DAVID BOWIE, 10 años del "The Next Day" (Columbia Records, 2013)

El 8 de enero de 2013 para celebrar su 66 cumpleaños DAVID BOWIE resucita, tras diez años de silencio desde el Reality (2003), con el lanzamiento del single "Where Are We Now?" y anuncio de nuevo álbum, The Next Day. Tras el infarto que padeciera el 25 de junio de 2004 al finalizar un concierto en Scheesel (Alemania), el británico apenas había dado muestras de existencia y menos aún de actividad artística por lo que su reaparición se acogió con gran entusiasmo. No había para menos y la verdad es que el vigésimo cuarto álbum del artista, más aún viéndolo desde la distancia, resultó un retorno esplendoroso.

El álbum fue grabado en secreto en Nueva York desde 2010 a 2012 y producido por Tony Visconti, quien había trabajado anteriormente con Bowie en trabajos como The Man Who Sold the World (1970), Heroes (1977) o Scary Monsters (1980), entre otros.

La portada del álbum, con la versión digamos "censurada" de la del "Heroes" de 1977, delata ya de inicio ese regusto melancólico que, de manera más o menos intencionada, va derramando su escucha. Y eso que su título debería indicar lo contrario, un "el día siguiente" que más parece una declaración de intenciones que una realidad asumida. 

El disco se lanzó oficialmente el 8 de marzo de 2013 y se abre con el garajero tema titular, una mezcla entre canción de empoderamiento con auto-reivindicación incluida y crítica voraz a la iglesia aderezado todo con un provocador videoclip no apto para beatos ni aprensivos. Precisamente el bar de copas dónde se ubica la acción podría ser escenario perfecto para "Dirty Boys", una especie de sucio blues exhalando neblina tabaquera de antro por un tubo, sobre todo durante su estrofa. En el estribillo el binomio saxo y guitarra se destensan un pelín aunque sin desprenderse del todo de su halo depresivo.

"The Stars (Are Out Tonight)" fue el segundo sencillo de The Next Day y mi canción favorita del conjunto. Una barbaridad, con esa línea de bajo cadenciosa, orquestación sutil pero determinante y desafiantes guitarras disparando riffs a diestro y siniestro. Una crítica al famoseo y lo que le rodea con otro videoclip para el recuerdo, lo puedes degustar a pie de página junto a los de los otros sencillos del disco ordenados cronológicamente respecto a sus lanzamientos. 

La letra de "Love is Lost" delata que Bowie se enfrenta a la vejez con una  mezcla entre resignación y espíritu de lucha ante los problemas de salud que venía arrastrando y los que desgraciadamente habrían de llegar en breve: <<Say goodbye to the thrills of life. Where love was good, no love was bad. Wave goodbye to the life without pain / Dile adiós a las emociones de la vida. Donde el amor era bueno, ningún amor era malo. Despídete de la vida sin dolor>>. La intervención del órgano vistiendo su machacón ritmo es de traca. La pista se presentó como quinto single con una deslumbrante versión de James Murphy (LCD Soundsystem), puedes disfrutarla junto a todos los videoclips oficiales que generó este discazo a pie de página.

"Where Are We Now?", la que fuera single presentación del disco, evoca un nostálgico paseo por las calles del Berlín que paseara DAVID BOWIE entre 1976 y 1978. La primera balada del álbum, emotiva, lánguida hasta que en su parte final remonta con ese redoble de batería junto al balsámico solo de guitarra a modo de luz esperanzadora. 

El 14 de febrero de 1929 tuvo lugar lo que se conoce como La Matanza de San Valentín, una  masacre ordenada al parecer por Al Capone. Este podría ser el punto de partida de "Valentine's Day", el que fuera cuarto single de The Next Day, sirviéndole para criticar el uso abusivo y descontrolado de las armas que originan continuas desgracias, como el tiroteo en la escuela que parece protagonizar Valentine en el corte. Estamos ante la canción más comercial del disco y a la vez la más bipolar, al chocar de frente la sombría temática con sus encantadoras notas.        

La poderosa "If You Can See Me" es la pista más experimental del conjunto, descendiente directo del legado noventero de Bowie. Batería desmelenada, guitarras punzantes, bajo hiriente, sintes sentenciadores, una evolución sin frenos que te dejará entre exhausta y complacida.

La neopsicodelia guitarrera hace su aparición con "I'd Rather Be High" con esa guinda en forma de redoble militar de tambor a la vez que el artista vuelve a cuestionarse la mortalidad: <<I'd rather be flying. I’d rather be dead or out of my head / Preferiría estar volando. Preferiría estar muerto o fuera de mi cabeza>>.

El saxo barítono vuelve por sus fueros con el medio tiempo "Boss of Me". En su ecuador aparece un break salvador que nos deja ver, aunque sea momentáneamente, a través de la bruma que envuelve el corte. Mientras, si cruzaras el "Lust For Life" de Iggy Pop con el "Modern Love" posiblemente te saldría algo muy similar a la trotona "Dancing Out in Space", devolviéndonos a la época 80's de Bowie. En la que seguimos instalados con "How Does the Grass Grow?" y unos sintes lapidarios junto a una revoltosa guitarra eléctrica haciendo de las suyas y algo de doo-wop presentando el estribillo como remate final de un corte inspirado en la Primera Guerra Mundial.

Un riff  guitarrero hard-rock presenta la exaltada "(You Will) Set the World on Fire", la misma guitarra que irá un paso más allá con un solo pasado el segundo minuto, por si no tuviéramos claro su afán de protagonismo en este tema.

IGGY and THE STOOGES, 50 años del "Raw Power" (1973)

El 27 de enero de 1973 se firmaron los Acuerdos de Paz de París con los que se estableció el fin de La Guerra de Vietnam. Un momento histórico que nos sirve para contextualizar el motivo de estas líneas. El 7 de febrero del mismo año vio la luz Raw Power, tercer álbum de IGGY and THE STOOGES, 34 minutos que modelaron el rock retorciéndolo hasta un salvajismo que cimentaría la aparición del punk.

THE STOOGES venían dando zarpazos desde finales de los sesenta con dos discos en la saca, The Stooges (1969) y Fun house (1970), originando leve repercusión mediática pese a lo estimulante y a la postre influyente de su propuesta. Quizás fueran unos incomprendidos, unos avanzados a su tiempo, su discográfica Elektra no les tenía demasiado en cuenta, los conciertos eran demasiado incendiarios, el alcoholismo y la heroína los iba devorando, o todo a la vez. 

En 1971 sin discográfica y hasta las trancas de heroína el futuro musical de IGGY POP no pintaba demasiado bien. Fue entonces cuando David Bowie, ejerciendo de buen samaritano, lo convocó a una reunión en un bar de Nueva York de donde salió la propuesta de grabar un álbum en Londres, entrar en la agencia MainMan Management, de la que era cliente aventajado Bowie, y la oportunidad de que su discográfica Columbia Records lo fichase. A tal efecto Iggy reclutó al último guitarrista de los de Detroit James Williamson y más tarde recuperó a sus antiguos compañeros de banda, Ron (guitarra) y Scott Asheton (batería), miembros fundadores de la misma, para acabar de dar empaque rítmico a su primer trabajo en solitario. Una vez todos juntos de nuevo y Ron renunciando a la guitarra eléctrica para conformarse con el bajo, quedaron de acuerdo en que el nuevo disco tenía que publicarse con la firma IGGY and THE STOOGES.

Raw Power es una explosiva combinación de punk-rock, garage y hard-rock, dándose de ostias con los estilos reinantes en aquella época: el folk y el rock sinfónico. 

La portada del álbum muestra a IGGY POP agarrado al micro, sudoroso, en posición desafiante, puro reflejo del sonido crudo e intenso que se encontramos en su interior. Precisamente su "sonido" fue uno de las cuestiones que incluso aún se discuten hoy en día. La mezcla final fue a cargo de Bowie por imperativo legal del management. En 1997 la discográfica encomendó a Pop que remezclara el trabajo, éste siempre había manifestado que la del Duque Blanco ahogaba la base rítmica, restándole crudeza al Raw Power.

El álbum arranca con "Search and Destroy", una de las canciones más recordadas de la carrera de la banda. Todo un himno punk-rock, abrasiva como el napalm que se menciona en su lírica, salpicada, como en otros momentos del trabajo, de los horrores de La Guerra de Vietnam.

"Gimme Danger" es la primera de las supuestas baladas que les exigiera Columbia Records para poder publicar su nuevo trabajo. Digo lo de "supuestas" porque Iggy y los suyos de eso no entendían, su fuerte era la brutalidad, por lo que les salió lo que les salió. Es como un pura sangre preso de la silla de montar y estribos a punto de despojarse en cualquier momento de sus ataduras parar empezar a galopar libre por la pradera.   

Si hay otro momento realmente de "fuerza bruta" en el disco éste es "Your Pretty Face is Going to Hell", uno de los cortes más feroces del conjunto con esas guitarras desbocadas, machacona batería y La Iguana con la voz más desgarrada de su carrera.

La cara A del L.P. se cierra con la sugestiva y alucinógena "Penetration" y ese adictivo riff blusero de guitarra ejerciendo de juguete sexual con el que acompañar la consumación de la atmósfera lasciva que transmite.   

"Raw Power" es pura locura, con un piano percutor, por momentos parece que IGGY POP se hubiera travestido de Jerry Lee Lewis. Las hirientes e hipnóticas guitarras acaban de modelar su aureola lisérgica.

The Prodigy, 25 años del salvaje "The Fat Of The Land"

El pasado 30 de junio The Fat Of The Land (XL Recordings, 1997) cumplió 25 años. Estamos en la segunda mitad de los 90, cuando las dos corrientes musicales dominantes en los últimos años, el grunge en Estados Unidos y el brit pop en Gran Bretaña, agonizaban. Mientras las propuestas electrónicas de gente como Björk, Massive Attack, The Chemical Brothers o Fatboy Slim se erigían como alternativas consolidadas, la banda británica PRODIGY preparaba en la sombra una obra maestra con su tercer disco de estudio, el rompedor y provocador The Fat Of The Land. La polémica estaba servida desde el minuto 0 con un título que provenía de una cita de uno de los discursos del líder militar nazi, Hermann Göring.

Dos años antes de que viera la luz otro pilar de la escena electrónica mundial, el Play del norteamericano Moby, la formación capitaneada por Liam Howlett preparaba algunas novedades respecto a las anteriores referencias. Añadía el “The” ante el nombre del grupo “Prodigy” y lo más importante, el que hasta entonces ejercía de bailarín y poco más, Keith Flint, tristemente desaparecido en 2019 a los 49 años, pasaba en ese momento a interpretar 4 de los cortes y a co-escribir 3, entre ellos 2 de los singles. Además con su look y su actitud se convertiría en imagen oficial de la banda. El resto del cuarteto se completaba con el cantante Maxim Reality y el bailarín Leeroy Thornhill.

Prepárate para entrar en una fiesta rave donde no pararás de brincar ni queriendo, con esa estimulante fusión entre big beat, electro-punk, techno-industrial y la madre que les parió ya que estamos ante una brutalidad con unos niveles de sugestión salvaje sonora nunca superados. Un disco que rompió las listas en todo el mundo y que originó que a partir de entonces a Liam Howlett se lo empezaran a rifar gente como Madonna, David Bowie o los U2, a todos dijo que no. THE PRODIGY iban por libre, indomables, sólo así se puede entender haber concebido esa criatura perversa hecho disco.

Arrancamos con "Smack my bitch up", un puñetazo sobre la mesa, con pétrea base dance, salvajes loops y gruesos ritmos big-beat. La escueta letra consiste simplemente en la polémica frase <<Change my pitch up / Smack my bitch up" Cambia mi tono / Golpea a mi perra>>, sacada del tema "Give the drummer some" de los Ultramagnetic MCs, publicado originariamente en 1989. Además, la pista contiene, entre otros samples, uno del tema de principios de los 70's "Funky Man" de Kool And The Gang y otro del "In Memory Of" de 1963 por Randy Weston, conformando la cimentación del tema, una buena muestra de cómo Liam Howlett domina el arte del sampleado. Destaca también el interludio hipnótico de tintes orientales a cargo de la cantante Shahin Badar que consigue con su contribución el momento más plácido del corte, aunque poco a poco se retornará a la inicial dureza rítmica de la canción. "Smack my bitch up" fue el tercer y último single del álbum. Más polémico que la canción aún fue el videoclip, si bien el tema ya había sido calificado de misógeno, a éste se añadía un soporte visual donde se observa a una persona cometer todo tipo de abusos yendo hasta arriba de alcohol y drogas, con un comportamiento ultra-violento y protagonizando escenas de sexo. Cuando se descubre la identidad del protagonista, ojo que  viene spoiler: resulta ser una mujer. 

Llega lo que fue segundo single del álbum, "Breathe". Sin tiempo material para recuperar el cuerpo tropezamos con otro tema para poner la casa boca abajo. Su abrasiva introducción pronto deja paso a un sonido sucio, frenético y con durillas bases de percusión donde Keith Flint y Maxim Reality protagonizan un sonado enfrentamiento vocal. Puede palparse la tensión y el dramatismo que ambienta toda la escucha. Con "Breathe" el grupo encamina la electrónica hacia terrenos antes reservados únicamente al rock, con una aureola muy industrial, convirtiéndolo en el hit con mayor repercusión en la carrera de los de Essex.

La contuntente "Diesel power" contiene la colaboración del rapero Kool Keith. Los PRODIGY siempre tuvieron cierta atracción por el hip hop y aquí lo manifiestan una vez más, permitiéndole emplearse a fondo con una pesada base electrónica de acompañamiento. Esta vez las revoluciones bajan y estamos ante un tema más detallista que utiliza un sample de percusión del tema de 1976 "The Fuz and Da Boog" de Fuzzy Haskins, dándole un toquecito funky a la canción.

"Funky shit" es uno de los temas más bailables del álbum. Estamos ante una auténtica bomba rítmica de cinco minutos en la que el Sr. Howlett demuestra porque THE PRODIGY son sin duda los putos amos del big beat de los 90, con permiso de The Chemical Brothers, claro. La escasa letra de la canción, este <<oh my god, that's the funky shit!>> está sampleada del corte de los Beastie Boys de 1995 "Root down". Curiosamente fue con este grupo con el que tuvieron la famosa polémica en el Reading Festival de 1998 a propósito del "Smack my bitch up": los Beastie Boys les pidieron que no la tocaran por ofensiva a lo que los británicos hicieron caso omiso e incluso se recrearon en su interpretación.

Con "Serial thrilla" llega uno de los momentos más punk del álbum, cortesía de Keith Flint, que estaba dispuesto a ganarse todo el protagonismo que no tuvo en los anteriores discos del grupo. Aquí pone sobre la parrilla su lado más agresivo con un fondo de contundentes guitarras que tienen como base un sample del tema "Selling Jesus" de Skun Anansie. De hecho, su cantante Skin está acreditada en el tema. A este fondo punk se unen unos penetrantes loops, scratchings y ruiditos varios, creando una atmósfera oscura y áspera.

La segunda mitad del álbum se abre con "Mindfields", una pista con carácter más experimental y espacial. Aquí la escasa parte vocal corre a cargo de Maxim Reality, que firma el tema junto con Howlett creando un ambiente desapacible, con un gancho muy efectivo en ese misterioso riff que se repite constantemente y que proviene del tema de John Barry "Hip's tip" de la banda sonora de la peli de James Bond de 1974 "El hombre de la pistola de oro".

"Narayan" es la más top entre las grandes composiciones calidoscópicas que contiene este discazo. Howlett sigue en su vena más inquieta y como fruto le sale una auténtica obra de orfebrería electrónica. Se extiende hasta los nueve minutos abriéndose con unas sinuosas líneas de sintetizador que ayudan a potenciar el misterioso ambiente de la canción. Tras este comienzo se lanza una batería de ritmos big beat creando un ambiente vertiginoso, como si estuviéramos corriendo escapando de alguien. Mientras tanto se apunta a la fiesta el cantante de los Kula Shaker, Crispian Mills. Hacia la mitad del tema hay un break que se asemeja a un mantra oriental, relajando por unos momentos la intensidad de la canción. Será un espejismo, enseguida volveremos a la carga. Hacia el minuto 7 parece que esta vez si que concluye pero se vuelve a reavivar para acabar con todo hasta el final. No sin antes pasar por otros pequeños breaks de por medio, una brutalidad de tema que, pese a su extensión, no afloja en ningún momento. 

El primer avance del álbum fue "Firestarter", presentación en sociedad del nuevo rol en la banda de Keith Flint, pasando de ser mero figurante a parte fundamental de la misma. Estamos ante un tema que podríamos considerar sin problemas una de las cimas de esta electrónica hardcore y poco amable que proyectaron los THE PRODIGY. Su abrasivo sonido punk conseguiría que un grupo techno fuera visto con buenos ojos hasta por los hinchas del metal, como muestra la canción sería versionada por grupos como SEPULTURA o KISS. Entre los samples utilizados tenemos elementos del tema de 1993 "SOS" de The Breeders y el famoso grito "hey" del tema "Close (to the edit)" de los The Art Of Noise. Contaría con un impactante vídeo en blanco y negro donde Flint se debate entre la piromanía y la pura locura. Fue un exitazo mundial, disparando la popularidad de la banda con el Sr. Flint como cara visible de la misma.

Blacanova, "¿Cómo ve el mundo un caballo?" (El Genio Equivocado, 2012) 10º aniversario

Septiembre siempre ha sido bastante bipolar, quizás imperando el estado depresivo al obligarnos a despedir la luminosidad estival y todo lo que conlleva para retornar a lo soporífero de la rutina diaria. Pero también nos obsequia con su vertiente esperanzadora, algo así como un resurgir, una renovación de votos a la vez que se va diluyendo el sofocante bochorno y nos dejamos abrazar por la reconfortante rebequita, aunque esta se nos haga cada vez más remolona. En el caso de la banda sevillana BLACANOVA podríamos extrapolar dicha dicotomía ya que fue el mes dónde tuvo lugar el lanzamiento del que fuera su segundo y a la postre obra cumbre ¿Cómo ve el mundo un caballo? (El Genio Equivocado, 2012), pero a la vez cuándo nos dejó en 2021 su máximo ideólogo Paco Arenas. Un año después en su memoria se celebró el Festival I Sevilla Shoegaze, por tema de disponibilidad de la sala coincidiendo también en septiembre, concretamente un día después del aniversario de tan triste acontecimiento.

Con estas líneas celebramos el décimo aniversario de la publicación de este discazo, uno de los primeros del sello El Genio Equivocado, aprovecho para felicitar a esta estimulante discográfica por estos diez años de prolífica producción que nos han regalado y que vengan muchos más. Pero sobre todo quisiera que sirviese como homenaje a la figura de Paco, referente indiscutible en esa maravillosa escena shoegaze y dream-pop sevillana que tantas alegrías nos ha dado en los últimos 15 años. Nos deja su legado humano y musical, tanto en BLACANOVA como en los dos grupos de los que formó parte tras su disolución: Beladrone y Martes Niebla.

Manuel Begines, Pepe Fernández, Cristian Bohórquez, Inés Olalla, Armando Jiménez y Paco Arenas arrancan ¿Cómo ve el mundo un caballo? con la maravillosa "Checoslovaquia", dedicada, pese a su título, a la ciudad inglesa de Gloucester y sus vecinos más turbadoramente afamados: el matrimonio formado por los asesinos en serie Fred y Rose West. Antes de avanzar más en el trabajo quizás sería el momento de destacar uno de los rasgos más distintivos de BLACANOVA y que nos acompañará durante toda la escucha, su perturbadora y macabra lírica. Es igual que los ritmos sean más o menos oscuros, la inspirada letra se mantendrá siempre en niveles altos de desasosiego. Se le suma lo inquietante de la portada "¿Cómo ve el mundo un caballo?", con la imagen de uno de los miembros del grupo de niño con un ojo de caballo. En el "corte", nunca mejor dicho, inicio ya hemos desvelado por donde va el asunto, acompañando esas guitarras puntillosas, bajo pulsómetro, percusión sombría que luego derivará en explosiva, sintes sutilmente fantasmales abrazando la voz de  Armando, marcada de cerca por los coros de Inés.

Aumentamos aún si cabe el nivel de inquietud con la aterradora "Cine de verano", lo que parece un homenaje al cine slasher de los 80's. Primero aderezado por una percusión a modo del tic-tac de un lúgrube reloj de esos antiguos de pared. Luego se irá jugueteando entre el ralentice y el aligere, acentuado a partir de su ecuador, con unas guitarras shoegaze que se desbocarán a medida que nos acerquemos al ocaso del tema.

 
En "El pulmón artificial" Inés más que cantar parece que nos susurre a modo de canto de sirena, acompañando su reiterativo desarrollo in crescendo hasta que alcanzando el summum de épica, bordeando los 3 minutos, detiene su ímpetu para encarar sosegadamente su conclusión.

"El abrigo" (videoclip a pie de página) es, a nivel de sonido junto a "Invertebrados", la más luminosa del conjunto, aunque se debata entre la lírica sombría de su estrofa abrazada por esa percusión trotona y exquisito riff guitarrero, y lo más resplandeciente de su estribillo. Jugando a poli bueno y poli malo, Armando sería el segundo y Inés ejercería de hada buena, aunque viniendo de BLACANOVA yo no me fiaría demasiado, mira cómo se manifiesta en su segunda aparición: <<me quedan dos minutos para encender todas las luces, al que se mueva primero será al primero que fulminemos. Para los que sobrevivan tenemos cromos de animales y un libro para aprender a rezar: 'mi cuello no era el final'>>.   

La atmósfera en "La Migala" ya de por sí angustiosa, se vuelve totalmente irrespirable a la señal del bajo en su sobrecogedor tramo final. Menos mal que llega "Invertebrados" para rebajar lo viciado del ambiente, al menos rítmicamente porque BLANCANOVA siguen erre que erre a lo suyo: <<podrás lanzarme al huevo del ascensor de una patada o dos, clavarme un punzón, cortarme un tendón, podrás darme  pan con cuchillas de afeitar pero al llegar agosto hay playa y mucho más>>. Ese delicioso estribillo instrumental ultra-melódico junto a la culminación en su último minuto, con desmelenado solo guitarrero incluido, son los fuegos artificiales para otra sugestiva pista de los sevillanos.

FLOR Y NATA - "30 años no son nada - 30 anys no són res" (2016)

El sello FLOR Y NATA RECORDS cumple 30 años y lo celebra publicando un recopilatorio muy especial de su catálogo de artistas, 30 años no son nada - 30 anys no són res (2016). 

El cumpleañero en esta ocasión es quién hace el regalo ya que además puedes descargarte el álbum de manera gratuita clicando en un enlace que encontrarás al final de la entrevista que hemos realizado a su director Ernest Casals:

Primero de todo felicitarte Ernest por estos 30 años de trayectoria al frente de uno de los sellos convertido en referencia obligada a la hora de sopesar el estado de gracia musical estatal. 

¿Cual es el balance global del camino recorrido?

Agradecerte la felicitación por la trayectoria, que no hubiera sido posible sin la implicación de muchos grupos y artistas con los que hemos trabajado, ni tampoco sin muchos medios de comunicación que a veces os habéis implicado más allá de la difusión de las músicas que hemos defendido. Muchas veces nos enseñais y ampliais las trayectorias de los propios intérpretes. 

El balance humano es muy positivo, hemos conocido a creativos con ideas que nos han aportado mucho. Con el paso del tiempo te das cuenta que ha sido muy grato trabajar con la mayoría de artistas.

El catálogo de FLOR Y NATA es bastante variado, algo así como un menú degustación en el que al final quedas más que saciado. ¿Qué criterio aplicas a  la hora de elegir a los artistas?

Jajaja...si, como un selecto buffet de un buen restaurante, puedes degustar el estilo musical que más te apetezca... jajaja! No nos gusta que se nos encasille en un estilo musical único, somos casi tan creativos como nuestros artistas. Los criterios de selección son muy primitivos, tienen que ver más con sentimientos y compartir experiencias que con las tablas de cálculo económicas y las estadísticas de probabilidades.

Para un sello las ventas de sus discos serían básicas, en un momento el que es tan complicado que la gente se gaste un dinerito en soporte físico o digital, ¿cómo lo hacéis para seguir adelante?

Las ventas de los discos físicos y las grabaciones digitales no pueden ser la única fuente de ingresos. Lo son también los porcentajes en ventas de directos y taquillas en eventos. Hay que añadir los ingresos por los derechos de los usos de las canciones y/o grabaciones. Hemos tenido que ampliar abanico y damos servicios varios a proyectos que no pueden o no desean trabajar conjuntamente en un record label. Las ventas de discos físicos a través de las tiendas de discos ya no suponen un porcentaje importante de los ingresos, están muy mermadas, las que existen se realizan en los conciertos a través de las propias bandas.

Ernest Casals

"Música Crónica" de SALVADOR TÓXICO para MUSICRONÍ2ATE!

Cuando empezamos con los preparativos del disco MUSICRONÍ2ATE! (clica encima para acceder y descargar) éramos plenamente conscientes del reto que asumíamos en reunir 20 canciones inéditas para una causa benéfica, pero la ilusión era tal que no dudamos ni un segundo que pudiera convertirse en realidad. 

Una vez estrenado el disco el pasado 20 de enero, aún no damos crédito de la grandiosa respuesta por parte de un puñado de artistas del panorama independiente estatal, a los que estaremos eternamente agradecidos.

Menos aún esperábamos que una de las canciones tuviera el mismo nombre que el de nuestro portal. "Música Crónica" es el temazo con el que SALVADOR TÓXICO, alter ego de Javier Castellanos, ha contribuido magistralmente al disco digital que donará la recaudación íntegra de sus descargas a la asociación AFANOC (niños con cáncer). Entra en el siguiente enlace y dale al "Buy Now", sólo te llevará unos segundos y 5€; a cambio obtendrás un discazo con 20 canciones inéditas, muchas creadas especialmente para la ocasión, y la satisfacción de contribuir a la lucha contra la enfermedad: http://musicacronica.bandcamp.com/album/musicron-2ate.

Celebración "20 Aniversario" MONDO SONORO (10 OCT Razzmatazz-Barcelona)

Miles de piernas botando y otros tantos brazos en alto cervezas en mano. Hacía tiempo que no me empapaban tanto la camiseta de cebada como el pasado viernes 10 de octubre. En Razzmatazz no cabía un alfiler, normal, y es que la celebración del 20 Aniversario de la revista Mondo Sonoro no podía esperarse de otro modo, entradas agotadísimas con cuatro grandes en escena.

Standstill

Por orden de aparición, Standstill, Dorian, Love of Lesbian y Sidonie, firmaron una actuación que nos atrevemos a calificar ya como histórica. Así lo dejo claro ya desde el inicio Enric Montefusco, frontman de Standstill: “Hoy es una noche realmente especial”.  Vaya si lo fue. En su turno inicial Standstill con “Por que me llamas a estas horas?” de su álbum Vivalaguerra (2006) provocó uno de los incontables subidones de la noche, reservándose su carta más alta para el final…

ARCANA HAS SOUL & Friends, 04OCT sala El Sol (Madrid)

Estamos especialmente contentos por esta celebración a la que hacemos referencia ya que se trata de una banda que nos encanta y con la que además tenemos un feeling especial. 

ARCANA HAS SOUL celebra este sábado 4 de Octubre en la sala El Sol (Madrid) el primer aniversario de su 2º LP Easy Living Room  (2013) (Disco Recomendado de la Semana en Música Crónica tan pronto vio la luz) con un directo rodeado de buenos amigos y músicos por lo que han decidido bautizar este concierto como ARCANA HAS SOUL & FRIENDS.

El grupo no quería ofrecer un concierto más, quería algo especial y poco a poco se ha ido fraguando un cartel realmente espectacular, tutelado en todo momento por la oficina de management del grupo, Play Producciones y con la inestimable colaboración de la web musical www.eldetonador.com y de los siguientes artistas que participarán en esta fiesta concierto:

Presentamos el segundo single de nuestro disco "Música Crónica 1st Year"

Después del "Broken Heart" de A Quiet Man ha llegado la hora de presentar el segundo single del disco celebración de nuestro primer aniversario, Música Crónica 1st Year. Se trata del Remix que nos ha regalado Juanimisterfly del "My Sweet Temptation" de su banda Conmutadores.

Todo un hitazo rompepistas para empezar de manera inmejorable la semana. Podéis descargarlo gratuitamente desde Soundcloud o con el resto de las 33 canciones que componen el disco desde nuestro Bandcamp:

25 Aniversario ELEFANT RECORDS, primeras referencias conmemorativas

ELEFANT RECORDS
25 ANIVERSARIO [1989-2014]

"25 años con Elefant Records"

Primeras referencias del 25 aniversario: 

Varios Homenaje a FAMILY [LP / CD Digipak /Album Digital]

"Un Soplo En El Corazón De Elefant" ER-25-002 


FAMILY "Un Soplo En El Corazón" [LP]

[Edición vinilo 25 aniversario Elefant] ER-25-001 

Para para festejar estos 25 años de absoluta locura vamos a publicar 25 referencias muy especiales. Discos nuevos, reediciones en vinilo, recopilatorios y algún que otro producto especial. Estamos preparando un homenaje a LE MANS, “25 canciones de LE MANS” versioneadas por alguno de nuestros grupos favoritos, también un recopilatorio de 25 canciones favoritas de los últimos meses de grupos de otros sellos, el recopilatorio “Hong Kong” que nunca llego a salir y alguna reedición de LA CASA AZUL o LOS FLECHAZOS por ejemplo. Las 25 referencias las iremos publicando a lo largo de 2014 y 2015, que hay muchos discos nuevos previstos para 2014 (LA CASA AZUL, LA BIEN QUERIDA,  PAPA TOPO, THE PRIMITIVES, SINGLE, THE YEARNING...) y tenemos que ir poco a poco.

Estreno disco I ANIVERSARIO MÚSICA CRÓNICA en el día de nuestro cumpleaños

Hoy es un día muy especial para Música Crónica y deseamos compartirlo con vosotros como parte fundamental de este proyecto y razón básica de nuestra presencia. Estamos abrumados ante la complicidad y el apoyo que nos habéis demostrado durante este primer año de vida, por eso queremos regalaros un álbum muy especial con 33 canciones (descarga gratuita) que nos han cedido muy generosamente otros tantos artistazos del panorama independiente estatal e incluso internacional. 

No estamos ante un recopilatorio al uso. Además de una selección de fantásticos cortes publicados ya con anterioridad se encuentra el tema inédito y single presentación "Broken Heart" de A Quiet Man; el Remix especial para la ocasión "My Sweet Temptation" de Conmutadores, la versión acústica que solo se podrá escuchar en este disco "Shiny Day" de Steven Munar & The Miracle Band y el adelanto de la versión álbum del single "Nueva vida" de Orange Broek.