PALO DOMADO - "Segunda Capa" (2025)

José Luis Arroyo (Zelu) con Luca Varela en la guitarra, Pau Ortiz al bajo y Alberto Arévalo a la batería completan la formación actual de PALO DOMADO. Segunda Capa (2025) es su tercer álbum desde que asomaran la cabeza en 2018. 

La banda de Benicarló ha ido modelando su energía indie-rock hasta llegar al presente con argumentos de sobra como para optar a mayores audencias. En la línea de bandas como Arde Bogotá o Viva Suecia, aunque con un plus de aspereza guitarrera. 

Abren Segunda Capa con la intensidad arrebatadora de "Viajera de mi mundo" y un talante enigmático generando expectación a medida que va evolucionando hacia la épica. Una que se desborda alrededor del cuarto minuto a modo de desahogo en medio de la angustia reinante.

El corte titular sale sobrecalentado desde el arranque armado con unas guitarras punzantes como alfileres. Hay que poner en valor la fuerte carga melódica de PALO DOMADO que se cuela por entre los decibelios de manera natural, sin sobreesfuerzos ni imposturas.

La atormentada "Cuerpos para vivir" (videoclip insertado a pie de página), con esos exaltados redobles como puente dorado de ida y vuelta entre la estrofa y el estribillo, oposita para otro desarmante corte de los del Baix Maestrat y ya llevaríamos tres de tres, vendrán más.

Seguimos removiéndonos entre el fango en "Niño perdido". El break hacia el tercer minuto es de esos detalles que delatan la grandeza de una banda.  Luego la languidez de "Padre nuestro" nos permitirá coger aire aunque su lírica no deje de sobrecogernos.

MALA GESTIÓN - "Hacemos lo que podemos" (Acqustic, 2026)

Elías (voz), Héctor (batería), Pablo (bajo), Guille y Joan (guitarras) son MALA GESTIÓN y ya tienen segundo trabajo de estudio con Hacemos lo que podemos (Acqustic, 2026). El nacer como proyecto en plena pandemia ya les debió augurar una existencia singular. Y es que estamos ante una de las bandas más inclasificables del panorama musical estatal. ¿Eso es bueno o malo? Pues ni lo uno ni lo otro, aunque no deje de ser una rara avis en un gremio que tiende a encasillar todo lo que se menea.

 
Estos jovenzuelos valencianos apelan al título de su nuevo álbum para afrontar la vida cada uno como buenamente sea capaz, a su ritmo, con la intensidad adecuada a lo que te pida el cuerpo en cada momento.

 
El disco arranca con la reflexiva y bipolar "Morir lejos de aquí". Lo de "bipolar" viene por el inusitado contraste entre la decaída voz en esta ocasión de Elías y la atronadora instrumentación adyacente. Ya avisamos antes que estamos ante una banda especial.

Su lado canalla emerge a las primeras de cambio con los fogonazos guitarreros de "Skol" junto a Los Chivatos. A ver quién se puede resistir a versos como: «Estoy bebiendo una Skol de camino a la school y me siento tan cool que se que voy a aprender las tablas de sumar».

"Edgar Allan Poe" viene armada de un trepidante pop-punk que nos lleva de la mano hacia el himno "Hacemos lo que podemos" (videoclip insertado a pie de página). Un corte con claras referencias estilísticas a los norteamericanos MGMT y más concretamente a su corte "Kids", pasado por el manto de La Geperudeta.

Volvemos a coger velocidad gracias al egg punk de "Con mis amigos" que nos conduce sin frenos hacia la satírica "Diesel", con un estribillo de aquellos que se pegan como chicle en el zapato. La lírica le pone el lazo de regalo con versos como: <<Y si los coches nunca llegan a volar prométeme que el diesel volverá>>.

Con la gamberra "Buenos días Vietnam" denuncian, a su manera, la precariedad laboral. Lo de las guitarras mutando a metaleras no lo vimos venir. Sin poder coger aire entra en acción el vibrante breakbeat de "Sandalias del PSOE" y aquí solo nos queda brincar como posesos. El sampler del "I Feel Good" de James Brown es de traca.

Salimos de la rave para entrar en una humeante sala de fiestas con "Ex-ex pareja". Vientos, coros femeninos, velada referencia al "Ni tú ni nadie" de Alaska y Dinamara... Si despejamos la ecuación de su título nos queda una declaración de amor en toda regla.

"Kambio klimático" es la más breve del conjunto con su minuto y ocho segundos de demente punk-rock. Volvemos a cambiar de tercio con el shoegaze evocador de "Sí, es tu culpa", aquí nos quedamos a vivir un ratito.

AMBROS CHAPEL - "Nightfall" (7 Days Music, 2026)

Estas lineas arrancan con una noticia buena y otra mala. Si empezamos por la buena ni que decir que un nuevo lanzamiento de AMBROS CHAPEL siempre es motivo de alegría. Lo que pasa es que esta vez lleva consigo el último baile de una banda referencia del post-punk estatal en el siglo XXI. Justo ahora que cumplen 20 años de trayectoria los valencianos lanzan Nightfall (7 Days Music, 2026) bajando la persiana por las nubes de inspiración.

Pablo Casero (voz, guitarras y sintes), José Rodríguez (batería), Alfred Sanchís (bajo) y Eduardo de Eduardo (guitarras) son una banda que para acabar de dimensionar podemos añadir que han compartido escenario con gente como Sad Lovers and Giants, Inmaculate Fools, The Chameleons, The Essence, Ana Curra o She Wants Revenge, entre otros. Regresemos al presente porque AMBROS CHAPEL nos han regalado una despedida ante la que vale la pena detenerse y disfrutar. Lírica melodramática vestida elegantemente por unas reminiscencias al mejor after-punk anglosajón ochentero y un aura asentada en terrenos donde la niebla discurre eterna.

Nightfall arranca con la exuberante "Disclosure" y es que no podrían elegir mejor bienvenida, desde ya una de mis preferidas de su repertorio. Primero con un etéreo riff de guitarra eléctrica junto a otra acústica bien camarada. Luego ese bajo jugueteando con la batería y Pablo alargando su voz hasta el infinito junto a una guitarra que va desbocándose durante el épico desarrollo de un corte arrebatador.

Foto de María Carbonell

Otro iluminado riff abandera "Pretention" y a su alrededor la banda va desplegando sus refinadas alas tenebrosas. El solo de guitarra en ese cambio rondando su tercer minuto ejerce de broche perfecto.

Los teclados reclaman protagonismo en las primeras notas de "Don't let it go" (videoclip insertado a pie de página), aunque este será efímero. Cuidado con el break en su ecuador que es para quedarte a vivir. Le sigue "Paralyzed" y es literalmente como nos deja, paralizados del gusto ante un tema que culmina su magnetismo con una guitarra eléctrica que se vuelve irresistible, sobre todo en su segunda mitad.

LA PLATA - "Interzona" (Sonido Muchacho, 2025)

 

Diego Escriche (voz y guitarra), Patricia Ferragud (bajo), Salvador Frasquet (guitarra), María Gea (teclados) y Miguel J. Carmona (batería) son "El club de los cinco" particular que forman LA PLATA. Una banda que desde su formación en 2016 viene sobrada de talentosa sugestión post-punk y new-wave con sabor añejo. Ahora además se muestra permeable a sabores post-grunge con derivas electrónicas en su tercer larga duración Interzona (Sonido Muchacho, 2025).

El trabajo más heterógeneo de los valencianos hasta la fecha es también el más reflexivo y metódico en su trama. Una sinuosa travesía de exploración interior que visita diversos estados de ánimo, fortaleciendo emocionalmente. 

Interzona se divide en tres etapas delimitadas por un mismo número de breves piezas instrumentales. Se abre con el himno grunge "Cerca de ti". Diego y María entrelazan sus voces, será recurrente en otros momentos del álbum, inyectando embrujo a un corte todo él cautivador. El break en su ecuador es la gota que colma el vaso de la excelencia.

La melancólica "Mirar atrás" nos acaba de romper los esquemas con su base jungle jugueteando con esas guitarras marca de la casa, mientras un vaporoso teclado ejerce de loctite que fija tal fascinante amalgama sonora. Seguimos bajo el paraguas electrónico en "Ruido blanco" fundiéndose en perversa armonía con la ansiedad reinante: <<Miro al suelo al caminar, si no veo el final. Escondo en silencio un ataque de pánico y finjo entender un caos señalizado>>. El que fuera primer single avance finaliza con auto-sample de su antagónica "La vida real".

"Música infinita" sella su hedonismo extremo con ese sample inicial sacado de la Ruta del Bakalao, aquí la terreta tira. Arrebatador corte confirmando, una vez más, que LA PLATA se han convertido en unos genios fusionando ambientes. Puedes bailarla si quieres. Eso sí, la juerga funde-neuronas suele tener consecuencias a corto plazo, se le llama resacón. Se escenifica en forma de primero de los interludios, la inquietante "5am".

"Niebla" solo altera su abatido sosiego con la distorsión guitarrera del estribillo. Unas balsámicas notas al piano parecen querer indicarnos la salida para: <<... marcharnos lejos, lejos de esta oscuridad, lejos, no mirar atrás, lejos, lejos de esta niebla>>.

Un melódico riff de guitarra acústica abre la cara B del vinilo de la mano de la agridulce "La vida real". Un sugerente medio tiempo que actúa a modo de canto de sirena. Engatusa mientras embelesa para llegar al remanso de paz que es el intermedio "Aero".

SANDRA MONFORT - "La Mona" (Hidden Track Records, 2023)

Menuda evolución la que ha experimentado SANDRA MONFORT (Pedreguer, 1992) con su segundo álbum La Mona (Hidden Track Records, 2023). Partíamos de un debut con Niño Reptil Angel (Hidden, 2021) intimista, casi como pidiendo permiso, abrazando texturas folk con pinceladas electrónicas. Pues la cosa ha explotado y de qué manera. Estamos ante un disco arrebatador, con todas las letras, una bocanada de aire fresco y al mismo tiempo confirmación de que con la modernidad expandida desde las raíces se puede hacer magia.

La Mona es un juego de cartas en el que el jugador que se queda con la que no tiene pareja (la sota de oros o sea la mona, también nombrada como puta de oros o solterona) pierde el juego. Sandra ha querido darle la vuelta a este término peyorativo dando un puñetazo encima de la mesa, haciendo volar por los aires la baraja. Sin renunciar a la vulnerabilidad pero enviando un "A fer la mà!" a quien no la acepte tal y como es.

Prepárate a saborear 10 canciones que son un ejercicio de fusión multiarea tan arriesgado en su forma como efectivo en el resultado. La alicantina arranca La Mona con "Pasodoble María" (videoclip insertado a pie de página) y esos arpegios guitarreros avanzando una base entre dance-hall y aflamencada, con claras referencias al "María de la O" popularizada por Marifé de Triana. Para concluir la movida tenemos la intervención de la banda de su pueblo natal, guinda perfecta para un tema deslumbrante.

"Pecat Mortal" es un reggaeton lento para vomitar sapos y culebras sobre los restos de un fragrante desamor. Sugerente corte que demuestra que el empoderamiento tras la tormenta sentimental no es mala opción, así concluye: <<Estic tranquil·la, estic senzilla com la nit. La primavera ho banya tot, ho posa tot florit. Si no t'espere sóc una xica més guapa. Les xiques tristes no perden mai l'elegància>>.

La bachata entra a escena con la desgarradora "Asusena" y el binomio contrabajo/mandolina liberando aroma a tango, o sea, otro ejercicio de simbiosis ganador completado por parte de la artista. La fuerte carga poética es ya marca de la casa y en esta ocasión enfoca hacia la salud mental con versos tan desarmantes como: <<Pujaré als cels en cavall blanc on la tristesa és un jardí. Qui ens ha furtat l'esperança, semblava molt més fàcil el camí / Hi haurà diamants i asusenes blau cel. Si un dia em bade no ploreu, s'escamparà tota la mel>>. Pura belleza, la angustia vestida con delicadeza sonora al cuadrado.

"Nostalgic Bitch" es ultra intensidad sentimental, con esa densa base electrónica abrazando amores tóxicos durante noches de botellón y quema ruedas. Le sigue la calidoscópica "Papallones de cristall" albergando pausas para el baile por entre sus recovecos sonoros. Mención aparte para el embrujo del arpa, de esos momentos que justifican por si solos la grandeza de un trabajo.

Uno de los tres cortes en castellano del álbum es "Brillo de Luna", dolor y desesperación pintado con brocha gorda electrónica, trazando una lírica que bien podría transformarse en declaración de intenciones: <<Sólo quiero estar tranquila, que me dejen respirar. Estoy cansà de estar jodida. Quien no me quiera se puede marchar>>. Summum emotivo del disco, deberías preocuparte si no se te pone la carne de gallina.

Las notas de un bolero nos sobrevienen de golpe con "Las Flores" dejándonos un saborcillo añejo, elegante, en blanco y negro. La percusión latina, el violín y los coros son el marco perfecto para una tan hermosa como sobrecogedora canción. No me olvido de la sugestiva voz de Sandra, poniéndole el lazo a este regalo de corte. Seguimos con la violencia de género como lienzo y unos rasgueos guitarreros dándonos la bienvenida a "Eugenia", de las más inmediatas del conjunto. La base hip-hopera parece relamer las heridas derivadas de los abusos del patriarcado. 

Ambros Chapel - "A New Romance" (7Days Music / Harmony Rock, 2022)

"A New Romance" (7Days Music / Harmony Rock, 2022) es el nuevo álbum de los valencianos AMBROS CHAPEL, otra muesca para una carrera repleta de reconfortantes píldoras manufacturadas a partir de sonoridades post-punk británico 80's, irradiando atmósferas glam de finales de los 70's y del brit-pop 90's más elegante. La formación compuesta por Pablo Casero (voz, guitarras y sintes), José Rodríguez (batería), Alfred Sanchis (bajo) y Eduardo de Eduardo sustituyendo ahora a Óscar Vadillo (guitarras, coros y sintes), nos ofrecen un disco que entra por los ojos a través de una portada tan inquietante como bella. Desde aquí aprovecho para reivindicar que un trabajo discográfico no sólo se oye y para ello el arte del mismo es pieza esencial, en este caso a cargo de Bhyf con una espléndida foto de Ruth Dupiereux.

Tras quince años de trayectoria en los que han compartido escenario entre otros con gente como Sad Lovers & Giants, The Snake Corps, Inmaculate Fools, The Chameleons o The Essence, AMBROS CHAPEL se encuentran en un nivel de madurez y destreza óptima para darle réplica efectiva a su anterior referencia, el estupendo Portraits (Flor y Nata Records, 2017).

Foto de Ruth Dupiereux

Doce canciones, entre ellas dos interludios instrumentales, que se inauguran con "Marble" y unas exquisitas notas guitarreras a las que enseguida se les une un bajo percutor y la armoniosa batería, presentando la voz de Pablo, que en este álbum resuena con plus de pulidez añadido. Pasando su ecuador nos sobreviene un fantasmal break permitiendo la incorporación a la fiesta del sintetizador y de paso coger carrerilla para seguir con todo hasta el final.

La lánguida "Low" nos hace vagar entre sendas espinosas con una evocadora banda sonora como irrevocable recompensa. Mientras, con el medio tiempo "Drifting Isles" intentamos seguir a flote pese a quién pese, con ese cambio de dirección a mitad de trayecto como el salvavidas perfecto.

"A New Romance" (videoclip insertado a pie de página) es tan sinuosa como cautivadora, con una cadenciosa estrofa preparándote para cambiar de pantalla e ir a parar a un estribillo hiper-melódico que desemboca en su primera aparición en un arrebatador puente y vuelta a empezar. Es de aquellos temas en los que te querrías quedar atrapado a modo de delicioso bucle.

En la desgarradora "Mercury" Pablo se enfunda el traje de Brett Anderson con sus Suede y le sienta como un guante. Algo así como "la balada" del álbum, enorme. Nos vendrá bien el primero de los dos interludios instrumentales que contiene el trabajo para rebajar la intensidad emocional reinante, subimos a este "Carousel".

La cara B del disco arranca con "8" y no puede hacerlo con más garra. Arrolladora, con un desarrollo alimentando la épica, puro torbellino. Choca de frente con la delicadeza de la agridulce "Nothing But The Past", un intento desesperado por aferrarse al amor que agoniza hecho canción.

"Unicorns" contiene una ingrávida intro que cubre los primeros 30 segundos para luego desplegar sus alas negras cogiendo altura a través de la briosa evolución. Aterrizamos con los vientos de cola que trae consigo la otra breve instrumental que contiene A New Romance, "Baroque", que tal como indica su título emula una interpretación clásica de cuerda.

Clara Andrés - "Capfico" (Hidden Track Records, 2022)

Capfico (Hidden Track Records, 2022) es el cuarto disco de la cantautora CLARA ANDRÉS, veintidós minutos que rebosan exquisitez, más que sonora, sensorial. Con instrumentación diversa sí, pero sobre todo con una guitarra acústica que ejerce de la mejor compañera de viaje para la cálida voz de la valenciana.

El trabajo está coproducido por la misma artista y Estela Tormo de la banda alcoyana JÚLIA, que además la acompaña en la grabación a la guitarra eléctrica, bajo y sintes. Capfico nos invita a experimentar el placentero sosiego, un concepto ignorado en la actualidad por la mayoría de los mortales.

Ocho canciones que arrancan con el bajo de "Jardí", como latido de un corazón tan frágil como obstinado, esa sutil electrónica, la guitarra eléctrica jugueteando con la acústica, será una constante ese diálogo cómplice en todo el metraje, hasta que llega la guinda de exquisitez suprema en forma de clarinete. Un arranque delicioso para un álbum que, disculpa el spoiler, confirmará estas primerizas apetecibles sensaciones.

Foto de Jordi Arques

"Dins" (videoclip insertado a pie de página) aparece irradiando brisa marina, con esas acogedoras notas de guitarra presentado la selecta lírica que contiene todo el trabajo de Clara. Esta vez a modo de celebración de la llegada a la madurez: <<D’allò que em vas deixant no sap ningú, no sap ningú quan em ve al cap i em fa barana de mirar. No em cal estar en cap lloc i estic en un moment que és com pensar i només sé que em mire dins / De lo que me vas dejando no sabe nadie, no sabe nadie cuándo me viene a la cabeza y me hace barandilla de mirar. No necesito estar en ningún sitio y estoy en un momento que es como pensar y sólo sé que me miro dentro>>.

La palabra "Capfico" la utilizan los mallorquines cuando hablan de zambullirse en el agua, una alegoría que utiliza Clara para titular este trabajo y la canción homónima, evidenciando esa sensación de relax que nos transmite la cantautora, algo parecido a estar sumergido, cuando todo parece ralentizarse entre el líquido elemento.

Si en el anterior corte estábamos prácticamente buceando entre corales en "Varada" toca embarrancar sentimentalmente, tal como explicita su título. Mientras intentamos desencallarnos disfrutemos de su halo poético y esa sugestiva electrónica acariciando las distinguidas guitarras.   

"Primavera" es resurgir, florecer, y así lo esculpe en canción, con una evolución en ligero in crescendo convirtiéndose en el momento más luminoso del disco. Eso sí, sin aspavientos ni euforias, fiel al estilo contenido de CLARA ANDRÉS. Como apostilla final constatar que la intervención del vaporoso clarinete resulta de un refinamiento inusitado.

La bossa nova de la sugerente "Mans", con aires arabescos incorporados en su ocaso, se reivindica como otro de esos momentos mágicos del trabajo, en los que te querrías refugiar durante una buena temporada, sin billete de vuelta.

SEMANA SANTA - "Estado Inicial" (EP Desorden Sonoro / Polze de la Mort, 2020)

SEMANA SANTA es una joven banda valenciana formada por Iván Sanantón (guitarra y voz), Martín Pastor (batería) y Roser Pérez (bajo y coros). En activo desde 2018 debutan ahora con el EP Estado Inicial (Desorden Sonoro / Polze de la Mort 2020), cogiendo el rebufo de la nueva hornada de bandas post-punk de esta comunidad como Mausoleo, La Plata, Finale o Chavalan. 

Sombríos, crudos, arrebatadores... SEMANA SANTA son un puñetazo en el estómago del panorama indie patrio más complaciente y ya era hora. De acuerdo, de momento sólo tenemos cuatro canciones para valorar el proyecto, pero son de tal calibre que no podemos, ni queremos, rebajar el entusiasmo.

Preguntados sobre el porqué del nombre nos comentan que al escogerlo no querían hacer apología de la religión católica ni por el contrario burla de esta, simplemente les pareció buena idea por su sonoridad impactante y a la vez porque se aproxima a su estilo oscuro. 

En Estado Inicial el desengaño y la incertidumbre de la que son presa la juventud actual es la materia sobre la que arman un arsenal de distorsión guitarrera, bajo percutor y batería desbocada. 

Joy Division y Parálisis Permanente, por ejemplo en "Sangre Sucia" y "Ruidos" (videoclip insertado en el pie de página) respectivamente, son dos bandas que enseguida nos pueden venir a la cabeza al escuchar al trío, aunque si profundizamos un pelín nos damos cuenta de que sólo son reminiscencias engullidas por su abrumadora personalidad.

Otro de los detalles muy a tener en cuenta de SEMANA SANTA es su apego por la melodía, teniendo gran protagonismo en sus cortes. Desde el arranque "Estado Inicial", la canción. Una estrofa amable dando paso a un estribillo cadencioso que va culminando enérgicamente, a modo de sparring para encajar los golpes que recibiremos durante los próximos minutos.

 

"Ruidos" es eso, noise por un tubo. Con encabritados rasgueos guitarreros resguardados por ese hipnótico bajo, altamente protagonista, y una explosiva batería como guinda, brutalidad al poder. Y seguimos con el mismo modus operanti en "Demasiado Tarde", con un bajo que sigue mostrando su músculo, un leve kraut marcando la angustia reinante, distorsión guitarrera echando chispas y la batería, directamente puro estallido.

Llega el final con "Sangre Sucia" y un riff de bajo marcando la lánguida e inquietante estrofa que irá cambiando de semblante a medida que vaya avanzando su metraje. A partir de su ecuador se quita la careta volviendo a emerger la ferocidad marca de la casa de SEMANA SANTA.

RAMON MIÑANO - "Divino Matadero" (autoeditado, 19)

RAMON MIÑANO es un músico y productor valenciano que reside entre Londres, Barcelona y Valencia. Empezó su carrera como teclista en una banda de ska-punk llamada Skaparapid en los años 90, para posteriormente firmar dos discos autoeditados como solista bajo el alias de Ramonet, Ç’est moi (2008) y Balsamo de Tigre (2011). 

Ahora como RAMON MIÑANO y con cierto aire a crooner contemporáneo, presenta el espléndido Divino Matadero (2019). Una obra de orfebrería pop de aquellas con las que te topas muy de vez en cuando y que, aunque de entrada parece ser condenada al disfrute de unos pocos, merece rebelarse y llegar al máximo de audiencia posible.

El pop melódico de Ramon no es mayormente de estructura convencional: estrofa+puente+estribillo o directamente estrofa+estribillo. El camino más recto no resulta siempre el más placentero, y ahí Ramon lo clava y de qué manera. Divino Matadero son diez cortes que deben ser degustados sin prisas, con tiempo suficiente para poder admirar sus desarrollos y recovecos. Desde el maravilloso tridente inicial compuesto por "Dame una señal", "Funambulistas" y "Angel exterminador". Tres canciones que son columna vertebral del conjunto, pura delicia, con toquecitos muy David Bowie, uno de sus mayores referentes junto con Lou Reed. 

Completando la primera mitad de Divino Matadero nos encontramos con el coqueto y viajero medio tiempo "Europa" y la elegancia de "Algo en común", donde resuenan ecos a los Roxy Music más cadenciosos o directamente a Brian Ferry en solitario.

Proseguimos entre terrenos agridulces con "Alma sin cuerpo" y su espíritu de bossa-nova, humo de tabaco y café-bar; la ensoñadora "Jardín del Edén" y la melancólica "Niño nostálgico". 

Aparece ya en el ocaso del álbum el contrapunto a su textura pausada y refinada con la animosa "Días vacíos". Visto el fantástico resultado sería un jardín al que quizás debería meterse un poco más el artista valenciano. De esta forma además inyecta la dosis justa de heterogeneidad al conjunto.

TÓRTEL - "Las Tres Tormentas" (Intromúsica Records, 18)

Desde el 2012 Jorge Pérez alias TÓRTEL viene forjándose una carrera que; aunque resulte modesta en repercusión mediática, tónica desgraciadamente demasiado frecuente entre grandes talentos actuales; se erige firme y poderosa en inspiración, lo que agradecemos enormemente los afortunados receptores de su propuesta.

Las Tres Tormentas (Intromúsica Records, 18) es un álbum más electrónico, más sintético que la media de su repertorio, pero con resultado tan evocador y orgánico como el resto.

Sus letras concisas y encriptadas son vestidas con atmosféricas sonoridades en "El Rey Podrido"; otras más castrenses como en la hiptónica "Capa Oscura", con un alto en el camino del 1:40" y su evolución final que es todo un ejercicio de prestidigitación; o más cadenciosas, incluso invitando a un velado baile, como en "Cerdo Sorpresa".

Una vez completado el tridente inicial de Las Tres Tormentas nos sobreviene la pieza más singular del conjunto y posiblemente de la carrera del valenciano. Una nota de voz de WhatsApp junto a una orquestación new-age por lo bajini, reconvirtiéndola en un chute reflexivo de delicada nostalgia.

Foto de Carlos Galaxia

TÓRTEL, después de sorprendernos con un corte tan experimental como el anterior, nos regala dos de los momentos más pop del conjunto. La inquietante "Poder Absoluto", con el mantra final <<...tus ojos nunca duermen...>> consumando su hechizo; y "Las Tres Tormentas", tan cautivadora como la primera, con unos ritmos exóticos que acentúan su presunta placidez, su reiterativa lírica final es concluyente: <<...en esta inmensa paz.>>

DARLYN VLYS - “Prince in the Rain” (Sincopat, 18)

El sello valenciano Sincopat publica este 2018 el debut en formato largo del artista electrónico galo DARLYN VLYS, Prince in the Rain. Sylvain Soulier, aunque originario de Nimes, está afincado en Valencia desde hace ya unos años, base de operaciones desde dónde expande sus ritmos techno-house por todo el mundo.

Pero no fue siempre así, Sylvain de jovencito le pegaba más al rock, siendo partícipe de varias bandas donde llegó a tocar la guitarra, el bajo, los teclados y la batería.

Ha publicado en sellos tan importantes de la escena de electrónica de club como: Get Physical, Upon You, Suara, My Favorite Robot o el mismo Sincopat, donde se estrenó en 2010 con el EP Soleil Levant.

En Prince in the Rain da rienda suelta a su admiración por los compositores de bandas sonoras como Giorgio Moroder, Eric Serra o el más evidente, Vangelis. De hecho el arranque de álbum "They are coming" parece un bonus tracks de la B.S.O. de Blade Runner y nos sirve de perfecta pasarela por la que adentrarnos en esta majestuosa nave nodriza de la electrónica que es Prince in the Rain.

Alternando galácticas instrumentales como "Retrograde", "They are coming", "Decadencia", "Midnight" o "Map to the stars"; con otras más propensas al baile como los chupinazos technos "Mellizos", "Paradoxal" o "Tears in rain". También cortes con acompañamiento vocal más evidente como la bucólica "Learned to hide" (clip al final del post) o la sorpresa dark-wave "Sun in hell". Como cierre, la conmovedora "Surface", poniento un punto y final solemne al conjunto.

ADRIAN LEVI - "Unexpected" (2018)

ADRIAN LEVI, alter ego del valenciano Jordi Llopis, acaba de publicar tercer álbum, Unexpected (2018). Después de My Hidden Pockets (Nevada Music, 15) y Under Songs (Nevada Music, 16), en el presente trabajo confirma su clara evolución hacia sonoridades electrónicas, acrecentando el aura ensoñadora de su propuesta.

Sin olvidar su esencia acústica, cortes como la inicial "Red Monsters" ganan en profundidad y pegada con la base rítmica añadida. La sigue la bossa-nova"Soft rain-eyes", espléndida, con unos teclados que, aunque sutiles, resultan determinantes. Proseguimos con "Forgive this Time", otra perla en forma de dulce synth-pop 80's; la épica y conmovedora "A boy named Sue"; la cadenciosa "Tower of control", con un poso incluso bailable; "Stay", y esa leve base hip-hopera que entra en su ecuador a modo de perfecto colofón.

Arrancando el tridente final de Unexpected nos encontramos con "Days are gone", in crescendo, hipnótica; "Don't fail", dulce medio tiempo que invita al bailoteo acaramelado, un bombón de corte; y "Put the blame on me", cierre sorprendente del álbum, sobretodo por su mutación hacia el minuto 2', donde inesperadamente, haciendo un guiño al título del disco, hacen acto de presencia los Depeche Mode del "I Feel You".

ADRIAN LEVI nos sigue regalando una carrera en solitario brillante, con gran peso emotivo y conceptual. Tenemos la suerte de poder disfrutarla, aprovecha este privilegio>

AMBROS CHAPEL - "Portraits" (Flor y Nata Records, 17)

Pablo Casero (voz, guitarras y sintes), José Rodríguez (batería), Alfred Sanchis (bajo) y Óscar Vadillo (guitarras, coros y sintes), son AMBROS CHAPEL. Tras más de diez años de trayectoria como banda tienen nuevo álbum, el espléndido Portraits (Flor y Nata Records, 17).

Reminiscencias, las de siempre para el cuarteto valenciano, post-punk británico 80's, que pasado por el turmix del siglo XXI también puede recordarnos a propuestas más coetáneas como la de los neoyorquinos Interpol o los británicos Editors.

La voz de Pablo ayuda a mantener intacto el halo oscurillo de la banda, cada vez asemejándose más, con la gravedad de su tono, a la de Peter Murphy.

Con todo Portraits no es un álbum continuista, ni mucho menos. Sin ser un trabajo instantáneo, se muestra más próximo y directo que sus anteriores referencias, con auténticas perlas como el tridente inicial con "Mental" (clip a pie de post), la maravillosa "Glassvegas" y la embriagadora, nunca mejor dicho, "Whiskey". El nivel se mantiene álgido con la melancólica "Someone"; la sombría "Déjà Vu"; "In the Fall", una de mis favoritas con esa mezcla de crudeza y emotividad, al igual que pasa en "Beirut", quizás sin darme cuenta acabe de definir el ADN de los valencianos.

THE STANDBY CONNECTION - "Ace tone" (Discos de Paseo, 17)

La banda valenciana POLAR (1994-2011) renace ahora como THE STANDBY CONNECTION y con nuevo trabajo, el álbum Ace Tone (Discos de Paseo, 17). Canjean la batería por una caja de ritmos analógica de los años sesenta, la Ace Tone, adquiriendo tanto protagonismo como para dedicarle el título del trabajo.

Será por la madurez adquirida, la nueva base rítmica mecánica, las ganas por la experimentación o porqué simplemente les haya pegado por ahí. El ahora trío (Paco Grande, Miguel Martínez Matallín y Jesús Sáez) han mutado hacia sonoridades cercanas al lo-fi, sin perder ni un ápice su simpatía por las melodías.

Estamos ante un disco debut, por llamarlo de alguna manera, mayúsculo. Con reminiscencias al Lou Reed más íntimo con la desangelada "Wounded", la punzante "Lost" o la definitiva, en todos los sentidos, "It's Over". A unos Yo la Tengo más cadenciosos y directos de lo habitual con "With You", la más inmediata del conjunto (videoclip insertado a pie de página), o la melancólica "When You Turn Away". Unos Guided by Voices tirando a austeros con la edulcorada "Hiro" o la solemne "Rain". Incluso filtreando con la psicodelia como en la maravillosa "Crawling Out of Bed", mostrando el amplio nivel de recursos de una banda en estado de gracia.

Ace Tone es disfrutable de principio a fin, con ese ocaso en forma de personalísima version del "A Baby for Pree" de los Neutral Milk Hotel.

ADRIAN LEVI - "Under Songs" (2016)

Under Songs (Nevada Music, 16) es el segundo álbum del valenciano Jordi Llopis quien, después de su paso por la extinta banda Crow Jane gestando el maravilloso Contradiction (Nevada Music, 13), decidiera emprender su carrera en solitario como ADRIAN LEVI.

Bueno, en el presente trabajo lo de en "solitario" tendría sus matices ya que han dejado su impronta tres músicos que lo han acompañado en varios de sus directos: Manolo Tarancón (Reno), Carlos Otte (Damien Lott) y José Rodríguez (Ambros Chapel).

La "coralidad" en el proceso creativo de Under Songs trae consigo un cierto cambio de orientación respecto a su disco debut My Hidden Pockets (2013). ADRIAN LEVI transmite más energía y vigor, más empuje, sin abandonar la esencia acústica y folk marca de la casa. Siguen intactas la emotividad, el altruismo, el compromiso social, pero la introspección primera muta ahora hacia una visión más intrépida y decidida. 

Derretirte no es una opción negociable ante la belleza y calidez de "Fragile" (vídeo acústico al final del post), un inicio deslumbrante; de la dulce "Little John" y de "Ordinary facts", su mágico broche final. También tropiezas con desgarro y punch, como en "Universe" o la enérgica "Low places", derivando hacia territorio post-punk. Momentos para el buen rollito como en la vigorosa "You"; o para la sorpresa, como con "I'm your crime", medio blues medio country, una barbaridad. Amagos de épica en las majestuosas "Black tides", para dar de comer aparte su  brutal sólo guitarrero; y la increscendo "Fall inside", con un final derivando hacia el gospel, celestial.

METROPOL - "Sorry All Over the Place" (PlaySpot -Deluxe Version- 2016)

El tercer trabajo discográfico de METROPOL es la edición Deluxe de su álbum Sorry All Over the Place (2015), un tributo a uno de los libros más influyentes de la literatura moderna, La broma infinita (Infinite Jest) de David Foster Wallace, ahora con cinco temas nuevos y de la mano de la discográfica PlaySpot.

Van dando guerra desde su surgimiento a finales de 2011 y de qué manera. Tocando en los mejores festivales (Arenal Sound, Low Festival, San San Festival...); generando el interés de directores internacionales con videoclips rodados en ciudades como Sydney, Estocolmo, París o Nueva York (los incluimos al final de la reseña); ganadores del Volkswagen Fender Fast Song y finalistas del Red Bull Bus Tour.

Todo ello les ha llevado a lanzar esta reedición y, de la mano de su fantástica producción, provoca que se salgan literalmente con este trabajo.

Sorry All Over the Place coquetea con el rock de raíces americanas de gente como Kings of Leon en "The Unfortunate Case of Me", mestizándola con esa intro a lo "The Scientist" de Coldplay, o en "Kinds of Light". Con la electrónica más rompepistas como en "Flux in a Box", que bien habría podido producir el mismísimo Avicii. También aparece el pop elegante rebosante de piano y sintes cercano a gente como los británicos Hurts o los Keane en pasajes como la grandiosa "Infinite Jest"; la pro-gospel  y no menos majestuosa "Blood Sister"; "There Are No Losers Here", "As of Yore" y "The Joke", con coros y épica a mansalva. 

Demostrando su versatilidad se atreven con el hard rock recordando a los The Cult más melódicos, en las poderosas "The Bureaucrat" y "Very Low Impact"; para encandilarnos después con los medios tiempos "Baby Pictures of Famous Dictators", "Death and the Single Girl", y sobretodo "Cage", primer single (clip a final de post) y a la que habría de darle de comer aparte, sobran los calificativos.

¿Baladones? También gastamos: la conmovedora "Dark Logics" y el pletórico cierre "Widower", con esos fuegos artificiales finales en forma de explosión de sintes y coros. El álbum se completa con dos breves y oníricas instrumentales: la intro "Sorry All Over The Place" y "James Q. Incandenza".

La banda valenciana capitaneada por el frontman italo-americano Ray Molinas contiene tantas reminiscencias anglosajonas que, junto a su calidad indiscutible, concluye que estemos ante una de las formaciones estatales con más proyección internacional.

ARCANO GUZMÁN - Ciudad Inventada (2016)

Después de estrenarse con el EP Lunokhod (autoeditado 2013), ARCANO GUZMÁN, proyecto formado por Gastón Nosiglia y Paco Mut ambos ex-LOS TELEPLÁSTICOS, debuta en formato largo con Ciudad Inventada (autoeditado 2016).

El dueto rezuma synth-pop con cimentación forjada en los sintes de mediados 70's (Kraftwerk, Jean Michel Jarre) principios 80's (Vangelis, Depeche Mode).

Empieza este viaje retrofuturista con sintes muy Jarre de la mano de "Autopistas cerebrales" para derivar hacia territorios más depecheros con "Autómata". Los loops hiperactivos de "Holograma" empiezan a invitar con fuerza hacia el baile, al igual que con la enorme "Error humano", maravillosa, con esa sensual melodía que encuentra la fórmula perfecta para enlazar lo orgánico con lo robótico. De concepto un poco como una evolución del "All is full of love" de Björk.

Despierta el lado industrial de los valencianos en "La cuarta dimensión", con un bajo funky merodeando por la sala de máquinas. "La ciudad inventada" bien podría formar parte de la BSO de Blade Runner, demostrando la influencia cinéfila latente en la banda. "Satellite" es la muestra más evidente de que hay un poso de pop relevante durante todo el disco, está ahí, presente, para hacerse aún más presente en momentos como éste.

"Guerra invisible" te teletransporta a la serie 80's Miami Vice y "Nuevo en la ciudad" supura elegancia synth-pop, dos temas ligeros que nos permiten coger fuerzas para lo que se nos viene encima.

SOKOLOV - "Señoras que Fuman" (2016)

SOKOLOV vuelven a los orígenes. Después de empezar su andadura como dúo mutaron a banda, y ahora vuelven al formato original. El proyecto de Mireia Pérez y Assad Kassab llevan hasta la fecha tres discos autoeditados producidos en Pandemonium Studios por Uve Martínez y masterizados por Jose Mª Rosillo: La merienda campestre (2010), Embeleso (2012) y el que nos ocupa, Señoras que fuman (2016).

Si con alguien me cuesta encontrar los adjetivos para su englobe y definición, SOKOLOV se lleva la palma. Diciendo "son inclasificables" me quedaría tan ancho, pero por la afinidad musical e incluso complicidad que nos une voy a hacer un esfuerzo extra, con peligro de hernie incluido, conste en acta.

Las guitarras fronterizas inician el álbum con "Erudito", sobre un manto rockero y la voz de Mireia sonando inquietante desde que le dimos al play. Las guitarras siguen rasgándola bien con "Escenario Principal", derivando hacia espacios post-punk conformando una especie de vendetta hacia el fenómeno festivalero ¿o quizás hacia algún evento en especial?

Foto de Josep Escuin

SIESTA! - "Fuerza de Gravedad Absoluta" (2015)

"SIESTA! es la Fiesta" parece algo así como su grito de guerra. Efectivamente, una de las reacciones que percibes de inmediato al escucharlos son unas ganas locas de mover el armazón.

Pero SIESTA! es esto y mucho más. El dueto valenciano formado por Jonathan Cremadas y Pepe Ábalos atesora una facilidad innegable para hacer de una colección de loops, temas adictivos que te atrapan sin remisión de principio a fin.

Electrónica plagada de ritmos kraut y pro-industriales. Para que te hagas una idea por si aún no los hubieras degustado, podrían ser la resulta de cruzar a los británicos Orbital con los navarros El Columpio Asesino.

Fuerza de Gravedad Absoluta (Sonido Muchacho 2015) es su segundo disco y un fuerte golpe encima de la mesa para el panorama electrónico estatal. El arranque con "Montador de bicicletas" y el tema titular, simplemente demoledores. Su cierre con la sinfónica "Todo va a salir bien", espectacular. En medio tres temas más para disfrutar en su impresionante directo, sobre todo con la concisa "Sangre Nueva", puro nervio punk.

"Make me smile", estrenamos el 1er clip de ADRIAN LEVI

"Make me smile" es uno de los nueve cortes que componen My Hidden Pockets (2015), brillante disco debut de ADRIAN LEVI alias de Jordi Llopis, front-man de la extinta formación valenciana CROW JANE. Una canción delicada como una caricia que refleja la lucha por vencer el sentimiento de soledad y alcanzar la felicidad a través de las emociones.

Tenemos el honor de poder estrenar en exclusiva su videoclip dirigido por Miguel Ángel Mengó Lloret, con la participación de Carlos Soler a la guitarra eléctrica. Tal y como nos confiesa Jordi, se trata de un ejercicio de "estética pura y dura" potenciado con una elegante fotografía en claroscuros. Todo y con eso podríamos interpretar una victoria final del color (felicidad) que durante la duración del vídeo intenta colarse entre el blanco y negro dominante (soledad).