MARIA JAUME - "Sant Domingo Forever" (Halley Records, 2026)

Viniendo de un disco con tanto reconocimiento como Nostàlgia Airlines (2024) MARIA JAUME sigue presentando credenciales para consolidarse como referencia del pop electrónico estatal con el presente Sant Domingo Forever (Halley Records, 2026). Para ello repite con su paisano Lluís Cabot (Da Souza) como dueto compositor, también responsable de la grabación y producción del mismo.

La mallorquina enmarca el álbum durante la semana de fiestas patronales en honor a Sant Domingo que tienen lugar a principios de agosto en Lloret de Vistalegre, localidad natal de la artista situada en el corazón de la isla balear. Un punto de partida conceptual de carácter personal pero a la vez extrapolable a cualquier celebración colectiva en la que tengan cabida diversidad de emociones y experiencias. Durante la escucha se dejarán oír retales del folclore autóctono en un ejercicio de sugestiva fusión.

El álbum arranca con la breve intro "Xeremies...", lo que no podía ser más oportuno ya que el pasacalle abanderado por una xeremia (gaita tradicional de Mallorca) es lo que marca el inicio de los festejos leitmotiv del trabajo.

 "A Plaça" es el centro neurálgico de la fiesta por lo que el corte que lo representa tenía que transmitir ilusión y excitación. El resultado es que lo consigue de sobras con su estimulante desarrollo electrónico.

La nostálgica "Festa i Drama" cimentada sobre un añorado amor se viste con un luminoso electro-pop como perfecto cicatrizante para las heridas del corazón. Como contrapunto sentimental llega la empoderadora "Sant Domingo Forever" culminando su arrebatadora evolución hacia la épica con la intervención del tamboril y las castañuelas.

Ritmos urban entran en acción con "Va x Tu" y la superación definitiva del duelo por aquel amor que ahora, cambiándose las tornas, parece darse cuenta de lo que perdió. Demasiado tarde, la colaboración de Ouineta certifica un definitivo pasar página.

La encantadora "Amor d'Ultramar" (videoclip insertado a pie de página) la dedica Maria a su querida Mallorca a la que hecha tanto de menos mientras se encuentra viviendo en Barcelona. La comunión entre la latente guitarra acústica, el deslumbrante pop electrónico y las castañuelas denotan una producción exquisita.

Unos sintes ochenteros arman "Majorca Verbena Tour" invitándote a un viaje sentimental por entre diversos pueblos de la geografía insular en fiestas.  

"Acupuntura" intenta atenuar el dolor de un corazón roto con su calidez balearic. Para bailarla aunque sea con lágrimas en los ojos.

El summum del mestizaje se nos presenta con "Venen es dimonis!", hay que oírla para creerla. La fascinante mezcla entre tradición y modernidad que fluye durante del álbum alcanza, en canciones como esta, picos de pura magia. 

Quizás "Sonen ses campanes" sea el corte que englobe mejor el sentido del disco y de las fiestas de pueblo como catalizador de la fraternidad vecinal. Un sitio donde sentirse feliz, seguro, a salvo de todo durante esos días de jarana. Sus radiantes notas contribuyen a rematar el climax alentador del momento.

Unos cautivadores beats se entrelazan con las castañuelas como si fuera lo más natural del mundo armando el hechizo de "Sexy Bolero". El enamoramiento y las fiestas combinan tan bien como el <<ron i prosecco...>> que menciona su letra.

La bachata electrónica "Os Cartos" cuenta con la colaboración del gallego Ortiga para exponer la necesidad de marchar de tu tierra natal para ganarte los cuartos. Eso sí, con la esperanza bien presente de poder regresar algún día a casa.

En "Es teus beSOS" vuelve el amor a escena con ese acercamiento a la música de club en su estribillo para bailar y que se pare el mundo mientras nos fundimos en un beso eterno.

JÚLIA COLOM - "Paradís" (La Castanya, 2025)

Tras un debut discográfico tan ilusionante como Miramar (La Castanya, 2023) JÚLIA COLOM se enfrenta al temido segundo álbum doblando la apuesta. Las raíces mediterráneas de la mallorquina se entrelazan cada vez de manera más natural con el pop electrónico, expandiendo su propuesta hasta cotas de inusitado embrujo. En Paradís (La Castanya, 2025) el concepto "paraíso" rebasa el lugar físico para convertirse en la búsqueda particular de un Santo Grial que nos conceda la felicidad.   

Martín Leiton y Òscar Garrobé (Tarta Relena, Marina Herlop) acompañan a la Júlia en la producción de un disco que arranca con "Sa teva barca" (videoclip insertado a pie de página) y unas cuerdas capitaneadas por el llaüt que literalmente abrazan. Luego entra en acción la electrónica de la mano de un drum and bass tan sorpresivo como arrebatador en la asociación, dejándonos ojipláticos del gusto.

"T'he cercat" fue el primer single avance del disco y por algo sería. Arrebatador corte con una estrofa que avanza por entre un mar de dudas existenciales para rebelarse en el liberador estribillo. El beat omnipresente a modo de pulsómetro junto a esos giros arabescos ponen la guinda a un pastel todo el bien jugoso.

Una de las muestras más palpables de la evolución aventurera de JÚLIA COLOM la tenemos en el coqueteo romántico de "Necessit" enmarcado en un acercamiento al K-pop, casando a las mil maravillas con su innata calidez folk. 

Los aires orientales en el estribillo de "Una illa per tu i per jo" son perfectos para esparcir su hechizo amoroso. Hay que destacar el poder sugestivo de las melodías en este trabajo, favorecido por la cautivadora voz de Júlia.

La delicadeza reflexiva de "Sa nit i es dia" conmueve mientras despliega sus alas new age en pro de un encontrarse a sí mismo de la artista. 

"Gelosies" es una barbaridad. Inspirado en el "Habib Galbi" (2016) de la formación yemení-israelí A-Wa refuerza el idilio entre tradición y electrónica. Un desarrollo que va virando hacia la épica culminado con su embriagador estribillo, vistiendo rítmicamente una estrategia sentimental a base de celos fingidos.

La cantante y coreógrafa Ouineta se une a la fiesta en la empoderadora "Transformacions". Los arpegios guitarreros se alian con su urban beat, conviviendo a las mil maravillas el autotune con danzas ancestrales. Llegados a este punto hemos tenido muestras más que suficientes como para sentenciar que la producción de Paradís es descomunal.

ESCUELAS PÍAS - "Ven a morir a casa" (El Genio Equivocado, 2025)

Cristian Bohórquez (sintetizadores, guitarra, bajo y programaciones) y Davis Rodríguez (voz, sintes y programaciones) ya habían coincidido en las espléndidas bandas Sundae y Martes Niebla antes de fusionar sus universos en ESCUELAS PÍAS. Los sevillanos vienen desde 2016 regalándonos singles, EP's y discos, a cual más gustoso, provistos de un enigmático syhnthgaze con fuerte deje pop asomándose al rescate de las sombras.

   

El arrebatador mostruario compositivo expuesto hasta la fecha por el dúo merecía una continuación a la altura. Entonces van y se sacan de la chistera Ven a morir a casa (El Genio Equivocado, 2025), opositando por su estructura, extensión y embrujo, a convertirse en su obra magna, batallando para tal honor con el anterior proyecto conceptual Manual para cuidar plantas articiales (2022).

 

Estamos ante la banda sonora de una película de terror imaginaria fantaseada por Davis y Cristian pero que a la vez se abre a la participación colectiva para que el oyente cree su propia historia con la escucha. El argumento que nos propone la banda se expone con una breve sinopsis insertada en esa especie de bodegón siniestro pintada como portada del disco: <<A lo largo de tres décadas (1982, 1992, 2002), tres personajes se verán asediados, seducidos y aterrorizados por un ente cósmico que se presenta ante ellos para concederles sus más ansiados deseos. ¿Quién es este Dios imperfecto con promesas de la vida que siempre soñaste?>>.

Por delante unos números de impacto: 1 hora y 9 minutos de duración, 21 cortes divididos en 2 partes, con 9 canciones y 12 instrumentales. Que no te abrumen estos datos, el disco pasa en un santiamén, eso sí, requiere de una ligera pausa en medio de la vorágine mundana y de la que tanto mereces aliviarte con placenteras experiencias como esta. Resulta paradógico que para evadirte del esperpéntico panorama actual, mucho más aterrador que cualquier novela de Stephen King, tengas que sumergirte en una BSO de película de miedo, pero así están las cosas.  

"Autobuses circulares" te da la bienvenida al álbum con unos lángidos teclados a modo de frágil calma dispuesta a ser alterada cuando menos te lo esperes, quizás por ese <<algo extraordinario>> que se reitera cerrando su lírica.

El primer tema instrumental lo encontramos en la espacial "Principio y fin", con desmelenadas guitarras colándose por ese synthwave ochentero y un cortante final inyectando desasosiego al ambiente. 

Hay cuatro canciones en concreto que representan a cada uno de los personajes del largometraje. "Niña de videoclub" sería la primera referenciando a La Niña. Un dilatado medio tiempo synthpop con sus 5 minutos y medio que son auténtico caramelo, sobre todo cuando llega el desdoblado estribillo. Todo y con eso ESCUELAS PÍAS no abandonan el halo sombrío que los caracteriza, además estamos en una peli de género, que no se te olvide.

El poderío de "La puerta" te puede pasar por encima con ese engrasado binomio sintes/guitarras reivindicándose como armas de sugestión masiva. Tanto como para abrirte las puertas del "Inferno", uno en el que se entra de la mano de unos brumosos sintes que derivan en pura inquietud a partir del segundo minuto. La aparición de la guitarra parece hacernos recuperar el aliento, será un espejismo.

Llega "Popular", la canción dedicada a otro protagonista, El Adolescente. Momento para volvernos a genuflexionar ante la banda. Instantánea, con una aureola melancólica bien marcada, otra señal de identidad de ESCUELAS PÍAS. Si hay que estar <<condenado a ser popular por una maldición>> nada mejor que bajo el influjo de las notas de esta maravilla pop.

"Feria de los horrores" te traslada en medio de las paraditas de comida, juegos y atracciones sabiendo que, por su evolución decadente y errática, algo malo va a pasar. La puntilla la pone la fantasmal "La, la, la" subiendo un peldaño la incertidumbre ambiental, mitigado en parte por la evolución hacia una electrónica más cadenciosa en su segunda mitad. 

La monumental "Señora", con un bajo muy jefe, es la canción asignada a La Mujer, el tercer personaje. Su esponjoso ritmo invita incluso a un baile sosegado, aunque sea con el susto en el cuerpo.La turbadora lírica va poniendo en situación desde la estrofa inicial: <<Ahogada en la piscina, dulce gravedad. Inerte en esta cárcel de felicidad. Mis hijos me arrancaron las entrañas, dejando solo hueco hacia la oscuridad>>.

El empuje vaporoso de "Noche artificial" funciona como refugio dónde resguardarse del monstruo, mientras que el kraut asfixiante de "Atrapados" delata que no lo hemos conseguido.

La progresiva y ensoñadora "Los lamentos" arranca la segunda parte de Ven a morir a casa alcanzando cotas inusitadas de épica sobrecogedora. La letra engrandece esa sensación desde el primer compás: <<Ven a olvidar, como esta cicatriz no deja de latir. Siempre es un día gris, un episodio en loop de un despertar febril. Susurrarás, qué tienes preparado para mi>>.

A la contundente "This man", con cierta dosis de psicodelia incorporada, hay que darle de comer aparte. Desde luego que iremos a <<vivir a tu habitación>>,  escucharla para entenderlo. Como guinda esa parada rondando su segundo minuto, tan perturbadora como grandiosa.      

"Leyenda negra" es bipolar, primero da canguelo mientras que en su segunda mitad muta hacia las curas paliativas.  

"Cosa-casa" es la canción reservada al Ente que atormenta a los tres restantes integrantes del casting. Dream-pop armonioso con una letra que sigue retozándose entre el pavor: <<Ritos satánicos, huéspedes mesiánicos. Vuelve a casa a descansar, nada te perturbará, nada te perturbará>>. Rematan la atmósfera angustiosa los densos teclados de "Tres décadas".

El melódico pop electrónico de "Ven a morir a casa" actúa como canto de sirena ya que sus amables notas parecen hechas para engatusar al respetable. Buena muestra es la entrada lírica: <<Sígueme, puedes visitarme. Te arrastraré hacia la perdición. Quédate, cerraré con llave. Olvídate de lo que fuiste hoy>>. Una estrofa evolucionando en ligero in crescendo desembocando en estribillo embriagador, todo aderezado por animosa caja de ritmos, sintes centelleantes, electrónica embrujadora, guitarras certeras... ESCUELAS PÍAS marcando músculo de terciopelo.

DORIAN - "Futuros Imposibles" (El Temblor / Intromúsica, 2024)

Marc Dorian (vocalista, guitarras y programaciones), Belly Hernández (teclados y coros), Bart Sanz (bajo), Lisandro Montes (guitarra, teclados) aparcan el hambre por degustar nuevas sensaciones rítmicas de su anterior Ritual (2022). En Futuros Imposibles (El Temblor / Intromúsica, 2024) recuperan el pop electrónico original de la banda, el que les ha ido llevando durante los veinte años de trayectoria a erigirse como una de las formaciones estatales más relevantes, con enorme proyección internacional incluida.

El concepto del álbum se encierra completamente en su título, esos Futuros Imposibles consecuencia de acontecimientos que marcan la vida. Provocarán un mañana diferente pero no por ello menos ilusionante.

 

El disco arranca muy arriba de melancolía con la deslumbrante "Algo especial" y como telón de fondo la separación de la pareja sentimental que formaban Belly y Marc. Pocas veces una ruptura se tocó con tanta dulzura y respeto como en el caso que nos ocupa. Gruesos sintes seguidos de otros centelleantes abrazando el bajo pulsómetro nos abren la puerta a Futuros Imposibles con un claro enfoque reparador: <<ahora que hemos llegado al final quiero recordar que fue especial, algo especial>>.

 

"El sur" (videoclip insertado a pie de página) cuenta con la primera colaboración del trabajo de la mano de Santiago Motorizado, líder de la venerada formación argentina EL MATÓ A UN POLICÍA MOTORIZADO. La canción con más escuchas en streaming del álbum se erige poderosa desde el minuto 0. El tridente piano, percusión y guitarra marcan la senda hacia ese sur donde echar raíces, lejos de la asfixiante rutina en la que estamos inmersos. Su deriva hacia la épica pone la guinda a un clásico instantáneo de los barceloneses.

La emotividad no está reñida con el poderío. Así se siente "Lo que recuerdo de ti", otro hit sensorial del cuarteto, esta vez acompañados de Rafa Val de VIVA SUECIA. Guitarras, sintes y bajo escoltando las voces de Marc y Rafa dando salvas por amigos de la banda que se han quedado en el camino. Tal como sentencian: <<nadie nos enseña a vivir, nadie nos enseña a morir>>.

En "A cámara lenta" encontramos la tercera contribución externa del álbum con la cantante argentina Daniela Spalla. La balada del trabajo resuena hermosa, monumental, con esa cascada de sintes enmarcando una relación sentimental que encaja como un guante a pesar de los currículums de los protagonistas.

La vigorosidad y excitación de "A contraluz" tiene su contrapunto en la esencia acústica de la conmovedora "Elegía". Los efectos del desamor se exponen sin filtro pero carentes de reproches: <<Me llené de ti, tu luz es mi jardín. Luego nos llegó el fin. Me alejé de ti, de tu magia y tu calor. Luego me arrastró el dolor>>.

Con la sugestiva "Materia oscura" podemos incluso bailar. Un canto al hedonismo y a la libertad sexual, con rasgueos guitarreros próximos al funky inyectando flow a un corte, de por sí, sobrado de pegada.    

Llega la sorpresa del disco con interpretación vocal de Belly en la resplandeciente "Por ti". Un medio tiempo con aires de synth-pop ochentero, bien cadencioso, inspirador para renacer de las cenizas de una relación amorosa sin traumas ni rencores.  

La pegadiza "Una noche más" invita al jolgorio y desenfreno nocturno como apósito cicatrizante para las heridas del amor. No se menciona la resaca del día después, eso daría para otra canción.

JOAN COLOMO - "Tecno realista" (Montgrí, 2024)

 

JOAN COLOMO (Sant Celoni, Vallès Oriental, 1981) sigue merodeando la senda pesimista que evidenciaba el título de su anterior referencia Disc Trist (2021). Su octavo álbum en solitario Tecno realista (2024) contiene además cambio de discográfica, migrando de su sello de siempre Bcore Disc a Montgrí. 

El barcelonés arranca el presente trabajo con el corte "Tot és molt difícil" (videoclip insertado a pie de página). Ya avanzaba que no soplan buenos aires para la euforia pero es que solo hace falta habitar en este planeta para que uno pille el concepto. Eso sí, la ironía y guasa grabada en el ADN del artista ayuda y mucho para hacer la escucha, igual que como en la vida, más placentera. Los obstáculos que van surgiendo en la convivencia diaria en una gran urbe como Barcelona son la excusa perfecta para abrir las puertas al disco vestidos con una delicada pieza acústica.  

Tras esta intro que jugaba un poco al despiste, la brit-popera "Dona'm quelcom" empieza a exponer la verdadera cara rítmica que nos acompañará durante esta travesia reflexiva sobre la deriva hacia el colapso global que es Tecno realista. Esta lista de peticiones de lo que uno necesita para poder sobrevivir con dignidad nos lleva de la mano hacia "Filles d'Internet". Crítica mordaz a las "bondades" de estar conectados constantemente a la red. Su ritmo animoso, con pinceladas cabareteras incluidas, amortigua un drama que nos va consumiendo silenciosamente.

En "Brossa nova espacial" Joan coteja los términos "brossa" (basura en catalán) y "bossa" de "bossa nova", una de electrónica que es al final lo que resulta ser esta canción. Enmarcando una crítica velada al afan generador de residuos característico de este capitalismo salvaje que nos envuelve y del que somos, en mayor o menor medida, partícipes. 

"El meu cap" es la confirmación de que nuestra cabeza sea uno de los pocos ríncones exquisitos que nos queden donde sentirnos seguros, abstraernos de lo que nos rodea, cogernos unas diarreas mentales del copón o todo en comunión. Refinado pop electrónico aliñado de sugestivos recovecos, coros, casiotones... JOAN COLOMO en su máxima expresión.

     

La "Extinció final" es hacia donde se dirige la humanidad, no hay novedad al respecto. La prioridad es que no pare la fiesta, cueste lo que cueste, su lírica lo expone sin paños calientes: <<La festa no es pot aturar, hem de cremar més combustible. Som un públic fidel d’aquest festival turbo capitalista / Les glaceres es fondran, ens cobriran els oceans. La humanitat ha decretat, tant se val seguim igual, fins a l’extinció final>>. 

"Geoenginyeria" sería algo así como la balada del disco, una de sideral con su aureola ingrávida incorporada. Otra perla incrustada en Tecno Realista y llevamos unas cuantas. Aquí la sequía por el cambio climático sería el leitmotiv principal.

El sugerente medio tiempo "La síntesi", con vocoder incorporado en su tramo final, nos conduce al tramo final del disco. El que llega con la trepidante "El ball", una más que estimulante invitación a saltar a la pista de baile sin tapujos ni vergüenzas, a mover el esqueleto como si no hubiera un mañana, completando el tema más hedonista del conjunto.

MARIA JAUME - "Nostàlgia Airlines" (Bankrobber, 2024)

MARIA JAUME (Lloret de Vista Alegre, 1999) debutó discográficamente en 2020 con un delicado folk acústico con tímida tendencia hacia el pop incluido en Fins a maig no revisc. Luego siguió su desarrollo sonoro abrazando totalmente el pop en Voltes i voltes (2022), uno de cálido y aterciopelado, muy mediterráneo, por otra parte lógico siendo ella mallorquina. El sencillo "Lo que romp es coret" (2023) cerraría esta segunda etapa.

¿Cual sería la próxima pantalla estilística a superar por Maria? Con Nostàlgia Airlines (Bankrobber, 2024) la evolución resulta si cabe más sorpredente al plantarse con un pop electrónico bajo el brazo, por momentos con claro apego a la pista de baile. Además jugueteando con otros palos sonoros, sumándolos a esta auténtica fiesta del balearic melancólico más contemporáneo.

Producido por otro mallorquín, Lluís Cabot (Da Souza), consolidando ya un tándem al repetir en esas lides al igual que hizo con el anterior álbum de Maria, en este además sumándose al 50% en la vertiente compositiva. Nostàlgia Airlines orbita temáticamente sobre dos pilares: el turismo y las relaciones sentimentales, con historias que entrelazan los dos conceptos de principio a fin. Para rizar el rizo van apareciendo entre sus notas flashes protesta respecto a la invasión guiri que sufren las Islas Baleares. Añadiría por extensión otros lugares turísticos de mar y borrachera como Barcelona, dónde los habitantes también se ven expulsados de sus casas y calles por la ola especuladora Airbnb sumada al asedio crucerista.

Antes de empezar con el repaso al disco aviso que estamos ante uno de los grandes trabajos estatales de lo que llevamos de 2024, opositando a colocarse entre lo más granado a final de año. Ahora sí, arrancamos con "Pura geografia", el primer gran hit del disco y de la carrera de la artista. Un amor a distancia condenado al fracaso fundido con un electro-pop elegante, no exento de reposado subidón. Bailando sobre las cenizas de una relación imposible. 

En "Super mala pinta" aparece la primera colaboración del trabajo, en este caso la de Clara Vinyals (Renaldo & Clara). La base sutilmente afrobeat viste una sugestiva progresión en un corte que transpira sensualidad, arena y brisa marina por los cuatro costados. 

Vuelve el desamor que abria el álbum con "Quina pena" y un adictivo riff de sinte poniendo el lazo de regalo a un corte tan efímero como sugerente. Sirve además de intro perfecta para otro de los momentos cumbres del trabajo: "Trista a Miami". Ideal para subirte a la pista de baile, aunque sea con lágrimas en los ojos. La cantante Julieta completa magistralmente un dueto mágico, de aquellos para el recuerdo. El seductor reggaeton subido de bpm emmarca un himno a la morriña amorosa.    

       

Seguimos nostálgicos al cuadrado con la enorme "Mala via" y sus recovecos de inquietos beats con hechizo constante incorporado, o lo que viene siendo, MARIA JAUME firmando una perla más de Nostàlgia Airlines y las que faltan por venir.

La breve "Cala rajada 1964", incluyendo en su ocaso el sample de "Bajo el Cielo de Palma" del cantante y compositor también mallorquín Bonet de San Pedro (1917-2002), nos abre la puerta a "Hoteles, sol y playa". Se viste de color sepia, sabor tropical y añoranza de tiempos más "sostenibles" otro de los momentos plus estimulantes del álbum. La brillante colaboración de Pau Debón, la voz de los Antonia Font, le pone la guinda. Aquí aquello de "cualquier tiempo pasado fue mejor" sienta cátera. ¿Cómo una canción denunciando la salvaje explotación turística que soportan las Baleares puede resultar a la vez tan placentera a los oídos?  

Con "Xin xin i bye bye" seguimos surfeando esa ola melancólica que envuelve a MARIA JAUME en general e impera en este trabajo en particular. El amor rara vez es para siempre, aquí su huella se describe en parte en italiano, medio en serio medio en broma, como intentando de esta manera engañar a la pena. Cierto es que bailando todo se supera mejor. 

La pro-urban "Ella sempre crema" desata las pasiones más carnales en un corte que chorrea hedonismo. La paradiña hacia su ecuador es de alto voltaje, uno de los múltiples detalles que revelan que estamos ante un disco especial.

SERCH. - "Introspectiva" (Flor y Nata Records, 2024)

SERCH. han publicado su quinto álbum de estudio con Introspectiva (Flor y Nata Records, 2024). Se trata de un recopilatorio nada convencional, con lavado de cara de las canciones seleccionadas adaptándolas a la realidad actual de la banda, traspaso de idioma del inglés al castellano e inclusión de cuatro temas nuevos. Oseasé un trabajo muy especial con el que conmemorar los 10 años de vida como formación. Sergio Salesa (voz y letras), Miquel Cellalbo (guitarras, teclados adicionales y producción), Carlos Vallecillos (teclados) y Andrea Visentín (bajo) aglutinan lo mejor del post-punk, el pop electrónico y el glam-rock añejos teletransportándolos a nuestros días previo paso por su filtro contemporáneo.   

El disco arranca con la poderosa "Extraños sin nada que perder" con ese saborcillo ochentero de gente como New Model Army o los Sister of Mercy. La banda barcelonesa cuando se pone intensa alcanza niveles de embrujo inusitados, lo que será una constante durante toda la escucha.

Seguimos enérgicos con "Formas" y una imponente estrofa armada de densos sintes y percusión hiperactiva que desemboca en un estribillo que, de tan melódico, desarma.

"Desde la radio" se erige como una de las versiones respecto a la original que más me ha fascinado con un aumento sensible en su profundidad, sonando más cavernosa, quizás en parte por un mayor peso protagonista del bajo. 

"La rabia" (videoclip insertado a pie de página) forma parte de las 4 canciones nuevas que forman parte de Introspectiva. Lanzada como segundo single trata de esa indecisión que nos ahoga, promesas que no se cumplen, la manía que tenemos de procrastinar por sistema, convirtiendo lo pospuesto en irrealizable. Musicalmente es arrebatadora, con centelleantes sintes, estribillo redondo y una atmósfera que intenta zafarse de la oscuridad a golpes de subidón. 

Un bajo muy a lo Peter Hook nos coge de la mano en "Hermanos" y no nos suelta pese a la aparición de su explosivo estribillo. Además rondando el segundo minuto y medio elige desmelenarse y de qué manera.

Cabalgando a lomos de "Mi rendición" llegamos a una de las canciones cumbre de la carrera de SERCH., la balada "Eterno". El frontman Sergio Salesa la dedica a su padre surpurando emotividad al cuadrado y alcanzando el techo emocional de la banda hasta el día de hoy.  

La deslumbrante "Niño" es músculo y épica a partes iguales, con unas gloriosas guitarras abrazando su melancólica naturaleza. Otros de mis crush de SERCH. Le sigue el segundo de los temás inéditos, la trepidante y grandilocuente "Perdidos en Varsovia". Cuidado que puede llegar a zarandearte con su magnetismo salvaje.

"Solo conexión" nos da la bienvenida con un riff guitarrero, enseguida unos centelleantes sintes les darán la réplica. SERCH. siguen a lo suyo, directos a la yugular, sin escatimar en poderío sugestivo.

La única pieza instrumental del conjunto es "Brumas", también entre el cuarteto de novedades que nos ofrece el disco. Aquí Carlos Vallecillos se luce con unos densos teclados que llenan de inquietud la estancia y es que su título no engaña.

Llegamos al que fuera primer single avance de Introspectiva, el último tema nuevo que nos quedaba por degustar: "Nueva situación". Bajo percutor, guitarras incisivas, sintes resplandecientes y Sergio dándolo todo al micro, oseasé SERCH. en estado puro marcándose un nuevo clásico en la carrera de la banda barcelonesa.

DISCO GLANDEX - "Diga sí a la vida moderna" (Autoeditado, 2024)

DISCO GLANDEX es el nuevo proyecto del talentoso e hiperactivo productor sevillano Mist3rfly, creador de bandas como Lemon^fly, Electronikboy, o Conmutadores, esta vez junto al vocalista Loon Attic y la corista y percusionista La Rubia MJ. El trío manufactura un pop electrónico altamente bailable, para perderte del gusto por entre sus melódicas notas de sintes. Las reminiscencias a artistas añejos ochenteros como Alaska y Dinarama o Pet Shop Boys se difuminan hábilmente con sus habilidades contemporáneas. 

En su álbum debut Diga sí a la vida moderna (2024) han colaborado gente tan distinguida como la diva La Prohibida, el gran Santi Rex (Niños del Brasil) o el no menos legendario guitarrista Luis Miguélez.

Queríamos hacer algo especial con esta formación tan singular por lo que pedimos a Mist3rfly que nos describieran, desde la perspectiva de los creadores, la esencia de cada canción que conforma el primer disco de DISCO GLANDEX. A continuación entre Loon Attic y él nos destripan este estupendo trabajo, corte a corte, nunca mejor dicho:

• Baila su funeral> En este tema hemos querido plasmar una dicotomía: el ambiente jocoso-festivo de la fiesta nocturna y el aspecto más serio y oscuro de la adicción a las drogas que se está haciendo más presente con la aparición de nuevas drogas de diseño. Creemos q es algo que no se debería ignorar. Describe a esas personas arrogantes y egocéntricas que presumen de su superioridad mientras sus vidas están desmoronándose. A pesar de enfrentar problemas y necesitar ayuda, prefieren mantener su actitud orgullosa y rechaza cualquier apoyo. En lugar de enfrentar la realidad, se aferran a su falsa imagen de grandeza, ignorando las consecuencias de sus acciones.

• Sin ser tú> Es un tema que compuso Mist3rfly hace muchos años, lo hemos rescatado con nueva producción e invita a recapacitar para llegar a ser personas más auténticas y mejores, sin disfraces. Esta canción critica la hipocresía de aquellos que intentan aparentar ser algo que no son, mientras esconden sus verdaderos sentimientos negativos.

• Mi último tango en París> Es otro rescate de Mist3rfly, nos gusta decir de este tema que es el primero del que se enamoran en una primera escucha quienes escuchan el álbum. Es una oda a vivir la vida sin importar las limitaciones o los miedos. Donde la voz de La Prohibida y la de Loon Attic calzan a la perfección.

• Starlette> Retratar a una mujer seductora y enigmática que se presenta como una atracción en un mundo de vulgaridad y extravagancia, donde su presencia destaca como una figura principal en medio de la multitud. Gracias a las guitarras del gran Luis Miguélez es el tema más kitch y salvaje del álbum.

• Zaragozana> Tema escrito por Davis Rodríguez (Escuelas Pías) y Armando Jiménez (Ex-Blacanova) que reflexiona sobre la importancia de la identidad cultural y cómo esta puede perderse o ser malinterpretada en un contexto de globalización y homogeneización cultural. Además Disco Glandex tenemos una conexión especial con la ciudad de Zaragoza y con su gente, y quién mejor que un maño como nuestro queridísimo Santi Rex (Niños del Brasil) para que colaborara con nosotros en esta canción.

• Ven que te abrace> Segundo tema con el que se tiene un amor a "primera escucha". Es un himno a la vida y al amor escrita por Manu Jiménez que nos explica como encontrar la felicidad y la libertad a través de la conexión con los demás y la autenticidad personal, mientras se enfrenta a los desafíos y las adversidades de la vida. ¿Que hay más gratificante que un abrazo?

• Diga si a la vida Moderna> Escrita por Armando Jiménez (Ex-Blacanova), es una oda a los comienzos de la vida moderna antes de contar con la inteligencia artificial, cuando no existía tanta inmediatez. Antes la novedad de las nuevas creaciones duraban más de un día y todo se disfrutaba por más tiempo.

• El tiempo se pierde> Hemos querido hacer un tema "daliano" para expresar que todo comienza y todo acaba, que todo es temporal, intentado sumergir al oyente en un mundo surrealista de ensueño donde lo ordinario se transforma en extraordinario y cada detalle está imbuido de un significado poético y misterioso.

• Electro, indie, punk y dance> Queríamos añadir un tema que nos ayude a conectar con el público en los directos, ya que al ser sencillo y bailable todos podemos cantar y bailar cuando suene. En definitiva un tema para bailar, ya sea en tu casa como en un concierto de Disco Glandex.

FAMILY, 30 años con "Un Soplo En El Corazón" (Elefant Records, 1993)

Hay discos que dejan huella desde la pomposidad y el artificio; otros por manifiestarse como influyentes, referentes para próximas generaciones de artistas; algunos por simplemente causar impacto instantáneo por su propuesta, calidad o habilidad promocional. Pues bien, para "Un Soplo en el Corazón" (Elefant Records, 1993) deberíamos crear otra modalidad al respecto o quizás no haga falta, con darle al play, engancharte a sus melodías, programaciones y lírica es inevitable.

 
Celebramos el 30 aniversario de un disco que es una joya con todas las de la ley. El primer y último álbum de FAMILY, un enigmático dúo formado por el diseñador gráfico Javier Aramburu (voz, guitarras y programaciones) y el músico Iñaki Gametxogoikoetxea al cargo del bajo y también programaciones. Lo de "enigmático" es un adjetivo ganado a pulso por la práctica ausencia de promoción del lanzamiento, sólo hay una imagen de los dos componentes enviada a los medios y apenas apariciones públicas ni conciertos.

La semilla se plantó 10 años antes, entre 1983 y 1988 cuando Aramburu y Gametxogoikoetxea formaban con el periodista Ricardo Aldarondo un grupo llamado LA INSIDIA que no llegó a publicar ningún álbum. Más tarde, entre 1989 y 1990, ya sin Aldarondo, pasaron a llamarse EL JOVEN LAGARTO. En esta etapa publicaron una maqueta con versiones acústicas de lo que posteriormente sería su única publicación.

La primera grabación oficial como FAMILY aparece en 1992, una versión de "El signo de la cruz" de DÉCIMA VÍCTIMA interpretada junto a FANGORIA, que desde entonces no dejarán de alabar las excelencias del dúo de San Sebastián. Precisamente en los estudios de Alaska y Nacho FAMILY grabarán Un Soplo en el Corazón, un disco donde la tecnología y las emociones se conocen, se gustan y se juran amor eterno.

Al poco de que viera la luz el álbum el grupo se disolvió, a partir de entonces Javier Aramburu siguió con su faceta de diseñador gráfico siendo creador de portadas de discos míticos, empezando por el suyo propio, también dando rienda suelta a su faceta de pintor. De Iñaki no se sabe mucho, es como si no existiera más allá de su aportación a FAMILY.

El título del disco se toma de la película de 1971 del realizador francés Louis Malle. ¿Preparado para entrar en donde la melancolía es la reina, el amor el protagonista y el pop electrónico el hogar de acogida perfecto para tanta exquisitez sensorial?

Arrancamos con "La Noche Inventada" y dos aspectos recurrentes durante los 36 minutos del disco; la imaginación como vehículo al que montarse para huir hacia lugares donde poder sentir de la manera deseada y su esmerada lírica, como con: <<Miramos aburridos por el ventanal, para inventar otra vida en la misma ciudad. Dibújame una noche llena de cohetes naranjas, yo te daré las estrellas y tú las pintarás de plata. Pintalo todo de plata>>. Electrónica, caja de ritmos, guitarreo muy a lo Johnny Marr de los THE SMITHS, aspecto en lo que se reincidirá en otros momentos del disco, y alguna que otra pincelada de violines sintéticos. No había mejor manera de empezar este legendario Un Soplo En El Corazón.

 

Un bajo muy Peter Hook en JOY DIVISION se muestra muy protagonista en "Nadadora" y un singular remate del estribillo con sintes emulan un saxo. En "Como Un Aviador" se nota claramente una de las grandes influencias de la banda, los NEW ORDER, en concreto de la canción del 1986 "Bizarre Love Triange", sobre todo en su omnipresente riff de sintetizador.

 
El dream-pop entra en juego en "En el rascacielos" con una guitarra estelar, bajo pulsómetro y una especie de bongos como base rítmica en un corte tan minimalista como estimulante.

Con el nostálgico medio tiempo "El Bello Verano" recuperamos el aroma a NEW ORDER exhibido anteriormente. Eso sí, existe un riff de sintetizador 100% FAMILY rematando una estrofa que es para enmarcar. La letra sigue tocándonos la fibra: <<Tú cara triste, mi amor de plata. Podemos volver a empezar. Seremos delfines o ballenas azules, viviendo en el fondo del mar>>.

"Portugal" tiene un aire tropical con sus cálidos rasgueos de guitarra y un bajo con más flow de lo habitual. El riff de sintes del final a modo de trompetas ejerce de culminación perfecta. "El Buen Vigía" es otra perlita, hablo en diminutivo por su aparente sencillez y su concisa pero arrebatadora letra. Bueno pensándolo bien, esto podría trasladarlo a todo el disco ya que la mayoría de sus canciones cumplen estas características. Hay un dicho popular perfecto al respecto: "las mejores fragancias se sirven en frascos pequeños".

Llegamos a otros de los momentos más especiales del álbum con tres de sus canciones que ponen más la piel de gallina y además vienen cogidas de la mano: el himno "Viaje a los sueños polares", "Al otro lado" y "Carlos Balla". La primera una escapatoria sonora hacia un mundo ideal en el que dejar atrás la monotonía y nada malo te pueda pasar. Luis Calvo, fundador y director del sello Elefant puso ese nombre a un programa de radio en los 40 Principales que estuvo en emisión 10 años. La segunda siguiendo con ese espíritu viajero mental y la maleta llena de hoteles, fronteras, trenes, volcanes, poemas mexicanos… con el bajo haciendo de perfecto guía turístico. La tercera, deliciosa, parece dedicada a Carlos Berlanga y sí, podrás bailarla, aunque sea con lágrimas en los ojos. La letra no puede ser más hermosa: <<Tanto el frío de noviembre, el cansancio y la costumbre, no conocen ni una esquina de un amor tan bien guardado. Carlos baila tan delgado, siempre atento a su mirada. El color de un día triste no consigue apagar nada. Les veo bailar callados sobre un amor tan fuerte. Ella dirá aquello que él no se atreve>>.

LA BIEN QUERIDA - "Paprika" (Sonido Muchacho, 2022)

Producido por David Rodríguez (La Estrella de David) y Sergio Pérez (Svper), Paprika (2022) es el séptimo álbum en la carrera de LA BIEN QUERIDA, primero con el sello Sonido Muchacho. No será la única novedad que contiene este lanzamiento, Ana Fernández-Villaverde demuestra sus virtudes camaleónicas al abrazar sonidos latinos más que en ninguno de sus anteriores trabajos. Pero vamos por partes, "La Perra Del Hortelano", el que fuera el primer avance del disco, coincide que también lo abre, con esa emoción a flor de piel tan característica en la obra de la artista. Esta vez presentando a una mujer que, tal como concluye el dicho que inicia su título: "ni come ni deja comer". Una certera entrada en la temática del disco, esa carretera repleta de curvas en la que se puede convertir una relación amorosa. Unas cuerdas orquestales agrandan su épica contenida en otra muesca top sonora en la carrera de la bilbaína.

"Esto Que Tengo Contigo" (videoclip insertado a pie de página) es la primera comprobación de ese aire tropical que irá soplando en pasajes de Paprika. Una bachata que acompaña al amor tóxico, que bien podría ser trío atendiendo a la manifiesta complicidad de la trompeta de José Chacón.

Un fuerte aroma al "Bizarre Love Triangle" de los New Order se adueña de la escucha con "La Voz De Su Amo". Ataviados con trajes sado nos subimos a la pista de baile sabiendo que acabaremos la velada sudando como pollos. 

Llega "Átame" y con ella los instantes más conmovedores del disco, en los que se te pone la carne de gallina, hoy parece que la cosa va de avicultura, ante tanta belleza sensorial de la que eres afortunado receptor. Con arreglos orquestales y solo primoroso de guitarra incluido, te preguntas: ¿por qué el amor tiene que ser tan complicado?  

Seguimos montados en esta montaña rusa sentimental que es Paprika con "Datbay" y sus guitarras caribeñas; el bolero electrónico rebosante de empoderamiento "Como Si Nada" y la estrofa oscurilla de "Juan", con el embrujo del riff guitarrero desembocando en su coplero estribillo.

Vuelve la bachata a la palestra con "La Cruz De Santiago", a dúo con Santiago Motorizado e incluyendo versos de "El Magnetismo" del grupo del argentino, El Mató a un Policía Motorizado. Encantador corte con el desamor como protagonista que le sirve a Ana para agrandar la nómina de colaboradores, un hábito instaurado en sus últimos álbumes.

Frum - "For The Blue Sky" (hfn music, 2022)

El color azul viene asociado históricamente a la pasividad, la tristeza, en cambio un cielo del mismo color transmite a través de su luminosidad energía positiva, belleza, ilusión. Esta aparente paradoja nos viene de perlas para adentrarnos en el universo FRUM y de su álbum debut For The Blue Sky (hfn music, 2022).

Jenný Jónsdóttir Kragesteen, alias FRUM, nació en las Islas Feroe, un recóndito archipiélago situado en el Atlántico Norte, entre Islandia y Noruega. El crecer en esas latitudes seguro a haya influido para valorar sobremanera los cielos despejados, recogiendo ese halo de hermosura poética que desprenden para plasmarlo en las nueve canciones y cuatro interludios que completan su primer disco.

La artista, tras publicar tres singles desde 2016, regresa ahora por la puerta grande con su pop electrónico nórdico, bien armada de calidez y la dosis justa de melancolía como para hacer de la escucha de For The Blue Sky una experiencia sensorial.

 

El ingrávido arranque "Awake" ejerce a modo de intro en la que artista expone con su escueta lírica las claves del trabajo: <<Awake in this universe I had to run. Thought it was the only way. Tumbled again and again. Never giving up for the blue sky / Despierto en este universo tuve que correr. Pensé que era la única manera. Cayó una y otra vez. Nunca rendirse por el cielo azul>>.

La reflexiva "In This" nos envuelve con un delicado manto donde el piano, junto a la voz aterciopelada de Jenný, nos ofrecen protección eterna, sabemos que estaremos a buen recaudo. Y así seguiremos con las notas de la preciosista "Universe" y esos cambios de ritmo ejerciendo de majestuosos recovecos en donde perderse, para quizás no volver.

"Run" expone la dificultad de alcanzar tus sueños, nadie dijo que fuera fácil, aunque el camino valga la pena. Todo maridado con una embelesante electrónica marca de la casa. Sugestionando en la estrofa y el puente para explotar en el estribillo y acabar de extasiarnos con su desdoble final: <<Until I can breathe. Until I am back on my feet. Then I get home / Hasta que pueda respirar. Hasta que me recupere. Entonces llego a casa>>.

Entramos en terrenos que invitan a un sutil balanceo de caderas con la balsámica brisa tropical de "The Only Way" y las sintéticas percusiones tribales de "Tumbled". ¿Bailas?

El amor en mayúsculas entra como elefante en una cacharrería con "Again and Again", la más vitalista del conjunto, con esa base de ligero drum & bass alimentando una contenida euforia.

Conmutadores - Illusions (2013)

Conmutadores es una banda sevillana de pop electrónico que nace en abril de 2012 de la mano de Victor M. (voz) y Juanmisterfly (programaciones, guitarras y bajo). Les unen sus gustos musicales que derivan hacia el techno-pop, el new wave, la electrónica... en especial la música británica de los 80´s y 90´s. Xelö Rico (teclados) y Jose Blond (Batería y percusión electrónica) completan la banda.

Su ritmo editorial no puede ser más trepidante ya que con un año escaso de vida han sacado a la luz dos trabajos, Hello (Jun. 2012) y I want to see EP (Sep.2012), más una edición especial de éstos en un solo CD Hello update (Dic-2012) para México, editado por el sello Molécula Records.

Antes de profundizar en el disco queríamos que Juanmisterfly (músico/productor) nos esclareciera algunos de los entresijos que contiene este trabajo:

   -Vuestras letras son en inglés lo que puede resultar un pequeño escollo a la hora de la interpretación por parte del receptor de vuestro trabajo, ¿podrías comentarnos su temática?

[Juan] El disco entero se encamina en una misma historia...donde al final todas las letras confluyen o describen esa historia, las letras hablan sobre la lealtad, el dolor, el amor, el sexo, la lujuria, y los fracasos, que tan presente están en el sexo y el amor, pero sobre todo en las ilusiones.

   -¿Como surgió la idea de versionar a Black ya que no veo que sea un referente demasiado evidente a la hora de encontrar paralelismos con vuestro estilo?

[Juan] La idea de versionar este tema de  Black surgió por la pasión que tenemos  la banda por los artistas de los 80's. Creíamos que ese tema es un clásico muy potente y que debíamos versionarlo e intentar llevárnoslo a nuestro terreno sin que perdiera la esencia de la original. En nuestros discos rendimos siempre tributo a artistas que amamos en la música, en nuestro disco de debut Hello fue a Joy division, y ahora en Illusions  a Black.

   -Partiendo de la base que vuestro trabajo me ha convencido y mucho, creo que cuando más os distanciáis de las marcadas influencias, prevaleciendo la identidad propia de Conmutadores, más frescos y convincentes nos resultáis. ¿Estáis aún en fase de búsqueda de vuestra identidad sonora?

[Juan] Cuando te metes en el estudio, muchas veces no tienes muy claro lo que va componer o escribir. Las influencias claramente están ahí, pero nosotros somos los primeros que intentamos alejarnos de ellas puesto que no queremos ser clones de los grupos a los que admiramos e idolatramos, prueba de ello son los temas como Living in my head o One hundred days que llevan una producción muy actual; Sweet temptation o Let me love you, que mezcla las influencias del pasado con los sonidos y la frescura del pop más actual. Quizás esa mezcla sea nuestra señal de identidad, pero siempre una banda intenta investigar y evolucionar hacia otros sonidos , pensamos que en la variedad está lo interesante de un grupo.

Illusions es su segundo largo en el que siguen dando rienda suelta a su pop electrónico y a sus claras influencias. Something Lost empieza el álbum muy a lo Depeche Mode, con unos acordes de sintes contundentes y reveladores de cara a las intenciones sonoras de esta banda. Nos encanta la electónica traviesa y jovial de My Sweet Temptation, como de juegos recreativos, tremendamente bailable. Let Me Love You es su primer single (vídeo a pie de post), synth-pop con un remate de estribillo a los teclados simplemente arrebatador.

Don't be Afraid suena muy ochentera, como gran parte del contenido del disco, bastante dance, Illusions nos recuerdan a unos Information Society y su techno-soft añejo. Sadness of her Love con reminiscencias a los New Order más oscurillos, Living in my Head y esas pinceladas house-trance. Pain rebaja la intensidad bailable que recuperamos con One Hundred Days que desde las primeras notas nos hace menear el esqueleto, y de qué manera.

La sorpresa final se sirve en bandeja con esa excelente versión del tema de Black, Everything's Coming Up Roses. Melódico final, broche de oro para un trabajo realmente "ilusionante".

Sus próximas fechas en directo:

-Lun. 20 Mayo, Noise Off Festival, entrevista + Miniconcierto online desde Madrid.14:00 h.
-Sab.25 Mayo, Festival Esturión 54 , Auditorio Pastora Soler. Coria del Río
-Sab.1 Jun, Festival Plátano Sónico , Utrera
-Sab,8 Jun, Misterfly Party 3.0 “El Festival” , Sala 101 Sevilla. 22:30 h.