DEPECHE MODE, 20 años de "Playing the Angel" (2005)

 

Martin L. Gore, Dave Gahan, Alan Wilder y Andrew Fletcher fueron la alineación titular de los DEPECHE MODE hasta que finalizó el Exotic Tour (1994), extensión de una de las giras más brutales de la historia, el Devotional Tour (1993), en la que se presentaba el demoledor Songs of Faith and Devotion (1993). Entre los daños colaterales derivados de esa gira, el más irreversible fue la dolorosa salida del grupo de Alan Wilder, pieza fundamental en el ADN del sonido de la banda desde su entrada en 1982 sustituyendo al miembro fundador Vince Clarke. 

Tras la recuperación de Dave de sus graves problemas de adicción vuelven como trio con Ultra (1997) y luego Exciter (2001), dos álbumes aceptables pero claramente inferiores a la media, sobre todo en comparación a sus tres precedentes. 

La ausencia de Wilder fue complicada de digerir, aún se nos hace bola, además viendo los trabajos inmediatamente posteriores de la formación era más evidente la magnitud de la pérdida. 

Con este contexto el 17 de octubre de 2005 DEPECHE MODE publican el undécimo álbum de estudio Playing the Angel, un puñetazo encima de la mesa de los de Basildon. Estamos ante su mejor trabajo de lo que llevamos de siglo XXI, ahora ya con la consolidación de la estrecha colaboración de dos miembros más en la recámara: Christian Eigner (batería) y Peter Gordeno (teclista). Además por primera vez Dave Gahan interviene en la co-autoria de canciones, concretamente en tres junto a Eigner y Andrew Phillpott, equipo con el que arrancó su carrera paralela en solitario. Fue producido por Ben Hillier, una asociación que perduraría en los dos futuros discos. 

El quinteto de cortes que arrancan Playing the Angel es desarmante. "A Pain That I'm Used To" arrolla desde su ensordecedora intro. Con una sugerente estrofa y ese estribillo que va desbocándose hasta explotar con esa especie de estruendo industrial que a la vez presenta el tema. Descarada, fresca, ilusionante. Y no bajamos el nivel de intensidad que llega la pegada de "John the Revelator", un blues electrónico y distorsionado, menuda locura. Seguimos con el aura industrial, aquí más retorcido. Inspirada en la original del norteamericano "Blind" Willie Johnson (1930) es la primera de las cuatro canciones en las que aparece la palabra "angel", contenida en el título del trabajo.

"Suffer Well" es una de las que firma Gahan en el álbum, single indiscutible del mismo, clásico instantáneo. Debatiéndose entre la elegancia y la oscuridad con ese halo bailable y el riff guitarrero marcado a fuego. Autobiográfica, solo hace falta ver su espléndido videoclip (insertado a pie de página). Llevamos tres temas y tres singles indiscutibles, inmejorable empiece.

Rebajamos un pelín el nivel de magnetismo con "The Sinner in Me" aunque no te lleves a engaño, este medio tiempo lleva sorpresa incorporada. Un nervio latente que traspasa, casi puedes notar su descarga. Finalmente se quita la careta en el salvaje último minuto y medio en el que guitarra y programación se asocian en un estallido electrizante.   

Volvemos al redil de la excelencia más absoluta con la conmovedora "Precious", si te fijas en las reproducciones en streaming se situa entre las cinco top de la banda. DEPECHE MODE recuperan el ambiente más sintético de sus primeros álbumes con riff y loop de teclados que se van entrelazando hasta presentar el sugestivo estribillo. El riff parece golpeado en vez de tocado y el loop es puro terciopelo, pero a la vez se complementan de maravilla. Aunque la cante Dave este corte se lo dedica Martin a sus hijos envueltos en el divorcio de la pareja.

Mr. Gore coge el micro en "Macro", no pretendía hacer un juego de palabras, salió solo. Enigmática, hipnótica. De naturaleza electrónica aumenta su densidad brumosa en el estribillo hasta que llegando al ocaso reivinca lo analógico a partir de unos acordes guitarreros.

La balada "I Want It All" es uno de los temas más sorprendentes del álbum. Surtida de recovecos con unas programaciones tan imprevisibles como audaces. La segunda con Gahan involucrado en su composición nos hace levitar durante sus seis minutos de cadencia trip-hop.

"Nothing's Impossible" cierra el trio de cortes no manufacturados por Martin, aunque aquí su guitarra tenga cierto protagonismo, con un envoltorio tenebroso no excento de ritmo impuesto por su marcial base. En el minuto tres sube una marcha más en el desarrollo culminando su hechizo amoroso.

El interludio instrumental lo pone la fantasmal "Introspectre" llevándonos de la mano hacia "Damaged People". Martin se desgañita dando voz en delay, emulando hábilmente a un coro, a la "gente dañada" en un emotivo corte electroacústico. Nos despertamos de este letargo sombrío con "Lilian" y su embrujo bailable, aunque sea con lágrimas de desamor en los ojos. Esos delicados acordes guitarreros me matan del gusto. Todo y con eso su potencial de hit queda empañado por una producción poco arriesgada.

En la segunda frase de "The Darkest Star" aparece el título del disco, uno que finiquita con este frondoso darkwave de casi siete minutos de duración, un amago de sinfonía. Tétricas notas al aire de piano y los coros de Martin intentan abrirse paso por entre sus pasadizos. Broche de oro para un Playing the Angel que desenterró a los DEPECHE MODE más inspirados.

DORIAN - "Futuros Imposibles" (El Temblor / Intromúsica, 2024)

Marc Dorian (vocalista, guitarras y programaciones), Belly Hernández (teclados y coros), Bart Sanz (bajo), Lisandro Montes (guitarra, teclados) aparcan el hambre por degustar nuevas sensaciones rítmicas de su anterior Ritual (2022). En Futuros Imposibles (El Temblor / Intromúsica, 2024) recuperan el pop electrónico original de la banda, el que les ha ido llevando durante los veinte años de trayectoria a erigirse como una de las formaciones estatales más relevantes, con enorme proyección internacional incluida.

El concepto del álbum se encierra completamente en su título, esos Futuros Imposibles consecuencia de acontecimientos que marcan la vida. Provocarán un mañana diferente pero no por ello menos ilusionante.

 

El disco arranca muy arriba de melancolía con la deslumbrante "Algo especial" y como telón de fondo la separación de la pareja sentimental que formaban Belly y Marc. Pocas veces una ruptura se tocó con tanta dulzura y respeto como en el caso que nos ocupa. Gruesos sintes seguidos de otros centelleantes abrazando el bajo pulsómetro nos abren la puerta a Futuros Imposibles con un claro enfoque reparador: <<ahora que hemos llegado al final quiero recordar que fue especial, algo especial>>.

 

"El sur" (videoclip insertado a pie de página) cuenta con la primera colaboración del trabajo de la mano de Santiago Motorizado, líder de la venerada formación argentina EL MATÓ A UN POLICÍA MOTORIZADO. La canción con más escuchas en streaming del álbum se erige poderosa desde el minuto 0. El tridente piano, percusión y guitarra marcan la senda hacia ese sur donde echar raíces, lejos de la asfixiante rutina en la que estamos inmersos. Su deriva hacia la épica pone la guinda a un clásico instantáneo de los barceloneses.

La emotividad no está reñida con el poderío. Así se siente "Lo que recuerdo de ti", otro hit sensorial del cuarteto, esta vez acompañados de Rafa Val de VIVA SUECIA. Guitarras, sintes y bajo escoltando las voces de Marc y Rafa dando salvas por amigos de la banda que se han quedado en el camino. Tal como sentencian: <<nadie nos enseña a vivir, nadie nos enseña a morir>>.

En "A cámara lenta" encontramos la tercera contribución externa del álbum con la cantante argentina Daniela Spalla. La balada del trabajo resuena hermosa, monumental, con esa cascada de sintes enmarcando una relación sentimental que encaja como un guante a pesar de los currículums de los protagonistas.

La vigorosidad y excitación de "A contraluz" tiene su contrapunto en la esencia acústica de la conmovedora "Elegía". Los efectos del desamor se exponen sin filtro pero carentes de reproches: <<Me llené de ti, tu luz es mi jardín. Luego nos llegó el fin. Me alejé de ti, de tu magia y tu calor. Luego me arrastró el dolor>>.

Con la sugestiva "Materia oscura" podemos incluso bailar. Un canto al hedonismo y a la libertad sexual, con rasgueos guitarreros próximos al funky inyectando flow a un corte, de por sí, sobrado de pegada.    

Llega la sorpresa del disco con interpretación vocal de Belly en la resplandeciente "Por ti". Un medio tiempo con aires de synth-pop ochentero, bien cadencioso, inspirador para renacer de las cenizas de una relación amorosa sin traumas ni rencores.  

La pegadiza "Una noche más" invita al jolgorio y desenfreno nocturno como apósito cicatrizante para las heridas del amor. No se menciona la resaca del día después, eso daría para otra canción.

EL ÚLTIMO VECINO - "Riqui" (Helsinkipro, 2024)

Gerard Alegre aka EL ÚLTIMO VECINO presenta cuarto larga duración con Riqui (Helsinkipro, 2024). Estamos ante un artista que nos ha ido regalando perlas sonoras desde 2013 servidas del mejor synth-pop, post-punk y jangle-pop del mercado. Ocasionales escarceos aflamencados han completando la receta, vistiendo una lírica que exterioriza el inquieto universo personal del barcelonés.

 
Debía resultar complicado afrontar la concepción de un álbum después de otro tan monumental como su anterior Juro y Prometo (Pias, 2022). Las expectativas eran altas, de hecho Gerard, como comentaba anteriormente, no ha dejado de alegrarnos la vida en esta última década. El desenlace no podía ser más satisfactorio, Riqui se muestra igual de majestuoso que su predecesor con un plus de cohesión entre los 10 cortes que lo componen, consolidando un armazón sonoro incontestable.

Se repite asociación a la producción con Adrià Domènech alias InnerCut en un disco que arranca con "Era de esperar" y su riff guitarrero dándonos la bienvenida a un espléndido corte. Su título se nos graba a fuego cuando llega el estribillo en lo que parece el desenlace previsible de un amorío que agoniza. La letra te volará la cabeza con versos como el inicial: <<Víctima del desvarío, tu pena sigue intacta, me quedo sin palabras, dueño de mi habitación, hijo de un vampiro, tu pena se queda en prisión, ya no entiendes nada, flecha en tu corazón>>.

Llega "Cinta" de la mano de su maravilloso vaivén jangle-pop con sabor añejo incorporado. El que fuera segundo single avance del trabajo ahonda en la decepción sentimental dotado de un luminoso estribillo como el mejor cicatrizante.

Un riff guitarrero omnipresente enmarca "Lo que quise saber" contando con la colaboración definitiva de la cantante valenciana Xenia en otra perla del conjunto. A mí me tiene el corazón robado, que quieres que te diga. Azucarada estrofa desembocando en un desdoblado estribillo evocador para concluir con esos centelleantes sintes sirviendo en bandeja de plata un último suspiro de la guitarra. ¡De traca!

Con "El último día" intentamos esquivar la melancolía sin éxito alguno. Por el camino nos llevamos poder incluso brincar como posesos entre su ritmo frenético. La rima <<no es poca cosa, necesito una pistola>> es desarmante, valga la redundancia cogida con pinzas. No abandonamos del todo la velocidad que viene "Mi chaqueta gris" abanderada por esa determinante línea de bajo. La que fuera primer single avance del álbum contiene una de las sorpresas del trabajo en forma de sugestivo saxo.

"Libreta de los recuerdos" abre la cara B del vinilo con un medio tiempo que bien podría firmar Manolo García. Ya avisamos en el inicio de estas líneas de esos latentes giros cañís de Gerard.

El drama que puede resultar, aún hoy en día, la vida de una persona trans se hace patente en "Lo que tuvo que aguantar". Las notas de sintes ochenteros de sus primeros segundos parecen querer teletransportarnos a épocas con pensamientos presuntamente más rancios y que vuelven en la actualidad recargados de retrógada mala ostia.

CARLA - "Eclipse" (Great Canyon Records, 2024)

Carla Serrat (Vic 1990) lleva desde 2014 con su alias CARLA y una propuesta de electrónica orgánica repartiendo bombones sonoros embalados en un EP i cuatro álbumes, contando con el presente Eclipse (Great Canyon Records, 2024).

Nos encontramos ante 30 minutos en los que la catalana culmina su evolución virando hacia territorios cada vez más heterógeneos, con el electro-pop como hilo conductor sin abandonar del todo esa atmósfera experimental marca de la casa.

  

Eclipse es una palabra que viene del griego y que significa "desaparición" o "abandono". A la práctica,  dos cuerpos celestes coinciden hasta provocar la desaparición momentánea de uno de ellos, apagándose a nuestra vista. Esa dicotomía entre el resplandor y la sombra sirve de leitmotiv al trabajo. Uno que arranca con "Longing" marcando la apertura de la catalana hacia otros ambientes sonoros ya en el minuto y veinte segundos en forma de golpe encima de la mesa con esos expansivos sintes. La culminación es el brillante ocaso en un último cambio de compás hacia su tercer minuto, confirmando que estamos ante algo muy grande.

Foto de Andrea Gianella

 

"One last song" quizás sería una de las canciones que más dan la razón a CARLA a la hora de plantear la dualidad conceptual del disco, al menos rítmicamente, por su break rondando el segundo minuto de corte. Un cambio de rumbo que rompe la placidez onírica inicial aunque sin desatender ni un ápice el nivel de magnetismo reinante.   

Una de las sorpresas que contiene Eclipse es la colaboración del cantante y percusionista guineano afincado en Londres Falle Nioke, mitad del proyecto colaborativo N'Dekho, junto a Joe Goddard (Hot Chip). "Part of me" se convierte en uno de los cortes más inmediatos de la carrera de CARLA, un afro-beat bailable y adictivo a partes iguales.

Entramos en territorios donde se recupera por momentos la vertiente más aventurera de la artista a través de "Rising into you" y "Void of your memory" (videoclip insertado a pie de página). Electrónica vanguardista al servicio de tus sentidos. La primera, rozando por la escuadra a la música de club, con esos hipnóticos recovecos que tal como reza su título "nos elevan" y de qué manera. La segunda, conmovedora balada con un sintético trabajo vocal como perfecto lazo de regalo para un corte tan agridulce como arrebatador.

La electrónica juguetona de "Words", con el ensoñador estribillo como guinda más esos densos sintes en el puente como contrapunto, completan otro corte plus estimulante.

"Consequence" y su contenida épica nos indican la dirección correcta para llegar al encanto de "Over too soon". Acercamiento de CARLA a un R'n'B de tintes urbanos con resultados inmejorables.

PARABÓLICA - "In Ventum" (Flor y Nata Records, 2023)

PARABÓLICA acaban de lanzar su nuevo álbum "In Ventum" después de dieciséis años desde su último trabajo discográfico, "2080" (2006). La banda formada por Miguel Ángel Soto (voz y letrista) y Mist3rfly (sintetizadores y programaciones) presenta diez canciones que evocan la época dorada del synth-pop de los 80's y 90's. En este álbum, han querido "jugar a ser como Depeche Mode" y han tomado como inspiración álbumes emblemáticos de la banda británica como "Violator" y "Music for the masses". También han encontrado influencias en otras formaciones como Kraftwerk, New Order, Pet Shop Boys y sus amigos de los Niños del Brasil.

Sus canciones son en español y tienen una esencia electro-pop que resulta muy atractiva para los amantes del género. In Ventum es un homenaje a Depeche y, por extensión, a las bandas que han influido en la música de estos dos fenómenos, a través de la exquisitez compositiva y nivel de producción marca de la casa del dúo sevillano.

El álbum arranca con "Alis in Ventum", el que fuera primer single avance del trabajo y, por su título, la abanderada del mismo. Además resulta de las más inmediatas del conjunto, es no poder dejar de escucharla en bucle. En su producción, como en otros lances de In Ventum, parece que Alan Wilder hubiera metido mano, las malas lenguas dicen haberlo visto junto a este par de tapeo por La Alameda. 

"Amigos?" (videoclip insertado a pie de página) con esos lapidarios sintes ya de inicio mostrando sus cartas desde el minuto 0 y todas son ganadoras. Luego llega el estribillo y con él la rendición total a su influjo. Le sigue "Incapaces", una de mis crush, no puedo evitarlo. Esos sintéticos coros a partir del final de la segunda aparición del, ya de por si sugestivo estribillo, es de aquellos detalles que marcan la diferencia. 

En "Aun Loco" las notas de piano junto al latente loop electrónico, con la paradiña rondando el segundo minuto, me vuelven eso: "loco" perdido. Otro elegante y sugerente corte y ya llevamos 4 de 4.  

Entramos en zona de obligado bailoteo con el estribillo de "Entrefases" y toda ella "Inmortal", armada de ese velado guiño al "Enjoy the Silence" de los Depeche. Mientras, va llegando "Días sin Sol" con esa gruesa y desarmante base a modo de corona del tema, quizás la misma que llevaba Dave Gahan durante el videoclip del corte inspiración del anterior.

Con "La Noche" volvemos a adentrarnos en la pista de baile y es que es lo que tiene cuando llegan ciertas horas, la oscuridad se hace dueña y señora, luego pasa aquello de que todos los gatos son pardos y que la idem me confunde y eso. 

"Quiero que te Vaya Mal" es otra de mis preferidas, con ese ultra-melódico riff de sintes bien reconocible que márcandose a fuego en tu retentiva. Nunca una canción tan cargada de resentimiento sonó a la vez tan embelesante.

LOS MANISES - "Todas Son Correctas" (Montgrí, 2023)

 

LOS MANISES vienen desde 2016 desafiando cualquier etiqueta musical habitando en territorios sonoros inexplorados en los que puedes toparte con retales de post-punk, world-music y synth-pop, entre otras tantas combinaciones imposibles. Esa amalgama estilística ha dado como fruto este 2023 Todas son correctas (Montgrí), su debut en larga duración. 

El dúo formado por Víctor Clemente y Rubén Soler han contando por primera vez con la presencia de un productor, en este caso de I-ACE (Antifan, Agorazein), responsable de haber inyectado un plus de profundidad electrónica a su, ya de por sí, poderoso sonido.

Abre Todas Son Correctas la turbadora "Cienmásuno" y un compendio de frases cortas insertadas en una hipnótica danza tribal. La guitarra eléctrica ejerce de maestro de ceremonias junto a una percusión sintética como irresistible base. Seguimos ahondando en la fraternidad hacia sabores subsaharianos, será una constante durante la escucha, con esa especie de funk africano que es "Espectacular". Concluyen el corte con un lapidario <<Bebe de mi copa y serás eterno>>, y es que uno se deja adoctrinar bien a gust por credos como el de LOS MANISES 

La desarmante "A todo querer", con esa distorsión guitarrera abrazando una especie de llamada a la oración del todo laica y esa base con percutores loops a modo de péndulo que provoque la hipnosis colectiva. El nivel de sugestión de este par es insondable y con "3368-CPN" tenemos otra prueba. Aquí el bajo es el chamán ante cuyos rituales no puedes resistirte. Cierra la cara A del LP el estimulante interludio instrumental "G.A.". 

"Amanece" es líricamente eso mismo, un <<amanece>> multiplicado por 1000 tal i como se indica literalmente en la contraportada del álbum físico. Pero es que LOS MANISES son singulares también en eso, hay muchos momentos en el álbum en que la voz se utiliza más como un instrumento al uso que como un recitador de historias musicalizadas.

Una brisa tropical entra con fuerza a escena con "Algo que algo que" y esos flashes guitarreros armando uno de los cortes más más luminosos del conjunto. Mientras, con "Apóstolos" la fantasmal distorsión vocal pugna por adueñarse del cotarro, aunque una plácida guitarra acústica con deje a bolero junto al bajo le planten cara en otro enigmático tema de la dupla ilicitana.

LOS PASAJEROS - "En Cualquier Mundo Irreal" Single (Flor y Nata Records, 2023)

En esta casa no somos mucho de reseñar singles, lo nuestro es diseccionar hasta el mínimo detalle EP's y larga duración. Pero entonces llega "En Cualquier Mundo Irreal" (videoclip insertado a pie de página) y uno, ante el erice de piel, pierde de vista cualquier esquema o norma preestablecida. Después de siete años desde la publicación de su álbum Días Extraños (2016) LOS PASAJEROS, oseasé Víctor M y J. Apolo, están de vuelta con un elegante y sedoso tema, sutilmente bailable, que nos teletransporta a ambientes synthpoperos de finales de los 80's.

Antes de seguir con la reseña te avanzo, disculpa el spoiler, que al final de estas líneas te aguarda una sorpresa muy especial. 

"En Cualquier Mundo Irreal" emociona con una ensoñadora estrofa que tiene prisa por dar paso al ultra-melódico estribillo. Víctor dedica el tema a su hijo y a su mujer haciéndose evidente esa envolvente emotividad que hará que no puedas dejar de corear ese: <<Contigo hasta el final, sin ti nada es suficiente. En cualquier mundo irreal, sin ti nada es para siempre>>. 

El  dúo sevillano completa su nuevo lanzamiento con una versión mix del titular y como cara B el corte inédito "1993". Un techno-pop ante el que tus caderas no podran resistirse a darle al contorneo. El break hacia el ecuador del tema es de traca, para coger carrerilla y seguir luego con todo hasta el final. Aquí la inspiración es bien noctámbula, de copas y humo de cigarillo en garitos de la misma época a la que hace referencia el título.

"Memento Mori", ¿el último baile de los DEPECHE MODE?

DEPECHE MODE desde el Playing the Angel (2005) habían lanzado 3 álbumes a cual menos trascendente, con sus correspondientes giras mundiales además de publicación de cajas recopilatorias de singles, remixes, reediciones etc. Parecía que lo que se pretendía, más allá que crear nuevo material relevante, era mullir bien la vaca mientras haya fans con poder adquisitivo suficiente como para gastarse la pasta con todo lo que huela a la banda de Basildon.

Tras el duro golpe del fallecimiento de Andy Fletcher en mayo del año pasado se llegó a especular sobre la continuidad de la banda. Si además sumamos que los otros dos miembros fundadores, Dave Gahan y Martin L. Gore, ya entraron en la sesentena y que tienen proyectos en solitario paralelos al grupo, no era descabellado que flotara en el ambiente un posible punto y final. Pues por el momento va a ser que no ya que tras 6 años desde su anterior referencia, ha visto la luz el decimoquinto álbum de los Depeche, Memento Mori (Columbia Records, 2023).

Los avances del disco eran ilusionantes con la pegada del medio tiempo electrónico "Ghosts Again" (videoclip insertado a pie de página) y la crudeza arrebatadora de "My Cosmos is Mine". 

He de reconocer que la primera impresión tras la escucha de Memento Mori fue de decepción ante lo que parecía una nueva oportunidad perdida de los británicos de presentar un álbum con calidad de acorde a su leyenda. Luego, con las siguientes degustaciones, ese sentimiento ha ido derivando inusitadamente hacia terrenos más condescendientes de acorde a un análisis más sereno y contextualizado del conjunto del trabajo. 

El fichaje de la ingeniera italiana Marta Salogni echando una mano al productor James Ford, que también lo fuera del Spirit (2017), junto a la incorporación al equipo del cantante de los THE PSYCHEDELIC FURS Richard Butler para componer mano a mano algunos de los temas de Martin, han aportado con su grano de arena en pos de cambiar la dinámica discreta en lo compositivo de esta última época de DEPECHE MODE. 

Memento Mori es el mejor disco de calle de los británicos desde el mencionado Playing the Angel con momentos memorables como los dos cortes mencionados anteriormente; el ligero kautrock de "Wagging Tongue"; la hermosura desgarrada de "Don't Say You Love Me", que bien podría haber salido perfectamente de una nueva colaboración de Dave Gahan con los SOULSAVERS; "Soul With Me", ese conato de canción ligera disfrazada de balada marca de la casa interpretada por Mr. Gore; y la tan sentimental como desarmante "Always You", con unos mantos de sintetizadores que parecen ejercer de perfecto edredón bajo el cual dar rienda suelta a la pasión más desatada.

Poniéndonos quisquillosos creo que el álbum reducido a 10 canciones exhibiría aún más músculo. Hubiera descartado la desconcertante "Caroline's Monkey" y su dudoso estribillo con un <<sometimes>> que nos evoca al del "Clean" de Violator (1990). También la frankestein "People Are Good", pese al sugestivo riff de sintes, parece como hecha de retales con loops célebres de la banda, empezando dichas reminiscencias por su título, con resultado global excesivamente aséptico en relación a sus compañeras de reparto.

Del resto de las pistas que componen Memento Mori hay algo común en mínimo tres casos y es que teniendo un potencial estratosférico no alcanzan por detalles la matrícula de honor: "My Favourite Stranger", "Before We Drown" y "Never Let Me Go". La primera, con esa imperial e hipnótica línia de bajo sintético, demandando desesperadamente un estribillo o break que le ponga el lazo de regalo. A la segunda le falta un extra de riesgo y aventura, quizás un Alan Wilder hubiera culminado el proceso. En el tercer caso el puente tras la primera aparición del estribillo deja tocado a un corte que apuntava maneras, aunque consiga rearmarse gracias al embrujo constante de esas afiladas guitarras procesadas .

DEPECHE MODE, 30 años del demoledor "Songs of Faith and Devotion" (1993)

 

El año 1992 fue un año grande para España con acontecimientos de alto calado internacional como las Olimpiadas de Barcelona o la Exposición Universal de Sevilla. Madrid también tenía que albergar su efeméride aunque fuera, digamos, de naturaleza más alternativa.

Martin L. Gore (sintes y guitarra) , Dave Gahan (voz), Alan Wilder (sintes y programación) y Andy Fletcher (sintes), los DEPECHE MODE, tenían un método de trabajo muy claro para la elaboración de cada nuevo álbum: Martin pasaba sus maquetas al resto de componentes que consensuaban las canciones que más les gustaban y a partir de allí se vería como desarrollarlas en el estudio. En el 92 para la gestación de su nuevo disco adoptaron la forma de trabajar que el productor Flood había aplicado con los U2 para el esplendoroso Achtung Baby (1991). La cosa iba de encontrar un lugar apartado para convivir en familia a la par que ir grabando el disco. Se decidió que la capital hispana sería el mejor lugar, montando un estudio desde cero en un chalet de la exclusiva urbanización de La Moraleja.

La gira World Violation, en el que los de Basildon presentaban en directo su exitoso Violator (1990), duró desde el 22/03/90 hasta el 27/11 del mismo año. Desde entonces el cuarteto no se había vuelto a ver, ni prácticamente tener contacto telefónico hasta febrero de 1992 que se reencontraron en un bar de Londres junto a Flood, un día antes de partir hacia la capital española. El frontman Dave había estado de picos pardos en Los Angeles y venía escuálido, con el pelo largo y perilla, repleto de tatuajes, adicto a la heroína y al grunge y rock alternativo de gente como Nirvana o Jane's Adiction. Parecían cuatro desconocidos, la camaradería y buen rollo de antaño se había esfumado y la cosa no iba a ir a mejor. 

Hay muchos ejemplos en la historia de la música de trabajos que han tenido un proceso de grabación espinoso y que finalmente han resultado gloriosos como el Rumours de Fleetwood Mac, el The Wall de Pink Floyd o el Let it Be de The Beatles. Pues bien, el Songs of Faith and Devotion (Mute Records, 1993) les iría a la zaga en un supuesto ranking de gestación "complicada" de discos.

Las tensiones empezaron por el tema estilístico. Dave venía con el antojo de una evolución de los Depeche hacia terrenos más roqueros, aunque nadie más en la banda compartiera su enfoque. Alan era el que menos reticencias ponía al tema ya que tenía el run run de dar un toque más orgánico al empaque, como con la incorporación de la batería convencional. Martin y Fletcher se negaban en redondo, aunque en Violator haya un "Personal Jesus" que quizás dejaba entrever esa inminente tendencia hacia sonidos más viscerales. Como productor e individuo neutral el único que podía poner orden era Flood y eso que apunto estuvo de abandonar el proyecto al verse sobrepasado por las circunstancias.

La responsabilidad tras un disco tan relevante como Violator era máxima, sobre todo para Martin, compositor de todos los temas por entonces, lo que le iba desgastando física y mentalmente, empezando en Madrid a crear amistad con al alcohol para ir sobrellevándolo. Dave, que seguía enganchado al caballo, cuando no desaparecía varios días se pasaba horas encerrado en su habitación, pintando con su rollo místico/lisérgico, para colaborar haciendo las voces en el crepúsculo de la jornada. Alan estaba entre absorto en el trabajo y hasta los huevos del ambiente reinante. Como remate final el binomio Gore (creador) y Wilder (culminador), la engrasada maquinaria que manufacturaba los hits de la banda, gozaban de una comunicación prácticamente inexistente.

Quizás fuera el cúmulo de dificultades lo que les agudizó el ingenio hasta tal punto de ser capaces de lanzar el 22 de marzo de 1993 el rompedor Songs of Faih and Devotion. Un álbum que les posicionó para la eternidad como referentes del rock electrónico y que arranca con el poderío salvaje de "I Feel You" y su riff de guitarra blusera dándose de ostias con una apabullante electrónica. La batería no pone paz sino que echa más leña a este fuego de intensidad sonora que fuera single avance del álbum.

La intensa "Walking in My Shoes", siendo fiel al orden de aparición en el disco, fue también segundo single del mismo. Se pide un poco de comprensión, "ponte en mi lugar", en una letra, como en otros pasajes del álbum, que parece estar inspirada en el momento vital de Mr. Gahan. Ese riff de piano distorsionado, una cadenciosa base de percusión inyectando poso bailable al tema, la guitarra eléctrica que, tanto vomita cuchillas como nos emociona con su embriagador ocaso, los sutiles arreglos sinfónicos... En fin, una barbaridad de corte y llevamos dos de dos.  

"Condemnation" es una de las pistas más sorprendentes del conjunto con esa inesperada deriva hacia el gospel del cuarteto. Se dice que Dave alcanzó su cúspide interpretativa vocal y no puedo estar más de acuerdo. En el videoclip, insertado a pie de página junto a los de los otros tres singles, se le presenta a modo de mesías lo que, junto a su sonoridad, agranda si cabe la aureola espiritual que desprende el álbum. Tercer tema del disco e idéntica posición en su lanzamiento como sencillo. 

En "Mercy in You" se pide prácticamente la absolución de nuestros pecados al ritmo de un loop trip-hopero acelerado como base, junto al procesado armónico de los coros, como si de otro instrumento se tratase, y un tan afilado como fantasmal riff guitarrero. La santísima trinidad sobre la que se cimienta otro acierto del cuartero británico.

Un invitado sorpresa entra en escena en forma de gaita irlandesa con "Judas". Corte desarmante donde los hubiera en el que Martin nos depura definitivamente no sin dejarnos con un regusto inquietante a través de su lúgubre cierre instrumental.

"In Your Room", cuarto single del álbum, deslumbra desde la monumental intro, acompañándonos con su épica hacia el abismo. Supurando desesperación por sus seis minutos y medio de duración, quizás la acumulada en la reciente mala relación entre los componentes de la banda. Hacia el ecuador del tema la sentenciadora batería, a modo de ángel exterminador, intensifica más si cabe su poderío hipnótico, viciando hasta el extremo la asfixiante atmósfera reinante.

Un balsámico gospel entra en escena a través de "Get Right With Me", obsequiándonos con un abrazo más que necesario en este punto de escucha. Dave Gahan junto a las coristas Bazil Meade, Hildia Campbell y Samantha Smith nos deleitan con sus vozarrones vistiendo una sugestiva base electrónica en el corte más "amable" del conjunto. Las dos últimas se unieron al grupo en la gira del álbum.

En la trepidante "Rush" si parpadeas te lo pierdes, con esa barroca producción armada de riffs guitarreros procesados, loops de sintes y batería desbocada. Por si fuera poco asistimos a una sugerente pausa rondando el segundo minuto, para poder coger aire y seguir con esa temeraria travesía de lujuria y deseo cuesta abajo hasta el final.

La nota minimalista del álbum la pone "One Caress", con la voz de Martin secundando un séquito de violines a modo de canto de sirena que nos tiente hacia el precipicio.

"Higher Love" era la canción que abría los conciertos de la gira del álbum, el Devotional Tour. Al halo que desprende, entre etéreo y misterioso, se le añadía que la banda empezaba cada noche agazapada tras unas traslúcidas cortinas. Todo bien dispuesto para hacernos testigos de un espectáculo descomunal, en todos los sentidos. Doy fe al ser una de las afortunadas almas que llenamos el 17 de julio de 1993 el Palau Sant Jordi de Barcelona .

Hot Chip - "Freakout/Release" (Domino Recording, 2022)

Alexis Taylor (voz, sintes, guitarra) Owen Clarke (bajo), Al Doyle (guitarra), Joe Goddard (sintes, percusión) y Felix Martin (sintes, programación) forman HOT CHIP y Freakout/Release (Domino Recording, 2022) es su octavo trabajo de estudio.

El nuevo álbum de los londinenses es un festival de melodrama disco, funky y electro-pop. Un cóctel emocional agitado, no revuelto, con experiencias personales, secuelas pandémicas, problemáticas sociales i medioambientales, todo sobre lo que poder desfogarse uno dejándose la piel encima de la pista de baile.

Freakout/Release contiene el quinteto de cortes inicial que conforman una de las primeras mitades de discos internacionales más incontestables de los últimos tiempos. La sugestiva "Down" arranca con todo, cimentada sobre un sample de "More Than Enough" de Universal Togetherness Band, provocando seguro el contoneo de caderas gracias a su elegancia funky.

Foto de Pooneh Ghana

"Eleanor" (videoclip insertado a pie de página) es el hit más reconocible del álbum, inmediato, adictivo, irresistible. Si la anterior podías bailarla esta ya viene con el decreto de obligatoriedad incorporado.

Se desata la locura con el inquietante tema titular "Freakout/Release", una hipnótica combinación entre el "Killer" de Adamski con los LFO y su "Freak". La banda explica que esta canción fue el punto de partida de la composición del álbum al encontrarse próxima a su versión del "Sabotage" de los Beastie Boys.

 

Llegamos a terrenos emocionales estratosféricos con "Broken" y "Not Alone", coincide que son mis dos preferidas del disco. La primera un synth-pop tan preciosista en su melodía como desgarrador en su naturaleza, para bailarla con lágrimas en los ojos. La segunda, agridulce como ella sola, nos muestra una luz al final del túnel a través de unos balsámicos sintes y la voz de Alexis, más pulida que nunca, a modo de apósitos cicatrizantes para miedos y angustias.

Foto de Pooneh Ghana

El sugestivo medio tiempo "Hard to be Funky", con la intervención de la artista Lou Hayter, nos teletransporta a los 80's sin menearnos de nuestra base de escucha. Mientras "Time" si que reclama movimiento por nuestra parte, como el de desplazarnos a la pista de baile más cercana siguiendo la estela de su arrebatador estribillo. ¡Danzad, danzad, malditos! Parece que nos griten HOT CHIP con este corte o el siguiente "Miss the Bliss", un adictivo house con inesperado break gospeliano en su ecuador, refugio privilegiado donde coger aire para seguir dándolo todo hasta el final.

FUTURACHICAPOP - "pasado presente FUTURA" (El Genio Equivocado, 2022)

El barcelonés Sergi Fabregat debuta como FUTURACHICAPOP con pasado presente FUTURA (El Genio Equivocado, 2022). La portada resulta bien reveladora de su melodramático contenido, los once temas que lo componen intercalan el electro-pop con el synth-pop para invitarte a bailar con lágrimas en los ojos, en medio del subidón más hedonista o con rabia contenida en medio del panorama que nos rodea.

Pasado presente FUTURA son desengaños, rupturas, desilusiones, pero también hambre de comerse el mundo, o como indica en el folleto del disco: "hacerle el amor a la vida". Experiencias vividas y vistas desde la perspectiva de una persona queer encajada en una sociedad sistemáticamente hetero.

El disco se abre con la maravillosa "El cine de ciencia ficción", synth-pop de quilates, con esa subida de escalón en forma de subidón rondando el segundo minuto. Sergi nos dice que "nada dura para siempre" pero lo que si que es cierto es que temones como este merecen convertirse en eternos.

Continua la escucha con el latente in crescendo de "Los hombres ya saben bailar"; la melancolía dance ante un amor no correspondido en la arrebatadora "Canción de amor oscura"; el hit rompepistas, nunca mejor dicho, "Mi discoteca"; desahogos sonoros ante un catálogo de tropiezos sentimentales en "Estrategias de comunicación", con ese divino cambio de la base en su ecuador; y con "Yo en Londres y tu en Barcelona", donde puedes bailar que la distancia a veces puede ser la mejor tirita para una herida pasional.

Llega la mágica y reivindicativa LGTBIQ+ "El sexo convexo" (videoclip insertado a pie de página), lo más parecido a una balada que encontraremos en pasado presente FUTURA. A partir del tercer minuto el autotune de Sergi inyecta un plus de emotividad a una atmósfera ya de por si bien cargadita de desgarradora delicadeza.

Vuelve la pesadumbre romántica con "Hambre voraz" en un corte rítmicamente bipolar, al igual que el desarrollo de su lírica. Lo que resulta dulcemente nostálgico muta después en rabioso y carnal a la vez que se incrementan los beats.

ESTRELLA FUGAZ - "Luminosa" (Sonido Muchacho, 2022)

ESTRELLA FUGAZ, proyecto capitaneado por el toledano Lucas Bolaño, presenta nuevo álbum con el calidoscópico Luminosa (Sonido Muchacho, 2022). Tras lo que fuera su debut discográfico en esta nueva etapa musical Un sendero fluorescente (Caballito Records, 2019) Lucas arrincona su lado más folky para dar rienda suelta a la pegada pop junto a una arrebatadora lírica, con la aparición intermitente de ese personal sarcasmo que tanto le caracteriza. Once canciones que, en su mayoría, justifican plenamente el título del álbum por su fluorescencia, al igual que la portada con ese centelleante rosa, cerrando lo que viene a ser un círculo de sincronía. 

"El altillo de la casa de tus padres" (videoclip insertado a pie de página) abre el disco con un flow hip-hopero pululando por ahí, percusión marcial, notas al aire de piano que luego se van desmelenando y Lucas tanto rapeando como desgañitándose con la voz en su tramo final. Dando vueltas alrededor de una latente nostalgia, con versos como el inicial: <<Ya no te caen bien tus mejores amigos. Estás vaciando los altillos de la casa de tus padres. Agujeros en el espacio tiempo. El imperio de tu infancia contraataca, te lo fumaste>>.

En el reggae sintético de "Las Plantas" Lucas se explaya sacando los colores al género humano, incidiendo en lo irracional del mundo en que vivimos. Aquí una muestra: <<Me gustan mucho más las plantas que las personas, te avisan si les falta agua, no hacen cosas raras / Me gustan mucho más las ratas que los gobernantis, que bailan con logis, que esconden sus dientis>>.

Nos sobreviene una inquietante quietud con la acústica "Mortadela y Filomena". A pesar del desasosiego que transmite, el mensaje parece ser alentador, una invitación a elegir tu propio destino.

Un synth-pop psicotrópico asoma la cabeza en "La Pastilla", con párrafo incluido cantado en francés por Catalina Leyn, para ponernos la alfombra roja hacia "No Soy Colombiano", otra de las sorpresas que nos tenía reservada ESTRELLA FUGAZ. Cumbia electrónica, por momentos incluso con aromas orientales, una muestra más de las cotas de diversidad sonora que alcanza Luminosa.

La sugestiva "Una DDH y el Electropura" nos expone de entrada la evidencia de cómo funciona de bien la combinación de cervecita con el disfrute de un discazo como el de YO LA TENGO al que hace referencia. Por si no tuviéramos suficientes alicientes contamos también con la colaboración vocal de Valdivia y una estrofa en italiano para cerrar el corte. ¿Quién da más?

DORIAN - "Ritual" (Intromúsica, 2022)

 

Cuatro años después del excelente Justicia Universal (Intromúsica) DORIAN regresan hambrientos de mutación y evolución con Ritual (Intromúsica, 2022). Y es que mucho ha acontecido en el mundo desde 2018, concentrado sobre todo en los dos últimos años. Marc Dorian (vocalista, guitarras y programaciones), Belly Hernández (teclados y coros), Bart Sanz (bajo), Lisandro Montes (guitarra, teclados), ahora como cuarteto tras la marcha de Víctor López (batería y percusiones), condensan sus recientes experiencias vitales e inquietudes musicales en los cuarenta minutos más heterogéneos y cosmopolitas de toda su carrera.  

El viaje comienza con "Mundo perdido", enseguida olisqueando esa riqueza multicultural a la que hacíamos referencia a través de una base de percusión tropical jugueteando con sutiles arreglos orquestales, para culminarlo con la intervención del MC británico Youthstar y rapeo contestatario como: <<Man it's time to take back the power>>. Le da la réplica a Marc cuando éste reza aquello de <<Días de furia, días perdidos. Vida sin libros, vida de olvido. Vida con dogmas, vida dormida. Vida sin arte, vida sin vida>>.

Esa especie de tic-tac de reloj que inicia la cálida "Dos vidas", con espíritu de balada pasional añadido, parece reivindicar la importancia del tiempo, se confirmará en el siguiente corte. DORIAN aquí parafrasea Gabriel García Márquez en el estribillo: <<Porque a un solo día sin ti son cien años de soledad, nunca miramos hacia atrás, siempre buscamos algo más>>. Luego sentencia con lo que: <<Dos vidas quiero para ti, dos vidas quiero para mí, porque una sola no nos da para explorar esta unidad>>. El cierre en francés es la guinda para un corte tan elegante como sugestivo.

Foto de Sergi Margalef

"No dejes que pase el tiempo" con el acompañamiento vocal de Ana Mena, es un buen ejemplo de la desinhibición mainstream que la banda a acogido de cara a este lanzamiento. Lo curioso es que el resultado no nos aleja demasiado de los DORIAN más genuinos, señal inequívoca que los barceloneses tienen unos cimientos de identidad bien sólidos.

Los teclados de la melancólica "Rubik" son una maravilla, encajando a la perfección los coros y la caja de ritmos. Luego ya entrando unos sintes marca de la casa hacia el ecuador del tema y hasta el final, en uno de los cortes más marca de la casa del conjunto.

"Libre" nos devuelve al ejercicio de fusión y diálogo transatlántico que es conceptualmente Ritual. Esta vez con ayuda vocal de la colombiana Lido Pimienta junto a una reinterpretación que hace la banda del ritmo de la chacarera, tradicional del norte de Argentina. Arrebatador corte, además con fuerte carga motivacional, que buena falta nos hace, así concluye: <<lo que soñamos se hace realidad>>.

Estimulantes sabores indígenas nos invaden en "Lento", otra de las canciones protesta de este trabajo. El cóctel entre la estrofa aborigen, el cegador estribillo synth-wave y su vehemente lírica, hace que se declare como uno de los cortes más sorprendentes de Ritual. 

"Energía rara" es la más adictiva del trabajo con un estribillo que va a ser de los más coreados en los directos de DORIAN. Synth-pop de quilates compuesto a cuatro manos por Marc y el reputado productor Alizzz. Acompañamos su delirante videoclip cerrando esta página, no te lo puedes perder.

Foto de Sergi Margalef

El estimulante new wave de "Tornado" recrimina la especulación inmobiliaria global que obliga al que menos tiene a malvivir en suburbios o barrios marginales y en general el abuso del poderoso a base de corrupción, evasión de capitales etc. 

"Techos de cristal", con ese flow hip-hopero omnipresente, pone el foco en la aún bien visible discriminación de la mujer. Parece mentira que en pleno siglo XXI vayamos abocados a la involución. <<Por todas las que no pudieron estar. Por todas las que pelearon sin poder avanzar. Eres quien hace hoy la revolución. Mujer del siglo XXI tu tienes la razón>>, poco más a añadir.