BECK, 30 años del glorioso collage "Odelay" (Geffen Records, 1996)

En 1996 el grunge agonizaba ante un brit-pop en pleno despegue para erigirse en tendencia mundial. Mientras tanto Bek David Campbell (BECK) estaba labrándose una incipiente carrera musical underground con cuatro álbumes publicados llenos de experimentación sobre la base de un anti-folk sin concesiones a la galería. Tiempo antes, concretamente en marzo de 1993, lanzó "Loser" fruto de la colaboración con el productor de hip-hop Carl Stephenson. Es entonces cuando empieza a asomar la cabeza en las listas de éxitos con ese himno de la Generación X, por cierto, también la de quien escribe estas lineas.  

Llegamos al año que abría estas líneas con el cantante, compositor y multiinstrumentista californiano preparando un álbum de naturaleza folk y carácter depresivo por un estado de ánimo tocado por el reciente fallecimiento de gente allegada como su abuelo. Entonces en un cambio de orientación de prácticamente 360º aparca el proyecto intimista, lo recuperaría en el siguiente trabajo, contratando a los Dust Brothers (Mike Simpson y John King) y derivando musicalmente hacia terrenos más hip-hoperos con el sample como bandera. De hecho tampoco era novedad en el modus operandi de BECK ya que el flow junto al "corta y pega" ya lo había probado con éxito en la anterior mencionada "Loser" o en algunos lances del disco que la contenía: Mellow Gold (1994).

¿Qué tienen en común los BESTIE BOYS con BECK? Los primeros fueron pioneros en los 80's fusionando el hardcore punk con el rap y el segundo remató el idilio guitarras vs ritmos urbanos en la década siguiente ampliando inusitadamente sus ingredientes combinando hip-hop con folk, country, blues, electro y lo que se le pusiera por delante. E.Z. Mike y King Gizmo (The Dust Brothers) fueron el nexo de unión entre los de Nueva York y el de Los Ángeles ya que produjeron dos de los discos fundamentales de ambos: Paul's Boutique (Capitol Records, 1989) y Odelay (Geffen Records, 1996) respectivamente.

Volvemos al Odelay, un álbum accesible, directo, contundente, todo lo contrario de lo que había hecho BECK hasta el momento con la excepción de "Loser". Abre sus puertas la arrebatadora "Devils Haircut", toda una declaración de intenciones desde el minuto uno. El riff prestado del “I Can Only Give You Everything” (1966) de los Them de Van Morrison es sobre el que se cimenta una barbaridad sonora que con su base hiphopera y breaks contínuos, esa armónica me mata, te pasa por encima como un tsunami calidoscópico.

Cogemos aire con el estimulante flow de "Hotwax" y su riff blusero desperezándolo dando paso a trazos folk, psicodelia y hip-hop con sugestivos recovecos amenizados por voz, armónica y loops distorsionados a la máxima expresión, pura locura. Pasamos al grito inicial en "Lord Only Knows" contrastando con su evolución más bien sosegada, amparada por ecos a medio camino entre el country y el blues, con guitarras muy fuzz dando el toquecito grasiento al conjunto. El atisbo de solo metalero sobre el minuto y medio es de aquellas desconcertantes genialidades que contiene el trabajo. Como curiosidad en la parte final del tema se menciona repetidamente el título del álbum.

Volvemos a tocar el cielo de la exquisitez más camaleónica con la enorme "The New Pollution". Su sabor añejo con esos coros duduá, órgano Hammond y el etéreo sample de saxofón del "Venus" (1976) de Joe Thomas se sazona con ese bucle de batería como base armando otra barbaridad de corte.

En "Derelict" cambiamos de tercio completamente enlazando sabores asiáticos con psicodelia en medio de un festival de percusión asincopada. Volveremos a rediles más urbanos con la hip-hopera "Novacane". A partir de su mitad el tema se va de madre con efectos imposibles y scratchings a los platos de los Dust Brothers.

Levitamos con la onírica "Jack-Ass", quizás aún bajo los efectos del extracto de cannabis que daba título al corte anterior. La cara A del vinilo se cierra con carácter folk acústico aunque guiados por otro sample de los Them, en esta ocasión de la versión (1966) de la canción original de Bob Dylan "It's All Over Now Baby Blue", publicada un año antes.

"Where it's at" fue el primer single avance del disco aunque ahora su duración pasa de los 3:45'' iniciales a los 5:30'' convirtíendose en el corte más extenso del conjunto. El órgano añejo junto al sensual bajo se entrelazan con palmas y rimas inspiradas, breaks sugerentes y incluso una sorprendente pincelada robótica. Rectifico, lo de "sorprendente" a estas alturas de escucha ha perdido totalmente el sentido.

Una potente línea de bajo nos da la bienvenida a la lisérgica "Minus" con ese marcado aire garage-punk, kit-kat incluido en su ecuador. Después "Sissyneck" homenajeará a un "loser" de manual al abrigo de una impetuosa amalgama de funk, blues y country.

DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES - "Amor" (2025)

El flow hiphopero de Oscar D'Aniello junto a la dulzura de Helena Miquel que casaban a las mil maravillas como DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES se quedó en DELAFÉ tras la publicación de De ti sin mí - de mí sin ti (2013). El single celebración de los 20 años de la formación "Aquí ahora" (2022) avanzó el retorno a la familia de LAS FLORES AZULES y ahora, tras 2 sencillos más lanzados en los años siguientes, nos traen nuevo álbum, uno de muy especial: Amor (2025).

<<Amor aquí y ahora, como banda sonora>> es una de las frases insertadas en la canción "Amor, Pt. V" y que bien podría servir como eslogan promocional del trabajo. Un disco conceptual que nace con otro nacimiento, el de Luca, hijo de Oscar. No fue badalí que Amor se lanzara el día de su quinto cumpleaños. Parte de la paternidad pero expande el sentimiento universal del amor a todos los ámbitos de la vida, reivindicando su poderío. Necesitamos más que nunca recordarlo, subrayarlo fuerte, bien fuerte.

Estamos ante una composición dividida en nueve, algo así como un canon fraccionado, con una melodía que va surfeando y mutando a medida que va evolucionando este emocionante viaje de ida y vuelta hacia lo más profundo del corazón. 

"Amor, Pt. I" arranca con unos teclados evocadores y Oscar lidiando entre el spoken word y el rapeo, a su estilo, hasta que rondando el primer minuto y a la orden de <<latir sin miedo>> aparece el latido del corazón de Luca. El piano sigue sintiéndose protagonista en "Amor, Pt. II", arrancando con Helena Miquel y el mantra "Aquí, ahora, amor" intercambiando el orden de los factores sin alterar el producto. Mientras, Oscar la acompaña con fraseos tan motivadores como: <<quieren que vivas en el futuro siempre, para así perderte el presente, y presente es sinonimo de obsequio, de regalo, de verte y disfrutarte, de que ahora y aquí son para siempre>>. 

"Amor, Pt. III" contiene el momento más tierno del disco con esos gorgoritos, risas y lloros del Luca bebé. Luego viene "Amor, Pt. IV" con piano y guitarra acústica entrelazándose, escoltando a Oscar reiterando, como ya anunciara Helena en el final de la parte II, que: <<elijo la luz, elijo el color, elijo el sabor, elijo el amor>>. Sirve de puente de conexión con el marcado sabor al "Walk on the wild side" de Lou Reed en "Amor, Pt. V", pasado por un turmix neo-soul. Incluso parecen emular el coro "chu churu churu" de su antecesor. Los arreglos de cuerda le ponen la guinda a todo un subidón sensorial.

Si hay un momento de la escucha en el que levitar se nos hace inevitable es con "Amor, Pt. VI". Helena recitando con unos dulces acordes guitarreros de Dani Vega (Mishima), como nube sobre la que posarse. Los vaporosos coros últiman nuestro tránsito hacia la piel de gallina. 

El amor también se puede bailar como se demuestra en "Amor, Pt.VII". La música de club se suma a esta fiesta para los sentidos con Helena muy jefa cantando en loop: <<Y todo es amor>>. El ambiente dance solo se aparca momentáneamente en el ecuador del corte con un break al modo cumbayá. Luego recuperamos la pista de baile, dándolo todo hasta el final.

OKDW - "08880" (Hidden Track Records, 2023)

 

OKDW, la banda capitaneada por la cantante y compositora Virts Martos, debuta discográficamente con 08880 (Hidden Track Records, 2023). El título es el código postal capicúa de Cubelles (Barcelona), pueblo que la ha visto crecer y que de esta manera ha querido homenajear. El proyecto es muy colaborativo, tanto por las apariciones de varios artistas en temas del disco como en su concepción, siendo decisiva la contribución del músico Pedro Campos aka Peter Party, productor ganador de un Latin Grammy dentro de la categoria de mejor álbum por Calambre (2020) de la Nathy Peluso.

08880 es un jovial retrato de la Generación Z, con humor y positivismo pero sin obviar sus dilemas vitales. Todo vestido por una amalgama sonora de soul, RnB, pop, hip-hop, incluso pinceladas de jazz y góspel, armando un proyecto que, pese a tal abanítico estilístico, da muestras de sobrada consistencia.

"Big Bang" inicia la escucha con la abuela de Virts como artista invitada en un corte que navega entre lo tierno y lo guasón, con un brillante trabajo a los coros para animarnos a tomarnos la vida de manera menos intensa.

  
La elegante y sugestiva "Només amigues" cuenta una experiencia personal bastante recurrente en el colectivo LGTBI+ respecto a cruzar la barrera de la amistad hacia algo más con una chica hetero y además, en este caso, con pareja. En "Miau" nos ponemos bien sensuales, quizás en compañía de la "amiga" protagonista del corte anterior. Cadenciosa y refinada invitación a la lujuria bajo el influjo de una base rítmica irresistible.

En "Angry Virts", primer single avance del álbum, con la colabo de la cantante La Neula, aparecen versos rapeados y vientos varios enlazados con su pop cadencioso, una muestra más de la riqueza cromática que nos ofrece OKDW.

 
La salud mental entra en escena con la desgarradora "Blisters" exponiendo en primera persona las carencias al respecto de nuestro sistema sanitario. Un sosegado trip-hop para una canción tan bajonera como necesaria.

IRIS DECO - "Golden" (Hidden Track Records, 2021)

Júlia Collado, integrante de la banda de electrónica orgánica Moon Vision, debuta en solitario como IRIS DECO con el álbum Golden (Hidden Track Records, 2021). Ocho canciones donde la elegancia y la sugestión son amas y señoras, acicaladas con ritmos cercanos al soul y el R&B junto a pinceladas ambient. Se hace notar la producción a cargo de Ferran Palau y el dúo b1n0, agregando su inconfundible sello de delicadeza y flow a la deliciosa voz de Júlia.

Arrancamos el álbum sensuales con "Flames", su videoclip dirigido por Albert Capó lo encontrarás insertado a pie de página. Unas "llamas" cuyo ardor traspasa sus notas hasta abrasarte: << ...I like your legs, tangled with mine and all the freckles that draw around your lips / And the curves that form your waist... Could I die into these flames? That I want turn them off with my tongue (Me gustan tus piernas enredadas con las mías y todas las pecas que se dibujan alrededor de tus labios / Y las curvas que forman tu cintura ¿Podría morir en estas llamas? Que las quiero apagar con mi lengua.>>

Entramos a este paraíso de nostálgica quietud que es "Elysian Place" de la mano de este excitante cruce entre Sade y Tracey Thorn que resulta IRIS DECO. No abandonamos este oasis de sosiego rítmico, no lo haremos durante todo el trabajo, pero si que cambiamos bruscamente de tercio en lo lírico con la inquietante "The Moan" y versos como: << ...Heart, beat, love. Hurt, sin, blood. This bullet came too far inside of me. >>

"She Dives Into" es una maravilla, con efectos hechizantes similares al del canto de sirena. Cautivadora, seductora, no te podrás resistir a su influjo, ni lo querrás. No sabemos bien dónde finalmente se va a sumergir la protagonista de su letra, pero si que tenemos claro que nos queremos zambullir en esa voz, ese bajo, esos beats, esos samplers, esos sintes... 

Con "Rainbows" vuelve a subir el tempo de excitación poniéndonos elegantemente lujuriosos. La paradiña en el segundo minuto y su tramo final son la guinda para otra canción fascinante en el haber de Golden.

"Near the Fire" es muy ambient, de hecho este ronroneo cercano al chill-out es presente durante varios momentos del disco. Una placidez sonora que es seña de identidad del debut de IRIS DECO.

FERRAN PALAU - "Parc" (Hidden Track Records, 2021)

Parc (Hidden track Records, 2021) cierra, o no, ya veremos por qué derroteros va el siguiente trabajo de FERRAN PALAU, la trilogía que parece haber confeccionado junto a sus anteriores referencias Blanc (Halley Records, 18) y Kevin (Hidden Track Records, 19). Digo esto porque tanto a nivel musical como de concepto, e incluso de imagen, son trabajos con evidentes puntos en común. Cada vez más lejos estilísticamente se avistan sus dos primeros álbumes en relación a la propuesta actual . 

El combo familiar formado por Ferran y Jordi Matas, productor y primo del artista, parecen haber anclado su sonido en una coqueta amalgama de R&B y neo-soul con permiso para el destello ocasional de flashes hip o triphoperos. Siempre con desarrollos a bajas revoluciones, como viendo el mundo en cámara lenta, su disfrute gradual se manifiesta más placentero. 

Como contraste a la naturaleza de su propuesta sosegada tenemos la vorágine compositiva en la que Ferran vive instalado durante los últimos tiempos. Sale prácticamente a disco por año, lo que no quita ni un ápice de frescura ni exquisitez al producto final. El músico padece una enfermedad llamada otoesclerosis y su audición tiene fecha de caducidad y es imprevisible. Esto hace que tenga cierta prisa en grabar discos y tocar mucho en directo. El momento de la sordera total no se sabe cuando puede llegar, es imprevisible, puede ser cuestión de días o décadas. Esa incertidumbre le empuja a ser tan creativo y prolífico.

La temática de sus discos siguen teniendo al amor como gran protagonista, aunque en gran parte de cortes sólo se intuya ya que, en esencia, sus letras son crípticas. Va arrojando frases al aire, con ello construye la canción y es una vez lanzada cuando el receptor la recoge haciéndola suya con el significado que mejor se adapte a lo que le transmita. Algo así como un lienzo sonoro sobre el que pintar las emociones propias de cada oyente.

Foto de Itsaso Arizkuren

A partir de que han ido avanzando sus lanzamientos se han ido desprendiendo capas, tanto a nivel de instrumentación como de lírica, desnudando su propuesta, llevándola al límite de la concreción. Perseguir irradiar lo máximo posible a partir de la fuerza descomunal de las pequeñas cosas, con un desenlace que no puede ser más eficiente.

Cada nueva referencia de FERRAN PALAU lleva consigo una puesta en escena a través del arte del disco, videoclips y merchandising, con temática conceptual que se pretende encajar con el contenido del álbum en si. El símbolo de Parc son unos globos y el motivo el cine de terror facturado en los años 80, chocando frontalmente con la refinada delicadeza que irradia. Una sorpresa a la que ya nos tiene acostumbrados el artista, tan dado a condimentar sus platos sonoros gourmet con salsa "agridulce". 

Parc arranca con "Reflexe", el que fuera avance del álbum con videoclip realizado por Òrbita y dirigido por Carles Pons (lo encontrarás al final de este artículo). En el reflejo, nunca mejor dicho en este caso, visual del corte se empieza a mostrar con fuerza la tesis/envoltorio de la obra completa. Un bosque, gente huyendo, un monstruo horrendo o al menos es lo que se intuye y el aparente triunfo del amor. Todo vistiendo un corte evocador hasta el extremo, con unas lánguidas guitarras, primero la acústica, luego rematando una tierna eléctrica. Esa batería quebradiza de fondo y una pareja de sintes determinantes, unos centelleantes otros señoriales. La guinda la ponen esos "uhs" vocales contenidos que van manifestándose y que seguirán haciéndolo en varios lances del disco.

"Lluny" es tan luminosa rítmicamente como afligida en su letra, el trabajo de la guitarra eléctrica sigue siendo definitivo con unos suculentos arpegios. En esta ocasión la base rítmica resulta más cadenciosa contribuyendo decisivamente a lo radiante que se propaga.

Foto de Silvia Poch

Con "Perdó" recuperamos la flojera armónica marca de la casa a través de un sensual R&B de alto copete. Un trio muy jazzístico formado por batería, bajo y teclados, trabajando como máquina bien engrasada lista para diseminar sugestión a mansalva.

"Amor" es esa vuelta de tuerca que siempre nos tienen preparados el binomio Ferran Palau/Jordi Matas en cada uno de sus trabajos, con ese filtro autotune con el que te podrías colar sin problema en la Aldea Pitufa. Cuentan en una reciente entrevista que fue la última canción compuesta del disco. Ferran se percató de que lo grabado no duraba lo suficiente para un álbum y le dijo a Jordi que en 24 horas tenían que sacar como fuera una canción más. Cumpliendo con lo que "de la necesidad se hace virtud" se sacaron de la manga el grabarla con ese plugin tan arriesgado y a la postre acertado. La letra, a modo lista de compra sentimental, también surge de la urgencia del momento.

Justo en el ecuador de Parc nos encontramos su joya más preciada, la gloriosa "Més Enllà". Nos sirve en bandeja la explicación a aquello de que el equipo Palau no busca la épica a la hora de componer, sino que dejan que sea ella misma, por si sola, la que emerja si le apetece. Aquí fluye de forma natural, sutil pero a la vez aplastante. Sólo voz y sintes, pero qué sintes, unos de monumentales muy ochenteros, al modo banda sonora de Stranger Things. Los susurros de fondo son el compañero ideal de esta fiesta para los sentidos.

FERRAN PALAU - "Kevin" (Hidden Track Records, 19)

FERRAN PALAU sigue con su cuarto álbum en solitario Kevin (Hidden Track Records, 19) la línea melódica y estilística de su espléndido Blanc (Halley Records, 18). De hecho el presente trabajo ya lo tenía prácticamente terminado antes incluso de publicar el anterior.

El co-líder de ANÍMIC confirma el abandono del poso folk de sus dos primeros álbumes para decantarse definitivamente hacia sonoridades más cercanas al neo-soul.

Kevin arranca con dos canciones para enmarcar: "Univers" (primer avance y videoclip insertado al final del post) y el corte titular. La primera; una declaración de amor en mayúsculas a través de sus delicadas notas articuladas por una sugerente base hip-hopera, protagonista en gran parte de los 27 minutos del conjunto. La segunda, que de tan dulce es directamente repostería gourmet, a medio camino entre la bossa-nova y el ambient más intimista. 

Claro, con un arranque tan sugestivo a ver como uno mantiene el nivel. FERRAN PALAU lo consigue con la gorra, quizás con la que nos tiene acostumbrados a verle puesta en estos últimos tiempos. Excelentes complementos como la plácida y preciosista "Estrany"; el agridulce y nostálgico vals bajado de revoluciones "Amén"; y las trip-hoperas "Què serà de mi?" y "Una llum".

Llegamos a "Flora", para mi el secreto mejor guardado de Kevin. Una auténtica maravilla, aquí FERRAN PALAU más que cantar rapea, creando un evocador e hipnótico entorno en el que seguro nos quedaríamos habitando por tiempo indefinido.

NOVEDADES CARMINHA - "Ultraligero" (Ernie Records, 19)

Ultraligero (Ernie Records, 19) es el quinto álbum de los compostelanos NOVEDADES CARMINHA y viene con cambios jugosos respecto a sus precedentes. Aparcan definitivamente el garage-rock y el punk para opositar muy seriamente a hacerse los reyes de la pista de baile. Y  es que Ultraligero es eso, un surtido de ritmos con los que no podrás dejar de bailotear ni un solo momento. Siempre bien condimentado con su lírica certera y desvergonzada.

"Hay un sitio pa ti" arranca Ultraligero sin paños calientes, poniendo todas las cartas encima de la mesa; popurri de congas hipnóticas, poso funky, espíritu acid house 90's con loops hipnóticos incluidos, y remate vocal con auto-tune de regalo.

El disco-funky hace su entrada con fuerza con "Obsesionada" y "Verbena"; la primera con un retrato sutil del facherío latente con el que nos tropezamos diariamente, con rimas como <<...ya no me miras a los ojos, sólo te importa la unidad de España.>>. La segunda hedonista, reivindicando algo tan íntimamente ligado a la cultura popular como son las verbenas.

Si Ultraligero tiene algún himno generacional este podría ser perfectamente "Joven con la edad". Su estribillo lapidario es el nuestro: <<... te estás haciendo joven con la edad.>>. Un delicioso dancehall con el que aferrarse a la eterna juventud.

Una potente linea de bajo nos marca el camino en "Volverte a ver", especie de mambo revolucionado donde se le va agregando intrumentación al combo a medida que va evolucionando. El resultado, una hipnótica declaración de amor al estilo NOVEDADES CARMINHA, de todo menos convencional.

Y llega "Te quiero igual" (clip insertado al final de la página) y con ella la primera colaboración del álbum de la mano de la actriz y modelo Alba Galocha a modo de susurros. Si Ultraligero es una fábrica de hits "Te quiero igual" está en su top. Riff guitarrero tropical, funk-soul, coros discos 70's, y con una rima tan certera y despiadada como: <<Aunque te gusten Los Planetas como a todos los puretas, yo te quiero igual...>> Y es que lo tiene todo, hasta cierto aire por el parecido en su estrofa a el corte "Santa Maria Da Feira" (2005) del venezolanoestadounidense Devendra Banhart.

Sube la temperatura ambiente con la sensual "Disimulando", un sudoroso reggae para bailar, más que pegados, literalmente adheridos. Si nos sorprende el cambio de sonido de los gallegos, no tanto si tenemos en cuenta lo que se intuía levemente en su anterior Campeones del Mundo (Ernie Records, 16), lo que nos deja sin habla es la versión del clásico de los 60's de Los Tamara "A Santiago voy" junto al dúo Esteban & Manuel. Una versión al modo casiotone, desconocemos si con el acompañamiento de cabra incluido.

GORILLAZ - "The Now Now" (Warner Music, 18)

Damon Albarn además de pasar a la historia de la música moderna por su talento, seguro que lo hará por el don de la ubicuidad y la hiperactividad que se gasta. Proyectos que lidere no le faltan: Blur, The Good The Bad & The Queen, él mismo en solitario, y el que ahora mismo nos ocupa, su proyecto más experimental y revoltoso, GORILLAZ. 

The Now Now (Warner Music, 18) es su sexto álbum de estudio y el más equilibrado, más maduro, menos GORILLAZ. Me explico; hasta la fecha, llegando a la cúspide con su anterior entrega, el desconcertante Humanz (Warner Music, 17), cada referencia del proyecto era a cual más repleta de eclécticas colaboraciones y amalgama sonora, siempre con algún que otro hit que diera empaque al conjunto.

En The Now Now la cosa cambia y mucho, se muestra fiable y convincente de principio a fin. Con un arranque simplón pero efectivo como el single avance "Humility" y una de las contadas pero bien elegidas colaboraciones de este trabajo, la del gran George Benson a la guitarra. Enseguida nos percatamos de la clara apuesta de Damon por una mayor sencillez y despojo de artificios en las composiciones, una  de las diferencias más palpables de este álbum respecto a los anteriores.

La cosa se pone fina con la aparición del hit "Tranz" (videoclip al final del post), tampoco es que sea un corte demasiado complejo, pero es que ya te avisamos que la cosa va por ahí. Dos minutos y cuarenta y tres segundos que enganchan sin remedio, con unos deliciosos sintes como brillante remate de estribillo.

"Hollywood" contiene la otra colaboración del trabajo de la mano del reincidente Snoop Dog y Jamie Principle. Seguimos a tope de pegada, con permiso incluido para el bailoteo. Luego "Kansas", armoniosa, melancólica, una delicia. Y "Sorcererz", prácticamente con los mismos beats que la anterior, cadenciosa, con un punto hiptónico la mar de majo.

Menudo oasis de paz que resulta "Idaho", además situada en el ecuador del conjunto a modo de alto en el camino. Con espíritu acústico y resultado ensoñador, maravillosa. Como contrapunto la instrumental "Lake Zurich", derivando hacia el dance, extremadamente pegadiza, otro acierto a la saca del londinense. Como la agridulce "Magic City", deleitable como ella sola.

PIEK - "Despertar" (Sincopat, 17)

El artista electrónico PIEK debuta discográficamente con el álbum Despertar (Sincopat, 17). El pamplonica ha contado para este proyecto con las colaboraciones vocales internacionales de: Ryan Roush, Cheney, Zebulon, Kash (USA y UK), RIA (Colombia) o Jim Hast (Chile). También con el músico gaditano Fábel y la rima poética de Tony Phillips hablando de Baztan (donde vive actualmente PIEK).

New age electrónico con las dos instrumentales "Intense Kiss" y "Sous les étoiles" a cual más plácida y reconfortante, junto a una tercera "Despertar" cuya evolución nos invitará finalmente a la pista de baile; rapeo por un tubo con "The Son With The Father", "F.R.E.E."; elegancia dub en "Breathe" y "Thast's me (Trippin')"; y sobredosis de delicadeza con el majestuoso trip-hop de "I Saw You" y la hipnótica in crescendo "Avalanche".

Despertar transcurre firme y convencido, con un lecho de riqueza melódica y elevada sensibilidad bajo sus pies. Hasta contiene un refugio para la poesía con "Baztan", confirmando que estamos ante una obra tan rica en variantes rítmicas como uniforme en el resultado final: cautivarte.

Un "Despertar" que tanto podría ser del mismo artista, como de nuestros sentidos a partir de la escucha de un disco que te hará emocionar y bailar por igual.

DELAFÉ - "La Fuerza Irresistible" (Warner Music Spain, 16)

Hacia el 2002 nacía una banda de nombre holgado, Facto Delafé y las Flores Azules, formado por un tridente de ámplia experiencia anterior en el mundillo. Liderada desde el principio por Oscar D'aniello iba creciendo dentro de su personal propuesta a medida que iba recomponiéndose y acortando el nombre. Primero perdiendo a Marc Barrachina ("Facto") en el 2010 abriendo la puerta a Dani Acedo (residente hasta la actualidad). Luego ya el año pasado ausentándose Helena Miquel ("Las Flores Azules").

Ahora como DELAFÉ publica el dueto Oscar/Dani éste La Fuerza Irresistible (Warner Music Spain, 16), un álbum producido y grabado con Paco Loco en El Puerto de Santa María, y luego mezclando en Nueva York con el ganador de un Grammy Tim Latham, quien ha trabajado entre otros con artistas como De La Soul, Erykah Badu, D’Angelo o Black Eyed Peas.

Un disco que cuenta con colaboraciones como la de Ana Fernández de La Bien Querida en “Contigo cobra sentido respirar”, de Carlos Cros en “Diario de batalla (No más lágrimas)", el dueto Priscila en "Fiera", Voxelements en "Hoy prenderán las brasas" y Helena Miquel en “Días y días” y “Essaouira”.

Es de sobra conocido el buen rollito que transmite la música del de Masnou (Barcelona), aunque el mismo se considere un tipo más bien pesimista. Seguro te aboca a ello ese flow inagotable fruto de su fórmula magistral mezcla de hip-hop, soul y funk, con gotitas de pop tan personal e inconfundible. Pues con este La Fuerza Irresistible su receta balsámica parece haber multiplicado su efecto, aunque desde un punto de vista más agridulce, dejando bien claras las dos caras de la moneda, todo sazonado con un marcado punto de ironía.

 Directo de DELAFÉ en Shasta Daisy Produccions. Foto de Guillem Pacheco.

En la entrevista que hicimos a DELAFÉ la semana pasada en el estudio de Shasta Daisy Produccions dentro del espacio LiveInShasta (remarcamos que no te la puedes perder por nada del mundo, dale al click aquí), Oscar nos daba la clave del título del álbum: "... parte de una paradoja clásica que dice que pasaria si una fuerza irresistible o imparable chocase contra un objeto inamovible... es un imposible, una contradicción".

LEÓN BENAVENTE - "2" (Warner Music Spain,16)

Tras casi tres años recopilando experiencias durante la gira presentando su álbum debut, el homónimo León Benavente (Marxophone, 13), surge "2" (Warner Music Spain, 16), un disco si cabe más osado y rompedor. Y eso que venimos de un primer trabajo que ya fue una sensación en su momento, con gran impacto mediático.

LEÓN BENAVENTE cerraba el anterior álbum con "Ser Brigada", un puente hecho a la medida para introducirnos con los mínimos sobresaltos a estas nuevas sonoridades de la banda que, junto a las ya conocidas, contribuyen a que este trabajo sea tremendamente variado.

Ritmos kraut en varios momentos del álbum como en la hiperactiva inicial "California"; con ese loop synth al fondo tan OMD que invita incluso al baile; brotes psicodélicos 70's que se repiten en el primer single "Tipo D" o en la punzante "Aún no ha salido el sol". Esencia punk-rock como en "Gloria" o en la también pro ska "Celebración - Siempre hacia delante". Hasta hip-hop, como en el cierre "Habitación 615", descarnada crónica de su estancia por tierras mexicanas.

Foto durante la entrevista que les hicimos presentando "2"

El LEÓN BENAVENTE más melódico, el que más recuerda a su primer disco, también aparece en "2" en la agridulce "La Ribera", la plácida e hipnótica "Nuevas tierras" y en esa especie de guiño a la canción ligera "La vida errando", tremenda.

Las letras siguen de acorde con esa "crudeza elegante" que se gasta el cuarteto en sus grabaciones y sus directos; insurrectos, canallas, indomables, pero con ese punto dandi marca de la casa.