"Memento Mori", ¿el último baile de los DEPECHE MODE?

DEPECHE MODE desde el Playing the Angel (2005) habían lanzado 3 álbumes a cual menos trascendente, con sus correspondientes giras mundiales además de publicación de cajas recopilatorias de singles, remixes, reediciones etc. Parecía que lo que se pretendía, más allá que crear nuevo material relevante, era mullir bien la vaca mientras haya fans con poder adquisitivo suficiente como para gastarse la pasta con todo lo que huela a la banda de Basildon.

Tras el duro golpe del fallecimiento de Andy Fletcher en mayo del año pasado se llegó a especular sobre la continuidad de la banda. Si además sumamos que los otros dos miembros fundadores, Dave Gahan y Martin L. Gore, ya entraron en la sesentena y que tienen proyectos en solitario paralelos al grupo, no era descabellado que flotara en el ambiente un posible punto y final. Pues por el momento va a ser que no ya que tras 6 años desde su anterior referencia, ha visto la luz el decimoquinto álbum de los Depeche, Memento Mori (Columbia Records, 2023).

Los avances del disco eran ilusionantes con la pegada del medio tiempo electrónico "Ghosts Again" (videoclip insertado a pie de página) y la crudeza arrebatadora de "My Cosmos is Mine". 

He de reconocer que la primera impresión tras la escucha de Memento Mori fue de decepción ante lo que parecía una nueva oportunidad perdida de los británicos de presentar un álbum con calidad de acorde a su leyenda. Luego, con las siguientes degustaciones, ese sentimiento ha ido derivando inusitadamente hacia terrenos más condescendientes de acorde a un análisis más sereno y contextualizado del conjunto del trabajo. 

El fichaje de la ingeniera italiana Marta Salogni echando una mano al productor James Ford, que también lo fuera del Spirit (2017), junto a la incorporación al equipo del cantante de los THE PSYCHEDELIC FURS Richard Butler para componer mano a mano algunos de los temas de Martin, han aportado con su grano de arena en pos de cambiar la dinámica discreta en lo compositivo de esta última época de DEPECHE MODE. 

Memento Mori es el mejor disco de calle de los británicos desde el mencionado Playing the Angel con momentos memorables como los dos cortes mencionados anteriormente; el ligero kautrock de "Wagging Tongue"; la hermosura desgarrada de "Don't Say You Love Me", que bien podría haber salido perfectamente de una nueva colaboración de Dave Gahan con los SOULSAVERS; "Soul With Me", ese conato de canción ligera disfrazada de balada marca de la casa interpretada por Mr. Gore; y la tan sentimental como desarmante "Always You", con unos mantos de sintetizadores que parecen ejercer de perfecto edredón bajo el cual dar rienda suelta a la pasión más desatada.

Poniéndonos quisquillosos creo que el álbum reducido a 10 canciones exhibiría aún más músculo. Hubiera descartado la desconcertante "Caroline's Monkey" y su dudoso estribillo con un <<sometimes>> que nos evoca al del "Clean" de Violator (1990). También la frankestein "People Are Good", pese al sugestivo riff de sintes, parece como hecha de retales con loops célebres de la banda, empezando dichas reminiscencias por su título, con resultado global excesivamente aséptico en relación a sus compañeras de reparto.

Del resto de las pistas que componen Memento Mori hay algo común en mínimo tres casos y es que teniendo un potencial estratosférico no alcanzan por detalles la matrícula de honor: "My Favourite Stranger", "Before We Drown" y "Never Let Me Go". La primera, con esa imperial e hipnótica línia de bajo sintético, demandando desesperadamente un estribillo o break que le ponga el lazo de regalo. A la segunda le falta un extra de riesgo y aventura, quizás un Alan Wilder hubiera culminado el proceso. En el tercer caso el puente tras la primera aparición del estribillo deja tocado a un corte que apuntava maneras, aunque consiga rearmarse gracias al embrujo constante de esas afiladas guitarras procesadas .

DAVID BOWIE, 10 años del "The Next Day" (Columbia Records, 2013)

El 8 de enero de 2013 para celebrar su 66 cumpleaños DAVID BOWIE resucita, tras diez años de silencio desde el Reality (2003), con el lanzamiento del single "Where Are We Now?" y anuncio de nuevo álbum, The Next Day. Tras el infarto que padeciera el 25 de junio de 2004 al finalizar un concierto en Scheesel (Alemania), el británico apenas había dado muestras de existencia y menos aún de actividad artística por lo que su reaparición se acogió con gran entusiasmo. No había para menos y la verdad es que el vigésimo cuarto álbum del artista, más aún viéndolo desde la distancia, resultó un retorno esplendoroso.

El álbum fue grabado en secreto en Nueva York desde 2010 a 2012 y producido por Tony Visconti, quien había trabajado anteriormente con Bowie en trabajos como The Man Who Sold the World (1970), Heroes (1977) o Scary Monsters (1980), entre otros.

La portada del álbum, con la versión digamos "censurada" de la del "Heroes" de 1977, delata ya de inicio ese regusto melancólico que, de manera más o menos intencionada, va derramando su escucha. Y eso que su título debería indicar lo contrario, un "el día siguiente" que más parece una declaración de intenciones que una realidad asumida. 

El disco se lanzó oficialmente el 8 de marzo de 2013 y se abre con el garajero tema titular, una mezcla entre canción de empoderamiento con auto-reivindicación incluida y crítica voraz a la iglesia aderezado todo con un provocador videoclip no apto para beatos ni aprensivos. Precisamente el bar de copas dónde se ubica la acción podría ser escenario perfecto para "Dirty Boys", una especie de sucio blues exhalando neblina tabaquera de antro por un tubo, sobre todo durante su estrofa. En el estribillo el binomio saxo y guitarra se destensan un pelín aunque sin desprenderse del todo de su halo depresivo.

"The Stars (Are Out Tonight)" fue el segundo sencillo de The Next Day y mi canción favorita del conjunto. Una barbaridad, con esa línea de bajo cadenciosa, orquestación sutil pero determinante y desafiantes guitarras disparando riffs a diestro y siniestro. Una crítica al famoseo y lo que le rodea con otro videoclip para el recuerdo, lo puedes degustar a pie de página junto a los de los otros sencillos del disco ordenados cronológicamente respecto a sus lanzamientos. 

La letra de "Love is Lost" delata que Bowie se enfrenta a la vejez con una  mezcla entre resignación y espíritu de lucha ante los problemas de salud que venía arrastrando y los que desgraciadamente habrían de llegar en breve: <<Say goodbye to the thrills of life. Where love was good, no love was bad. Wave goodbye to the life without pain / Dile adiós a las emociones de la vida. Donde el amor era bueno, ningún amor era malo. Despídete de la vida sin dolor>>. La intervención del órgano vistiendo su machacón ritmo es de traca. La pista se presentó como quinto single con una deslumbrante versión de James Murphy (LCD Soundsystem), puedes disfrutarla junto a todos los videoclips oficiales que generó este discazo a pie de página.

"Where Are We Now?", la que fuera single presentación del disco, evoca un nostálgico paseo por las calles del Berlín que paseara DAVID BOWIE entre 1976 y 1978. La primera balada del álbum, emotiva, lánguida hasta que en su parte final remonta con ese redoble de batería junto al balsámico solo de guitarra a modo de luz esperanzadora. 

El 14 de febrero de 1929 tuvo lugar lo que se conoce como La Matanza de San Valentín, una  masacre ordenada al parecer por Al Capone. Este podría ser el punto de partida de "Valentine's Day", el que fuera cuarto single de The Next Day, sirviéndole para criticar el uso abusivo y descontrolado de las armas que originan continuas desgracias, como el tiroteo en la escuela que parece protagonizar Valentine en el corte. Estamos ante la canción más comercial del disco y a la vez la más bipolar, al chocar de frente la sombría temática con sus encantadoras notas.        

La poderosa "If You Can See Me" es la pista más experimental del conjunto, descendiente directo del legado noventero de Bowie. Batería desmelenada, guitarras punzantes, bajo hiriente, sintes sentenciadores, una evolución sin frenos que te dejará entre exhausta y complacida.

La neopsicodelia guitarrera hace su aparición con "I'd Rather Be High" con esa guinda en forma de redoble militar de tambor a la vez que el artista vuelve a cuestionarse la mortalidad: <<I'd rather be flying. I’d rather be dead or out of my head / Preferiría estar volando. Preferiría estar muerto o fuera de mi cabeza>>.

El saxo barítono vuelve por sus fueros con el medio tiempo "Boss of Me". En su ecuador aparece un break salvador que nos deja ver, aunque sea momentáneamente, a través de la bruma que envuelve el corte. Mientras, si cruzaras el "Lust For Life" de Iggy Pop con el "Modern Love" posiblemente te saldría algo muy similar a la trotona "Dancing Out in Space", devolviéndonos a la época 80's de Bowie. En la que seguimos instalados con "How Does the Grass Grow?" y unos sintes lapidarios junto a una revoltosa guitarra eléctrica haciendo de las suyas y algo de doo-wop presentando el estribillo como remate final de un corte inspirado en la Primera Guerra Mundial.

Un riff  guitarrero hard-rock presenta la exaltada "(You Will) Set the World on Fire", la misma guitarra que irá un paso más allá con un solo pasado el segundo minuto, por si no tuviéramos claro su afán de protagonismo en este tema.

El "Spirit" de los DEPECHE MODE

Tras 37 años de trayectoria DEPECHE MODE publica Spirit (Columbia Records, 17), su 14º álbum de estudio, cambiando en la producción a Ben Hillier por James Ford (Arctic Monkeys, Florence + The Machine, Klaxons o Foals).

El comienzo del trabajo sigue fiel a la tradición desde Sounds of the Universe (2009), con un tema extenso y no demasiado facilón para el oyente. "Going Backwards" supera el reto, cree y crece enseñando músculo, exponiendo ya de entrada el fuerte contenido político del álbum. El cual explota con "Where's the Revolution", contestatario primer single y avance del disco. Potente, decidido, lástima que el vídeo que le acompaña y compartimos a final del post no le haga demasiada justicia. Esta vez su director, el fetiche visual para los de Essex Anton Corbijn, se nos columpia un pelín para nuestro gusto, rematando la faena de manera turbadora mientras suena la estrofa del "The train is coming..."

Rebajamos la intensidad hasta el mínimo con "The Worst Crime", aunque sigamos reivindicativos bajo el influjo de la guitarra lánguida de Martin L. Gore y la voz de Dave Gahan, ultra sedosa y penetrante en esta ocasión.

Llega la inquietante "Scum" y con ella una distorsión salvaje en la voz junto a unos recios sintes y loops percutores que te sacuden hasta las entrañas. Transitamos territorios bailables y se confirma con la sensual "You move", el título le delata, provocará tu "movimiento" si o si. Sus impredecibles sintes acentúan si cabe su halo libidinoso.

Salimos de la pista de baile cogidos de la mano de la etérea "Cover Me", no sin antes habernos dado una ducha fría por el calentón anterior. Algo mágico está a punto de producirse; la interpretación de Mr. Gahan envuelve la estancia, como si sus notas quisieran alargarse hasta consumar el abrazo; a los ingrávidos sintes se le asocia un loop hipnótico habiendo superado la mitad del corte, para irse diluyendo el conjunto hasta su deceso, consumando uno de los momentos cumbres del álbum.

"Eternal" es punto y aparte, una especie de nana pero con una lúgubre instrumentalización repleta de vientos que te traslada en medio de un cortejo fúnebre en New Orleans. Es bien probable que se te ponga la piel de gallina, la voz de Mr. Gore, especialmente inspirada, tiene media culpa.

"Poison Heart", puro blues, majestuoso y desgarrador lamento sobre una amistad frustrada. Puta maravilla vaya, para que nos vamos a ir por las ramas para definir lo evidente.

El siglo XXI de DEPECHE MODE hasta "Spirit" (2017)

¿Cuantas bandas pueden presumir de ser consideradas "influyentes", haber marcado una época y no sólo eso, sino seguir creando sin parar hasta el momento presente? Pues muy poquitas, coetáneas quizás los The Cure, New Order y los Pet Shop Boys, y menos aún con este nivel de actividad (álbum cada 4 años y giras mundiales correspondientes). Creo que respeto sería lo mínimo que se puede esperar a la hora de leer según que comentarios sobre la vida y milagros de los DEPECHE MODE.

En los días anteriores al estreno de Spirit (Columbia Records, 17) y sobretodo después de su filtración, los foros que tienen como protagonistas a la banda de Basildon han "degenerado" en división de opiniones sobre la calidad del mismo, y de paso del trabajo gestado por DEPECHE durante el presente milenio. Algunas de las consideraciones emergen sobre-actuadas de grosería y mala leche, reapareciendo, como viene siendo costumbre, la sombra alargada del abandono del grupo por parte de Alan Wilder (1995).

DEPECHE MODE no es una banda convencional; su historia, talento y capacidad de atracción les han acarreado una repercusión y una legión de fieles seguidores sin parangón. Por eso, y porque en la redacción nos encanta meternos en jardines, vamos a repasar la época más discutida de su trayectoria: el periodo creativo durante el siglo XXI. A Spirit lo dejamos para una próxima reseña.

Entre 1994-1996 fue el momento más complicado de la banda, de hecho planeando el fantasma de la desaparición del grupo por la culminación de las adicciones de Martin L. Gore y sobretodo de Dave Gahan, que casi le conducen a la muerte, y la comentada salida del añorado Alan Wilder. La publicación de Ultra (1997), ya por si sola, fue motivo de gran celebración, su notable calidad puso el resto.

DAVID BOWIE - "Lazarus Cast Album" (Columbia Records, 2016)

Literatura de ciencia ficción, artes escénicas y la mejor música junto a un plus de componente emocional añadido, lógico teniendo en cuenta las circunstancias. Ladies & gentleman, con ustedes el musical Lazarus.

Escrito por David Bowie y Enda Walsh, dirigido por Ivo Van Hove y producido por Robert Fox, Lazarus se estrenó el 7 de Diciembre de 2015 en el New York Theatre Workshop obteniendo el elogio unánime de la prensa especializada: The New York Times alabó los "Rayos congelados de éxtasis que se disparan como novas a través del barro y la oscuridad glamurosa de Lazarus, el fantástico nuevo musical con excelente música creado a partir de las canciones de David Bowie,” mientras Rolling Stone declaró que el musical es “una proeza surrealista...el mejor teatro en el que nadas en leche, se huele lencería y se bebe ginebra a grandes tragos.”

La obra está inspirada en la novela de ciencia ficción de Walter Tevis 'The Man Who Fell To Earth' (1963). Tuvo su versión cinematográfica en 1976 dirigida por Nicolas Roeg y protagonizada por el mismo Bowie, así como una serie televisiva en 1987.

Lazarus se representa actualmente en Londres, en el King’s Cross Theatre.

Foto: Jimmy King

Lazarus Cast Album (Columbia Records, 2016) fue producido por el director musical del espectáculo Henry Hey, que ya había trabajado con Bowie en The Next Day (Columbia Records, 13) e incluye las voces de Michael C. Hall, Sophia Anne Caruso, Cristin Milioti, Michael Esper y Charlie Pollack, entre otros, todos ellos acompañados por la banda de siete músicos que Hey reunió para la temporada en Nueva York. El diseño de la portada ha sido realizado por Jonathan Barnbrook, que también trabajó con Bowie en Blackstar (2016), The Next Day (2013) Heathen (2002) y Nothing Has Changed (2014).

El álbum se grabó el 11 de Enero de 2016. Al llegar al estudio, tanto los músicos como miembros del reparto estaban en shock tras la muerte del genio la noche anterior. Sus sentidas interpretaciones de ese día tan especial, han quedado plasmadas en esta grabación.

El primer disco del doble álbum lo compone 19 canciones, todas menos la breve intro "Hello Mary Lou (Goodbye Heart)" de Richy Nelson, originales de Bowie interpretadas por el elenco de cantantes del musical. A destacar varias cosas, como la voz de Michael C. Hall con ese timbre cercano al del maestro, agrandando la sensación de presencia imperecedera del Duque Blanco. Y versiones gloriosas como la lánguida del "This is not America" (1985) cantada por Caruso al igual que "Life on Mars" (1971), protagonizando dos de los momentos más conmovedores del trabajo; "The Man Who Sold the World" (1970) por Pollack; "Changes" (1971) por Milioti; "Absolute Beginners" (1984), que siendo fiel a la original destaca por su interpretación coral, al igual que ocurre con "All the young dudes" (1972); y la guinda para el final con "Heroes" y el dueto Hall/Caruso, con una versión muy de piano-bar, inyectando emotividad extra donde ya andábamos más que sobrados.

Foto: Jimmy King

Realmente lo que más nos motivaba del conjunto era el segundo disco interpretado por Bowie. Abriendo el corte "Lazarus", contenido en su último trabajo Blackstar (Columbia, 2016), y sobresaliendo la presencia de los tres cortes inéditos "No Plan", "Killing a Little Time" y "When I Meet You".

"No Plan" tiene un halo lúgrube conviviendo con una extrema placidez, de hecho parece un bonus track de Blackstar, tanto por lo musical como por su temática. Me imagino, la imaginación es libre, a un Bowie en una especie de limbo, perdido, ya inerte, volatilizado buscando su sitio dentro de ese espacio interestelar que siempre tanto le ha inspirado. Desgarradora y reparadora a partes iguales.

DEPECHE MODE presenta "Enjoy the Silence" de su film "DEPECHE MODE LIVE IN BERLIN"

"DEPECHE MODE LIVE IN BERLIN" A LA VENTA EL 17 DE NOVIEMBRE

Depeche Mode comparte el video de "Enjoy The Silence" de su CD/DVD Depeche Mode Live In Berlin que saldrá a la venta el próximo 17 de Noviembre a través de Columbia Records. Dirigido por el colaborador creativo habitual de la banda, el cineasta Anton Corbijn, Depeche Mode Live in Berlin contiene dos horas de impresionantes imágenes inéditas de la banda en concierto.