luz que apenas recuerdo con la intro "Un corte, una caída (preludio)" y esos acordes guitarreros acompañando el spoken word de Maru. Se transpira la angustia del protagonista de la historia con versos como el cierre: <<Me retuerzo como en un mal sueño, si me hundo más acabaré dentro, si me hundo más acabaré viendo los restos de todo aquello>>.

"Mi casa nueva" es un golpe encima de la mesa del indie estatal. La más extensa del conjunto con sus cinco minutos y cuarenta segundos de rock alternativo premium. Guitarras incisivas, bajo percutor y poderosa batería escoltando una acogedora voz que se manifiesta como el contrapunto perfecto a la inquietante atmósfera reinante. Lo que viene a ser RAMONA FLORES a pecho descubierto.

No se rebaja ni un ápice el ruidismo con la llegada de "Sistema de drenaje" y ese estribillo que se clava como un aguijón: <<Rendirse sería mucho más fácil, eres frágil>>. Su último minuto es pura locura cerrando de manera simétrica otro corte para enmarcar. 

La delicadeza de "Eco" nos permite coger aire. Será apenas un minuto, enseguida vuelven a enseñar las garras las guitarras aunque esta vez de manera menos exaltada, acompañando una tan escueta como lapidaria lírica: <<Cómo me gustaría poder traspasar la línea. Hacer algo perfecto. Llegar a olvidar todo esto>>. 

"Noche solar" es la de más apego pop del conjunto, entiéndase en medio de un ambiente bien cargado, con un bajo fuzz muy jefe cimentando un tema que anima a ser brincado en sus conciertos. 

Delicada estrofa dándose de ostias con un estribillo demoledor. Aquí tenemos a "Inhibidor recaptador" para encandilarnos con su embriagadora dualidad.

EXILI A ELBA - "Dolce Vita" (Satélite K, 2026)

Los barceloneses EXILI A ELBA desde 2012 han ido modelando su sonido partiendo del funk-rock inicial al indie-rock con ramalazos folk durante sus cuatro primeros discos. Ahora con “Dolce Vita” (Satelite K, 2026) pasan pantalla armados de un enérgico rock alternativo sin dejar de lado algún que otro rincón melódico de impacto, todo dispuesto para vestir unas letras honestamente contestatarias.

Arnau Giordani (veu i guitarra), Adrien Faure (baix) i Nerea Bassart (batería i coros) arrancan Dolce Vita con la salvaje "Baliga Balaga". El inconformismo explota en su estribillo con versos como: <<Ens han abandonat, ens han lligat de mans, ens han negat totes les oportunitats. Encara no sabem on és la nostra llar. El que sí sabem és que volem cridar>>. El poderío de la sección rítmica se deja notar desde el minuto uno de la escucha custodiando una guitarra que ejerce de látigo justiciero. De hecho en "No hi havia amor" el bajo fuzz y después la batería son los encargados de darnos la bienvenida. El que fuera primer avance del disco nos conduce por una montaña rusa de despecho sentimental.

La percutora "Estrelles" dispara con su afilada lírica a todo lo que se menea. Podríamos englobar el mensaje en su verso final: <<Quan cauen les bombes. Quan la justícia és una farsa. Quan no puc amb la meva ressaca. Em guio per les estrelles>>.

"Barcelona" es la balada del disco. Maravillosa carta de amor a una ciudad condal que agoniza entre la especulación inmobiliaria y la masificación turística. Esperemos que la emotividad de estos tres minutos y medio ejerza de desfribilador que haga recuperar sus costantes vitales.

  

El elegante riff guitarrero de la lisérgica "Supersònic" abandera un corte muy brit con suficiente flow como para provocar un moderado contorneo de caderas. Le sigue "El final del camí" donde las guitarras recuperan la crudeza visceral marca de la casa. Además se demuestra que la incorporación a la batería de Nerea en 2023 expande las posibilidades vocales del power-trío.

 

El contundente corte titular juega con la ironía para reivindicar los sueños y la rebeldía en un mundo al borde del colapso. Después podemos incluso brincar con "01-01". Es lo que tiene el primer día del año, sobre todo en sus primeras horas bañadas en jolgorio y desenfreno.

BESTIA BEBÉ - "Yendo rápido a ningún lugar" (Primavera Labels, 2026)

Desde 2011 que BESTIA BEBÉ vienen dando sobradas muestras de destreza indie-rock cimentada sobre experiencias cotidianas con un sentimiento de camaradería bien presente, solo hace falta ver la portada de su nuevo álbum Yendo rápido a ningún lugar (Primavera Labels, 2026). 

Tom Quintans (guitarra, teclados y voz), Chicho Guisolfi (bajo), Polaco Ocorso (batería) y Boui Vilche (guitarra) nos traen un sexto álbum de estudio evidenciando una madurez carente de conformismo, huyendo de las nostalgias melodramáticas, con la resiliencia por bandera.

Los porteños arrancan el álbum con la enorme "Algo que siempre te quise decir". Tan camaleónica como para contener esencias folk y noise-rock en un mismo frasco. Va creciendo sobre una bucólica base de guitarra acústica y trinos de pajarillos para explosionar a los tres minutos envuelta en un manto de distorsión y decibelios. Al final nos quedamos con las ganas de saber que le quería decir, aunque nos lo podamos imaginar.

"El atrevido" fue el primer single avance del trabajo y por algo sería. BESTIA BEBÉ se cargan el conservador orden establecido, las bases de lo "correcto" y lo "convencional", armados de un sugestivo groove que hará que puedas bailar en la estrofa y brincar como un poseso con el destructor estribillo. Y aún faltará la épica del cierre, si es que lo tiene todo. Pide concierto a gritos.

El riff de teclados, la marcial batería junto a la línea de bajo post-punk de "Planes perfectos" se funden con solemne electrónica a las mil maravillas completando otro corte esplendoroso del cuarteto argentino. Entre su lírica se filtra el título del álbum.

La empoderadora "Chaleco antibalas" se cimienta sobre unos juguetones acordes de guitarra acústica abrazando su lapidaria lírica: <<Si queres tirar, tirame / no le tengo miedo a nada / si queres tirar, tirame / tengo un chaleco antibalas>>. Le sigue "Cara de piedra" con ese saborcillo Beatle hermanándose con cajas de ritmos y una guitarra metalera en el puente culminando una de las sorpresas del álbum. 

El estribillo de la melódica "El tiempo (es lo peor)" es para quedarte a vivir. Pero solo será un ratillo porque enseguida nos espera la euforia moderada de "Gustavo Costas" (videoclip insertado a pie de página), nombre del mítico jugador y ahora entrenador del Racing Club de Avellaneda. Aquí se nota el forofismo argentino típico por el fútbol y el amor de la banda hacia esa camiseta utilizándolo en esta ocasión como alegoría de lograr una victoria en la vida. Quien la sigue la consigue.    

En "El reparto de problemas" las guitarras invitan a relativizar las preocupaciones con un último minuto de solo que son fuegos artificiales. Llega la agridulce "Si me voy no significa que te quiera menos" mano a mano con Diego Ibáñez de CAROLINA DURANTE. Guitarra y voz juegan al despiste primero en modo intimista para desembocar en un enérgico estribillo con el título del tema como mantra y de aquí hasta el final.

BONS NOIS - "Sento sentiments" (The Indian Runners / Discos La Col, 2026)

Quim Armengol (guitarra y coros), Marc Barroso (batería), Daniel Díez (voz y guitarra), Gerard Ranchal (bajo) y Go Sans (guitarra y coros) son BONS NOIS y nos traen segundo álbum con Sento sentiments (The Indian Runners / Discos La Col, 2026). Vienen con novedades estilísticas ya que el inicial indie-pop contenido en su debut en formato largo Delta (2023) ahora acumula distorsión y decibelios.

El disco apela a las preocupaciones del día a día de la adultez joven en medio de un mundo cada vez menos amable. Abre sus puertas con "Mimetisme i macarrons" y esos misteriosos rasgueos guitarreros desperezándose dando paso a la sección rítmica, para desplegar todo el combo definitivamente las alas rondando los dos minutos y medio. Arrebatador arranque con una lírica demoledora y pasajes como: <<Si parlo d'això que sé que no existeix. Si parlo d'un déu será per por al present. Seran enganys de la ment>>.    

Se acelera la escucha con "Torreneules". Su trepidante evolución se ve alterada en ese break brotando el ecuador. Luego volverá a encabritarse por lo bajini enmarcando otro tremendo corte de la banda de Sant Feliu de Llobregat (Barcelona). Seguimos en modo inquietante con versos como: <<M'estimo persones i elles a mi. Cremem-nos a l'incendi aquí on vivim>>.

Foto de Pau Codina

Un riff de juguetonas guitarras arman la luminosa "He fet un tir!". De repente solo te apetece ponerte a brincar como un poseso. En directo puede funcionar como un tiro, nunca mejor dicho.

La nostálgica "Rodalies" facilita con su calidez uno de los momentos más conmovedores del álbum, pura maravilla. Cambiaremos de pantalla porque llega la distorsión de "No em trobaré" (videoclip insertado a pie de página) con esa rabia brotando por entre los pedales guitarreros para hacerte feliz.

Arranca la cara B del vinilo "Estiu (Els dies que vindran)" con sus cerca de siete minutos de rock progresivo del bueno. El break rondando el tercer minuto de metraje es de traca expandiéndose hacia la épica con todo el arsenal guitarrero de BONS NOIS a pleno rendimiento.

Nos ponemos en modo punk-rock con la enérgica excitación de "I tants i tants i tants records" en claro contrapunto con el corte que le sigue, la melancólica balada "Islàndia". Preciosista tema con unos versos tan magnéticos como el inicial: << Al cel s'alça un sol major. Jo perdut en un mi menor. És el fred que ho qüestiona tot o soc jo que no sé qui soc>>.

"Jo i les paraules" replica la fórmula progresiva de "Estiu (Els dies que vindran)", incluso en su duración. Esta vez incorporando en el ecuador el spoken word y un plus de distorsión guitarrera, culminando con calma tensa un corte embriagador.

CLARA PLATH - "Voladera" (Flor y Nata Records, 2026)

La banda murciana de rock alternativo CLARA PLATH nos vienen convenciendo desde su formación en 2013 con cuatro estimulantes trabajos de estudio en su haber. Siete años después de su anterior lanzamiento publican Voladera (Flor y Nata Records, 2026). Un disco hecho para sacudir los sentidos, urgar en las emociones. Cocinado a fuego lento o al menos es lo que se adivina teniendo en cuenta la prolongada ausencia y el excelente resultado final. 

Además del binomio fundacional Clara Plath (voz principal y guitarra) y Rober López (guitarras, teclados y coros), han participado en la grabación del trabajo gente como Cesar Verdú (batería) de León Benavente o Nando Robles (bajo) y Javi Vox (guitarra) ambos de Second, lo que viene a ser un dream-team de manual.

Voladera arranca con la ensoñadora intro instrumental del mismo nombre acrecentando la expectación desde el minuto uno. Los mejores augurios quedan confirmados con la llegada del que fuera primer sencillo "Días de playa" (videoclip insertado a pie de página). Unos marciales teclados nos dan la bienvenida para enseguida unirse el combo al completo desplegando un imponente halo nostálgico, no exento del pellizco sombrío marca de la casa.

"Una nueva idea" expone una ruptura sentimental vestida de luminoso pop-rock. Una de las sorpresas del álbum con ese marcado contraste sensorial entre temática y melodía. 

La conmovedora "La mitad rota de dos" explota en el estribillo como desconsolado grito de desesperación. El latido cerrando el corte quizás pertenezca al mismo corazón roto.

También hay lugar para la experimentación en Voladera con "Salida de escena", uno de los temas más arriesgados de su repertorio. Un trip-hop entre inquietante y sugestivo que no te dejará indiferente. La aparición de la guitarra acústica en el tramo final no lo vimos venir.

"Tetita" es amor incondicional, verdadero, el que se tiene por tu retoño enmarcado en un corte que desprende ternura y buena vibra. Las cuerdas juguetean con los teclados como se hace con un hijo, convirtiéndose en el mejor momento del día.

El reencuentro en el MoMA de Nueva York en 2010 de los artistas y ex-pareja sentimental Marina Abramović y Ulay (Uwe Laysiepen), en medio de una performance de la primera, inspira "Ulay y Marina". Una relación singular enmarcada en otro cautivador corte de los murcianos.  

Con "El engaño" seguimos en modo desencanto amoroso con fuerte componente melancólico. El inquietante spoken word, la paradiña en el minuto y medio, ese deje duduá en el estribillo, el sabor a far-west que impregna la escucha... Pura maravilla.

NUDOZURDO - "Clarividencia" (Sonido Muchacho, 2024)

NUDOZURDO venían estremeciéndonos del gusto desde sus primeros pasos allá por 2001 con esa personal propuesta de rock alternativo serpenteante, merodeando territorios post-rock, post-punk y shoegaze. Comunicaron en 2018 su cese de actividad tras lanzar seis álbumes de estudio, otro con versiones acústicas y un EP. En 2021 mitigaron esa ausencia en parte cuando su cabecilla Leo Mateos aprovechó para lanzar álbum debut en solitario. Por toda la secuencia de los hechos ha resultado una ilusionante sorpresa su vuelta, siete años después de la publicación de su anterior referencia, con este flamante Clarividencia bajo el brazo, incluyendo cambio de sello discográfico a Sonido Muchacho.

 
Una punzante línea de bajo nos lanza la alfombra roja de bienvenida al disco con "Soledad/Clarividencia", a la que enseguida se le uniran a la fiesta percusión percutora, guitarras punzantes y la intransferible voz de Leo al frente, oseasé NUDOZURDO en su máxima expresión.

La deliciosa "Carta a Nina", con esos rasgueos cavernosos de guitarra asomando la cabeza desde su inicio, nos muestran que NUDOZURDO tambien pueden resultar delicados cuando es preciso. Su desarrollo en sosegado increscendo hará que toques el cielo emocional.

"Elvira/Santuario Combate" es la prueba definitiva de que lo de que crear atmósferas asfixiantes es una de las especialidades marca de la casa. Perturbadora e inquietante a partes iguales con el mantra <<Ahh es la pureza en tu voz>> marcándose con hierro candente en tu subconsciente.

   

La guitarra psicodélica se hermana con un sitar hindú imaginario en "Bisontes Albinos", inyectándole especias orientales a otro arrebatador corte. Esa cadencia kraut-rock, en casi siete minutos de duración del tema más holgado de Clarividencia, no hace más que acrecentar la épica intrínseca al combo madrileño. Los últimos dos minutos y medio son un atajo directo hacia el climax.

Nos zambullimos en un mar en calma, al menos rítmicamente, con "Lo Que Ocultan Las Arizónicas", nunca mejor dicho con ese canto de ballenas como compañía de excepción. Puede hacerte levitar entre su halo lisérgico hasta que rozando el minuto cuatro de metraje aterrizes en los setos que menciona el título, acogiéndote dulcemente, como cayendo sobre nubes de algodón.

 

"La Isla del Diablo" son seis minutos y medio de post-rock de quilates con esas guitarras que te matan del gusto en un corte que, aún resultando tan extenso, desearías que no terminara nunca. Le sigue la no menos sugestiva "Crevillente/La Industria del Sueño", con mágico arpegio guitarrero incluido y magnética evolución quebrada, también hacia el minuto cuatro, por un redoble destapándose definitivo dónde antaño era latente.

¿Qué faltaba para coronar Clarividencia? ¿Quizás la aparición de un instrumento tan estimulante como el violonchelo? "Cripto Mundi" te ofrece eso y mucho más; como notas balsámicas de piano junto a una cálida guitarra, vistiendo una lírica de la más encriptada a la vez que poética de la banda: <<Músculo oscuro de la Trinidad que sabe muy bien cómo humillar. Autosabotaje de afasia brutal. Dioptrías de porno que quieren viajar>>.

Clarividencia está publicado en vinilo estándar con las mismas ocho canciones que en streaming. También la encontrarás en CD y en una edición deluxe en formato vinilo gatefold que incluye un 7” exclusivo con los temas "Angel Genetics" y "La Bruja", canciones incluidas solamente en estos dos formatos.

EL regreso de NUDOZURDO tras cinco años de su despedida no pudo ser más majestuoso enmarcado por el avance "Angel Genetics". Adictivo, enérgico, maravilloso... habría más calificativos pero con lo dicho creo que me quedo medio a gusto. Su progresivo ambiente hará que vuelvas a creer y es que el Sr. Mateos no lo puede dejar más claro cuando culmina con el verso: <<Si quieres volar, déjame entrar. Si quieres entrar, déjame volar>>.

SURFIN' BICHOS - "Más Allá" (Sonido Muchacho, 2023)

SURFIN' BICHOS junto a los granadinos 091 podemos considerarles decanos del indie-rock estatal. Con ellos empezó todo y desde 1988 hasta 1994 revolucionaron la escena patria tras la resaca de La Movida. Después de publicar 4 discos cesaron actividad, nunca hubo separación anunciada como tal, y al tiempo sus componentes se fueron repartiendo por otros grupos referentes como CHUCHO, MERCROMINA y BURRITO PANZA o emprendiendo carreras paralelas en solitario en el caso de FERNANDO ALFARO y JOAQUÍN PASCUAL.

Treinta años después SURFIN' BICHOS vuelven con el mayúsculo Más Allá (Sonido Muchacho, 2023), una larga espera que al menos valió la pena y mucho.

Los albaceteños presentan un álbum conceptual co-producido junto a Fino Oyonarte, marcado a fuego por el ambiente reinante durante su gestación: pandemia y confinamientos de 2020 y 2021. A estas alturas de la película habríamos de tener cristalino que en cualquier momento podemos irnos al "Más Allá" o dónde sea nuestro destino al palmarla. Ante tal evidencia, ¿por qué no aprovechamos el tiempo que nos quede de juego?

El disco es sobresaliente de pe a pa, empezando por su artwork, a cargo de otro manchego destacado, Joaquín Reyes.

 

Fernando Alfaro (voz y guitarras), Joaquín Pascual (guitarras, coros y teclados), José Manuel Mora (bajo) y Carlos Cuevas (batería) arrancan Más Allá con "Máquina que no para", primer single avance del trabajo. Bajo percutor, batería marcial, guitarras in crescendo en su intensidad, energía rebosante que brota de unos engranajes bien engrasados desde el minuto 1. Por ellos no pasa el tiempo, un clásico instantáneo para desenvolver este regalo de álbum que es Más Allá.

Rebajamos considerablemente la energía inicial con notas al piano y esas guitarras acústicas de "El caballo del mar". Maravillosa, en su compañía ya puede llegar el fin del mundo que te pillará con una media sonrisa de satisfacción en el jeto: <<Que no es ya sólo nuestro final, que el puto mundo se va a acabar, y yo tan solo entonces veo galopar por la playa al caballo del mar>>.

Unos vientos piden paso en "El baile del más allá", vistiendo una especie de chachachá amenizando el Día de Muertos mexicano. Su lírica resulta igual de balsámica que su melodía: <<Al borde del colapso un paso, al borde del cadalso otro paso, y dame el aliento de tu abrazo, el aire cálido de tus mano, el suave murmullo de tus labios será mi refugio>>.

En "Lotus Europa" nos topamos con los momentos más lúgrubes del disco, un corte que arranca plácido para ir virando hacia "campanadas a muerto". Pero enseguida nos rescata de la oscuridad más absoluta la "Luz del Mediterráneo", nunca mejor dicho. Un Sirtaki griego pasado por el filtro del cuarteto moldando un tema tan nostálgico como encantador.

"Alumbrando el fin" es un tierno medio tiempo que canta a la amistad a partir de su trotona evolución, con la guinda de unos vientos que inyectan solemnidad a otra muesca de excelencia de la banda. 

"Señales" (videoclip insertado a pie de página) nos sigue preparando de manera dulzona para el "colapso final" con unas guitarras muy protagonistas y versos como: <<Y cuando vengan los vientos con el colapso final, pienso detener el tiempo con el abrazo total. Y cuando lleguen los tiempos de apocalipsis mortal, en mi cabaña yo quiero darte el abrazo final.>>

En la agridulce "Mortal" el piano vuelve a asomar la cabeza con fuerza en un corte que refleja, con poesia de alto calado, los momentos más duros de la pandemia, aquellos en los que no podías dar ni el último abrazo a un ser querido sentenciado a una muerte irracional: <<Más que mortal eres mortífera, un peligro mortal, triple salto mortal en este tiempo fatal>>.

Vuelve el poderío guitarrero de SURFIN' BICHOS en la nerviosa estrofa de "Yo que te he visto", luego muta de sopetón a lánguida en el estribillo, completando un corte en el que la batería se reivindica y de qué manera.

Ya tenemos candidata a villancico alternativo de 2023: "Tu propia Navidad". Su lírica final bien la firmaríamos: <<Cómo molaría que el Cambio Climático fuera, fuera para bien. Cómo molaría que el Cambio Climático fuera un cambio para bien. Dios riéndose de todos nosotros>>.

RUFUS T. FIREFLY - "Magnolia" (Lago Naranja Records, 17)

A estas alturas de su carrera tenemos suficientes indicios para confirmar que RUFUS T. FIREFLY es una banda especial, muy poco corriente en nuestro país, con esa propuesta cercana a la psicodelia y al rock clásico 70's. Su nuevo disco Magnolia (Lago Naranja Records, 17) se condimenta con referencias cinéfilas al Manga más poético y a películas legendarias varias.

Lo suyo no es el estribillo buscado sinó más bien parece que el desarrollo rítmico vaya marcando el devenir de cada corte. Guitarras protagonistas y líneas de bajo funkies que asoman la cabeza cuando se precisa rebajar su nivel de intensidad, casi siempre por las nubes.

Víctor Cabezuelo (voz, guitarra y teclados), Julia Martín-Maestro (batería), Carlos Campos (guitarra), Rodrigo Cominero (teclados) y Miguel de Lucas (bajo) son RUFUS T. FIREFLY en la actualidad. Contando además con un imprescindible sexto miembro de puro derecho Manuel Cabezalí (Havalina), co-productor oficial de la banda junto al mismo Víctor.

Momentos superlativos el majestuoso arranque "Tsukamori"; el velado doble homenaje tanto a Jeff Buckley como a Led Zeppelin en "Río Wolf"; las progresivas "Pulp Fiction", "Cisne Negro", "El Halcón Milenario" y el cierre "Magnolia"; las emotivas, gloriosas y merecedoras de todos los mejores calificativos habidos y por haber, "Espectro" y "Nebulosa Jade" (clip retro insertado al final de este post), cada una con su idiosincrasia tanto rítmica como lírica, pero igual de tremendas ambas.

A destacar también el arte del álbum a cargo de Julia, la baterista de los de Aranjuez. Su sorprendente y cuidada presentación ya sería suficiente reclamo para hacerte con un ejemplar físico de Magnolia. Haznos caso, tanto el contenido como su continente te dejará boquiabierto:

CLARA PLATH - "Yes, I'm Special" (Flor y Nata Records, 17)

Yes, I'm Special (Flor y Nata Records, 17) es el segundo largo CLARA PLATH, compuesta por Clara (voz y guitarra), Rober (teclados, guitarra y coros), Paco Morán (guitarra), Miguel Ángel (bajo) y Alberto Dannaya (batería).

Grabado en los estudios La Sala de Máquinas por Manuel Torroglosa entre diciembre de 2016 y enero de 2017. Un álbum en el que la banda murciana profundiza en la fórmula exhibida en el anterior LP Grand Battement (2015); fomentando la libre convivencia entre el rock alternativo más crudo de PJ Harvey con la garra y frescura pop de bandas como Echobelly o los extintos Transvision Vamp, y el halo oscurillo post-punk 80's de gente como The Cure o Echo & The Bunnyman. 

En Yes, I'm Special CLARA PLATH nos hacen estremecer con su inquietante empiece kraut "Self-Control" y el lapidario final "The Right Direction"; dar brincos como posesos con las rompedoras "Beautiful Eyes", "Inside You" (clip a pie de post) o el que fuera single avance "This Lonely Boy", tres puñetazos dados con ganas encima de la mesa del panorama musical estatal.

Momentos para la emoción contenida con las preciosistas "I'm Special" y "Accident"; el cerumen se auto-expulsarà de tus oídos para poder así disfrutar al 100% de una delicatessen como "I Believe", con ese brillante cambio en su ecuador, pura genialidad; y te despelucarás ante la distorsión salvaje de "Disasterman".

"Sí, soy especial", claro que sí, y nadie como ellos para poder presumir de ello. Comprueba la grandiosidad de uno de álbumes llamados a colocarse entre lo más destacado de 2017:

WOLF ALICE - "My Love Is Cool" (Dirty Hit Records, 2015)

El joven cuarteto londinense WOLF ALICE debuta en formato LP con My Love Is Cool (Dirty Hit Records, 15). Un álbum, pese a la bisoñez de la banda, extremadamente maduro y consistente de principio a fin. Desde la lánguida "Turn to Dust" que abre el trabajo engañosamente sosegado; hasta su cierre con la más dream-pop, tics a COCTEAU TWINS incluidos, de "The Wonderwhy" (se repitirá la fórmula ensoñadora en "Soapy Water").

Nos hacen flotar con la deliciosa "Bros"; empiezan a mostrar su arsenal de guitarreo desbocado con "You Loves Whore" y "You're a Germ" (hilarante clip insertado a final de post), ambas trepidantes y canallas, con el mismo registro que la muy posterior "Fluffy". Tiempo para la melancolía y ritmos un tanto más ligeros en "Lisbon"... es coña, explota irremediablemente en su estribillo hasta dejarte sordo y medio a la que te descuides con el volumen. Ahora si, la llegada de la desgarradora "Silk" rebaja los decibelios mientras aumenta proporcionalmente en emotividad, una maravilla.

Seguimos en la parte más delicada del álbum con el medio tiempo "Freazy", otra perlita, para llegar a la majestuosa "Giant Peach". WOLF ALICE en estado puro; guitarreo enrabietado que te envuelve para no dejarte escapar junto a una base rítmica (bajo y batería) percutora e hipnótica, y la voz de Ellie Rowsell como guinda.

Made In America - ARVID, "Old Factory Living" (2014)

I was more than presently surprised when I recently came across the new album by Rochester, NY artist Arvid, "Old Factory Living". At the same time I was a little angry at myself for missing it's release over the spring.

Luke Ross, who records under the name Arvid, previously released a digital album under the name Fuzz Daniels last year. With Fuzz Daniels and now under Avrid, Ross's leanings are clearly toward the 90's lo-fi/alternative set, which suits my ears just fine. With tinges of Built To Spill and late era Pavement or solo Stephen Malkmus sprinkled throughout, Avrid has managed to make his influences his own and has turned out a very nice album.

VIRENQUE - Foundations EP (2014)

Virenque es una banda de rock alternativo de Pamplona formada por Eneko Zabalza (voz y guitarra), Iker Fernández (batería) y Eneko Leza (bajo). Después de guerrearse como grupo por escenarios de Navarra y Euskadi este año debuta discográficamente con su EP Foundations, producido por Iñaki Llarena en sus estudios de Aberin, Navarra en el año 2013.

Rasgueos de guitarra con ecos de la misma en forma de riff nos dan la bienvenida a Foundations. Empiece dinámico tanto en lo respecta a su cadencia como a su mensaje. Batería demoledora, bajo percutor y guitarras hiperactivas aunque melódicas, todo bajo la batuta vocal de Eneko, esto es "One True Act (Of Your Theater)" y también las señas de identidad de Virenque.

Momento para relajar un poco la escucha con "Beside The Fountain" (clip a pie de post), aunque en su estribillo parece que se resiste a bajar el nivel de intensidad. Incluso hay un espacio para el stoner-rock hacia el minuto 02:30, muestra palpable de su versatilidad estilística.

"The Reason", con sus guitarras distorsionadas, me recuerda por momentos a los Smashing Pumpkins, y es que este grupo rezuma aromas a bandas de culto estadounidenses de los 90. Otro caso sería el de "Those Faults", donde se ponen reivindicativos a la vez que se trasvisten de los Red Hot Chili Peppers, aunque dándole ese toque armónico cercano al pop made in Virenque.

"The bleeding" cierra el trabajo de manera agridulce por su temática que contrasta con el aura vitalista reinante en el resto del EP.

Después de disfrutar de un ilusionante primer trabajo queríamos que fueran ellos mismos quienes se presentaran y nos hablaran de Foundations:

-¿El poner a la banda el nombre de virenque es un homenaje al ciclista, practicáis ese deporte?

En realidad, la parte deportiva es la parte menos representativa (por no decir nula) del nombre de la banda. Decidimos tomar este nombre cuando, al volver de un ensayo, un ciclista pasó por nuestro lado. Empezamos a recordar aquellas siestas de julio con el Tour de Francia como somnífero y nos dimos cuenta de que a los tres nos caía bien aquel corredor con su magliot de puntos rojos. Nos pareció un buen nombre ya que, de algún modo, ponía en común algo que los tres compartimos fuera de nuestro día a día.

Además, uno no tiene mas que ver el historial de Richard para darse cuenta de que era uno de los grandes “Rockeros” del pelotón, algo muy apropiado en nuestro caso.

-Foundations parece un trabajo conceptual, ¿como surgió la idea?

El concepto del título es claro; tratar de resumir la corta trayectoria del grupo en una portada y un título. Comprimir el trabajo de todo un año de formación del grupo, búsqueda de local de ensayo, primeros temas, grabación, conciertos, etc. no es un trabajo fácil, por eso tendimos a ser muy concisos y simplistas en este aspecto. 

FOUNDATIONS significa cimientos, pero también fundaciones, establecer algo por primera vez, a fin de cuentas. Nos gustó ese concepto de dualidad, así que nos pareció muy adecuado. Iker (nuestro batería y responsable de la imagen del grupo) creó una portada muy apropiada, donde solo se ve un pilar corintio, no hay nada más...hasta el momento, ya que todos los trabajos posteriores serán los sucesores de éste y se apoyarán en él, en ese pilar, de forma inevitable.

A fin de cuentas, FOUNDATIONS es una carta de presentación de un grupo recién creado, sus cimientos musicales. 

-Explicadnos la esencia de cada uno de los 5 temas que componen el EP, vuestro 1x1 

ONE TRUE ACT (OF YOUR THEATER): La historia de dos personas corrientes que deciden empezar a pensar con el corazón, dejar a un lado sus prejuicios y tratar de vivir una vida que ellos en realidad desean vivir.

BESIDE THE FOUNTAIN: La canción más íntima del disco. Es una promesa entre dos personas, una promesa que no se sabía si se iba a cumplir, por su complejidad…a día de hoy sabemos que, afortunadamente, se cumplió.

THE REASON: Un canto a la autosuperación. Es aplicable a cualquier circunstancia de la vida, pero en este caso, habla sobre las grandes ambiciones y las pequeñas decepciones que conlleva tener una banda y de que al final, la música es la que nos salva.

THOSE FAULTS: Canción autocrítica pero también reivindicativa. Habla de las contradicciones cotidianas del ser humano, pero también de la mierda que nos rodea (cada vez más) y de que es hora de hacer y no de hablar.

THE BLEEDING: Aunque hay una historia de amor que subyace durante todo el relato, en la canción solamente se habla de su trágico final. De cómo se puede traspasar la línea entre el amor y la obsesión… algo bello transformado en una tragedia.

Próximos Conciertos:

-5 de abril en Sala Totem, Pamplona. 

-1 de mayo en Sala Tic-Tac, Alcalá de Henares.

-2 de mayo en Sala Juglar, Madrid.
-6 de junio en Rockbeer Thenew, Santander.

-13 de junio en Sala Eccos + Freak for choice , Zaragoza.

Web: http://www.virenque.net/

Contratación: virenqueband@gmail.com

iTunes: https://itunes.apple.com/es/album/foudations-ep/id704780179

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THE SMASHING PUMPKINS, 20º aniversario de "Siamese Dream" (1993)

Estamos de celebración, se cumplen 20 años de la publicación de un disco esencial, el Siamese Dream (Virgin Records, 1993) de los THE SMASHING PUMPKINS. Vamos a contextualizarlo: principios de los 90, en el mundo se respiraban aires convulsos y de cambios con la caída del muro de Berlín, la primera guerra del golfo, el conflicto de la antigua Yugoslavia, innovaciones tecnológicas como la implantación de Internet... Un suma y sigue de constantes acontecimientos históricos a cual más trascendental.

En medio de este panorama florecieron nuevas inquietudes sociales lo que contribuyó, entre otras cosas, a la gestación de inventos del TBO como lo de la generación X. En Spain, como "is different", nos quedamos durante un tiempo ensimismados con la generación C, si, la de Curro y Cobi.

Todo este maremágnum, como no podía ser de otra forma, influyó también en las tendencias musicales. Lo más cool del momento era el grunge; una mezcla entre estética desaliñada, con la camisa de franela a cuadros como referente fundamental, rebeldía depresiva y batido musical de punk, noise-rock y hardcore. Un revoltijo un tanto desconcertante, por momentos con aires sospechosos de puro marketing.

En estas que nos encontrábamos aún con la resaca del Nevermind (1991) de NIRVANA, obra cumbre del movimiento mencionado, cuando nos pasa por encima un regimiento de decibelios mezcla de potencia desbocada, delicadeza acústica y virtuosismo instrumental: Siamese Dream, publicado el 27 de julio del 1993 y producido, al igual que el álbum de los de Seattle, por Butch Vig (GARBAGE). El segundo disco de los THE SMASHING PUMPKINS fue de todo menos convencional, provocando la reinvención de conceptos del rock que hasta la fecha parecían estancados y dando una nueva vuelta de tuerca a lo que se empezaba a conocer como sonido alternativo.

Billy Corgan cuando canta siempre me ha parecido como si llevase un pedal de Fuzz inyectado en vena, una de las señas de identidad que orbita sobre su talento compositivo. En este álbum no podía ser menos y se muestra especialmente eléctrico en sus notas vocales. 

Las guitarras, tanto la de Billy como la de James Iha suenan afiladas; D’Arcy con el bajo, pulso cardiaco del álbum, guiándonos por los entresijos del mismo y a la batería Jimmy Chamberlin como martillo percutor de los que nos podemos encontrar a pie de obra.

Siamese Dream es conceptualmente de naturaleza tristona, de hecho su líder Corgan había tenido pensamientos suicidas en los últimos tiempos, pero abrazada por fogonazos de energía salvaje. Ya desde el redoble inicial en "Cherub Rock", canción con la que se abre el disco, se va desvelando la magnitud de lo que se nos viene encima. 

Esas guitarras distorsionadas cabalgando hasta desbocarse nos hacen coger carrerilla hasta plantarnos en "Quiet", siguiendo con la misma actitud hiperactiva. Completamos este tridente inicial del disco con "Today", himno generacional y oasis de buen rollito rompiendo por un instante la tónica sombría del álbum.

Vamos a tomarnos un respiro... Ni hablar, llega el apoteósico "Hummer" cuyo final, con marcado deje psicodélico, nos suma en el mar de la tranquilidad más absoluta. Entramos dentro de una habitación con vistas al cementerio, sin embargo nos sentimos a gusto con "Rocket" y "Disarm" como hilo musical. Las cito conjuntamente ya que la primera se nos convierte en un preludio tormentoso antes de que llegue la calma más lúgubre con la segunda, que resultaría a la postre una de las canciones más conmovedoramente bellas jamás compuestas.

Llega "Soma" y ahora sí que hacemos un alto en el camino en forma de dulce caricia con evolución sorprendente. Nos encontramos hacia media canción con un cambio de ritmo muy heavy-metal conteniendo un solo de guitarra espectacular, para terminar con un desenlace de lo más etéreo, casi fantasmagórico. 

Recuperamos el nivel de máxima energía con "Geek U.S.A." y la banda dándolo todo hasta que hacia el segundo minuto llega un oasis de quietud para tomar aire y volver aún más desmelenados con un punzante solo de guitarra y toda la artillería hasta su minuto final. Entonces llegará el momento recrearse en su virtuosismo como un tocino disfruta revolcándose en el barro.

Llega un medio tiempo imprescindible como es "Mayonaise". Dios mío qué intro con dos guitarras eléctricas que más que sonar, dialogan, a través de una especie de susurro cómplice que dará paso a la distorsión marca de la casa. Le sigue el baladón "Spaceboy", en esencia acústica pero a la vez asistida por exquisitos arreglos orquestales

Made In America - Speedy Ortiz, "Major Arcana" (2013)

In 2012 singer/guitarist Sadie Dupuis started writing songs under the name Speedy Ortiz after the breakup of her band Quilty. She quickly recruited Matt Robidoux (guitar), Mike Falcone (drums) and Darl Ferm (bass) to round out a band and released the promising five-track Sports EP on Exploding In Sound Records. 

The sound of the Massachusetts based band is heavily steeped in 90s sludgy lo-fi alternative. Dupuis crafts songs like Pavement's Stephen Malkmus, part poetry, part angular journey that gets you from point A to point B in the most unexpected ways but still manages to keep you fastened in the whole way. Dupuis once fronted an all-female Pavement cover band called Babement.

2013 brought the release of their official debut Major Arcana on D.C. based Carpark Records. Dupuis proves that she can wax poetic with the best of them but with the help of producer Justin Pizzoferrato (Dinosaur, Jr., Chelsea Light Moving) the songs sport a more mature sound that harkens the heydays of Sonic Youth and Sebadoh. Speedy Ortiz has been showing up on many "best new music" lists around the interwebs this year and rightly so. So dig out your best holy blue jeans and flannel shirt and enjoy.