MUJERES - "Es un dolor inexplicable" (Sonido Muchacho, 2026)

Yendo sin frenos hacia los veinte años de carrera MUJERES presentan séptimo álbum de estudio con Es un dolor inexplicable (Sonido Muchacho, 2026). Ese "dolor" al que hacen referencia es el que les produce el desquiciante panorama actual que nos toca soportar.

Yago Alcover (voz y guitarra), Arnau Sanz (batería) y Pol Rodellar (bajista) siguen inmersos en su mejor momento creativo sin rebajar ni una gota su pegada rocanrolera. Como muestra sacan pecho con el tridente inicial de su nuevo álbum, tres singles directos a la yugular.  

En los dos primeros temas llevan el acelerador pisado a fondo, como teniendo prisa por encandilar al respetable. Y lo consiguen con himnos incontestables como la inicial "Alucinante" y ese órgano retro abanderando la fortaleza ante los obstáculos vitales. El último verso parece encerrar el concepto del trabajo: <<Siempre caigo hacia delante, nunca nada se detiene. La velocidad es constante y acabo pensado que siempre voy hacia atrás>>. Eso sí, hay que festejar hasta las penas, que la vida son dos días: <<Es un nuevo amanecer, y si todo arde celebraré el gran estallido, todo lo que se ha perdido>>.

No abandonamos el modo resistencia con la garajera "Caen imperios" y ese mágico break en su ecuador a modo de sugestiva antesala para el empoderador e hiper coreable cierre: <<Seguiremos, seguiremos existiendo... seguiremos aunque nos olviden los que fueron un recuerdo eterno para ti>>.

Cerramos el trío de ases de bienvenida con la agridulce "Después destello" (videoclip insertado a pie de página) y unos punteos guitarreros de apertura preparando el terreno para esos ecos surferos culminados por cadenciosos coros, demandando con urgencia tabla y olas mientras intentan atenuar los efectos del final de una relación amorosa. 

Volvemos a coger velocidad con los dos cortes siguentes. El marcado deje rockabilly de "Un golpe" nos conduce hacia el lado punk de MUJERES con los latigazos guitarreros de la visceral "Cristales".

  

La Cara B de Es un dolor inexplicable se despereza con su melódica canción homónima. El bajo, especialmente jefe en esta ocasión, parece querer rescatarnos del abismo. Nadie dijo que fuera fácil aunque con las notas de canciones tan redondas como esta seguro resulta más sencillo.

"Canción de amor" con ese aire beat sesentero endulzando un fracaso sentimental nos lleva de la mano hacia "Existen heridas". Cuatro minutos en los que el abatimiento se entrelaza con la esperanza, rematado de manera esplendorosa con ese cambio en su mitad para ir de manera instrumental con todo hasta su ocaso.

La melancólica "El verano" y esa especie de intro con sutil distorsión guitarrera creando unas espectativas que cumple con creces. Lleva incorporado un guiño al título del disco cuando nombra en su cierre: <<Es un dolor que es difícil de explicar>>.

JOAN QUERALT & THE SEASICKS - "The Tales of AI Bizarre Metaverse Club" (Cielos estrellados, 2024)

Después de cinco álbumes en su haber JOAN QUERALT regresa, tras seis años de su anterior lanzamiento, con The Tales of AI Bizarre Metaverse Club (Cielos estrellados, 2024). Lo hace con ánimos reconvados, acompañado de la banda THE SEASICKS compuesta por Blanca Cereceda (bajista), Edgar Vidal (guitarrista) y Mark Ullod (baterista). Con este equipo titular Joan ha querido rascar al máximo en la producción hasta dejar el resultado lo más crudo y orgánico posible. Ha trasladado el concepto de poner en valor la sencillez y lo auténtico, además de al proceso de composición y grabación, también a nivel de mensaje, reivindicando la condición humana con todas sus virtudes y defectos frente a la invasión de la perfección digital, culminada con la llegada de la IA.

The Tales of AI Bizarre Metaverse Club arranca con "The Denial", el que fuera tercer avance del disco, un corte garajero que pone los puntos sobre las ies ya desde el minuto 0 del trabajo con una marcada actitud rockera que imperará durante toda la escucha.

El juguetón medio tiempo "What You Really Wanna" nos conduce a "Love Divine" (videoclip insertado a pie de página) y su blues-rock cargadito de canalleo con unas guitarras que se van desmelenando a medida que nos aproximamos al ocaso del corte.

La balada "Heal The Pain" cierra la cara A del vinilo de manera monumental con su halo de melancolía vestido por un aterciopelado binomio guitarra/bajo enmarcando uno de los momentos culminantes de The Tales of AI Bizarre Metaverse Club.

La radiante "Vending Machine" es muy The Strokes, con un bajo y batería reivindicando su protagonismo en un corte que hace referencia a la máquina de vending que había en el antiguo local de ensayo de la banda. Parece ser que era poco fiable, timando constantemente a sus usuarios.

El bajo ahora sí que se acaba de reivindicar con la grungera "Sue Me". La guitarra tampoco se queda coja con sus adictivos riffs, pero es que rondando el segundo minuto al primero parece que se lo haya agenciado definitivamente el Peter Hook de los Joy Division, agrandando si cabe la aureola de temazo.

MUJERES - "Desde Flores y Entrañas" (Sonido Muchacho, 2023)

Con seis álbumes en quince años de carrera MUJERES siguen tozudos a lo suyo, fabricando buenas canciones, ahora además en formato doble LP con Desde Flores y Entrañas (Sonido Muchacho, 2023).

 

Yago Alcover (voz y guitarra), Arnau Sanz (batería) y Pol Rodellar (bajista) regresan en formato largo tras un disco tan redondo como Siento Muerte (2020) sin rebajar ni un ápice su inspiración garajera con sabor añejo vistiendo lírica generacional bien surtida de experiencias vitales, de victorias y derrotas cotidianas. Precisamente el corte que abre el melón de la escucha se titula así: "Las Victorias y Derrotas". Un órgano ensoñador nos da la bienvenida para enseguida entrar como elefante en cacharrería esa maquinaria bien engrasada de bajo, guitarra y bateria que conforman los barceloneses. Estimulante rockabilly como apertura de álbum, con un giro hacia el segundo minuto coincidiendo con la entrada al tramo final del corte, poniendo una marcha más en el camino de la banda hacia el deslumbre.  

Lo de que MUJERES nos tienen acostumbrados a estribillos rotundos es bien sabido pero es que en las estrofas tambien se suelen salir. Una muestra más la tenemos con "Se avecina una herida" y esa nerviosa batería como directora de orquesta. Pero es que luego nos sobreviene otra vez un brillante minuto y medio de cierre rematándonos del placer, aspecto reincidente en otros momentos del disco.

Un incendiario riff guitarrero abre "No puedo más", el single más definitivo de Desde Flores y Entrañas con un estribillo tan angustioso como incontestable, coreable seguro hasta el desgañite en los salvajes directos del trio.

El sosegado interludio "Cuando lágrimas arden" nos conducen de la mano hacia la surfera "Una consecuencia extraña" para llegar a la bipolar "Si piensas en mí" (videoclip insertado a pie de página). Nótese la evidente dicotomía entre los coros y los bucólicos teclados del arranque respecto a esa intensa evolución entrando en el primer minuto de corte. El solo de bajo en el ecuador del tema es de traca, firmando otro momento de gloria en el trabajo.

  

Nos ponemos más tiernos que un Teletubbie con "Diciendo que me quieres" y es que Yago, Arnau y Pol también tienen tienen su corazoncito, además con unos coros rozando el duduá que matan del gusto. Si hay una banda que sabe cerrar una canción sobradísimos de inspiración esta es MUJERES, abrazando unos versos lapidarios: <<Todo el mundo sabe que te quiero, todo el mundo lo tiene que saber>>. Habrá más baladas en el ábum, como la acústica "Como una bendición" y ese latente sutil increscendo de batería en su segunda mitad. "Temporal sentimental" también se mantendría en zona calmosa junto a la nostágica "Una pasión concreta". 

Los sabores a música beat sesentera son característicos en la formación y "Solamente es brutal" no sería mal ejemplo. El nervioso pop guitarrero también es marca de la casa y seguirá campando a sus anchas en la 3ª y 4ª cara del doble álbum con "La emoción y los sentidos", "Por lo visto ya da igual", "Se contempla una opción" y "Doblemente mal".

El ocaso de Desde Flores y Entrañas lo protagoniza la maravillosamente sorprendente "Horizontal en llamas", precisamente conteniendo el título del disco entre sus notas. Digo lo de "sorprendente" por su naturaleza minimalista con gran empaque electrónico contenido, aspecto poco frecuente en las composiciones de MUJERES. Esos sugestivos teclados nos transmiten dulzura balsámica, vistiendo una exquisita lírica, vale la pena despedirnos con ella: <<Hay una cosa que nunca te conté, sería como volver a nacer. Volver a sentirte, volverte a perder. Una maniobra en que sólo volver a volver y volver a volver. Desde flores y entrañas trataré, centrándome en lo que ahora es. Antaño era presente, mañana también y más adelante seguirá habiendo gente>>.

BELAKO - "Sigo regando" (BMG, 2023)

BELAKO están de vuelta. Cris Lizarraga (voz y teclados), los hermanos Josu  (guitarra y voz) y Lore Billelabeitia (bajo) junto a Lander Zalakain (batería) ya tienen quinto álbum en la saca con Sigo regando (BMG, 2023). El cuarteto de Mungia (Vizcaya) lo han vuelto a hacer pero distinto, una vez más emocionando, cautivando pero también sorprendiendo inyectando, aún más si cabe, heterogeneidad sonora a un proyecto, ahora ya sí, imposible de etiquetar.

Su ideología y filosofía de vida siguen inalterables y se muestran cristalinos ya desde "Dump" que arranca el álbum con frases como: <<Here is a thought for all you dumbs. Why don’t you leave us alone, we’ve been too compliant for so long, it was about time we shut your mouths. We speak our truths and yet you find a way to still stand in our way (Aquí hay un pensamiento para todos los tontos. ¿Por qué no nos dejas en paz? Hemos sido demasiado complacientes durante tanto tiempo, ya era hora de que cerráramos la boca. Decimos nuestras verdades y aún así encuentras una manera de interponerte en nuestro camino)>>. Todo esto aderezado con un piano muy protagonista junto a una sección de cuerdas que aterciopelan la contundencia de su mensaje y de los rasgueos guitarreros de Josu. 

Foto de Lide Billelabeitia

La melancólica "White lies" es pura locura, con esa hipnótica línea de bajo de Lore, muy jefa, armando la vaporosa estrofa hasta llegar al no menos encantador estribillo. Pero es que luego entramos en bosques inexplorados culminando con ese toquecito duduá 50's como guinda para un final apoteósico de corte.

  
Recuperamos el lado más punk del grupo al llegar "Tangerine" con unas guitarras y percusión salvajes, muy de acorde a su contestataria lírica: <<You think I’m impressed, the weight of your foot still all over my chest. My body’s oppressed, a red right fist came from nowhere to be seen (Crees que estoy impresionado, el peso de tu pie todavía sobre todo mi pecho. Mi cuerpo esta oprimido, un puño derecho rojo apareció de la nada y se vio)>>.

La sombría "Saguzarren kanta" con bajo y electrónica marcando el pulso desde el inicio hasta que se unen a la fiesta la guitarra y batería. La voz de Cris luce especialmente pasando sin despeinarse desde el murmullo hasta el grito pelado en otro corte desarmante de los vizcaínos.

 
El riff del binomio guitarra/bajo en "Flower Trouble" nos teletransporta a los mejores The Strokes, el bajo luego irá transitando por libre reivindicando aún más protagonismo. Su mensaje no es ajeno al panorama social en el que nos toca sobrevivir: <<But personal is politics. How can we not be judgemental when everyone around is going mental (Pero lo personal es política. ¿Cómo no juzgar cuando todo el mundo a nuestro alrededor se está volviendo loco?)>>. Esos coros fantasmales y una especie de sonido de alarma oyéndose por lo bajini culminaran una bestialidad más de pista contenida en Sigo regando.

Seguimos sobrados de sugestión con "Orein Orain", uno de los pocos momentos de calma chicha del álbum. El poso jazzístico y la languidez de los coros compartirán estancia con su progresiva evolución y ese vocoder como maestro de ceremonias en la apertura y ocaso del tema. ¿Quién da más?

La última parte hasta la fecha de la trilogía cetacea "Hegodun Baleak III" resulta la más luminosa con diferencia del pack, arrimándose al pop aunque purule cierto desgarro por entre las notas vocales de Josu. Unos coros ensoñadores le ponen el lazo de regalo.

 
Cuidado con "Sangre total" (videoclip insertado a pie de página) que pica, pero ya sabes aquello que "sarna con gusto...". Inquietante como ella sola, interpeladora con versos como: <<Y si tengo que ver como me ven los ojos de la gente, tengo miedo de no gustarme pero prefiero no aburrirme. Sólo sé que me divierte verle la cara a quien le escuece>>. Una especie de kraut-rock alucinógeno con Josu y Cris marcándose un fraticida dueto al micro mientras la guitarra y bajo van haciendo de las suyas entrando en una vorágine de deleitoso caos que te noqueará del gusto. Su primera incursión en el idioma de Cervantes no podía ser más arrebatadora.

SHEGO - "Suerte, chica" (Ernie Records, 2023)

Hubo un momento en el que en Madrid cuatro amigas decidieron formar una banda y llamarse SHEGO en honor a la serie de animación Kim Possible. De esta manera Maite Gallardo, Raquel Cerro, Irene Garrido y Aroa Elvira pudieron proyectar como equipo su movida amalgama de frescura y desparpajo bañadas en ritmos punk, lo-fi y pop. Irene y Aroa a la vez lo van compaginando con sus proyectos en solitario como IRENEGARRY y AROA AY respectivamente.

Durante 2020 publican 3 singles y a mediados del 2021 el EP Tantos chicos y tan poco tiempo. Antes del lanzamiento de su nuevo álbum Irene deja la banda y se incorpora en su lugar Charlotte. La nueva alineación debuta en formato largo con Suerte, chica (Ernie Records, 2023), bueno, no tan largo, con 20 minutos tienen más que suficiente para dejarnos adictos perdidos a su rollazo.  

El álbum arranca con "Siendo mala", la más breve del conjunto con sus desgarradores minuto y veinte segundos. Funcionan a modo de intro desarmante con ese sutil increscendo enrabietándose hasta parar su ímpetu en seco, a nada de la caída en el pozo más profundo de la depresión.

"Sorry ojitos" nos da la bienvenida con las notas de una calida guitarra surfera en la estrofa para evolucionar hacia un ligero desboque cuando más se acercan al estribillo. Tal como reza su letra al final consiguen llevarnos <<a lo más alto>>.

Foto de Alex Gendro

Si Suerte,chica contiene un hit convertido de primeras en clásico para la joven banda madrileña este es el arrebatador "Qué voy a hacer". Los problemas sentimentales son jodidos pero si los acompañas con una dulce estrofa con sabor rocanrolero 50's demandando coros doo-woop de fondo, seguro se sobrelleva mejor. Luego llega el estribillo y la rabia latente erupciona, se veía venir, son las SHEGO. La colaboración de Natalia Lacunza pone la guinda a un corte todo él delicioso.

La intensidad noise-rock hace su entrada triunfal con "LUCKY" y la culminación de un desamor que ya se adivinaba en el anterior corte. Esa vez sin paños calientes: <<Tienes los ojos tan idos que parece que has muerto, qué raro verte llorar y no sentir nada dentro>>. Brutal, con esas guitarras punzantes, batería percutora, bajo sentenciador y un estribillo que se queda marcado a fuego en tus tímpanos. Por si no tuvieramos suficiente un lánguido break hacia el minuto y medio nos acaba de rematar del gusto.

"Estoy cachonda" son dos canciones en una, ambas con el empoderamiento sexual por bandera. La primera parte en modo lo-fi acústico, la segunda mutando a himno garajero, mostrando una vez más la versatilidad talentosa de las SHEGO.

Aumenta la temperatura y de que manera con "Me lloro toda", transpirando sugestivo deseo carnal por entre las notas del bajo. El estribillo lo tiene claro reiterando: <<Todo todo el día contigo en la cama>>.

IGGY and THE STOOGES, 50 años del "Raw Power" (1973)

El 27 de enero de 1973 se firmaron los Acuerdos de Paz de París con los que se estableció el fin de La Guerra de Vietnam. Un momento histórico que nos sirve para contextualizar el motivo de estas líneas. El 7 de febrero del mismo año vio la luz Raw Power, tercer álbum de IGGY and THE STOOGES, 34 minutos que modelaron el rock retorciéndolo hasta un salvajismo que cimentaría la aparición del punk.

THE STOOGES venían dando zarpazos desde finales de los sesenta con dos discos en la saca, The Stooges (1969) y Fun house (1970), originando leve repercusión mediática pese a lo estimulante y a la postre influyente de su propuesta. Quizás fueran unos incomprendidos, unos avanzados a su tiempo, su discográfica Elektra no les tenía demasiado en cuenta, los conciertos eran demasiado incendiarios, el alcoholismo y la heroína los iba devorando, o todo a la vez. 

En 1971 sin discográfica y hasta las trancas de heroína el futuro musical de IGGY POP no pintaba demasiado bien. Fue entonces cuando David Bowie, ejerciendo de buen samaritano, lo convocó a una reunión en un bar de Nueva York de donde salió la propuesta de grabar un álbum en Londres, entrar en la agencia MainMan Management, de la que era cliente aventajado Bowie, y la oportunidad de que su discográfica Columbia Records lo fichase. A tal efecto Iggy reclutó al último guitarrista de los de Detroit James Williamson y más tarde recuperó a sus antiguos compañeros de banda, Ron (guitarra) y Scott Asheton (batería), miembros fundadores de la misma, para acabar de dar empaque rítmico a su primer trabajo en solitario. Una vez todos juntos de nuevo y Ron renunciando a la guitarra eléctrica para conformarse con el bajo, quedaron de acuerdo en que el nuevo disco tenía que publicarse con la firma IGGY and THE STOOGES.

Raw Power es una explosiva combinación de punk-rock, garage y hard-rock, dándose de ostias con los estilos reinantes en aquella época: el folk y el rock sinfónico. 

La portada del álbum muestra a IGGY POP agarrado al micro, sudoroso, en posición desafiante, puro reflejo del sonido crudo e intenso que se encontramos en su interior. Precisamente su "sonido" fue uno de las cuestiones que incluso aún se discuten hoy en día. La mezcla final fue a cargo de Bowie por imperativo legal del management. En 1997 la discográfica encomendó a Pop que remezclara el trabajo, éste siempre había manifestado que la del Duque Blanco ahogaba la base rítmica, restándole crudeza al Raw Power.

El álbum arranca con "Search and Destroy", una de las canciones más recordadas de la carrera de la banda. Todo un himno punk-rock, abrasiva como el napalm que se menciona en su lírica, salpicada, como en otros momentos del trabajo, de los horrores de La Guerra de Vietnam.

"Gimme Danger" es la primera de las supuestas baladas que les exigiera Columbia Records para poder publicar su nuevo trabajo. Digo lo de "supuestas" porque Iggy y los suyos de eso no entendían, su fuerte era la brutalidad, por lo que les salió lo que les salió. Es como un pura sangre preso de la silla de montar y estribos a punto de despojarse en cualquier momento de sus ataduras parar empezar a galopar libre por la pradera.   

Si hay otro momento realmente de "fuerza bruta" en el disco éste es "Your Pretty Face is Going to Hell", uno de los cortes más feroces del conjunto con esas guitarras desbocadas, machacona batería y La Iguana con la voz más desgarrada de su carrera.

La cara A del L.P. se cierra con la sugestiva y alucinógena "Penetration" y ese adictivo riff blusero de guitarra ejerciendo de juguete sexual con el que acompañar la consumación de la atmósfera lasciva que transmite.   

"Raw Power" es pura locura, con un piano percutor, por momentos parece que IGGY POP se hubiera travestido de Jerry Lee Lewis. Las hirientes e hipnóticas guitarras acaban de modelar su aureola lisérgica.

CHAQUETA DE CHÁNDAL - "Futuro, Tú Antes Molabas" (Bankrobber, 2022)

CHAQUETA DE CHÁNDAL debutaron brillantemente en aquel parece lejano ya 2019 con Gimnasia Menor (Bankrobber) vistiendo con garage, punk-rock y psicodélia su lírica armada de sátira y mala leche al servicio de una ácida crítica del paisaje social actual. Pues bien, Guillem Caballero (voz, teclados y sintes), Natalia Brovedanni (voz y guitarra) y Alfonso Méndez (batería y coros), después de un single doble editado en 2021 vuelven ahora con segundo larga duración, Futuro, Tú Antes Molabas (Bankrobber, 2022). 

El trio ha inyectado más melodía en el nuevo álbum, dulcificando su lado más punkorro aunque sin rebajar ni un ápice su labia contestataria y actitud agitadora. 

"Firme Usted Aquí" arranca el trabajo con insistentes punteos guitarreros junto a ensoñadores sintes, conformando un plácido corte. ¿O no tanto? A partir de su segundo minuto te pasará por encima un break psicodélico de la hostia, pero claro, estamos ante un álbum de CHAQUETA DE CHANDAL, aquí no puedes dar nada por sentado. 

La industria farmacéutica es el blanco de la verborrea de la banda en "Vademécum" (videoclip insertado a pie de página), el que fuera primer avance del álbum. Una coctelera bien agitada de grunge, electropunk, psicodélia, garage... Con cuatro partes diferenciadas, sin estribillo, de estructura simétrica ya que la desbocada intro también les servirá de cierre. Todo en sólo dos minutos y medio de corte (no llega), suficientes para saborear al trio en todo su esplendor.

 

"La Conquista del Champán" le saca los colores a la clase política con ritmos cercanos al kraut-rock abrazando una lírica mordaz: <<hoy prometo mil cosas, mañana prometo otras tantas, luego no cumplo ni una y aquí sigo como si nada. Hoy he salido en la tele con mucha presencia y muy digno, mañana ni tute ni Imserso, ¡mejor un Consejo Administrativo!>>. El intermitente mantra <<no contéis conmigo>> sirve de armazón lírica para otro tema arrebatador de los barceloneses. 

La psicodelia sesentera pide protagonismo con "Tutorial para Villanos", enlazándose prácticamente con la siguiente, "De Mayor Quiero Ser Viejo". Dos canciones tan fascinantes como arrolladoras. La primera incluso ye-ye en su primera parte, para luego entregarse a su lado más lisérgico con la ayuda de unos vientos tan inesperados como decisivos. La segunda alucinógena ya desde su intro instrumental, con una ingeniosa letra aludiendo las presuntas virtudes de un jubilado: <<¿qué quieres ser de mayor? pues viejo y poco más, me seguiré quejando hasta el final. Cuidar bien mi huerto, ir justo de vientre, oler más bien fuerte, hablar con la tele, decir lo que me dé la gana. Taca-taca y dignidad: ¡viva la tercera edad!>>.

"Tú a Boston y Yo a California" me recuerda por momentos a Supertramp por las notas de ese cadencioso órgano añejo. El cambio de ritmo hacia el minuto y medio es de traca. Más perlas para la saca, esta vez dedicada a los bocachanclas sabelotodo.

La oda envenenada al gigante del comercio electrónico "¿Por Qué Lo Llaman Amor Cuando Quieren Decir Bezos?" resulta de las más sosegadas del álbum, una especie de noise-pop ligero con aires psicodélicos, para abrirnos la puerta de par en par al tridente final de cortes de Futuro, Tú Antes Molabas.

Con el interludio "Presos y Políticos y Viceversa" podemos jugar a la repetición de palabras a modo de metáfora con lo que es y lo que se quiera que se crea que sea. No se si me he explicado demasiado bien, cuando la escuches lo entiendes seguro. La utilización del vocoder y los sonidos tipo videoconsola 8 bits hacen el resto.

MUJERES - "Siento Muerte" (Sonido Muchacho, 2020)

Los pinos tienen una estrategia para protegerse de los incendios, producir piñas. Éstas estallan al sentir el fuego y dispersan sus piñones para que, una vez extinguido, puedan renacer en un terreno despejado y rico en nutrientes. La metáfora nos viene fenomenal para lo que transmite el nuevo álbum de los barceloneses MUJERES, a través de la portada del fantástico Siento Muerte (Sonido Muchacho, 2020). El trío se muestra fogoso y enérgico como siempre, pero esta vez con una mayor afectación de la melodía. Como resultado estamos ante el álbum más completo, maduro, brutal, de su década de carrera. 

Garage-punk, power-pop, revisión contemporánea de la música beat... son algunas de las piezas bien engrasadas que arman la maquinaria sonora de MUJERES. En su quinto álbum de estudio siguen la estela marcada por el EP que lanzaron el año pasado Romance Romántico (Sonido Muchacho). Bueno, de hecho ya sentaron las bases de lo que sería su mejor álbum, el presente, con el anterior Un Sentimiento Importante (Sonido Muchacho, 2017), confirmando el castellano como idioma de expresión único e inyectando un plus de poderío armónico a sus composiciones.

Pol, Yago, y Arnau le cantan al desamor en el binomio arranque de álbum, las enormes "Tú y Yo" y "Besos", con demoledores versos en la primera, power-pop guitarrero de quilates: <<Otra vez estoy ahí de vuelta a tu corazón. Una llama que prendió toda la habitación. Quiero llegar a casa y que nunca estés en el mismo lugar.>> Y en la segunda, más cercana al rockabilly: <<Besos, tienes mil besos, pero mujer por qué nunca has querido el mío. Si te digo la verdad ya no puedo entender ni la mitad de lo que sale de tu boca, mujer dime donde está el mío.>>

Seguimos con ritmos de batería trepidantes en la también sureña "Cae la Noche" (videoclip insertado al final de la página), un intento desesperado por salir del atolladero, por resurgir de las cenizas, como con la piña que mencionábamos al principio del artículo. Parece que finalmente si que vamos a salir victoriosos, al menos eso parece indicar "A Veces Golpes", esta vez a ritmo de du duá.

"Un Gesto Brillante" empieza lánguida pero es un espejismo, enseguida se encabrita como cogiendo carrerilla para huir de la relación tóxica a la que se hace referencia. Se menciona por primera vez el título del álbum y es que el peligro es real y hay que poner pies en polvorosa ya.

"Un Documental al Grupo Equivocado" (La Historia de WILLY SPECTOR Y LOS FATUS)

El cineasta Miguel Velilla fue un universitario en Barcelona que coincidió en la residencia de estudiantes con dos oscenses (Guillermo Bruno y Eugenio Ramo), haciendo tan buenas migas como para posteriormente compartir piso durante tres años. Es entonces, hacia 2004 y sin pretenderlo, cuando empieza la gestación de Un Documental al Grupo Equivocado (La Historia de WILLY SPECTOR Y LOS FATUS).

El trabajo muestra durante diez años las penurias, conciertos, juergas, resacas... y fundamentalmente las relaciones interpersonales de los componentes de la banda WILLY SPECTOR Y LOS FATUS, ante todo un grupo de amigos. Se ve como van madurando musicalmente así como con las experiencias de la vida. Durante su metraje Miguel, además de detrás de la cámara, se intuye como un miembro más del grupo. 

La película resulta entretenida y divertida, con momentos incluso delirantes, aunque un poso agridulce siempre ande pululando por ahí. Las pasan canutas pero el ánimo y ganas de pasarlo bien no decae.

Miguel primero estudió Odontología, después en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Catalunya y posteriormente un master en la London Film School de Londres. Su vocación fílmica parece que va ganando el pulso laboral a la médica ya que viene siendo su ocupación desde hace una década. Un Documental al Grupo Equivocado ha pasado ya por varios festivales seleccionado para concurso como en el Portobello Film Festival de Londres. A pie de página tienes su tráiler.

Al igual que le pasó al director del documental, WILLY SPECTOR Y LOS FATUS luchan por su gran pasión, en este caso abrirse camino en el complejo y espinoso mundo de la música. El mensaje queda claro en el cartel publicitario: <<Hay cerca de 65.000 bandas en España. Menos de un 1% van a conseguir vivir de la música. Esta película es para el 99% restante>>.

Hay que encajar lo que en principio empieza como un hobby con los estudios y la subsistencia del día a día. En el caso que nos ocupa los miembros de la banda tienen oficios tan diversos como arquitecto, médico, diseñador gráfico, profesor... aunque la esperanza de llegar a vivir de la música siempre está latente. ¿Quién no desearía hacer lo que realmente le gusta, progresar y llegar a percibir lo suficiente como para poder centrarte al 100% en ello?

El pasado jueves 22/10/20 se estrenó Un Documental al Grupo Equivocado en la plataforma Filmin, puedes verlo en el siguiente enlace. Puedes comprobar todo el espléndido trabajo de Miguel Velilla como realizador en su web.

Yendo hacia el aspecto puramente musical WILLY SPECTOR Y LOS FATUS no son sólo un grupo de descerebrados irreverentes, descarados y soñadores, que también; además son una banda con originalidad y talento a raudales. Su sonido contiene gran poso bailable o más bien brincable, con reminiscencias de gente como LCD Soundsystem o sobre todo Happy Mondays (de hecho Eugenio fue durante muchos años su "Bez" particular con la pandereta), junto a una actitud desaliñada bordeando el punk, bien palpable en sus directos.

BELAKO - "Plastic Drama" (BMG Records, 2020)

Cris (Voz y teclados), Josu (guitarra y voz), Lore (bajo) y Lander (batería) son BELAKO y Plastic Drama (BMG Records 2020) su tremendo cuarto álbum. Cogiendo como punta de lanza el desastre ocasionado por los excesos de consumo y posterior mal reciclado del plástico, BELAKO nos invita con actitud impugnatoria, pero también entonando el mea culpa, a un viaje reflexivo hacia la crítica situación actual del planeta, sociedad, sistema... En contraste con nuestras nimiedades diarias que convertimos en problemas insalvables, mientras perdemos de vista lo realmente importante.

La espera se ha hecho larga, teniendo en cuenta que el lanzamiento estaba para principios de mayo, pero ya sabes, problemillas con un bichito y eso. De todas maneras la banda ha aprovechado bien el tiempo, promocionando el lanzamiento con avances, hasta siete, habiendo desgranado por el camino gran parte del contenido de Plastic Drama. Luego ya visto en conjunto, en ese formato largo que tanto nos gusta y defendemos, han confirmado con creces su enormidad.

"Tie Me Up" abre la caja de Pandora criticando la dependencia yonqui hacia el consumismo del que somos víctimas, pero también verdugos, teniendo en cuenta los desastrosos efectos que se derivan. Una explosión de guitarras inician la escucha para presentar una melódica estrofa que vuelve a encabritarse envolviendo el estribillo, el mismo que aparece camuflado entre rasgueos guitarreros, bajo pulsómetro y robusta batería. El corte más inmediato del álbum, a dos voces ya que el dueto vocal de Cris y Josu lo es de principio a fin.

Con "The Craft" BELAKO te lanza un jarro de agua fría mañanera para el despeje: <<Ours is the power / Now is the time / This is the hour / The power of time>>. Aquí y ahora. ¿A qué esperas? Una canción que se divide prácticamente en dos por el marcado contraste que surge en su desarrollo. Además nos topamos con un salvaje puente que te retorna al principio para terminar desintegrándose, literalmente. Otra barbaridad de corte.

Los de Mungia cambian el inglés por el francés en "Sirène", extrapolando la doble identidad de la Sirena y la coincidencia fonética con “Si réel” (tan real). Lo que viene a ser lucha por encontrarse a si mismo, aunque el trayecto nos pueda parecer más bien un espejismo. Cris juega con su voz cambiando de tono cuando le viene en gana durante la cadenciosa estrofa, en claro contraste con lo enérgico e inquietante del envoltorio, el resultado, conmovedor. 

"All Nerve" es una barbaridad de corte anti-sistema. Un riff de bajo amo y señor del cotarro; una guitarra que muta de juguetona a desenfrenada; la batería agazapada esperando a su presa y Cris desatada vocalmente, recordándonos a los gorgoritos de la Kate Pierson de los The B-52's.

Con el tema titular "Plastic Drama" nos sobreviene de golpe la placidez sonora con ese groove del binomio bajo/batería, invitándote incluso a un sugestivo baile. Mientras llega la introspectiva "Marinela2017", el "Creep" (Radiohead) de BELAKO. In crescendo, primero lánguida y minimalista, solo piano y voz, para luego ir creciendo hasta desgarrarse por completo. Más maravillas del cuarteto.

Van completando Plastic Drama la energía de AKLR, con cierta dosi de electrónica añadida, y el grunge melódico de "Profile Anxiety" con una paradiña y coros hacia el minuto 1:47" que son la guinda del pastel.

CONFETI DE ODIO - "Tragedia Española" (Snap! Clap! Club, 2020)

Si nos ponemos la bata de científico loco y fusionamos las esencias de Raphael y Morrissey el resultado estaría muy cerca de convertirse en Lucas de la Iglesia, oséase CONFETI DE ODIO. Estamos ante uno de los fenómenos más cautivadores, pasionales y heterogéneos, todo ligado, que ha emergido en el panorama musical patrio en los últimos tiempos. Sin desmelenarse es capaz de darle a la música ligera más melodrámatica; al jangle-pop más juguetón, al du duá y surf más añejos, y al garage más desaliñado.

Tremendo debut en formato largo éste Tragedia Española (Snap! Clap! Club, 2020) después de que el madrileño ya nos diera muestras de su potencial con el EP Llorar de Fiesta (2018) y un posterior ramillete de singles.

El baladón corta-venas "Todo Muere" inaugura el álbum de manera tan arrolladora como deprimente, el desamor ya tiene esas cosas. Se te secan las lágrimas de golpe con "Muchísimo" (clip a pie de post) y sus rotundas guitarras garageras. Con "Triste de Verdad", su título no lleva a engaño, volvemos a pisar terrenos pesarosos asfaltados con esencia du duá, que quieras o no pero amortigua el golpe. Seguimos con coros 50's en el intro de la resplandeciente "Dale una Oportunidad al Amor", aunque enseguida deriva hacia un enérgico pop-rock, completando una de las canciones más inmediatas y frescas del conjunto.

Alcanzamos el ecuador de Tragedia Española con "Ansiedad (has vuelto a mí)", cuya plácida sonoridad contrasta frontalmente con su depresiva letra, maravillosa languidez al poder. Seguida de la nostálgica "Minuto de Ruido", con ese abrumador cambio hacia la mitad de su metraje, como remando con todas sus fuerzas a contracorriente, rebelándose ante el poder tóxico del amor.

Foto de Clara Lozano

La adictiva jangle-pop "Todas las Guillotinas van al Cielo" te hará incluso bailar. Eso sí, al estilo CONFETI DE ODIO, bailar llorando, aunque se atisbe una tenue luz al final del túnel. La guinda la pone una conclusión con sorprendente guitarra metalera.

Por si no hubiéramos tenido suficiente ración de amargura y cuando parecía que levantábamos una pizca la cabeza, el doblete final de cortes nos remata definitivamente. La acústica "Última visita al Hospital", tan triste como sublime, la crónica de una pérdida, esta vez si, irrecuperable.

COOPER - "Tiempo, Temperatura, Agitación" (Elefant Records, 18)

Álex Diez presenta el quinto álbum de su carrera con Tiempo, Temperatura, Agitación (Elefant Records, 18). Llega en un momento especial después de la celebración el año pasado de los 30 años de carrera; primero con LOS FLECHAZOS (1986-1998), luego ya como COOPER.

Prepárate para disfrutar de pop certero cimentado sobre una base de soul añejo, gracias en buena parte a los vientos presentes en gran parte del trabajo.

COOPER es en esencia analógico, vintage, clásico; pero se rebela ante el contrasentido y se erige más fresco y regenerado que nunca, rebosando poderío y vitalidad.

El álbum contiene dos de sus grandes hits de su carrera: "Ya llegó el verano" (videoclip al final del post) y "Infinito". Ambas arrebatadoras; la primera, más deslumbrante que el mismo sol canicular, dando la bienvenida al periodo estival en forma de "canción del verano indie"; la segunda, himno pop a la mudanza, al cambio, a los nuevos aires y sensaciones que le transmite Barcelona.

Los ocho temas restantes, igualmente gozosos; la apertura "El último tren", presentando ya de primeras las credenciales souleras que iran purulando por todo el conjunto. "Salto", puro swing, tus caderas no podrán contener el meneo. "Graciela", con sus guitarras pedaleras como remate a una pegada demoledora. La melancólica y preciosista "Luz", un alto en el camino, oasis de paz y tranquilidad.

Foto de Mary Wilson

¿Vamonos a "Islandia"? Por mi encantado, y en esta época del año aún más. Con ella empezamos la segunda mitad de Tiempo, Temperatura, Agitación a lomos de su alma viajera con maleta repleta de pop. Para seguir con la muy 60's "Provisional" y sus vientos arrebatadores.

BELAKO - "Render Me Numb, Trivial Violence" (El Segell de Primavera/Belako Records,18)

Estamos ante nuestra referencia más internacional, en lo que vamos de año ya han pasado por el SWSX de Austin (Texas) y el Vive Latino de Ciudad de México y esto sólo es el principio en esta su nueva gira mundial.

BELAKO con su tercer álbum Render Me Numb, Trivial Violence (El Segell de Primavera / Belako Records, 18) se consolidan definitivamente como banda referente tras siete años de trayectoria. Eclécticos e inquietos como pocos, Josu (guitarra, teclados, bajo y voz), Lore (bajo, teclados y voz), Lander (Bateria y voces) y Cris (Voz y teclas) siguen capturando nuevos sonidos y texturas agrandando su empaque.

Render Me Numb, Trivial Violence explora las diferentes formas de violencia imperante en el planeta y palpable en nuestro día a día. Una "Violencia Trivial" (TV en inglés), a la que por desgracia estamos, más que habituados a sentirla, conformados a padecerla.

BELAKO es la crudeza y epopeya rock de su majestuoso arranque "Maskenfreiheit"; la rabia garagera de "Lungs"; el grunge desbocado de "Two Faced Simulation", con un entreacto en su ecuador que la lleva de la mano hacia su deriva explosiva, asombrosa. El halo contestario está presente en todo el trabajo, como se hace más que evidente en el trallazo "Over the Edge" y su reivindicación contra la violencia de género. 

Los cuatro jóvenes de Mungia hacen evidente su hambre por la experimentación en cortes como la adictiva kraut "Nice Church" o en las dos partes de "Stumble"; la primera in crescendo, con unas bases electro atmosféricas, coqueteando con el bajo percutor, las guitarras punzantes y la batería encabritada; la segunda más en clave lo-fi, con la voz de Cris, más protagonista si cabe de lo habitual, y esas notas desangeladas al piano, cargando el ambiente de humo cabaretero, pura maravilla.

Pero es que en Render Me Numb, Trivial Violence también hay lugar para el baile, ¿porqué no? El dub sudoroso de "Strangers in a Box" (clip a pie de post) empapándote de tal manera que hace que te contornees mientras te teletransportas a entornos tropicales. Los tambores metálicos caribeños acentúan sobremanera el ambiente. Y ya no hablemos de "The Fiend Thinker", puedes hacerte el amo de la pista de baile bajo el influjo de su ritmo techno-house.

El tridente final de álbum son revisiones o segundas partes de cortes anteriores pero que, lejos de servir de digno relleno, adquieren importancia capital al aportar nuevos puntos de vista a los mismos. Transvistiendo un tema lánguido como el "Something to Adore" de Hamen (2016) para convertirlo en energía de alto voltaje; con "Hegodun Baleak II", vuelven a revisitar su anterior disco, dándole un aire más etéreo al corte sin dejar de lado su lado más guitarrero; la simetría hace su aparición para bajar la persiana a Render Me Numb, Trivial Violence concluyendo con el fugaz remate "Maskenfreiheit II".

LAS RUINAS - "Latidos Cósmicos" (El Genio Equivocado, 17)

El trío de Barcelona "heavy pop", como a ellos les gusta denominarse, tienen nuevo álbum, Latidos Cósmicos (El Genio Equivocado, 17). El octavo álbum de su carrera, con lo que no sabemos si reaccionar alegres ante nuevo material de una banda de su solera o con cierta penilla al ver  más cerca el fin de la banda. LAS RUINAS tienen la tajante misión de parir 10 discos, uno por año, y desaparecer, tal cual.

El halo contestatario, temáticas sociales y de barrio o gremio, dependiendo de la actualidad, son una constante en su trayectoria y vigentes también en Latidos Cósmicos. Aunque aquí las canciones desprenden menos acidez de lo habitual, atisbando algo salvable entre la podredumbre imperante de la actualidad diaria.

Cortes instantáneos, la mayoría, como las powerpop "Señoras que miran mal" y "Cambiar"; la sorprendente rumbita "Viva la resolución"; la encantadora "Lo estoy haciendo bien"; la explosiva "No hay dinero". Completan el conjunto la inicial a modo de mantra "Me manifiesto"; la hipnótica y psicodélica "Un ramo de besos"; la muy pop "Foodtruck"; la reivindicativa "Subcontratas culturales"; la estupenda con halo naíf "Rey Merluza"; la grunge "Cerca del sol"; y el melódico y esperanzador cierre, disculpen mi ligazón con su título, "Final feliz".

EL MATÓ A UN POLICÍA MOTORIZADO - "La Síntesis O'Konor" (Limbo Starr, 17)

EL MATÓ A UN POLICÍA MOTORIZADO vienen desde 2003 sembrando en el panorama independiente latinoamericano y recogiendo frutos ya internacionalmente, expandiendo su propuesta, agrandando su legión de seguidores disco a disco con su personal revisión del indie-rock y noise-pop de los 90's.

La Síntesis O'Konor (Limbo Starr, 2017) es un álbum en el que se acentúa si cabe su lado más melódico, a lo cual ayuda la temática "desamorosa" que respira gran parte del trabajo.

Los de La Plata (Argentina) no son una banda que tengan como característica principal la gestación de hits instantáneos, pero en este nuevo disco los encontramos ya desde su arranque, "El Tesoro". Valga la redundancia facilona: un auténtica joya de corte, maravillosa manera de empezar la escucha. En este tema nos empezamos a encontrar una de las señas de identidad del quinteto, a la personal voz de Santiago Motorizado se le une un rico desarrollo instrumental que va mucho más allá del típico formato estrofa-puente-estribillo, alcanzando momentos de clímax que en directo se convierten en experiencias que bordean lo místico.

"Ahora imagino cosas" es un tema cargado de pegada, contrastando con la media por su inmediatez y su gancho. Con "La noche eterna" aparece el lado más sofisticado y elegante del grupo, una sosegada pieza que nos seduce, a la par que nos invita a pasar una noche que, de una manera u otra, será especial. No abandonamos la zona plácida del álbum gracias a esa especie de nana agridulce en la que se convierte "Alguien que lo merece".

Aparece la distorsión al cuadrado con "Las luces", a la que además se le une una ambientación onírica que completa un corte de lo más cautivador. Le sigue la brillante instrumental "La Síntesis O'Konor", con ese aire a sintonía de programa radiofónico, sirve como de pausa para afrontar el tramo final de la escucha.

"Destrucción", pese a su título, se muestra amable, luminosa, más apetecible que un helado de maracuyá en plena canícula estival. Siempre nos quedarán porqués en el tintero, y la posterior "Excalibur" demanda explicaciones envueltas en un mantra interminable.

CALA VENTO - "Fruto Panorama" (BCore Disc, 17)

Joan Delgado (bateria y voz) y Aleix Turon (guitarra y voz) son dos amigos de la comarca de l'Empordà (Girona) que optimizan la mínima alineación para dar sonido a su rock de garaje con arranques de punk y alma melódica.

En 2016 debutaron con su LP homónimo (BCore Disc, 16) y fueron toda una revelación, formando parte de eventos tan relevantes como el Primavera Sound o el SXSW en Austin (Texas). Su fulgurante trayectoria culmina, por el momento, en este Fruto Panorama (BCore Disc, 17). Un álbum producido también por Eric Fuentes, al igual que el primero, en el que aglutinan las experiencias, tanto musicales como de vida, acontecidas durante el año pasado.

"Isla desierta" y "Sin apenas conocernos" pueden ser sus dos cortes más inmediatos, aunque los demás les vayan a la zaga; como el arranque "Historias de bufanda", que te pone las pilas ya de entrada; "Hay que arrimar" y "En cueros", que enamoran con sus delicadas estrofas para rebelarse en los estribillos; "Antes de tí" te deje sin habla con ese chelo acompañando un corte que desemboca en puros alaridos; la melancólica surfera "El mejor momento de mi vida"; la contestataria "6.000.000"; la road movie "Nueve Toros"; la sentimental "Fetén"; y el álgido cierre "Bosques y desiertos".

LAS RUINAS - "100% Maximum Heavy Pop" (El Genio Equivocado, 16)

Edu Chirinos (voz, guitarra), Jaime Bertrán (bajo, coros), y Toni Lopez (batería) son LAS RUINAS y ya tienen séptimo disco en la calle, el más que solvente 100% Maximum Heavy Pop (El Genio Equivocado, 16). Grabado en los estudios Caballo Grande por Cristian Pallejà y Ferran Resines, la masterización ha corrido a cargo de Víctor García en Ultramarinos Mastering.

Su fórmula sigue intacta desde que decidieran embarcarse en esta vorágine hiperactiva de disco por año a partir del 2010: garage añejo con poso punk y mucho rockandroleo, conformando una de las combinaciones más explosivas del panorama estatal. 

100% Maximum Heavy Pop además muestra al trío de Barcelona más en forma que nunca, con hits del calibre de "Un tiempo nuevo" y "Necesito saber", junto a otros cortes con gran potencial para convertirse en imprescindibles durante sus incendiarios conciertos como "Estafa nacional", "Vueltas" o las más poperas "Te hace falta color" y "Me quedo en casa".

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Próximos conciertos:

Viernes, 09 diciembre 2016

➜ El Genio Equivocado Fest en Moby Dick (Madrid) +Pacífico + Muñeco (tickets)

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SIDDERALES - "Siete" (Flor y Nata Records, 16)

SIDDERALES nace el verano del 2015 cuando Berto Rodríguez (voz y guitarra), del legendario cuarteto mod 80's de Badalona Telegrama, da forma a su nuevo proyecto musical reclutando a Pepe Mata (Pepe Chapman) al bajo, César Ramírez (29seis70) a la batería, y el virtuoso guitarrista Joe Fulcanelli.

Una formación experimentada que suena en principio a revival en la obertura de su mini LP debut Siete (Flor y Nata Records, 16) con la auto-revisión del éxito añejo de Telegrama "La chica del metro". 

Pero esta sensación se desvanece rápidamente con el resto del trabajo. Aunque la base continúa siendo pop va derivando hacia terrenos garageros e incluso con flashes hard-rock gracias a unas afiladas guitarras, inyectando poderío a su propuesta. Las letras contestatarias con marcada orientación social en la mayoría de los cortes; "Fotocopias" (clip al final del post); "Sidderal", mi favorita; "Trampolín", baladón del conjunto con cierto regusto heavy; la melancólica "Planeta Prisión" y "Nacido para vencer"; colaboran a agrandar si cabe, su férrea naturaleza.

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